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Gravação realizada na disciplina Projeto de Experiências do Bacharelado em Design da UTFPR.

Rabiscando experiências entre designers e usuários [MP3] 22 minutos

Transcrição

A proposta desta oficina é perceber como o pensamento visual, além de ser uma teoria, também é uma prática, configurando em si uma práxis. Mas não é qualquer pensamento visual que quero desenvolver nessa disciplina de Projeto de Experiências, e sim o pensamento visual expansivo, aquele que avança o conhecimento além do que já sabemos. Em linguagem popular, pensamento visual expansivo é "jogar verde" visualmente. É desenhar aquilo que você não sabe o que é.

Por que isso é importante? Porque o projeto de experiências, como vimos na aula passada, baseia-se em uma incerteza inevitável. Você não sabe como será a experiência dos usuários. Às vezes você conhece a sua própria experiência como designer, mas muitas vezes também não conhece nem a sua própria experiência. Isso é absolutamente normal. Há uma série de coisas que fazemos no dia a dia das quais não estamos completamente conscientes.Embora exista a possibilidade de reduzir essa incerteza por meio de previsão, de especulação baseada em dados, de inteligências artificiais generativas e de sistemas e tecnologias similares, qual é o objetivo disso? Tentar controlar experiências.

Muitas empresas não entendem que controlar experiências não é necessariamente uma abordagem interessante a longo prazo. Então, elas entregam uma experiência em massa para milhões de pessoas, e essas pessoas acabam se frustrando com ela. Em determinado momento, essas pessoas podem deixar de querer passar por elas. Em tais empresas, impera o pensamento visual redutivo, que vai utilizar ferramentas desse tipo. Um template, um canvas, diversos canvas existem, assim como várias metodologias de "design". Coloco "design" entre aspas porque são metodologias que se desenvolveram na gestão, no marketing e que usam a palavra "design" de uma maneira muito desabonadora da nossa história enquanto disciplina acadêmica independente.

Nós não pegamos o design e dizemos: "Criamos o nosso próprio marketing, criamos a nossa própria gestão, criamos a nossa própria computação". Mas as pessoas que estão nessas outras áreas fazem isso conosco: elas criam os próprios designs delas. A matriz CSD, Certezas, Suposições e Dúvidas, foi criada a partir de conhecimentos da Gestão do Conhecimento e de Marketing, numa área híbrida chamada Design de Serviços, que desenvolveu várias ferramentas novas de projeto. Essa aqui, por exemplo não tem a ver com o pensamento visual expansivo, que é característico do Design. Por isso, ao usar a CSD, designers tendem a ver cada vez melhor aquilo que já viram. É uma sequência que progride da esquerda para a direita: você vai da certeza para a suposição e daí para a dúvida. Ou seja, você só se pergunta sobre aquilo que já perguntou. Você não vai se perguntar sobre como se pergunta, nem vai mudar o seu enquadramento, até porque o enquadramento está fechado pelo próprio canvas, pelo template. É isso que chamo de redutivo neste pensamento.

Por conta do uso intensivo desse tipo de ferramenta e das ferramentas de modelagem e desenho digital estruturado, como Figma e outras que utilizam cada vez mais inteligência artificial generativa, o chamado UX design, que agora está se tornando product design, já incorpora muitos elementos também da gestão de produtos. Surge então uma mentalidade, ou mindset, como se fala no mercado de trabalho, que é uma aversão ao risco, porque o objetivo é manter uma série de situações sob controle por meio de indicadores quantitativos. É um design orientado a performances, mas essas performances não são emergentes, são planejadas ou mesmo controladas. A emergência é eliminada para que ela seja uma performance eficiente.

Essa imagem é um dashboard, uma visualização dos indicadores quantitativos de uma empresa de grande porte com indicadores de satisfação dos seus clientes. Isso é feito em uma área chamada Customer Experience, CX. Não se enganem: não é a mesma coisa que UX, User Experience. Até a própria ideia de usuário e cliente é completamente diferente, e isso vai implicar tratar as pessoas de um jeito diferente.

Nessa área, há um cultivo muito grande, um primor muito grande nos Key Performance Indicators (KPIs), sendo o Net Promoter Score o mais utilizado. Este dado é coletado geralmente através de uma survey, um formulário, ou uma pergunta que se faz ao cliente. Vocês já devem ter ouvido essa pergunta diversas vezes ao final de um atendimento a um serviço: "Você indicaria o nosso serviço para outro cliente, para outro usuário?"

A porcentagem de pessoas que indicariam o serviço é o resultado do Net Promoter Score. Existem outras maneiras de mensurar esse valor também. De toda forma, a satisfação é apenas um dos elementos da experiência do usuário com os quais lidamos. Não estamos aqui apenas para aumentar a satisfação das pessoas. O Projeto de Experiências é uma área que traz inclusive a possibilidade de promover uma experiência insatisfatória de propósito para uma pessoa cujo objetivo não é passar por aquela experiência. Se ela ficar insatisfeita, isso pode ser bom para ela. Às vezes aquela experiência não é para ela; é bom que ela descubra isso logo. Enganar uma pessoa e fazê-la passar por uma experiência da qual depois se arrependerá não é uma boa estratégia de lealdade, mas, por outro lado, também é antiético.

Nós trazemos, portanto, a questão da ética e da estética de forma muito forte para o Design de Experiências.

Nossa contribuição na história da indústria de serviços ou de produtos nunca foi aumentar a quantidade, mas sim a qualidade dos produtos. Agora temos o desafio de elevar a qualidade das experiências e, para isso, é preciso correr riscos. Quando uma empresa começa a orientar toda a sua experiência apenas para a mensuração por critérios quantitativos, se levarmos isso ao extremo, acontecem aberrações -- ou melhor, situações antiéticas -- como esta que aconteceu comigo na Universidade da Flórida. Fui professor dessa universidade entre 2023 e 2025 e saí, em parte, por conta desse questionário que recebi. A Universidade perguntou como eu estava vendo a minha unidade dentro da Universidade, que era o College of the Arts.

"É um ambiente que promove a livre expressão de ideias, opiniões e crenças." Crenças. Como se a Universidade fosse um lugar para crenças. Absurdo! O formulário me perguntava se eu concordava ou discordava. Chegava ao ponto de perguntar qual era o meu partido político. Quando li isso e vi que não havia nenhum partido comunista, além de outras perguntas como "Você é liberal ou conservador?", pensei: "Não sou nenhum dos dois, sou comunista". Comecei a pensar: "É claro, eles estão querendo caçar pessoas como eu". É claro que não respondi essa "pesquisa"

Essa e outras ações da Universidade da Flórida fazem parte de uma contradição nacional dos Estados Unidos, em que a liberdade de expressão é utilizada para cercear a liberdade de expressão. Liberdade de expressão é você poder fazer uma manifestação a favor de Israel, e também é você impedir alguém de fazer uma manifestação a favor da Palestina. A mesma liberdade de expressão. Obviamente, isso não é liberdade de expressão e não vou nem me aprofundar nas razões históricas. O ponto aqui é que essa manifestação específica de performance orientada por números faz parte do mesmo grupo social, do mesmo tipo de ideologia, segundo a qual as pessoas são apenas números e essas experiências precisam ser padronizadas.

Enfim, por isso eu saí de lá e estou aqui dando aula para vocês.

Também há outro ponto: a Universidade da Flórida é a universidade que mais investe em inteligência artificial nos Estados Unidos, e isso está provocando um empobrecimento absurdo e muito rápido entre seus próprios estudantes. Então, embora eu não seja contra o uso, vou enfatizar tecnologias manuais nas minhas aulas aqui, como o rabisco, porque também estou me opondo a esse mesmo nexo entre a liberdade de expressão como forma de oprimir e o uso intensivo de inteligências artificiais para pensar por pessoas. Eu sempre fiquei desconfiado com o livro do Steve Krug, "Não me Faça Pensar", e sua moral estadunidense preguiçosa, que hoje fica mais evidente do que nunca com o uso indiscriminado das IAs generativas.

O desenho exploratório, que é o que vamos trabalhar aqui, é esse correr risco. É esse risco de que estou falando: correr o risco de mudar o mundo. É muito mais interessante correr esse risco no começo de um projeto, antes de definir o protótipo e até mesmo antes de definir se você vai utilizar tecnologia digital, do que depois. Se você constrói um protótipo, por mais simples que ele seja, por mais que tenha sido gerado por IA, ele dará mais trabalho do que fazer um rabisco em um papel. Rabisco em papel é muito mais rápido.

É claro que você precisa ter prática para que isso saia rapidamente. E é isso que uma disciplina de projeto num Curso de Design faz: dá prática. Então, o grande lance do rabisco é o risco que você corre para descobrir qual é o valor que aquilo tem para a sociedade, e não o valor atribuído por um cliente, um chefe, um dono ou alguém que acha que aquilo tem valor, mas que, para o resto da sociedade, não tem. Um grande problema que temos no capitalismo brasileiro hoje é a produtividade. Vocês já devem ter ouvido falar disso: o Brasil é péssimo em produtividade. Por quê? Porque seus gestores, seus líderes e seus donos são extremamente autoritários. Fazem as empresas gastarem muito dinheiro com projetos inúteis, que não geram valor nenhum para a sociedade, projetos que têm a ver apenas com a sua própria vaidade.

Ou porque o esposo ou a esposa dessa gestora achou bonito, achou legal, achou que tinha que ter.

Ou porque viu um competidor fazendo igual e pensou: "Vou copiar". Há muitas práticas de gestão que só acontecem hoje porque uma pessoa sozinha não consegue pensar bem a complexidade de uma grande empresa. Não tem como uma pessoa só entender isso. Então, só vai chegar até ela uma informação muito truncada. Se ela não divide isso com um grupo e gera coletivamente, não há produtividade.

Isso acontece no Brasil. Gestão hierárquica é uma herança colonial do patriarcado. Estamos lutando contra essas coisas quando promovemos trabalho em grupo e participação. Mas também estamos lutando para termos uma economia, e o design contribui para essa economia. Embora eu seja comunista, acho muito importante trabalharmos para mudar o capitalismo de dentro para fora e não ficarmos de braços cruzados esperando a revolução.

Bem, onde começou a minha trajetória com o desenho exploratório? Eu não era comunista no começo desse processo; fui me tornando. E esse livro talvez tenha sido uma porta de entrada. Ele não é um livro que se diga comunista, mas valoriza muito o trabalho manual das pessoas, o que é um ponto de partida importante para o comunismo. "Sketching User Experience", do Bill Buxton, vai dizer o seguinte: o design de interação, ou UX design -- na época nem tinha esse nome, é fundamentalmente caracterizado por uma prática de desenhar de maneira exploratória as experiências que você vai proporcionar para outras pessoas. Você testa, desenha junto e transforma um objeto físico em um rabisco.

Há uma ideia de rabiscar, sketching, que vai além da fisicalidade do papel e da caneta ou do lápis.

Esse livro está na biblioteca da UTFPR. Sugiro fortemente que vocês o aluguem, porque é o melhor livro para acompanharem essa disciplina. Não há uma tradução em português, e os livros que existem em português sobre design de experiências não conseguiram capturar e destacar esse aspecto do pensamento visual expansivo que considero tão importante para essa área e que, de fato, faz a diferença quando vemos um profissional que tem essa habilidade em um projeto de mercado. O desenho exploratório, na minha prospecção parcial, tende a voltar com força total à medida que as pessoas se cansarem das experiências geradas artificialmente para atingir os key performance indicators do customer experience e passarem a escolher fornecedores que ofereçam experiências autênticas, humanas, de um ser humano para um ser humano.

Aqui está um exemplo de uma experiência gerada automaticamente por uma inteligência artificial. Claro, eu interagi por meio do diálogo com o ChatGPT para gerar essa tipologia de desenhos. O desenho exploratório do qual estou falando não é o croquis, não é o esboço: é o rabisco. E o rabisco tem sua base na garatuja e no borrão. Estou pedindo para vocês desenharem de um jeito que não é o mesmo que uma disciplina de ilustração pediria. Uma disciplina de ilustração vai focar, se não no esboço, se não no croquis, em um desenho extremamente realista já de cara, quase como uma representação de desenho de observação.

Não é esse tipo de desenho que vamos fazer aqui. Então, fiquem tranquilos se vocês têm dificuldade de fazer aquele negócio de croquis. O esboço ainda está longe do que queremos aqui. Estamos mais para o rabisco mesmo, e não há necessidade de ir além do rabisco. Estão vendo aqui a pessoa palitinho no meio dos rabiscos? Se forem desenhar uma pessoa, podem e devem desenhá-la como um palitinho. Isso é um rabisco e vai funcionar para esta disciplina. Não percam tempo fazendo croquis nesta disciplina. Se quiserem fazer para outras coisas, podem fazer, mas, para os propósitos aqui, durante a disciplina, inclusive, teremos pouco tempo. Façam o rabisco.

Agora vejamos os desenhos feitos pelos estudantes desta disciplina no semestre passado. Aqui vocês já conseguem ver o nível de representação que estou esperando: um nível extremamente simples, de traços rápidos, de representações que talvez só vocês consigam decifrar. E não há problema nisso. Não precisa ser um desenho que eu consiga ler e entender tudo. Inclusive, o texto que vocês eventualmente colocarem ao lado pode estar escrito com uma caligrafia impossível de ler para mim, porque é para vocês lerem. Enfim, estou avaliando muito mais o processo do que o conteúdo do uso do diário gráfico.

Nesses exemplos, vocês têm uma noção muito mais autêntica e real dessa experiência do que vendo a tipologia gerada por IA. Mas também não estou dizendo que a IA não seja útil. Ela ajudou a diferenciar visualmente os tipos, não ajudou?

A melhor maneira de aprender a pensar visualmente é pensar através do fazer. Note que pensar através do fazer significa que o objetivo do fazer é pensar. Essa disciplina é toda orientada por uma forma de pensar o projeto de experiência. Então, não vai adiantar fazer apenas pelo fazer. Por isso vocês vão registrar tudo o que fizerem, e o registro é uma reflexão, ou seja, um pensamento. Vou avaliar o pensamento na medida em que ele vai se desenvolvendo durante a disciplina. Por isso haverá um carimbo que vou colocar em algumas páginas, escrito "reflexividade". Isso quer dizer que vocês conseguiram demonstrar reflexão sobre um processo, uma experiência pela qual passaram em sala de aula.

Uma das maneiras de registrar essa reflexão, entre várias outras, é fazer uma notação: puxar setas de algum tipo de registro visual que vocês fizeram, depois de fazer o registro visual. Por exemplo, vocês estão observando um objeto, uma atividade ou uma ação e o representam rapidamente. Depois, puxam uma seta e fazem uma notação, descrevendo em texto ou em outros desenhos quais são as características desse objeto. É claro que esse segundo desenho é uma reflexão sobre o primeiro desenho. É esse tipo de desenho que mais me interessa: o desenho reflexivo. Então, temos o desenho exploratório, no qual vocês estão "jogando verde" algo que não sabe, e temos esse desenho reflexivo, que é um desenho sobre outro desenho que você sabe ou pelo menos vê. As duas coisas são importantíssimas.

Agora vamos fazer alguns exercícios no diário gráfico. Após realizar cada exercício, façam reflexões. Isso vai acontecer daqui para frente durante a disciplina. Tudo o que acontecer em sala de aula relacionado à experiência é interessante e relevante. Parem: terminou o exercício, façam o registro. Ou então, se precisarem sair mais cedo ou algo assim, guardem a experiência na mente. Assim que chegarem em casa ou tiverem oportunidade, registrem, para não perder essa memória. Vamos ver agora uma série de exercícios, cada um deles trazido de um livro diferente. Trouxe alguns livros para vocês procurarem mais exercícios, caso queiram se desenvolver melhor. Vou encerrar a gravação aqui, porque vamos ficar algumas horas nesse trabalho e não será muito produtivo gravar essa parte.

Desenho gestual

Desenhar várias figuras, cada uma explorando um tipo de gesto manual

Gestos doces, azedos, rápidos, sugestivos, apertados, indicativos, autoritários, engraçados, etc...

Desenho automático

Escolher um objeto que esteja ao seu redor

Colocar a caneta em cima do papel e fixar a mão

Desenhar o objeto movendo apenas a folha de papel com a outra mão

Desenho Cego de Contorno

Escolher um objeto que esteja ao seu redor

Colocar a caneta em cima do papel e não retirar

Desenhar o objeto fixando o olhar nele

Re-conhecimento Visual

Sentar com uma pessoa que você não conhece

Decidir quem começa desenhando

Conversar com ela para conhecê-la mais

Desenhar seu rosto simbolicamente enquanto conversa, registrando o que você sabe e também o que ainda não sabe

Após 5 minutos, trocar quem desenha

1001 Maneiras de ir de A a B

Organizar-se em duplas

Desenhar dois pontos distantes: A e B

Desenhar um caminho entre os pontos

Repetir o processo e variar o caminho

Leviandade Etnográfica

Observe o objeto estranho que o professor trouxe

Imagine como seus usuários usam este objeto

Desenhe cada uso separadamente no papel, representando apenas aquilo que faz parte da ação

Jogo da Mente Poluída

Formar duplas

Objetivo: desenhar algo sem sentido

Uma pessoa desenha algo e quando termina a outra tenta encontrar sentidos (+1 ponto cada)

O desenhista agora precisa lembrar os sentidos dados e acrescentar novos (+1 ponto cada)

Soma-se os pontos e troca o desenhista

Desenho Condicional

Jogos de desenhar seguindo regras

Jogadores agem como se fossem máquinas seguindo regras

Depois de jogar um jogo, é possível criar seu próprio jogo

Jogo dos Laços

Cada jogador pega uma cor de tinta

O primeiro começa fazendo uma linha aleatória

O segundo deve desenhar uma linha que faça um laço que passe por baixo de outra cor

A partir daí, todos devem, em seu turno, estender a linha da sua cor em ambas as extremidades fazendo laços por cima e por baixo de outra cor

Não é permitido passar laço sobre a própria cor

O jogo termina quando emerge o fim da linha

Crie suas próprias condições

Forme uma equipe

Escreva as regras do seu jogo em uma folha pequena

Teste com sua própria equipe

Troque seu jogo pelo jogo de outra equipe e teste

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O círculo de cultura projetual não procura revelar quem teve a melhor ideia ou problema mais relevante. Seu objetivo é formar um corpo coletivo capaz de enxergar aquilo que nenhum indivíduo conseguiria perceber sozinho. À medida que o grupo revisita suas próprias experiências, problemas inicialmente vistos como falhas pessoais passam a ser compreendidos como efeitos de estruturas sociais mais amplas. O resultado não é apenas uma leitura mais crítica da realidade, mas também a capacidade de imaginar e experimentar formas coletivas de transformá-la.

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Gravação realizada na disciplina Educação Prospectiva em Design do Curso de Mestrado em Design Prospectivo da UTFPR.

Introdução ao círculo de cultura projetual [MP3] 15 minutos

Transcrição completa

Esta será uma introdução rápida ao círculo de cultura projetual, um método de pesquisa próprio do Design Prospectivo, mas também um método pedagógico e de intervenção e transformação da realidade, como é característico dos métodos de Design Prospectivo que vêm surgindo neste programa. Esta apresentação não pretende explicar todos os aspectos do método. Vou apenas mencionar algumas referências que poderão ser revisitadas posteriormente. Todas elas estão listadas no último slide, como de praxe.

Começo pelo livro The Culture of Design (2000), que define aquilo que traduzo como cultura projetual. Trata-se da cultura específica do projeto que produz sentidos e processos para uma determinada produção da realidade, característica da contemporaneidade moderna, eurocêntrica e imperialista. Logo no início da obra, Guy Julier afirma, em outras palavras, que o design foi historicamente utilizado tanto para promover desenvolvimento e emancipação quanto para produzir opressão. Essa dimensão da opressão não é desenvolvida em profundidade no livro, mas há abertura suficiente para discuti-la dentro do conceito de cultura projetual. O modelo proposto por Julier não captura esse aspecto de forma tão evidente. Seu foco está no designer como mediador entre a produção e o consumo da realidade, ou da cultura material, atribuindo sentidos adicionais a essa cultura material, razão pela qual ele a denomina cultura do design.

Julier pesquisa esse tema há quase trinta anos. Em seu artigo mais recente, publicado em 2025 na revista Design & Culture, ele mapeia as diferentes áreas que passaram a dialogar com os Estudos Culturais do Design, denominação que atualmente utiliza para esse campo. Entre essas áreas estão os estudos de gestão, economia, geografia, sociologia, antropologia, teoria social, estudos culturais, história do design e estudos em design.

Um aspecto particularmente interessante desse artigo, que dialoga diretamente com o trabalho da Rede Design & Opressão, é a identificação de uma cisão nos estudos da cultura do design, ou cultura projetual. De um lado, encontram-se os estudos voltados para uma leitura crítica da realidade; de outro, aqueles comprometidos com a produção crítica da realidade, isto é, com a transformação da realidade por meio do projeto. Essa separação entre teoria e prática, frequentemente vivenciada de forma bastante evidente nos currículos de design, manifesta-se igualmente na pesquisa e na constituição desse campo.

Vou dar um exemplo rápido de como essa cisão afeta nossa percepção da realidade. De um lado, há a leitura crítica, já bastante consolidada nos Estudos de Design e na História do Design. Parte-se de uma leitura ingênua do mundo, que é posteriormente questionada pela leitura da palavra, isto é, pela leitura de textos e artigos escritos por pesquisadores, como o próprio Guy Julier. Espera-se que, por meio dessa leitura, seja desenvolvida uma compreensão mais crítica do mundo. A maior parte dos currículos de História do Design e de Estudos de Design segue essa dinâmica. Lê-se o texto, reflete-se sobre ele e, no máximo, realiza-se alguma atividade de criação ou de reprodução de uma obra clássica para aprofundar a compreensão. No fundo, porém, o objetivo permanece o de desenvolver novas leituras críticas do mundo.

No outro polo encontram-se o Design Participativo e o Design Crítico ou Especulativo. Nesses casos, parte-se de uma feitura ingênua do mundo, isto é, de uma forma de fazer pouco refletida, normalmente associada ao trabalho alienado. Por meio de uma poetização ou estetização desse processo -- aquilo que podemos chamar de feitura da palavra -- procura-se desenvolver a capacidade de criticar essa própria feitura do mundo, produzindo um nível de consciência crítica capaz de sustentar outras formas de projetar. Historicamente, essas duas áreas permaneceram separadas, cada uma desenvolvendo-se por caminhos distintos. No Design Prospectivo, buscamos superar essa cisão. Uma das maneiras de fazê-lo é por meio do círculo de cultura projetual.

O círculo de cultura projetual combina elementos do círculo de cultura de Paulo Freire com contribuições de Mariana Souto-Manning, pesquisadora contemporânea que articula Teatro do Oprimido e Pedagogia Crítica. Em seu livro, ela demonstra como o círculo de cultura freiriano pode ser utilizado como estratégia de investigação das interações opressivas e libertárias no contexto escolar. Além disso, estabelece conexões com outras áreas, como estudos de observação baseada em vídeo, análise de imagens e análise do discurso. Trata-se de uma obra extremamente rica. Além desta, o método incorpora contribuições do Laboratório de Mudanças de Yrjö Engeström e Jakob Virkkunen, que foram referências importantes durante meu doutorado. Naturalmente, minha tese de doutorado, Design Expansivo, também integra esse conjunto de referências, assim como A Estética do Oprimido, de Augusto Boal e Bárbara Santos. Não entrarei em detalhes sobre a contribuição específica de cada uma dessas referências, pois esta apresentação pretende apenas oferecer uma visão geral.

Em termos gerais, este é o modelo inicial do círculo de cultura projetual, que procura conectar a leitura da palavra e a feitura da palavra, tendo o mundo como mediação entre ambas. O círculo de cultura projetual emprega, portanto, mediações geradoras de trajetos e projetos entre a palavra e o mundo.

Já vimos, em aulas anteriores, que entre a leitura do mundo e a leitura da palavra podem ser utilizadas as imagens-mundo, conceito mencionado por Emiliano Dantas e que vocês vêm explorando amplamente em seus diários gráficos. Além dessa mediação cultural, existe também a palavra-mundo, isto é, a palavra que significa o mundo, que traz consigo uma determinada percepção de mundo, uma cosmopalavra, por assim dizer. A própria palavra design pode ser entendida como uma palavra-mundo.

Além dessas duas mediações, já relativamente estabelecidas nos campos da Pedagogia Crítica, da Antropologia e dos Estudos da Imagem, estamos propondo outras duas categorias mediadoras que ainda são pouco conhecidas e talvez precisem ser desenvolvidas mais sistematicamente: as ferramentas-mundo e o corpo-mundo. A ferramenta-mundo faz parte do mundo. Ela se destaca dele, mas o carrega consigo. Ao mesmo tempo, existe um mundo que acompanha essa ferramenta, ou seja, o mundo da própria ferramenta. O mesmo raciocínio vale para o corpo-mundo. Não se trata apenas de um corpo singular, mas de um corpo que expressa uma dimensão universal ou, em termos mais inclusivos, dos corpos, corpas e corpes. Essas mediações culturais podem desenvolver-se tanto no contexto da leitura do mundo quanto da feitura do mundo. Seu objetivo é conduzir à intervenções e transformações da realidade progressivamente mais críticas.

Aqui estão alguns exemplos de mediações culturais que já utilizamos nesta disciplina. Já mencionei a codificação presente nos diários gráficos, mas podemos incluir também o Baralho de Crises, que utilizaremos daqui a pouco. Os conceitos teóricos, os mapas conceituais e os mantras que trabalhamos ao longo da disciplina constituem exemplos de palavras-mundo. Além disso, o Lego Serious Play, utilizado na primeira aula, e o Laboratório de Avaliação do Moodle são exemplos de ferramentas-mundo. Basta pensar em como o Laboratório de Avaliação traz para vocês o mundo dos congressos científicos e dos periódicos acadêmicos, permitindo experimentá-lo na prática. Entre a feitura da palavra e a leitura do mundo também se encontram os diálogos comensais realizados durante os intervalos deste curso. Aliás, no próximo intervalo faremos a visita ao Arraial do NEABI. Da mesma forma, os vídeos improvisados colocaram os corpos de vocês em evidência, não para representar indivíduos isolados -- o meu nome ou o seu nome --, mas aquilo que somos, ou deixamos de ser, enquanto somos socializados. Esses exemplos ilustram aquilo que chamamos de corpos-mundo.

Essas mediações geradoras procuram capturar as contradições da realidade e reproduzi-las em espaços de possibilidades, sob a forma de trajetos e projetos. Esses trajetos e projetos, por sua vez, fazem emergir novas contradições. Começamos, assim, a capturar, perceber e experimentar essas contradições, tornando visíveis os não ditos, os não eus e as negações daquilo que gostaríamos de afirmar, mas que determinadas formas de opressão impedem de ser afirmado.

É preciso admitir, contudo, que esse processo envolve reconhecer a ingenuidade presente tanto na primeira leitura quanto na primeira feitura do mundo. Essa ingenuidade não constitui um problema; pelo contrário, ela é necessária. Neste método, parte-se do pressuposto de que toda primeira leitura será inevitavelmente ingênua. Não há problema em dizer algo que mais tarde venha a parecer equivocado ou simplista. Essa possibilidade está prevista e, de certo modo, é estimulada. No início do processo, é importante sentir-se à vontade para formular interpretações que poderão ser posteriormente revistas. Sem essa abertura, não há propriamente um círculo de cultura.

É apenas por meio de sucessivas leituras e sucessivas feituras -- daí o caráter cíclico do método -- que se desenvolve uma consciência progressivamente mais crítica. Aos poucos, a estrutura profunda da realidade vai sendo desvelada juntamente com suas contradições. Começa então a aparecer o tecido social que articula afirmações, percepções e ações, tornando-as carregadas de sentido. Passa-se a compreender por que determinados elementos se conectam entre si, ou por que deixam de se conectar.

O círculo de cultura projetual prepara os participantes para prospectar não apenas como indivíduos, mas, sobretudo, como corpos coletivos. Seu propósito é levá-los para além da percepção, da opinião e da ideia subjetiva acerca das contradições da realidade. Trata-se de uma tentativa de enfrentar um problema recorrente em muitos métodos de design, centrados na figura do indivíduo genial e criativo que aplica um enquadramento inovador (framing) a um problema. O círculo de cultura projetual não parte do pressuposto cognitivista e individualista da criatividade. Ao contrário, considera que os corpos coletivos têm um potencial de transformação muito maior do que os indivíduos isolados.

A passagem da consciência individual para a consciência coletiva -- ou, em outras palavras, a constituição de um corpo coletivo -- não é um processo simples, tampouco garantido. Ela exige tempo e repetição. É necessário realizar o ciclo diversas vezes até que seja possível sentir aquilo que as outras pessoas estão sentindo. Por isso, na representação do método, há um círculo menor dentro do círculo maior, simbolizando sujeitos que refletem sobre o que já viveram em círculos anteriores. O círculo de cultura começa realmente a amadurecer quando incorpora um círculo anterior como objeto de reflexão. Os trajetos percorridos em experiências passadas tornam-se matéria para discutir novos círculos de cultura e projetar futuros trajetos e projetos. Dessa forma, cada ciclo passa a alimentar o seguinte.

Essas mediações geradoras funcionam, portanto, como espelhos críticos do corpo coletivo prospectante. É como se estivéssemos, coletivamente, olhando para um espelho para enxergar aquilo que somos enquanto coletivo que se projeta no mundo. Evidentemente, esse espelho não reflete a forma dos nossos rostos. Ele reflete outros aspectos, porque esse corpo não é apenas um corpo biológico; é um corpo cultural, dotado de formas distintas das do corpo individual. Ainda assim, esse espelho crítico tende a produzir muito incômodo, pois apresenta inicialmente as contradições como se fossem individualizadas. Surge a sensação de que o erro, o problema ou aquilo que causa desconforto na imagem refletida foi produzido por você, ou de que é você quem sempre traz aquele problema. É a experiência típica da pessoa que se percebe como a "ovelha negra" da família. Enquanto a compreensão permanece restrita ao indivíduo, as contradições aparecem como problemas pessoais.À medida que se percorrem sucessivos círculos de cultura, começa-se a perceber que esse incômodo é compartilhado e possui uma origem social. O processo consiste justamente em reler a própria leitura para identificar aquilo que, na contradição inicialmente percebida como individual, pertence, na verdade, à estrutura da realidade. As mediações geradoras são fundamentais para que o corpo coletivo sinta as contradições constitutivas da realidade compartilhada e, a partir delas, alcance aquilo que chamamos de estrutura profunda da realidade. Em nosso programa, essa estrutura profunda recebe o nome de infraestrutura ou metaestrutura.

Este é o modelo mais completo do círculo de cultura projetual até o momento. Ele envolve uma contraposição constante entre aquilo que vemos na imagem -- o nosso não ser -- e aquilo que somos por meio de nossas ações, para além da imagem e da própria produção da imagem. Trata-se de uma dialética entre o ser e o não ser, compreendendo o ser sempre como um coletivo: um ser para si, um trabalho para si, um projeto para si. Esse é o objetivo final do método. O círculo de cultura projetual procura levar um corpo coletivo a ler a si mesmo, aprender a dizer a sua própria palavra e refazer o seu mundo diante das contradições encontradas nos trajetos e projetos que transformam a realidade.

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Referências

JULIER, Guy. The culture of design. 2000.
JULIER, Guy. Doing Design Culture Studies; Practicing Design Culture. Design and Culture, v. 18, n. 1, p. 11-31, 2026.
FREIRE, Paulo. Educação como prática da liberdade. Editora Paz e terra, 2014.
SOUTO-MANNING, Mariana. Freire, teaching, and learning: Culture circles across contexts. Peter Lang, 2010.
ENGESTRÖM, Yrjö et al. The change laboratory as a tool for transforming work. Lifelong learning in Europe, v. 1, n. 2, p. 10-17, 1996.
VAN AMSTEL, Frederick Marinus Constant. Expansive design: designing with contradictions. Tese de Doutorado. Universidade de Twente, 2015.
BOAL, Augusto. A estética do oprimido. Rio de Janeiro: Garamond, 2009.
SANTOS, Bárbara. Percursos Estéticos: imagem, som, ritmo, palavra-abordagens originais sobre o Teatro do Oprimido. São paulo: padê Editorial, 2018.
DANTAS, Emiliano Ferreira. A imagem enquanto leitura e escrita do mundo: leveleve e a ferida colonial em São Tomé. 2021. Tese de Doutorado. ISCTE-Instituto Universitario de Lisboa (Portugal).
PHAN, H.L., JALALI, A.,and VAN AMSTEL, F.M. Designing the world precedes designing the word: The Paulo Freire Method applied to typography education, in Clemente, V., Gomes, G., Reis, M., Félix, S., Ala, S., Jones, D. (eds.), Learn X Design 2025, 22-24 September 2025, Aveiro, Portugal. https://doi.org/10.21606/drslxd.2025.091 

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Nacionalismo no design anticolonial MP3 12 minutos

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Gravação realizada na disciplina Estudos em Design Prospectivo do Curso de Mestrado em Design Prospectivo da UTFPR, turma de 2025.

Os diferenciais do design prospectivo [MP3] 14 minutos

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Nessa curta fala, vou comparar três aspectos que diferenciam o Design Prospectivo de maneira bastante sintética. Para compreender plenamente esta apresentação, é necessário ter lido os textos discutidos na disciplina Estudos em Design Prospectivo de 2025. Quem não o fizer, provavelmente terá alguma dificuldade para acompanhar. Ainda assim, a gravação pode servir como material de revisão após a leitura dos textos, ajudando a conectar os conceitos e sugerindo próximos passos e futuras produções textuais.

Os três aspectos comparados são: a estrutura existencial, que corresponde à razão de ser do Design Prospectivo; o espaço existencial, entendido como aquilo que se considera passível de projeto; e o tempo existencial, referente à maneira como o design se posiciona e opera no tempo. Esses três aspectos também orientaram a seleção de textos da disciplina. Para a estrutura existencial, lemos Tony Fry. Para o espaço existencial, trabalhamos principalmente com textos de minha autoria. Já para o tempo existencial, utilizamos textos escritos por mim e por Gonzatto, construídos principalmente a partir das contribuições de Álvaro Vieira Pinto.

Do ponto de vista da estrutura existencial, o Design Prospectivo diferencia-se do Design de Produto, do Design Gráfico, do Design de Interação e do Design Especulativo. Em todas essas áreas, o objeto de design permanece claramente definido e centraliza os esforços projetuais. Existe algo específico a ser projetado, e é em torno desse objeto que as relações se organizam. Evidentemente, há interações e conexões, mas dependem necessariamente da existência daquele objeto. Se o objeto for retirado do centro, a atividade perde parte significativa de seu sentido.

O Design Prospectivo situa-se em um agrupamento de abordagens que deixaram de se preocupar prioritariamente com um objeto específico. Em vez disso, deslocam a atenção para o campo das relações, como diria Jesús Martín-Barbero na área da comunicação. Nesse conjunto podemos incluir o Design Sustentável, o Design de Serviços, o Design para Inovação Social, o Design de Transições, o Design Sistêmico, o Design Ontológico, o Design Pluriversal, o Design Relacional e, finalmente, o Design Prospectivo.

Nessas abordagens, o objeto é apenas um elemento dentro de uma rede muito mais ampla, composta por múltiplos objetos, sujeitos e entidades vivas que não são necessariamente humanas. Essa mudança de foco pode dificultar a compreensão do Design Prospectivo para quem possui uma formação fortemente orientada à criação de objetos.

O aspecto mais distintivo do Design Prospectivo em relação a essas abordagens é a dialética existencial do ser/estar com o mundo. Quando falamos do ser em uma perspectiva dialética, incluímos imediatamente o não-ser, tudo aquilo que não é aquele ser. A opressão, por exemplo, pode ser entendida como um ser menos ou como uma tentativa de negar a possibilidade de ser de determinados grupos historicamente oprimidos.

O estar, por sua vez, refere-se ao modo como o ser se situa em um local e em um tempo específicos. Trata-se do ser circunstanciado, circunscrito, contextualizado, como diria Vieira Pinto. Assim como existe o ser e o não-ser, existe também o estar e o não-estar. Processos de exclusão, divisão social e desigualdade frequentemente se manifestam na dimensão do estar. No capitalismo, a classe social corresponde a uma condição de estar: pode-se estar em determinada classe e, em determinadas circunstâncias históricas, passar a estar em outra. Não se trata necessariamente de um ser. Já no feudalismo e no castismo moderno, a classe social é um ser definido pelo nascimento e que não muda ao longo da vida.

Diversos fenômenos podem ser pensados a partir dessa dialética entre ser e estar. Muitas características tradicionalmente vistas como ser podem ser reinterpretadas como estar, e vice-versa. Essa ideia é sintetizada em uma frase de Paulo Freire: "o mundo não é, o mundo está sendo". Contudo, ao estar sendo, ele também é algo em um determinado momento. A dialética do não-ser sempre retorna ao ser, pois o ser sempre se transforma, nem que seja através de revoluções.

Do ponto de vista do espaço existencial, encontramos diferenças geopolíticas e históricas entre os países do Norte Global e os do Sul Global. Embora essas denominações sejam recentes, elas ajudam a compreender nossa posição. No Brasil, onde pesquisamos e desenvolvemos o Design Prospectivo, sofremos os efeitos da colonialidade do fazer, que nos coloca frequentemente no papel de aplicadores de teorias produzidas em outros contextos.

Essas teorias, elaboradas em contextos distintos, podem ter baixa relevância para nossos problemas concretos. Ainda assim, somos frequentemente pressionados a agir como se estivéssemos em contextos europeus ou norte-americanos, aplicando modelos que nem sempre produzem resultados convincentes.

Em vez de adotar essa postura colonizada, o Design Prospectivo procura ampliar os espaços de possibilidade a partir das condições efetivas do contexto em que estamos inseridos. Estamos frequentemente mais bem posicionados para colaborar com países como China, Índia, África do Sul e diversas outras nações do Sul Global. Temos maior capacidade de compreender seus problemas e de sermos compreendidos por eles, constituindo coalizões e colaborações Sul-Sul. Assim, em vez de importar espaços de projeto definidos externamente, podemos pensar nas possibilidades que emergem entre os espaços, entre contextos distintos e em suas relações.

Do ponto de vista do tempo existencial, surge talvez o aspecto mais difícil de compreender. O Design Prospectivo não se confunde com o Design Especulativo. Este busca expandir as possibilidades por meio da imaginação de múltiplos futuros. Projetam-se cenários para vinte, trinta ou cinquenta anos à frente, avaliando quais seriam mais desejáveis e quais deveriam ser evitados. Trata-se de uma abordagem fortemente associada ao foresight, à construção de cenários e a estratégias de planejamento.

O Design Transicional realiza um movimento diferente. Ele também projeta um futuro distante, mas retorna ao presente construindo as etapas necessárias para alcançá-lo. Por isso, apoia-se no conceito de backcasting, em vez de forecasting.

Tanto o Design Especulativo quanto o Design Transicional estabelecem uma relação entre o presente e o futuro. O passado permanece relativamente ausente dessas formulações. Tradicionalmente, o passado foi incorporado ao design por meio da História do Design, mas essa área costuma permanecer separada dos projetos de intervenção contemporânea.

Com o diálogo crescente entre historiadores e pesquisadores voltados ao futuro, surgiu a possibilidade de uma História Transicional do Design. Assim como o Design de Transições reinsere o futuro no presente como algo passível de construção, a História Transicional reinsere o passado no presente como algo também passível de transformação. Visualmente, poderíamos representar essa ideia por meio de dois cones que se abrem a partir do presente: um em direção ao passado e outro em direção ao futuro.

Entretanto, essa ainda não é a lógica do Design Prospectivo.

Se utilizarmos a metáfora dos cones, o Design Prospectivo seria melhor representado por dois cones convergindo para o presente. Isso ocorre porque passado e futuro são considerados inescrutáveis. Nunca poderemos conhecê-los plenamente, por mais que tentemos prevê-los, calculá-los ou especulá-los. Nesse sentido, passado e futuro são, no máximo, pontos de vista adotados no presente sobre o próprio presente. Para ser mais preciso, são pontos de fuga a partir dos quais se projeta uma perspectiva. Da mesma forma que o ponto de fuga organiza a representação tridimensional no desenho, ele também organiza o espaço de possibilidades entre trajetos e projetos. O tempo, portanto, parte sempre de uma perspectiva situada e se expande para aquelas relacionadas

A vantagem desse perspectivismo Ameríndio é que podemos trabalhar não apenas com um passado e um futuro, mas com múltiplos passados e múltiplos futuros. Por isso falamos em passados expandidos, presentes expandidos e futuros expandidos. O foco principal, entretanto, permanece no presente, pois é nele que podemos agir sobre as relações entre passado e futuro.

Dado um determinado passado, podemos perguntar quais futuros se tornam possíveis. Dado um determinado futuro, podemos perguntar quais passados seriam necessários para alcançá-lo. Esse exercício permite pensar trajetos, projetos e ações. O movimento que parte de um futuro, considera um passado e retorna ao presente pode ser compreendido como uma trajeção seguida de uma projeção. O movimento inverso também é possível. Podemos recuperar um passado esquecido ou negado, projetá-lo em direção ao futuro e, em seguida, retornar ao presente. O afrofuturismo oferece exemplos importantes desse processo.

Nesse caso, recuperam-se conhecimentos historicamente marginalizados para construir visões alternativas de futuro. A partir delas, torna-se possível reconhecer, no presente, outras formas de relação com a natureza, com a tecnologia e com a organização social. Em vez de reproduzir imaginários dominantes, centrados em cenários apocalípticos ou em tecnologias destrutivas, surgem perspectivas fundamentadas em modos de existência historicamente silenciados. Podemos realizar esses trânsitos entre múltiplos passados, presentes e futuros. É justamente essa fusão, ou talvez dialética, entre tempo e espaço que caracteriza a maneira como o Design Prospectivo lida com a existência.

Chegamos, assim, finalmente ao conceito-chave para entender o Design Prospectivo que é a estrutura existencial. Nesse ponto, os conceitos se entrelaçam, pois são inseparáveis para a compreensão do Design Prospectivo. Realizamos trajeções e projeções porque buscamos transformar estruturas existenciais de larga escala. Não se trata apenas de transformar uma mesa ou uma sala, mas, potencialmente, todo o sistema educacional ou qualquer outra estrutura ampla que dê sentido a esses elementos. Consideramos múltiplas possibilidades de estrutura no presente. Recorremos ao passado e ao futuro em busca de inspiração, mas nosso objetivo é produzir um presente alternativo: um presente que já é possível, mas que ainda não é reconhecido como tal. O Novo Possível.

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À partir do meu framework para projeto de performances emergentes (informação, interação e experiência), eu proponho três tipos de protótipos:

• Protótipo formal (modelo volumétrico, modelo em escala, rendering)
• Protótipo estrutural (mockup, modelo estrutural, cenário)
• Protótipo funcional (prova de conceito, simulação)

Qualquer protótipo tem uma combinação de forma, estrutura e função, porém, cada tipo testa um aspecto em detrimento do outro. Quando o protótipo possui todos os aspectos, pode-se dizer que ele é quase uma versão final.

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A gravação abaixo foi realizada na pós-graduação em Big Data e Analytics da PUCPR em 2017.

Guia de prototipação para performances emergentes [MP3] 30 min - 13 MB

Transcrição

O que é um protótipo? Em grego, prototipon significa uma forma primitiva. É uma tentativa de testar a materialização de um conceito antes de ele estar completamente maduro. Então não espere a ideia amadurecer para construir um protótipo. Na verdade, ela vai amadurecer quando você construir um protótipo.

Provavelmente a sua ideia é muito ruim. E, na hora em que você começar a tentar construir alguma coisa em cima dela, vai perceber que "essa ideia não estava funcionando, não vai funcionar". Aí você muda e melhora essa ideia. Enquanto você trabalha apenas no mundo abstrato, no mundo das ideias, não encontra resistência nenhuma, porque é a sua própria mente que está operando. Você obviamente gosta das suas ideias, é apaixonado por elas, assim como por filhos e filhas. Vai querer que elas se desenvolvam para todos os lados, mas a verdade é que nem sempre o mundo é tão brilhante quanto imaginamos. Então o protótipo serve para você perceber a resistência do mundo. Por isso, o protótipo é propositalmente malfeito, incompleto, indefinido, estranho. Todas essas são estratégias intencionais para que o protótipo ajude a desenvolver o conceito.

Por que gastar tempo com protótipos se é possível construir diretamente a versão final? Porque, como designer, assim com o Batman, você lida com incertezas. O Batman nunca sabe o que o Coringa está prestes a fazer. Por isso o carro do Batman, o Tumbler, era um protótipo. Ele acabou explodindo no segundo filme, porque o Coringa armou uma situação inesperada. O carro do Batman não estava preparado para aquilo e explode. Só que o Batman, esperto, tinha preparado um plano B. Quando vê que o carro está destruído, aperta um botão, o carro se desmonta e sai uma moto de dentro. Depois o Coringa comenta: "não sei onde ele consegue esses brinquedos". Então, basicamente, o Batman testa várias armas novas, protótipos da empresa que originalmente seriam destinados aos militares.

O protótipo costuma ser chamado de coisa, gambiarra, parada, trambolho e outros nomes indefinidos. Isso não é ruim. É bom chamar o protótipo de "coisinha", porque você está dizendo para si mesmo e para as pessoas próximas que aquilo não é final. É algo em definição, algo em transformação, e você ainda não sabe exatamente o que é. E isso é positivo. Você faz o protótipo não para dizer como algo deve ser, mas para descobrir como deve ser.

Então, o protótipo não é uma visualização completa do conceito. Isso aqui é um protótipo que eu fiz para um sistema de monitoramento de entrada de pessoas em salas antes de uma conferência. No caso, a Conferência de Cidades Inovadoras da FIEP. Era um sistema com RFID. Peguei um leitor de RFID bem simples e prototipamos, de maneira bastante rudimentar, com materiais caseiros, um modelo de entrada e saída de sala para observar o efeito disso numa visualização de cidade.

O protótipo é uma pergunta que só pode ser respondida pela sua própria construção. Portanto, ele não é uma resposta. A resposta aparece quando as pessoas começam a utilizá-lo. Então ele não é uma solução.

Perguntas típicas que motivam a construção de um protótipo: como isso vai ficar depois de reunir todas as ideias diferentes do conceito? Elas se encaixam? Vai funcionar bem? Como será a aparência? Vai ser bonito, feio, bagunçado? Como será a sensação de interagir com esse serviço, produto ou funcionalidade? Como essas funcionalidades vão operar na prática? Será que funciona? Essa é a pergunta central.

Se você começa a fazer um protótipo já com a certeza de que vai funcionar, então talvez nem precise fazê-lo. Porque o protótipo é uma pergunta. Caso contrário, você pode simplesmente lançar o produto final, fracassar e descobrir depois que ninguém usou. Trabalhar com protótipos exige humildade. Pode ser que você não esteja correto nas suas hipóteses e pressupostos.

Algumas respostas possíveis após testar um protótipo: as partes do conceito não encaixavam, ficaram estranhas, pareciam um Frankenstein. Ficou horrível. Muito difícil de usar. Confuso. E então você chega à conclusão de que "isso não funciona, vou fazer de outro jeito".

Veja aqui um exemplo de protótipos feitos para o controle do Playstation 1. Quantos protótipos foram produzidos? Dezenas. Eles não foram necessariamente feitos nessa ordem, porque às vezes se exploram vários protótipos simultaneamente. Mas a tendência do projeto caminhou nessa direção. Por que fazer tantos protótipos? Para avaliar a qualidade da pega, verificar se era rápido acionar os comandos, entender que tipos de jogos funcionariam melhor, testar o uso prolongado e o desconforto físico depois de muito tempo utilizando o controle. Hoje esse modelo se tornou praticamente um padrão e influenciou outros controles, como o do Xbox. O Wii seguiu outro caminho, mas o Xbox manteve bastante dessa lógica. Foi um dos grandes projetos de controle de videogame, graças à prototipação.

Prototipação não é apenas fazer um protótipo. É um processo iterativo. Você faz um protótipo, testa, aprende com ele, faz outro, testa novamente e continua aprendendo. Se for fazer apenas um protótipo como exercício de sala, tudo bem, porque o tempo é curto. Mas, em um projeto real, já faça pensando que haverá vários.

Quem pode testar o protótipo? Você mesmo pode testar, claro. Mas isso é limitado, porque há uma tendência ao viés. Você pensa: "está ótimo, adorei minha ideia". Melhor pedir para outra pessoa. Outro designer pode trazer uma visão mais crítica e perceber aspectos que você não estava vendo. Melhor ainda é um usuário, alguém que não conhece o projeto e vai interagir pela primeira vez com aquele produto ou serviço.

Também é possível usar um testador automático. Nesse caso aqui, por exemplo, trata-se de uma máquina de apertar botões, utilizada para verificar se um teclado suporta milhares de acionamentos por segundo. Existem também testadores automáticos digitais, capazes de verificar se o protótipo produz muitas mensagens de erro ou bugs. É outra maneira de testar protótipos.

O que pode ser mensurado com protótipos? A carga de trabalho do usuário, ou seja, a fadiga física e mental provocada pelo uso. A qualidade da pega, no caso de objetos físicos. O tempo necessário para executar tarefas, algo fundamental em interfaces digitais. Os erros cometidos durante a interação. A compreensão: a pessoa entende o que aquilo é? A emoção: empolgação, medo, estranhamento. E também a satisfação após o uso.

Tipos de protótipos. Eu costumo distinguir três: protótipo formal, estrutural e funcional.

O protótipo formal avalia a forma: se ela é bonita, interessante, confortável na mão, como fica a distribuição do conteúdo e dos elementos internos. Na arquitetura e no design de produto isso é chamado de modelo volumétrico ou modelo em escala. No design digital, pode aparecer como um render tridimensional.

Aqui estão alguns protótipos formais que já construí em diferentes projetos. O primeiro é um rendering de um gabinete transparente para HD portátil. A ideia da transparência era mostrar que havia realmente um HD dentro e que, se caísse no chão, os dados poderiam ser perdidos. Na época em que criei isso, muitas pessoas não percebiam que o HD portátil continha um disco rígido de fato e o manuseavam sem cuidado.

Em segundo, temos um controle remoto para Smart TV feito de massa de modelar. Estavam testando a pega, os gestos possíveis e as formas de controlar a televisão. No terceiro, vemos um jogo de tabuleiro. Eu estava avaliando a ideia de construir um hospital a partir de peças encaixáveis. O teste não era sobre as regras do jogo, mas sobre a experiência estética de montar o objeto. As pessoas acabaram se interessando justamente por essa característica visual e construtiva. Já no quarto exemplo, o layout de um site. Normalmente o layout não é clicável. Você não consegue entrar nos links. É apenas uma imagem feita no Photoshop para mostrar como será o resultado final. A forma.

Protótipo estrutural. Ele serve para testar um processo, para verificar como as coisas se desenrolam de acordo com uma estrutura de ações e sequências. É conhecido como mockup ou modelo estrutural na arquitetura. Também pode aparecer como cenário, quando você imagina uma história: como o produto ou serviço vai se desenvolver ao longo dela. O caso de uso é uma espécie de protótipo estrutural.

Aqui estão alguns protótipos estruturais. No primeiro, vemos um protótipo de como as pessoas entrariam em uma área de pronto atendimento hospitalar e seriam direcionadas para diferentes setores conforme a gravidade do caso. Os bonecos de Lego eram usados para testar o direcionamento e verificar se as pessoas entenderiam para onde deveriam ir e se a distribuição fazia sentido. No segundo, há um jogo que simula a estrutura de interação do Facebook: como as mensagens circulam, como o "like" afeta o compartilhamento dos posts. Os posts eram post-its e as conexões de amizade eram representadas por fios.

No terceiro exemplo, vemos algo bastante comum: um protótipo em papel para testar a estrutura de interação e a sequência de ações, permitindo modificações rápidas porque tudo é apenas um rascunho. Provavelmente vocês vão utilizar isso se decidirem desenvolver um serviço ou produto digital. E, por fim, o wireframe, ou planta baixa de uma página de website ou software. Você define apenas os elementos estruturais: aqui haverá texto, aqui haverá imagem. Qual imagem? Não importa ainda. O foco está na estrutura, não na forma nem na função.

Já o protótipo funcional é uma prova de conceito, uma simulação. Algo que você consegue realmente utilizar: aperta um botão e a cola sai. Pode ser tosco, improvisado, uma gambiarra, mas funciona. Você tem uma sensação concreta de funcionalidade e, por isso, consegue avaliar o uso propriamente dito, a função.

O primeiro exemplo é um protótipo funcional de um sistema de identificação de perfil ayurvédico. A pessoa respondia perguntas e, conforme respondia, uma das áreas do gráfico era preenchida. No final, indicava se o perfil era vata, pita ou kapha, categorias da medicina ayurvédica. Era funcional, embora feito em papel -- e o produto final também seria em papel.

O segundo é um protótipo feito em Pocket PC, usando Flash, uma plataforma que já não é utilizada hoje. Trata-se basicamente de um livro digital interativo: a criança passa o dedo sobre o texto e o sistema verbaliza a leitura. Eu fiz isso para o meu filho e usei o Pocket PC porque era o dispositivo touchscreen que eu tinha na época. Na terceira imagem, vemos estudantes do programa HiPUC tentando montar um protótipo funcional de uma espécie de esponja capaz de absorver plasma e toxinas de uma ferida para evitar infecção. Eles criaram uma estrutura que simulava um ferimento e estavam testando a hipótese de funcionamento da esponja, inspirada no mecanismo de um esfregão. Era possível até imaginar a dor da situação. E a última imagem é de um protótipo funcional de um bracelete para pessoas cegas identificarem cores em objetos. O usuário aproximava o dispositivo e ele informava verbalmente a cor detectada. Isso foi desenvolvido com Lego Mindstorms, uma plataforma de programação relativamente simples da Lego.

Então, o que significa "performance emergente"? É uma categoria teórica que utilizo para articular informação, interação e experiência. Quando você quer projetar informação, focalize protótipos formais. Quando quer projetar interação, focalize protótipos estruturais. E quando deseja proporcionar experiências marcantes, focalize protótipos funcionais. Claro que também é possível combinar os três tipos.

Materiais que podem ser usados para prototipação: primeiro, e mais importante, o corpo. É impressionante como se pode prototipar quase qualquer coisa com o corpo. Uma pessoa pode desempenhar o papel de uma tecnologia. É a forma mais rápida de prototipar algo.

Também é possível utilizar massa de modelar, polipropileno, Lego, papel, post-it, barbante, cola quente, papel-alumínio e Arduino, que é uma placa programável de entrada e saída muito simples de usar. Há ainda ferramentas digitais como o InVision, um web app para construir rapidamente protótipos de interface visual, e o Adobe Experience Design, uma ferramenta robusta para projetar aspectos visuais de softwares e websites.

Basicamente, eu defendo um processo de prototipação que evolui do low-tech para o high-tech. Se fôssemos trabalhar diretamente com prototipação high-tech, não haveria tempo suficiente nesta aula. Então utilizem materiais low-tech e pensem que, futuramente, isso pode ser convertido em soluções high-tech, depois que vocês validarem se aquilo realmente entrega valor. Se não entrega valor, por que investir numa solução mais complexa e trabalhosa? Teste primeiro no low-tech.

O protótipo ideal é aquele que alguém consegue experimentar sem precisar de instruções. Apenas tocando e interagindo com ele. Durante o desenvolvimento, é importante manter essa capacidade de o protótipo inspirar diferentes situações de uso. Assim que alguém desenvolve um protótipo, outra pessoa da equipe deve experimentá-lo como se fosse um usuário. Novas ideias podem surgir nesse processo. Os protótipos vão sendo refinados e transformados em novos protótipos, e assim o projeto evolui.

Made with Keynote Extractor.

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Gravação realizada na disciplina Projeto de Experiências do Bacharelado em Design da UTFPR.

Introdução crítica ao projeto de experiências MP3 50 minutos

Referências

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Gravação realizada na disciplina Estudos em Design Prospectivo do PPGDP da UTFPR.

Lógica dialética no pensamento projetual [MP3] 52 minutos

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Gravação realizada na disciplina Estudos em Design Prospectivo do Mestrado em Design Prospectivo da UTFPR.

Pluralismo prospectivo no design thinking [MP3] 44 minutos

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Gravação realizada na disciplina Estudos em Design Prospectivo do Mestrado em Design Prospectivo da UTFPR.

Pensamento Visual no Design Prospectivo [MP3] 36 minutos

Referências

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Loukissas, Y. (2012). Co-designers: cultures of computer simulation in architecture. Routledge.
Lawson, B. (2012). What designers know. Routledge.
Van Amstel, Frederick M.C. (2015) Expansive design: designing with contradictions. Doctoral thesis, University of Twente. https://doi.org/10.3990/1.9789462331846

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Gravação realizada na disciplina Design e Cultura, do Bacharelado em Design da UTFPR.

Do design universal ao design pluriversal MP3 40 minutos

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Aula ministrada na disciplina Design e Cultura do Curso de Bacharelado em Design da UTFPR.

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Design e a Colonialidade do Fazer MP3 53 minutos

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O jogo simula a dinâmica de um ecossistema de startups, no qual os participantes desempenham papéis tanto de empreendedores quanto de investidores. Cada jogador começa com uma ideia individual, esboçada no papel, e avança por diversas fases competitivas e colaborativas. O pensamento visual desempenha um papel central na fundamentação da formação do conceito de startup, ao exigir que os participantes desenhem e representem visualmente suas ideias. Esse processo ajuda a esclarecer conceitos abstratos e incentiva a iteração rápida, algo crucial no empreendedorismo.

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Temas

Organização do espaço para a colaboração.

Apresentação persuasiva de ideias.

Embasamento em pesquisas com usuários.

Documentação com service blueprint.

Prototipação de serviços com Lego.

Criação de narrativas sobre interações em vídeo.

Tutorial

Na primeira fase do jogo, cada participante apresenta sua ideia aos demais, tentando "vendê-la" em troca de formar uma parceria com outro jogador. Os esboços funcionam como apoio visual, ajudando os participantes a comunicar suas ideias com mais eficácia. Essas representações também facilitam a discussão, permitindo que potenciais parceiros visualizem possibilidades de aprimoramento e colaboração. O uso do desenho encoraja os participantes a pensar criticamente sobre a integração de diferentes conceitos e sobre a melhor forma de comunicar a visão de startup em evolução.

O jogo se desenvolve em 3 fases:

• Fase 1: Cada participante esboça sua ideia e sai para "vendê-la" aos outros. Os jogadores devem convencer outro participante a comprar sua ideia, o que leva à fusão ou ao abandono de uma das ideias.
• Fase 2: Os jogadores que formaram duplas passam a trabalhar juntos para desenvolver ainda mais a ideia combinada, ou a nova ideia resultante da fusão. Eles então criam um segundo esboço em uma nova folha de papel. Nessa etapa, os participantes focam no refinamento da ideia e na preparação para a fase seguinte.
• Fase 3: A dupla deve agora recrutar novos membros, convencendo outros a juntar-se ao seu time, formando grupos maiores. O objetivo é montar uma equipe com pelo menos 8 pessoas, incluindo membros de diferentes áreas ou formações. Times que não alcançarem esse número mínimo não podem avançar à etapa final.

Um aspecto único do jogo é a flexibilidade concedida aos jogadores: eles podem deixar seu time atual e juntar-se a outro a qualquer momento, promovendo constante interação e negociação. À medida que o jogo avança para as fases posteriores, as duplas precisam convencer outros a entrar em seu grupo apresentando visualmente suas ideias refinadas. Quanto maior e mais coesa a equipe se torna, mais forte deve ser sua narrativa visual. A fase final consiste na formação de um time com pelo menos oito participantes, cujo progresso é acompanhado visualmente em uma grande parede de papel kraft, onde todas as ideias e equipes são interconectadas por meio de esboços e diagramas.

As imagens da implementação do jogo demonstram como os participantes se engajam ativamente nesses exercícios visuais, apresentando suas ideias, discutindo-as em equipe e extraindo novos insights do processo colaborativo. As representações visuais funcionam como uma linguagem comum, reduzindo lacunas de entendimento e facilitando a convergência de participantes de diferentes formações em uma visão empreendedora compartilhada.

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Apresentação realizada durante o evento UTF Faz Design em junho de 2025.

User experience e colonialismo digital [MP3] 11 minutos

Transcrição

Estou emocionado de estar de volta à Universidade Tecnológica Federal do Paraná após quase dois anos na Universidade da Flórida. Estive afastado por licença para tratar de assuntos particulares. Meu "assunto particular" era uma potencial realização do sonho americano, que acabou virando um pesadelo americano, um American Nightmare. Mas agora estou aqui com vocês. Está tudo bem. Não fui processado, nem preso, nem deportado, ufa!

Hoje vou falar um pouco sobre isso na minha fala rápida, para abordarmos a politização da experiência do usuário ou, como é mais conhecida no Brasil, infelizmente, User Experience, vulgo UX. Esta apresentação é sobre um aspecto dessa politização que justifica uma abordagem crítica: o colonialismo digital. Existem outras maneiras de olhar criticamente para UX, mas vou focar apenas nisso nesta apresentação breve.

Quando se fala em User Experience, normalmente se referencia um autor estadunidense chamado Donald Norman, ainda vivo. Ele editou o livro User Centered System Design (1980) e escreveu o Design do dia-a-dia (1988), e muitas pessoas atribuem tanto o termo "Experiência do Usuário" (User Experience) quanto "Design Centrado no Usuário" (User Centered Design) a esse senhor branco, velho, hétero e normativo. Porém, isso é um erro e manter esse equívoco é uma atitude patriarcal.

A pessoa que cunhou o termo pela primeira vez foi Brenda Laurel, uma mulher, e isso não é por acaso. A atitude de Norman (e de tantos outros na área) expressa essa tendência patriarcal de valorizar o trabalho de homens em detrimento das mulheres. O termo aparece em um capítulo escrito por ela no livro editado por Norman. Ou seja, ele conhecia o termo, mas não o utilizava até 1995, na CHI, quando passou a adotá-lo. A visão de Laurel era muito diferente: mais ética, mais política, mais progressista. Norman simplificou e retirou esses aspectos da proposta.

Estamos tentando recuperar o trabalho dela e relacioná-lo com autores do Sul Global. Porém, embora Laurel seja uma mulher, ela está localizada no Norte Global e não pensa explicitamente questões como colonialismo e imperialismo, que vivenciamos aqui no Brasil no nosso cotidiano.

Autores brasileiros como Davison Faustino e Walter Lippold, no fantástico livro Colonialismo Digital, explicam como a infraestrutura das tecnologias digitais estrangeiras se assemelha muito à estrutura colonial que destruiu Pindorama, as terras indígenas que estavam aqui antes da chegada europeia. Essa infraestrutura impôs um modo de vida, uma cultura, sobre quem vivia aqui e sobre quem foi trazido à força, como pessoas de África.

Essas grandes empresas de tecnologia, as chamadas Big Techs, operam hoje como as grandes companhias de colonização das "Índias", como eram chamados todos os lugares desconhecidos pelos europeus. Por isso, os povos daqui foram chamados de "índios", pois os europeus não sabiam onde estavam. Esse preconceito do outro continua presente, formalizado em algoritmos e sistemas que separam o "outro" daquele que é o padrão normativo do colonizador: o homem branco hétero. Para as Big Techs, os outros são os usuários.

Empresas como Amazon, Facebook e Spotify lucram com mecanismos digitais de exploração de usuários através do UX design. Essas Big Techs reduzem cidadãos de direitos a meros usuários de serviços públicos ou privados. Direitos viram "necessidades" ou "desejos" que podem ser supridos pelo design. Surge então o "problema", que o designer deve resolver e não mais uma discussão sobre direitos.

Rodrigo Gonzato e eu chamamos isso de Usuarismo: uma forma de opressão sistêmica enfrentada ao usar tecnologias digitais, estrangeiras ou nacionais. Ainda não temos um livro sobre o assunto, como Norman e Laurel têm, mas temos um artigo acadêmico no qual desenvolvemos essa crítica.

O que podemos fazer, na prática, para combater o Usuarismo e o Colonialismo Digital no Brasil? A primeira coisa é traduzir o termo User Experience. Quando retornei ao Brasil depois do doutorado na Holanda, em 2015, percebi que a minha profissão havia passado de "Arquitetura de Informação" para "User Experience". Propus então traduzir o termo como "Experiência do Usuário" e adotar a sigla ExU, que é a abreviação correta em português.

Além de estar correto, o termo valoriza nossas matrizes culturais africanas. Exu é o orixá da comunicação. Faz total sentido associá-lo a uma área que se dedica justamente à comunicação entre pessoas e sistemas. É claro que isso é controverso. Algumas pessoas dizem que eu estaria ofendendo a entidade Exu ao associá-la a algo "vil". Muitas vezes vem também a confusão cristã que associa Exu ao diabo, algo totalmente incorreto. Recuperamos justamente esse aspecto positivo do nome para falar de uma profissão que acreditamos que ainda tem salvação.

O colega Horácio Soares, excelente profissional de gestão e design de produto, criou a camiseta "Exu: a entidade mais próxima do usuário" e traduziu até o "Utility Belt" para "Cinto de Utilidade do Produto". Em 2018, essa tradução já estava circulando. Os livros Ergodesign e Arquitetura de Informação, do Luiz Agner, e Fundamentos de UX, do Guilherme Reis, que são, a meu ver, as melhores introduções ao assunto em português, ambos incorporam a discussão anticolonial que começamos em 2015.

Mas isso ainda não basta. O próximo passo é engajar-se com os movimentos sociais que já lutam contra o colonialismo digital. Destaco o trabalho do Núcleo de Tecnologia do MTST, muito ativo em São Paulo e com projeção nacional, articulando ações e formações em soberania digital popular. Aqui na UTFPR temos o Laboratório de Design contra Opressões (LADO), cujo propósito é dialogar com movimentos sociais. Na foto, por exemplo, estamos com o movimento Povo pelo Povo aqui de Curitiba.

Se você está pensando em fazer um estágio em uma startup de UX, pense duas vezes. Talvez você queira fazer um estágio de ExU no LADO. Temos projetos em andamento, inclusive com movimentos sociais, e também conversas com profissionais que migram para essa área e pagam boletos. Sim, é possível viver bem com essa abordagem. Não é idealismo.

Por fim, se quiser aprender mais sobre design crítico e EXU, venha para o ixDive, projeto da querida colega Cláudia Bordin Rodrigues. Trata-se de uma experiência autogestionária, onde estudantes ensinam e aprendem mutuamente, uma prática alinhada à pedagogia crítica de Paulo Freire. Ninguém ensina ninguém; ninguém converte ninguém. Aprendemos e nos transformamos coletivamente.

Resumindo: é possível viver bem sem aderir à colonização digital. Junte-se aos seus parças e lute!

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Por que é feito? O Storyboard foi criado originalmente para planejar filmes e animações, aproveitando a referência das revistas em quadrinhos. Os diretores de cinema precisam visualizar como será a sequência de cenas antes de começar a filmar, pois a filmagem custa muito caro. O storyboard ajuda a evitar erros e planejar algo bastante subjetivo.

Passo-a-passo

1. Imprimir 5 cópias do template de storyboard. Utilizar apenas lápis para poder apagar caso necessário. Escolha uma das histórias de interação com produtos e serviços que você ouviu do usuário ou observou.
2. Escrever nas linhas em branco o que acontece em cada cena antes de desenhar. As cenas não devem conter balões de texto, ou seja, escreva também as falas dos personagens se houver.
3. Depois de escrever todo o texto, comece a desenhar as cenas. Não se preocupe se só conseguir desenhar a figura humana em formato de palito. O ponto do exercício é pensar na sequência da interação.
4. Fotografar o storyboard com o celular ou câmera digital.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

O Storyboard é como se fosse uma história em quadrinhos sobre a interação que o usuário teve com um concorrente seu ou que vai ter com o produto ou serviço que você está projetando.

Para começar, imprima cinco cópias do template de Storyboard em uma folha de papel A4. Utilize lápis para poder apagar e rabiscar livremente. Escolha uma das histórias de interações que o usuário teve com produtos ou serviços que você observou diretamente ou que você ouviu do usuário para representar no seu Storyboard.

Cada quadradinho do Storyboard é como se fosse uma etapa na interação que o usuário tem com o produto ou serviço.

Antes de desenhar, você deve escrever embaixo o que está acontecendo naquela cena de modo que você se concentre nas ideias para depois pensar no visual.

Para o Storyboard, não é necessário desenhar com precisão. Esboços simples, bonequinhos de palito já são suficientes para expressar a ideia. O importante é contar uma boa história.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito? Um conceito que funciona muito bem na ideia pode não funcionar no mundo físico. Ao construir o protótipo, a ideia costuma ser adaptada para viabilizar sua execução. O protótipo ajuda a refletir sobre a ideia e torná-la mais concreta.

Passo-a-passo

1. Conseguir os materiais que parecem ser necessários para criar o protótipo.
2. Experimentar combinações dos vários materiais para dar forma ao protótipo. Tirar foto ou captura de tela de cada uma.
3. Implementar as funcionalidades do protótipo através de partes móveis, desenhos, texto de instrução e outras marcações.
4. Imaginar diversos usos do protótipo falando em voz alta o que você está fazendo.
5. Dentre os experimentos feitos, escolher um protótipo para testar na próxima fase do projeto.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

No começo de um projeto de produto ou serviço, é muito comum as pessoas pararem e não saberem como progredir. Nessa situação é muito indicado fazer um protótipo, um modelo físico mesmo, que permita o mínimo possível para poder experimentar o uso desse produto ou serviço e dessa maneira poder continuar o desenvolvimento do projeto.

Você pode usar vários materiais de baixo custo para fazer protótipos, tais como Lego, lápis, papel, isopor, massa de modelar, papelão ou poliestireno. É bom ter uma variedade de materiais à mão para que qualquer ideia possa ser imediatamente prototipada com as mãos. Comece colocando os materiais que você tem às mãos um em cima do outro só para imaginar como ficaria o produto ou serviço.

Se você estiver prototipando um serviço, você provavelmente precisará de materiais lisos para simular interfaces. Já se você estiver prototipando um produto, você precisará de materiais com volume, tais como massa de modelar, Lego, poliestireno e outros. O protótipo serve para tornar mais tangível as discussões ao redor do projeto e experimentar o uso. Ou seja, não é necessário desenvolver um protótipo muito detalhado. Apenas o mínimo necessário para experimentar o uso deve estar lá. Partes móveis, post-its, pedaços de papel, Lego, massa de modelar que se move, tudo isso pode ser utilizado com uma boa dose de imaginação para fazer o protótipo se tornar vivo e funcional.

O protótipo ideal é aquele que o usuário consegue experimentar o uso sem precisar de instruções de uma outra pessoa, apenas tocando e interagindo com o protótipo. Durante o desenvolvimento desse protótipo, é bem interessante testar essa capacidade do protótipo de ser autoexplicativo em várias diferentes situações. Então assim que alguém desenvolver um protótipo, outra pessoa na equipe deve pegar esse protótipo e experimentar como se fosse um usuário e novas ideias podem surgir desse processo. Os protótipos serão refinados, transformados em novos protótipos e assim o projeto vai evoluir através de ciclos.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito? Com frequência, a ideia que parece mais original do mundo já foi implementada em algum lugar. Para evitar o desperdício de desenvolver algo que já existe, é feita a análise de similares.

Passo-a-passo

1. Pesquisar no Google as ideias mais votadas na fase de brainstorming. Verificar se há produtos ou serviços que apliquem esta ideia.
2. Dentre os produtos e serviços encontrados, escolher 4 que forem mais parecidos.
3. Definir pelo menos 3 critérios de comparação e 4 funcionalidades para os similares e colocar numa tabela seguindo o template.
4. Classificar por nota de 1 a 10 os critérios e sim/não para as funcionalidades.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Análises similares servem para você evitar o constrangimento de apresentar essa ideia para alguém e receber como resposta "mas já não existe algo assim?" Com base na pesquisa que você fizer, você precisa mostrar que a sua ideia é diferente das outras e dessa maneira as pessoas vão acreditar que você irá sobreviver à concorrência.

O primeiro passo da análise de similares e talvez o mais difícil é encontrar os seus concorrentes, as ideias similares às suas. Pergunte para seus amigos, pergunte para especialistas, faça várias pesquisas no Google, tente várias palavras-chave, inclusive em outros idiomas. Tenha certeza de que alguém já não fez algo parecido com aquilo.

Alguns produtos ou serviços talvez nem valham a pena comparar com o seu, porém você deve escolher pelo menos 4 produtos ou serviços para comparar a ideia, mesmo que eles não atuem no mesmo mercado ou segmento em que você deseja atuar.

Defina pelo menos 3 critérios de comparação, beleza, durabilidade ou funcionalidade. Além dos 3 critérios, defina também 4 funcionalidades que o seu produto ou serviço tem e que os demais da concorrência não têm. Uma funcionalidade é uma característica específica de um produto ou serviço que você deseja comparar. Depois de definir os critérios e as funcionalidades, você deve classificar cada um dos produtos ou serviços comparados de acordo com uma escala nos critérios de 1 a 10 e nas funcionalidades sim e não.

Agora você tem uma visão clara do seu produto ou serviço em relação à concorrência. Você pode voltar e analisar a sua ideia para revisá-la a partir dessa pesquisa de análise similares.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Passo-a-passo

1. Pesquisar no Google imagens relacionadas ao seu tema. Salvar estas imagens numa pasta do computador. Filtre as imagens marcadas para reutilização com modificação na aba ferramentas. Se você tiver outra fonte de imagens com licenças de uso livres, fique à vontade para utilizar.
2. Abrir o template de painel semântico no PowerPoint.
3. Clicar com o botão direito nas imagens existentes e escolher "Mudar imagem". Inserir as imagens selecionadas na etapa anterior.
4. Organizar as imagens de maneira criativa e caótica.
5. Exportar o slide como uma imagem JPEG.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

O painel semântico é uma colagem de imagens que serve para expressar o significado de um contexto. Ele pode ser utilizado para lembrar os projetistas depois sobre esse contexto, sobre suas características, bem como para ajudar em situações em que há bloqueios de criatividade. Basta olhar para o painel semântico que as ideias vêm à cabeça imediatamente através das suas múltiplas imagens.

Primeiro, faça uma pesquisa no Google na aba "Imagens" sobre temas relacionados ao seu projeto. Filtre as imagens marcadas para reutilização com modificação na aba de "Ferramentas". Se você tiver outras fontes de imagens com licença de uso livres, fique à vontade para utilizar, não tem problema. Salve todas as imagens numa pasta de computador. Busque imagens que representem a diversidade do tema, as emoções que as pessoas sentem, os estilos e os objetos que as pessoas usam neste contexto.

Abra um template de PowerPoint sobre o painel semântico e modifique as imagens existentes para colocar aquelas que você salvou na sua pasta de computador. Mude elas de lugar, gire as imagens, faça cortes, ordene como quiser. Siga a sua intuição e tente deixar as imagens de maneira que elas evoquem emoções similares próximas umas das outras.

Lembre-se, o objetivo do painel semântico é estimular a criatividade da equipe e servir de orientação subjetiva ao projeto. Quando você estiver satisfeito com o resultado, exporte o seu painel semântico com uma imagem JPEG.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito? As pesquisas com usuários costumam levantar tantos dados que se torna difícil compreender e lembrar de tudo o que foi aprendido. A Persona é criada para sintetizar os dados num formato de fácil compreensão. Uma Persona pode representar vários tipos de usuários, porém, elas devem sempre parecer realistas.

Passo-a-passo

1. Os dados das pesquisas com usuários são reunidos para reflexão.
2. Escrever uma lista de tipos de usuários. Podem ser usadas variáveis para definir os tipos, tais como experiência no assunto, idade, poder aquisitivo, etc. Assim, é possível ter o tipo experiente/inexperiente, idoso/jovem, rico/pobre e assim por diante.
3. Criar uma persona para cada tipo de usuário utilizando o template de PowerPoint.
4. Definir os objetivos da persona, os comportamentos típicos, o que deve ser feito e o que não deve.
5. Colocar uma foto na Persona com direitos liberados para reutilização. No Google Imagens, você precisa clicar em "Ferramentas de pesquisa", "Sem filtros de licença" e selecionar "Marcadas para reutilização".
6. Agrupar todas essas informações num arquivo só.

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Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Persona não são perfis de usuários inventados ou imaginados. Persona são perfis de usuários baseados em pesquisas sobre os hábitos, comportamentos e características de diferentes tipos de usuários. O objetivo é sintetizar todos esses dados de uma maneira fácil de lembrar e compreender.

O primeiro passo da criação de uma persona é reunir todos os dados levantados na pesquisa e procurar por padrões de comportamento nestes dados.

O número de personas vai depender da quantidade diferente de padrões que você encontrar nos seus dados. Cada tipo de usuário você poderá construir a partir de uma combinação de diferentes características, como, por exemplo, idade, profissão, experiência, com um determinado assunto. Mas lembre-se, acrescente somente os usuários que tenham aparecido na sua pesquisa.

Uma persona é uma ficha de personagem com as informações relevantes do produto ou serviço. A ficha costuma conter os objetivos da persona para usar, os comportamentos típicos, o que deve ser feito e o que não deve ser feito para essa persona. Essas informações devem ser coerentes com uma pessoa real, um perfil em que qualquer pessoa possa acreditar que existe no mundo real.

Se você quiser colocar uma foto de uma pessoa para ilustrar a sua persona, você precisará da autorização desta pessoa. Na busca de imagens do Google, você pode pesquisar por fotos de pessoas que já liberaram o seu uso pela internet. Clique em "ferramentas de pesquisa" e modifique a opção "sem filtros de licença" para "marcadas para reutilização".

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito? A jornada do usuário é uma descrição do produto/serviço do ponto de vista do usuário, ou seja, ela descreve quando e por que o usuário usa o produto/serviço sem entrar nos pormenores de funcionamento. Apenas aquilo que o usuário vê é mapeado. As oportunidades de mudança surgem à partir do estado emocional do usuário, que indica pontos onde deve haver melhoria ou simplificação.

Passo-a-passo

1. Escolher um tipo de usuário a ser mapeado com base nas pesquisas anteriores. Na maioria dos casos, cada usuário é mapeado em uma jornada diferente. Fazer um desenho simples do usuário num post-it ou papelzinho.
2. Escrever em post-its ou papéis pequenos tudo o que o usuário faz com o produto/serviço atual, quais são os meios que ele utiliza e como ele se sente. Utilizar um post-it para cada ideia.
3. Dividir uma folha de papel A3 em 5 colunas (Conhecer, Começar, Usar, Desenvolver, Sair) e 4 linhas (Ações do usuário, Pontos de contato, Dores e ganhos, Análise crítica).
4. Colar os post-its nos espaços correspondentes, criando uma classificação dos passos. Acrescentar novos post-its onde for apropriado. Mover os post-it de um lado para o outro caso mude de ideia.
5. Observar a sequência como um todo e preencher a linha de análise crítica.

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Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Para a jornada do usuário, você irá precisar de uma caneta, um bloco de post-its, que pode ser substituído por folhas de papel cortado e uma folha de papel A3.

Lembre-se de algum usuário que você viu durante a sua pesquisa e faça um desenho dele, um desenho simples, num post-it.

Pegue um bloco de post-its e escreva em cada post-it uma ação que o usuário fez quando você observou durante a pesquisa. Escreva todas as ações que a pessoa fez, mesmo que não seja na ordem em que elas aconteçam. O importante, neste momento, é fazer uma pilha que depois você irá organizar na próxima etapa.

Agora, pegue a sua folha A3 e divida em cinco colunas. Conhecer, começar, usar, desenvolver e sair. Elas correspondem às etapas da jornada do usuário, desde o momento em que ele descobre o serviço ou produto que você está analisando até o momento em que ele deixa de usar. Depois disso, faça quatro linhas. Ações do usuário, pontos de contato, dores e ganhos e análise crítica. Estas linhas servem para analisar como que o produto ou serviço interage com o usuário durante cada etapa de sua jornada.

Cole os post-its que você tinha escrito anteriormente nas colunas e linhas correspondentes às etapas da jornada do usuário. Talvez você queira acrescentar novos post-its ou então mudar de lugar os post-its existentes. O objetivo é refletir sobre a jornada do usuário.

Depois que você tiver colado todos os post-its, observe a visão geral da jornada do usuário e faça uma análise crítica dos problemas encontrados na última linha.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Passo-a-passo

1. Reunir todos os membros do projeto e discutir o foco do projeto.
2. Refletir sobre as pesquisas iniciais.
3. Definir problemas, usuários, oportunidades, recursos e retorno do investimento.

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Como começar o briefing? Reúna os seus colegas num local onde você possa confortavelmente discutir o projeto. Uma dessas pessoas deve se responsabilizar por tomar notas de tudo o que for discutido durante a conversa.

A discussão irá gerar o documento de briefing, um documento que contém todas as premissas básicas que irão orientar o projeto numa determinada direção, mesmo que não se saiba exatamente o que se está projetando.

Nas pesquisas anteriores, você deve ter observado situações em que as pessoas tinham problemas com serviços, produtos e tecnologias. Na discussão de briefing, você deve lembrar desses problemas para orientar o projeto. Defina quais usuários serão atingidos pelo problema. Pense nas pessoas que você viu falando com o problema. Defina um perfil para cada uma delas, ou seja, um tipo de usuário que tenha aquele problema. Esse perfil pode ser baseado em demografia, um cargo profissional ou também um nível de relacionamento.

O que seria possível fazer caso esses problemas não existissem? Pense nas vantagens para o usuário, para sua família, colegas de trabalho e a empresa onde ele trabalha.

Faça uma lista de recursos que você precisará para desenvolver o projeto. Esses recursos podem ser materiais, insumos, veículos, objetos, locais, etc. Isso vai ajudar a sua equipe a saber o que precisa correr atrás.

Discuta, por fim, o retorno para um potencial investidor do projeto. Quem você acha que poderia investir na ideia e qual será o retorno do investimento.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito? As histórias de vivências que o usuário conta ajudam a compreender suas motivações, dificuldades e desejos. A entrevista permite uma compreensão mais profunda do que outros métodos de pesquisa, pois a pessoa pode se expressar livremente.

Passo-a-passo

1. Definição de usuários e temas de interesse. Não é aconselhado escrever de ante-mão as perguntas a serem feitas, apenas uma lista de temas a serem tratados.
2. Busca de usuários em locais públicos ou através de redes de amigos.
3. Marcar o local e a data da entrevista com o usuário.
4. Conversa relaxada sobre os temas de interesse, sem parecer inquérito policial. O entrevistador tem duas opções: anota num caderno para não esquecer os principais momentos das histórias descritas ou grava o áudio da entrevista, com a autorização do entrevistado.
5. As entrevistas com diferentes usuários são comparadas e histórias similares aparecem.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Para fazer a entrevista contextual, você precisa definir quais são os usuários que você vai entrevistar e quais serão os tópicos que você irá abordar. Não é necessário fazer uma lista de perguntas, isso vai levar você a fazer uma entrevista que mais parece um inquérito policial do que uma conversa. A melhor maneira de você se preparar para a entrevista é fazer uma lista solta de tópicos a serem abordados.

O método de entrevista contextual consiste em ter um diálogo, uma conversa no território do próprio usuário, na casa dele, no escritório, na universidade, onde ele normalmente costuma frequentar. Lá, você irá ter uma conversa sobre temas de interesse do usuário, não necessariamente os seus próprios temas. A partir do momento que você engaja nessa conversa, você pode sim acrescentar tópicos do seu interesse, mas o mais importante é não interromper o fluxo da conversa e manter o clima de diálogo aberto.

Quando o usuário estiver falando, tome notas num caderno para se lembrar dos principais pontos da conversa. Você pode, se tiver autorização do usuário, gravar o áudio também, mas lembre-se, depois que você for ouvir esse áudio, você irá gastar o mesmo tempo para extrair algum dado relevante, logo, anotar no caderno é mais importante do que gravar a conversa em áudio.

Enquanto o usuário estiver falando, aproveite para encaixar a sua pergunta no mesmo tema, mesmo que ele esteja numa ordem diferente na sua lista de tópicos. Isso vai ajudar o usuário a se sentir mais à vontade na conversa e você poderá ir mais a fundo no tema.

As perguntas que você for fazer ao usuário não devem ser perguntas muito fechadas, que a pessoa possa responder sim ou não e a conversa acabar. O ideal é você fazer perguntas mais abertas, vagas mesmo, com a intenção da pessoa se abrir e aí sim você trabalhar no tema que é de interesse dela.

Se você sentir necessidade, você pode ter uma outra pessoa te ajudando a tomar notas enquanto o usuário vai falando, você pode se concentrar então em fazer perguntas relevantes. Caso você fique sem algum assunto ou não saiba mais o que perguntar, volte à sua lista de tópicos anotada no caderno e veja se você abordou todos os tópicos.

Se você ficar com dúvidas sobre alguma coisa que a pessoa disser, aproveite para utilizar o "por quê", essa ferramenta mais importante numa entrevista que vai ajudar o usuário a expressar as motivações dele.

Quando você tiver abordado todos os tópicos da sua lista e não tiver mais nenhuma dúvida sobre o que o usuário falou, então agradeça essa pessoa e termine a entrevista.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Passo-a-passo

1. Definição de usuários a serem mapeados. Estes podem ser os mesmos usuários estudados por Shadowing.
2. Mapear as atividades de acordo com o horário e local num dia típico de semana utilizando o template de Excel. Apenas as atividades de rotina devem ser mapeadas. Deixar em branco o que não souber.
3. Validar a linha do tempo com o usuário para verificar que não tem nada errado por telefone ou email. Tirar as dúvidas sobre o que não se sabia.
4. Comparar o dia na vida de diferentes pessoas.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Abra a planilha "Um Dia na Vida" e insira os dados que foram coletados na sua pesquisa com usuários. Você deve preencher todas as atividades que o usuário faz durante um dia comum de sua vida. Se você não souber alguma coisa, estiver faltando alguma informação, aproveite para telefonar, mandar uma mensagem para o usuário entrevistado e verificar esses dados.

Quando acontecer alguma coisa no dia da pessoa que você perceber que não está contribuindo para a motivação dela, isso pode se tornar um problema de projeto. Isso significa que você pode desenvolver algo que tente solucionar esse problema para essa pessoa. Dificilmente, se você perguntar para uma pessoa quais são os problemas dela, ela vai te dizer porque esses problemas serão resultado da sua análise das dificuldades que as pessoas têm em atingir as suas motivações.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito? O produto ou serviço sempre parece mais fácil de usar nas mãos de seus criadores do que nas mãos de usuários que não sabem nada sobre o assunto. Já que o objetivo de qualquer projeto é ser útil para os usuários, nada mais coerente do que testar com usuários para obter feedback nesse sentido.

Passo-a-passo

1. Recrutar pelo menos 5 usuários para o teste de usabilidade. Tentar encontrar pessoas parecidas com as personas definidas anteriormente. Agendar com cada usuário um horário separado. Não testar com todos ao mesmo tempo.
2. Escrever a lista de tarefas a serem dadas para os usuários antes do teste. Essas tarefas não devem mencionar as mesmas palavras contidas no protótipo para evitar enviesamento.
3. Durante o teste, explicar ao usuário que quem está sendo testado é o produto/serviço e não o usuário, ou seja, sua capacidade de usar não está em jogo. O usuário é o especialista em uso; ele sempre tem razão.
4. Pedir ao usuário para executar as tarefas da lista enquanto verbaliza seus pensamentos. Caso tenha uma outra pessoa disponível para te ajudar, tire fotos em momentos que o usuário tenha dificuldades para lembrar depois.
5. Pedir ao usuário verbalizar seus pensamentos sempre que ele ficar em silêncio.
6. Quando terminar todas as tarefas, agradecer o usuário e escrever uma lista de aprendizados.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

A melhor maneira de obter feedback sobre um produto ou serviço que você esteja desenvolvendo é através do teste de usabilidade. Você apresenta o protótipo e pede para que os usuários usem como se fosse na realidade. Ou seja, o teste de usabilidade é uma espécie de simulação de uso.

Realize o teste de usabilidade com pelo menos cinco pessoas diferentes. Acredita-se que essa quantidade é suficiente para encontrar a maior parte dos problemas. Busque as pessoas que vão participar do teste entre seus conhecidos, amigos e profissionais. Tente encontrar pessoas que são parecidas com as pessoas que você identificou nas fases de pesquisa anterior.

Evite de fazer o teste de usabilidade com mais de um usuário ao mesmo tempo. Do contrário, pode ser que haja influência do comportamento de um sobre o outro.

Escreva uma lista de tarefas que você deseja que o usuário realize com seu produto ou serviço. Escreva com um texto vago e impreciso de propósito, com o objetivo de que o usuário tenha uma certa dificuldade para realizar a tarefa e não venha com uma resposta muito óbvia. Do contrário, você não conseguirá obter um feedback útil para o seu teste.

Quando os usuários chegarem para fazer o teste, cumprimente-os e explique que o objetivo do teste não é testar a capacidade do usuário em realizar as tarefas, mas sim testar a capacidade do produto e serviço em servir o usuário. Ou seja, se algum problema acontecer, a culpa não é do usuário, a culpa é do produto ou serviço.

Leia a tarefa que o usuário precisa realizar e peça que ele verbalize tudo que vier na sua mente. Esse dado será fundamental para entender o seu comportamento. Toda vez que o usuário quiser clicar em alguma coisa, peça que ele mostre isso apontando o dedo tocando no lugar mesmo onde ele gostaria de interagir.

Enquanto o usuário realiza as tarefas e conversa com o pesquisador, é importante ter uma terceira pessoa que anota tudo que está sendo dito e discutido e também tira fotos de momentos relevantes. Essa pessoa deve evitar de interagir com o usuário e se concentrar na tarefa de anotação.

Se em algum momento durante o teste o usuário parar e ficar pensando consigo mesmo, é importante que o pesquisador estimule-o a verbalizar o seu pensamento para compreender as suas motivações. Sempre que o usuário tiver algum problema na sua interação, é fundamental que o anotador tire uma foto e registre aquele momento em suas anotações.

Depois de executar todas as tarefas, converse com o usuário sobre como foi a experiência dele e, em especial, os problemas que ele teve. Se o usuário tiver sugestões de como poderia ser feito diferente, entregue-o uma folha de papel para que ele desenhe, de repente ele se anima e te dá ideias maravilhosas para melhorar o seu protótipo.

Por fim, não se esqueça de agradecer ao usuário pela sua participação, afinal de contas ele foi o especialista durante o teste de usabilidade.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito? Especialistas trazem uma visão nova para o projeto e encontram problemas até então invisíveis ao criador do projeto. A avaliação heurística é uma maneira estruturada de incorporar a experiência dos especialistas no projeto.

Passo-a-passo

1. Escolher o conjunto de heurísticas mais apropriado para o projeto.
2. Encontrar um especialista no tema do projeto.
3. Entregar para ele ou ela o protótipo junto com o template de avaliação em Excel contendo as heurísticas e um espaço para comentários. Aqui há um template com heurísticas de produtos e heurísticas de serviços. Você pode escolher entre repassar um conjunto de heurísticas aplicável a produtos ou a serviços. Peça que o avaliador mencione as heurísticas na medida em que for tecendo comentários.
4. Comparar e refletir sobre os resultados.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Heurística é um conhecimento acumulado através da experiência profissional. O conhecimento surge da identificação de padrões entre problemas e soluções recorrentes. A heurística serve para lembrar e orientar os projetistas para o que é mais importante para aquele projeto.

Na literatura de design existem vários conjuntos de heurísticas prontas para usar. Para avaliar serviços, recomendamos utilizar o conjunto de heurísticas de Visard. Para produtos, aplicativos e websites, recomendamos o conjunto de heurísticas de Jacob Nielsen e de Rolf Mollich. Também é possível aplicar dois conjuntos no mesmo projeto ou, então, utilizar outros conjuntos de heurísticas.

O primeiro passo da avaliação heurística é encontrar um ou mais especialistas externos ao projeto, pessoas que possam avaliar o produto ou serviço que você está desenvolvendo e dar um parecer neutro a respeito daquela interação. É importante que também essas pessoas sigam as mesmas instruções de modo a facilitar a comparação na análise.

As instruções são as seguintes. Entregue o protótipo desenvolvido em uma planilha de análise contendo as heurísticas escolhidas bem como um espaço para comentários. Peça que o avaliador relacione os seus comentários com as heurísticas existentes. Deste modo, será mais fácil comparar os resultados dos diferentes avaliadores.

Coloque as planilhas recebidas dos avaliadores lado a lado e verifique se existem coisas que são parecidas entre umas e outras. Caso isso aconteça, marque com uma cor diferente, porque isso significa que há um consenso entre os avaliadores de que algo deve ser mudado no seu produto ou serviço.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito?

Quem possui experiência em projetos sabe que a primeira ideia que vêm à cabeça dificilmente será a melhor. O brainstorming gera diversas ideias para explorar as possibilidades antes de escolher qual ideia desenvolver. É também uma maneira de aproveitar a empolgação de um grupo para gerar novas ideias.

Como é feito?

1. As pessoas que vão participar do brainstorming se reúnem numa mesa em círculo.
2. Uma das pessoas se prontifica a ser o anotador da sessão. As anotações podem ser feitas num caderno ou num quadro branco/flipchart para visualização geral.
3. As pessoas falam sobre suas ideias e estendem as ideias dos outros. Devem ser criadas pelo menos 30 ideias diferentes.
4. Quando o tempo estiver acabando, é recomendável fazer uma eleição das melhores ideias. Cada participante tem direito a votar em 3 ideias diferentes. Os votos são marcados com adesivos de bolinha Pimaco ou riscos ao lado da ideia.
5. O anotador verifica se todas as ideias foram capturadas e a sessão é encerrada.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

Para realizar uma sessão de brainstorming, comece preparando um espaço confortável para o grupo trabalhar. Certifique-se de ter um quadro branco ou um flip chart, uma mesa pequena, canetas, papel, fita crepe e etiquetas de bolinha colorida disponíveis.

Reúna sua equipe e escolha um anotador para as ideias. Esta pessoa terá a responsabilidade de ouvir e anotar todas as ideias que os outros participantes mencionarem, evitando dar suas próprias ideias para manter o foco no registro.

Os outros participantes podem desenhar e anotar suas ideias em folhas de papel soltas e, em seguida, colá-las no quadro branco junto com as anotações feitas pelo anotador. Sempre que alguém tiver uma ideia, é recomendável que, além de falar, também a anote numa folha de papel para ser colocada na parede ou no quadro branco. Isso permite que todos tenham uma visão clara do que foi proposto e possam continuar a desenvolver a ideia na mesma linha ou explorar uma linha diferente.

É importante observar as ideias dos colegas e procurar acrescentar algo a elas. Ao invés de propor uma ideia totalmente nova, tente desenvolver progressivamente uma ideia já existente. O método de brainstorming sugere evitar críticas, pois elas podem bloquear a criatividade e tornar a sessão improdutiva. Em vez disso, substitua as críticas por sugestões de melhorias ou alterações nas ideias.

Quando o grupo não tiver mais ideias ou o tempo da sessão estiver se esgotando, reserve um tempo para observar o que foi produzido coletivamente. Para selecionar as melhores ideias para o projeto, os participantes podem fazer uma votação. Cada pessoa recebe três etiquetas de bolinha colorida e escolhe suas ideias favoritas, colando um adesivo em cada uma. No final, o grupo terá uma visualização das ideias desenvolvidas e das mais votadas.

Série

Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
12. Teste de usabilidade
13. Avaliação heurística de interfaces

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Por que é feito?

Shadowing é usado para perceber como uma atividade depende de outra, como as pessoas reagem a situações inesperadas e que tipo de soluções criam para manter seus compromissos em dia. Estas informações são utilizadas para compreender demandas específicas e criar produtos e serviços que se encaixem na rotina do usuário.

Como é feito?

1. Definição de atividades e usuários de interesse.
2. O observador encontra um usuário de interesse num local público ou dentro de uma organização.
3. O observador aborda o usuário, explica o propósito do shadowing e pede permissão para seguí-lo e fotografá-lo.
4. O observador segue o usuário durante a execução de atividades de seu interesse.
5. O observador tira fotos, toma notas e faz perguntas em momentos apropriados.
6. A observação acaba e os dados coletados são guardados e organizados. O observador agradece a participação e pede o telefone do usuário para tirar dúvidas posteriormente.

Vídeo

Créditos: Vídeo produzido pela Hotmilk PUCPR e Imago Produções Educativas em 2017, como material didático para o programa de inovação aberta Renault Experience. Esta cópia faz parte do arquivo pessoal de Frederick van Amstel, responsável pelo roteiro e apresentação. Direção: Tatiana de Paula Lopes.

Transcrição

O shadowing é uma técnica utilizada para acompanhar um usuário em suas tarefas cotidianas, revelando seus sentimentos e pensamentos, tanto conscientes quanto inconscientes. Para realizar o shadowing, você precisará de um caderno de anotações, um smartphone para tirar fotos, e, principalmente, de uma pessoa, um usuário, para acompanhar.

Para encontrar um usuário, é melhor evitar sua rede de amigos, pois eles podem se comportar de forma diferente sabendo que você está observando. O ideal é encontrar alguém que você não conhece, em um ambiente público. Aborde essa pessoa e pergunte se ela quer participar da pesquisa, explicando que você é universitário e está tentando entender melhor o comportamento das pessoas. É provável que algumas pessoas recusem, mas não desista, continue procurando até encontrar alguém disposto a participar.

Quando encontrar um participante, é recomendável não começar imediatamente, mas sim marcar um horário conveniente em um outro dia, para segui-lo desde o início até o final de suas atividades diárias. No dia combinado, chegue no horário e informe ao participante que você não vai interagir com ele, mas apenas observar suas atividades à distância.

O principal benefício do shadowing é identificar situações em que o usuário enfrenta problemas no seu dia a dia e observar como ele lida e resolve esses problemas por conta própria. Essas situações podem revelar oportunidades de inovação e mudanças significativas para a vida do usuário.

Sempre que algo interessante acontecer, não perca a oportunidade de tirar uma foto para lembrar melhor depois. Durante o dia, você pode querer fazer algumas perguntas, mas guarde-as para momentos de pausa, como quando o usuário para para tomar um café.

Preste atenção especial às situações inesperadas que o usuário enfrenta. Essas podem ser oportunidades interessantes de inovação. O seu trabalho no shadowing é registrar tudo o que o usuário faz, tanto as coisas interessantes quanto as que você possa querer refletir mais tarde.

Ao final do dia, transfira os dados coletados para um computador. A maneira mais fácil de organizar esses dados é substituir o nome dos arquivos das fotos por legendas que descrevam o que está acontecendo em cada uma delas. Isso ajudará muito na hora de encontrar os dados quando você precisar deles.

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Este tutorial faz parte de uma toolkit de inovação no design, com outros métodos que podem ser combinados. Esses métodos não precisam ser executados necessariamente nesta ordem.

1. Brainstorming
2. Análise de similares
3. Briefing de projeto de experiência
4. Pesquisa de shadowing do usuário
5. "Um Dia na Vida" dos usuários
6. Storyboard de interação
7. Painel semântico
8. Entrevista contextual
9. Personas de usuários
10. Jornada do usuário
11. Protótipo bruto
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Gravação realizada no Meetup de Produto da Coproduto. Veja a gravação completa e a peça de teatro mencionada.

Inteligência artificial e o trabalho de design MP3 7 minutos

Transcrição feita com Whisper + ChatGPT

Vamos falar sobre inteligência artificial (IA) e o trabalho de design, trazendo uma reflexão rápida sobre as mudanças que a IA tem proposto para os profissionais desta área. Em primeiro lugar, é importante ressaltar que isso não é uma novidade. Na verdade, a inteligência artificial tem suas origens na área acadêmica, mais especificamente na pesquisa acadêmica sobre design.

Quando os primeiros pesquisadores da área de IA começaram a explorar as possibilidades de um algoritmo de solução de problemas genérico, considerado o primeiro algoritmo de inteligência artificial, houve um grande interesse pela área de design. O caso de Herbert Simon, que trabalhou com Newell nessa publicação, é emblemático. Simon escreveu um livro clássico, a "Ciências do Artificial", e ajudou a fundamentar, junto com outros trabalhos, a pesquisa sobre o pensamento projetual.

Deste ponto em diante, vários pesquisadores começaram a experimentar a implementação de máquinas que tentavam pensar como designers. O conceito de pensamento projetual, mais conhecido hoje como design thinking, foi popularizado por consultorias de inovação como a IDO e universidades como Stanford, a D.School. Suas origens estão nessa pesquisa sobre IA.

Tudo que fazemos hoje no design, que é fortemente influenciado pelo conceito de design thinking, tem sua origem nas pesquisas de inteligência artificial. Naquela época, quando essas primeiras máquinas de projetar foram criadas, a grande questão era se os designers perderiam seus empregos para essas máquinas. A preocupação era que essas máquinas tornariam desnecessária a contratação de designers profissionais. O resultado, no entanto, foi negativo. Nos anos 70, a qualidade dos designs gerados por estas máquinas era muito baixa e elas não sabiam como lidar com conflitos comuns no processo de design.

A partir disso, a pesquisa em design se focou na construção de ferramentas de design que possuíam um grau de inteligência artificial. Ferramentas de CAD e CAM são exemplos disso, e foram evoluindo ao longo do tempo. O foco era no computador ajudando no design, não substituindo o designer.

Mais recentemente, vimos a disseminação de inteligências artificiais generativas capazes de sintetizar imagens originais a partir de um prompt de texto. Isso despertou o interesse dos leigos, pessoas que não são designers profissionais, e trouxe de volta a pergunta: essas IAs vão tornar obsoleto o trabalho do designer?

Atualmente, as IAs estão sendo integradas a ferramentas profissionais como Adobe Firefly e outras, trazendo benefícios para os profissionais de design. Acredito que o caminho a ser seguido é esse. As ferramentas voltadas para leigos provavelmente se tornarão obsoletas rapidamente, pois não conseguem oferecer o controle necessário para produzir as imagens desejadas no projeto.

Este fato se torna mais evidente quando começamos a conectar diferentes IAs. Por exemplo, ao utilizar uma IA como o GPT para planejar uma pesquisa de experiências, que é uma atividade de metadesign, e conectá-la com uma ferramenta de síntese de imagem, temos uma visão ampla do potencial da integração entre diferentes IAs.

No entanto, fica a dúvida: os designers perderão seus trabalhos e todas as imagens serão geradas por este tipo de integração de IAs? Acredito que a principal questão não é tanto a perda de empregos, mas a qualidade do trabalho. Com a velocidade e a pressão crescentes, há o risco de que a IA precarize o trabalho.

Esta é uma das áreas que temos investigado em nossa pesquisa. Tentamos comunicar essa realidade aos novos estudantes através de uma narrativa teatral que envolvia personagens fictícios. Nessa história, um cliente solicita a uma IA que crie o logo da sua empresa, enquanto um designer, em uma situação precária de trabalho, cria a logo como se fosse a IA.

Ainda não vemos essa realidade no design, mas estamos especulando sobre esse futuro através do que chamamos de design prospectivo. Acreditamos que o futuro da profissão está no metadesign, ou seja, o design de IAs.

Para finalizar, gostaria de dizer que acredito que os designers continuarão tendo muito trabalho se eles conseguirem projetar o próprio pensamento projetual, em vez de reproduzir metodologias de design thinking importadas com viéses coloniais que nem sempre atendem aos nossos clientes e usuários. Precisamos projetar nossas próprias metodologias, nossas próprias ferramentas e nossas próprias inteligências artificiais. Isso é estudado em duas áreas acadêmicas que chamamos de metadesign e infradesign. Esse é o futuro da profissão.

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• O design expansivo é uma reflexão e abordagem que busca pensar o possível para realizar o impossível, permitindo assim a inovação e transformação em diversos campos da vida.
• Este conceito vai contra a "colonialidade do fazer", que é uma restrição imposta por padrões estéticos ou modos de produção coloniais, permitindo a expressão de diferentes matrizes culturais.
• A metacreatividade é promovida pelo design expansivo, contrapondo-se ao "realismo capitalista", que restringe as possibilidades de transformação e inovação.
• O design expansivo propõe uma transformação da realidade através de uma visão crítica e ativa, usando exemplos históricos de transformações como a Comunidade Paris ou o Quilombo dos Palmares.
• Exemplos práticos do design expansivo incluem a criação de projetos que questionam normas estabelecidas, como o design de sobrancelhas, além da valorização de conceitos alternativos de bem-estar, como o conceito indígena de "bem viver"

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Gravação realizada na disciplina Psicologia 1 do Bacharelado em Design da UTFPR.

Design expansivo: pensar o possível para fazer o impossível [MP3] 62 minutos

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A visão subjacente é que qualquer atividade, não importa o quão comum, pode se tornar um ato criativo. Isso significa que a criatividade não é restrita a algumas pessoas talentosas ou a situações especiais; é algo que pode ser cultivado e ampliado por qualquer pessoa, desde que sejam derrubadas as barreiras que nos levam a pensar de forma limitada.

Ao nos depararmos com essa perspectiva, começamos a entender que nossos próprios corpos e mentes podem ser os pontos de partida para a criação de algo novo. O processo de metacriatividade envolve reconfigurar nossas noções de limites e possibilidades. Muitas vezes, sentimos bloqueios criativos devido a ideias preconcebidas de quem é ou não é criativo. Esse julgamento muitas vezes se origina de padrões históricos e sociais que subvalorizaram certos grupos, como negros, indígenas, mulheres e pessoas com deficiência, como menos criativos.

Através da metacriatividade, podemos reconhecer esses padrões opressores e desafiar essas noções limitantes. Ao expandir nossas perspectivas e abraçar ideias aparentemente malucas, estamos pavimentando o caminho para a inovação. A colaboração entre diferentes criadores, combinada com a disposição de abraçar a estranheza e a contradição, cria um terreno fértil para a geração de ideias revolucionárias.

Em resumo, a metacriatividade é uma jornada de autoconhecimento criativo. Ela nos encoraja a olhar para dentro e redescobrir nossos potenciais, enquanto também nos impulsiona a desafiar as limitações impostas pela sociedade. Ao abraçar a diversidade de perspectivas e liberar nossa mente da rigidez, podemos criar um ambiente propício para a transformação da realidade.

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Metacriatividade: criatividade sobre criatividade MP3 16 min

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Essa abordagem expansiva se trata de explorar territórios desconhecidos, onde muitas coisas não são evidentes de início, e isso pode causar confusão. No entanto, essa confusão é benéfica, pois indica que estamos no caminho certo. A premissa central da pesquisa de experiências é que ela amplia nossa consciência, nos levando a entender perspectivas mais amplas além do design em si. Isso nos permite abranger questões econômicas, políticas, culturais e sociais em nossa busca pelo conhecimento.

Consciência e conhecimento são distintos; a consciência é o primeiro passo em direção ao desconhecido, enquanto o conhecimento é o que adquirimos nesse processo. Muitas vezes, caímos na falácia de acreditar que acumular mais conhecimento nos tornará conscientes, mas, na realidade, é a consciência que nos guia. Esse processo desafia nossa zona de conforto, levando-nos a abraçar o desconforto como um sinal de progresso e crescimento. A pesquisa de experiências requer, portanto, uma mentalidade aberta para lidar com o desconhecido.

Ao realizar pesquisas de experiências, encontramos uma contradição interessante entre a experiência do designer e a experiência do usuário. O designer conhece os objetos, sua fabricação e funcionalidades, enquanto o usuário compreende como esses objetos são usados e para que servem. O objetivo é criar uma ponte entre essas duas perspectivas distintas, promovendo um encontro de consciência. Ao fazer isso, abraçamos o desconhecido, buscando entender a experiência do Outro e reconhecendo que esse Outro muitas vezes pertence a grupos historicamente excluídos da profissão de design.

Embora a inteligência artificial, como o ChatGPT, possa auxiliar na pesquisa, ela não substitui o papel humano na geração de conhecimento inovador. A consciência expandida nos leva a explorar territórios pouco explorados, desafiando-nos a encontrar conhecimento onde antes não havia. O processo de expressar esse conhecimento, mesmo que de maneira imperfeita, é essencial para nosso crescimento contínuo. Aceitar a incompletude do conhecimento é fundamental, pois nos impulsiona a buscar o novo e a explorar o desconhecido, contribuindo assim para a evolução do projeto onde é realizada a pesquisa e também do campo de pesquisa de experiências como um todo.

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Aula gravada na disciplina de Metodologia da Pesquisa, Bacharelado em Design da UTFPR.

Gestão do Conhecimento na Pesquisa de Experiências MP3 25 minutos

Exercício

1. Monte um modelo metafórico com blocos de montar do seu objeto de pesquisa (no caso a experiência que se quer saber mais)
2. Monte um quadro conforme a Matriz de Rumsfeld (sei X não sei)
3. Escreva post-its cada um com uma coisa que você sabe (amarelo) ou que você não sabe (azul) sobre ela
4. Dialogue com colegas e usuários para descobrir novas informações e coisas que você não sabia que sabia
5. Escreva em postis de acordo com matriz: hipóteses (rosa) e perguntas norteadoras (verde)
6. Modele com massa de modelar estruturada (atom lig) o que você não sabia que não sabia

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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O surrealismo, um movimento artístico, destaca a representação de contradições da sociedade que normalmente são ignoradas. Através de jogos como a escrita e desenho automáticos, os surrealistas buscavam liberar o inconsciente para trazer à tona essas contradições e reflexões. A arte surrealista também explorava a relação entre gênero e máquinas, antecipando o uso de figuras femininas na inteligência artificial contemporânea.

Hoje em dia, a inteligência artificial está redefinindo a arte ao gerar imagens a partir de prompts de texto. Essa capacidade levanta debates sobre autoria, originalidade e valor artístico. Ao olhar para os surrealistas, que já debatiam questões de representação, privilégio e curadoria, podemos encontrar paralelos com os dilemas atuais em torno da inteligência artificial na arte. A ferramenta DAL-E, por exemplo, criada em homenagem a Salvador Dalí, o artista surrealista mais famoso, utiliza algoritmos complexos para misturar 'ingredientes' de imagens, criando composições inovadoras e surpreendentes. Assim como os surrealistas se propuseram a revelar a verdade escondida, as IA estão desafiando nossos conceitos de autoria, originalidade e criatividade. Estamos diante da possibilidade de todos serem artistas, com a IA como uma ferramenta de expressão.

Enquanto alguns temem que a inteligência artificial torne os artistas obsoletos, mais interessante é pensá-la como uma ferramenta para expandir o potencial criativo. Ao explorar os pontos em comum entre a criação surrealista e a geração de imagens por IA, percebemos que ambos exploram os reinos do consciente e inconsciente, conectando-se com emoções e reflexões compartilhadas. No entanto, é crucial que os seres humanos mantenham um papel ativo e consciente na criação e direção da inteligência artificial, evitando sua substituição completa. O desafio está em priorizar a metacriatividade sobre a automação.

É intrigante ver como a tecnologia atual ecoa o passado artístico. Assim como os surrealistas desafiaram as normas da elite, questionando a quem pertence o poder de representação, as IA nos levam a refletir sobre quem é o verdadeiro autor da arte gerada por elas. Será que a arte está se desvalorizando ou se expandindo com a ajuda da inteligência artificial? Nossa sociedade moderna, repleta de inovações e desafios éticos, encontra nos jogos surrealistas uma maneira única de explorar e entender essa complexa interação entre humanos e máquinas.

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Aula gravada na disciplina Psicologia 1, Bacharelado em Design, UTFPR.

Jogos Surrealistas e Inteligência Artificial MP3 19 minutos

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Nessa reportagem do programa Descubra Paraná da TV Paraná Turismo, o repórter Luan Azevedo mostra como são as aulas de Psicologia 1 do professor Frederick van Amstel na UTFPR.

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Baseando-se no trabalho inovador da professora Lesley-Ann Noel, conhecida por promover discussões sobre diversidade cultural e corporal, a oficina também explora o tema dos privilégios. Os participantes são incentivados a refletir sobre quem detém acesso às oportunidades de criação e a investigar as razões por trás dessa disparidade. A desigualdade, frequentemente perpetuada através das gerações, é examinada de maneira aberta e crítica.

O conceito de "cria-corpo" está intrinsecamente ligado à noção de posicionalidade, ambos desempenhando papéis cruciais na compreensão da identidade e da formação individual. O "cria-corpo" representa a ideia de um corpo em constante processo de criação e recriação, não apenas no sentido físico, mas também no sentido emocional, intelectual e criativo. Este termo reconhece que um corpo não é uma entidade estática, mas sim uma entidade em fluxo, constantemente influenciada por experiências, aprendizado e interações.

A posicionalidade, por sua vez, refere-se às condições e contextos que moldam a identidade e as experiências de um indivíduo. Envolve fatores como origem étnica, gênero, classe social, raça e até mesmo o ambiente cultural em que alguém cresce. A posicionalidade destaca que cada pessoa ocupa um lugar único na sociedade, influenciando suas perspectivas, oportunidades e desafios.

A conexão entre "cria-corpo" e posicionalidade emerge quando se considera que o processo de criação não ocorre em um vácuo, mas é fortemente influenciado pelas condições e experiências que um indivíduo enfrenta. Nossas escolhas criativas, nosso desenvolvimento intelectual e nossas perspectivas são moldados por nossa posicionalidade. A forma como interpretamos o mundo ao nosso redor e expressamos nossas ideias é profundamente influenciada pelas circunstâncias em que vivemos.

Ao criar autorretratos usando materiais recicláveis, os participantes têm a oportunidade de incorporar sua posicionalidade em suas expressões criativas. Isso não apenas reflete a influência de suas histórias individuais, mas também ressalta como a posicionalidade influencia o processo criativo e a forma como nos relacionamos com o mundo ao nosso redor.

Esta oficina salienta o papel vital dos designers, uma vez que os produtos que concebem influenciam diretamente a sociedade. Projetos como aquele mostrado no documentário Lixo Extraordinário sobre o trabalho do artista Vik Muniz, que envolveu a colaboração de catadores de lixo na produção artística, ilustram o potencial do design para abordar questões sociais complexas. A experiência pessoal do autor, ao criar um autorretrato a partir de seus próprios resíduos, também destaca como nossas escolhas de consumo revelam nossa posição social e enfatiza a importância da autocrítica nesse contexto.

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Expressando a posicionalidade do cria-corpo MP3 20 minutos

Exercício

O desafio nesta cria-atividade é produzir uma foto de auto-retrato com o lixo pessoal acumulado nos últimos sete dias. Os criadores explorarão o lixo pessoal como um material, refletindo sobre como materiais de design e composição gráfica podem ajudar a expressar (e refletir sobre) a posicionalidade.

Os criadores podem usar lixo ao lado de seus corpos ou criar um auto-retrato 100% de lixo. Os retratos serão filmados em classe com smartphones pessoais e exibidos para discutir diferenças e semelhanças. Os criadores podem pedir ajuda uns aos outros para tirar fotos.

Por meio da atividade proposta, os participantes são encorajados a examinar seus próprios privilégios e a considerar como suas escolhas de consumo afetam não apenas o meio ambiente, mas também a estrutura social. Através da criação de autorretratos com o lixo coletado, eles têm a chance de expressar visualmente sua posicionalidade e contribuir para uma discussão mais ampla sobre desigualdades e responsabilidade social.

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O pensamento visual não se limita apenas a representações gráficas; ele também envolve imagens verbais, como metáforas, e até imagens abstratas que vão além do que é convencionalmente conhecido. Essas imagens mentais têm a capacidade não apenas de refletir o conhecimento existente, mas também de expandi-lo, nos conduzindo para o desconhecido, para novos insights e descobertas.

É importante ressaltar que a habilidade de desenhar não está apenas relacionada à coordenação motora, mas também à capacidade de abstrair e visualizar mentalmente as imagens antes de colocá-las no papel. Nesta aula, são explorados o desenvolvimento do pensamento visual e a capacidade de criar representações simbólicas e abstratas, permitindo a expansão do nosso conhecimento e abrindo caminhos para a criatividade.

Através de jogos e atividades, percebe-se como as imagens podem ir além do óbvio, proporcionando insights profundos e levando-nos a questionar e expandir nossos conhecimentos. O pensamento visual expansivo não só nos permite representar o que já conhecemos, mas também nos capacita a visualizar e criar o que ainda não existe, promovendo uma cultura de inovação e criatividade em nossas vidas cotidianas.

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Gravação de aula realizada durante a disciplina Psicologia 1, do curso de Bacharelado em Design, UTFPR.

Pensamento visual expansivo 37 min [MP3]

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Uma definição simples de pensamento visual é uma forma de pensar na qual se produzem imagens mentais, verbais e gráficas. Estamos acostumados a pensar na imagem como algo gráfico, e é isso que começamos a aprender no curso de Design, por exemplo, ao produzir imagens gráficas. No entanto, as imagens também podem ser verbais. Quando alguém fala sobre uma imagem, começamos a visualizá-la mentalmente. Se utilizarmos, por exemplo, a metáfora de que o pensamento visual é um elefante branco, imediatamente imaginamos o elefante branco, mas também imaginamos a própria metáfora: algo que está no meio da sala, que ninguém quer mencionar, mas que incomoda a todos. Isso também é uma imagem. A metáfora é uma imagem verbal que existe na mente, na psique e na consciência.

Há ainda quem considere a existência de imagens do inconsciente, que são colocadas para fora quando começamos a produzir uma obra de arte ou algo sem muito planejamento, buscando uma linguagem que dialogue com nossos medos e sensações mais profundas. A psicanálise estuda esse tipo de imagem. O pensamento visual, portanto, envolve tudo isso.

Há, porém, uma característica das imagens que será enfatizada aqui: sua dimensão cognitiva. As imagens não apenas representam o conhecimento; elas também são capazes de expandi-lo. Um exemplo é a primeira imagem de um buraco negro sintetizada diretamente a partir de dados de múltiplos telescópios. Diversos telescópios tiveram seus dados reunidos para gerar essa imagem. Ela não é uma fotografia comum, pois resulta de várias fontes, mas constitui uma imagem que demonstra, por exemplo, a atração da luz para dentro do buraco negro, confirmando diversas hipóteses sobre seu funcionamento. Essa imagem gera novos insights, novos interesses de pesquisa e novas perguntas. Dado o que ela apresenta, por que não há uma borda tão bem definida quanto a de um planeta ou mesmo a do Sol? No Sol, há uma superfície solar claramente perceptível; no buraco negro, isso não aparece da mesma maneira. Também permanece a questão de por que não ficou evidente a superfície do chamado horizonte de eventos. O horizonte de eventos não aparece aqui de maneira muito evidente, de modo que aspectos importantes permanecem no campo das hipóteses. Em todo caso, a imagem impulsiona os pesquisadores a buscar mais informações sobre os buracos negros. Ela não é apenas uma representação da realidade tal como é conhecida e experimentada pelos seres humanos hoje; é também uma espécie de salto para o desconhecido.

Se há algo que representa o desconhecido no universo contemporâneo, são os buracos negros. Por isso essa imagem foi utilizada aqui. Ela nos atrai para o buraco negro e para o desconhecido. É importante lembrar, entretanto, que isso também constitui uma imagem mental, uma metáfora: a imagem do buraco negro pode representar essa característica de qualquer imagem de buscar o desconhecido.

O pensamento visual expansivo, conceito que venho desenvolvendo a partir da minha tese de doutorado, é o pensamento que produz imagens entre o que sabemos e o que ainda não sabemos. A imagem utilizada para representar essa ideia apresenta dois campos: o que conhecemos e o que ainda não conhecemos. O conhecimento pode ser compreendido como situado em um espaço abstrato, mental, social ou cultural. Não se trata necessariamente de um espaço físico, embora grande parte desse conhecimento também fique registrada fisicamente.

Um exemplo é o próprio layout desta sala de aula, que expressa como a Universidade Tecnológica Federal entende que o conhecimento deve ser aprendido dentro de uma universidade. Há uma série de conhecimentos incorporados às coisas. Esse é, inclusive, um dos temas abordados na disciplina de Metodologia da Pesquisa: os conhecimentos que estão registrados no mundo. Na Psicologia da Criatividade, estamos justamente examinando a passagem daquilo que sabemos que sabemos para aquilo que sabemos que ainda não sabemos. A imagem pode desempenhar um papel na expansão do conhecimento quando apresenta algo deliberadamente vago, aberto ou inacabado.

Esse tipo de linguagem é favorável à produção de imagens que expandem nosso conhecimento. Por isso, ao longo do curso, haverá muitos estímulos para a realização de rascunhos, rabiscos, croquis e desenhos que não sejam realistas. Faremos desenhos que não procuram definir como as coisas são, mas principalmente como elas podem ser. Trata-se de uma exploração, de uma tentativa que pode ser refeita. É possível tentar, não gostar, fazer outro desenho, depois outro, voltar e avançar novamente. Esse movimento de ida e volta é um movimento de descoberta: significa avançar sobre aquilo que é desconhecido.

Existem muitas maneiras de representar a realidade por meio do desenho. O livro Desvendando os Quadrinhos, de Scott McCloud, mencionado anteriormente, constitui uma excelente introdução a esse assunto. Em determinado momento, o livro apresenta um diagrama que compara diferentes formas de representação e mostra como elas estão conectadas. É proposto um contínuo entre representações realistas, simbólicas e abstratas.

Quando alguém começa a estudar desenho de maneira ingênua, pode imaginar que o melhor desenho é aquele que é realista. Ao observar um retrato de uma pessoa, por exemplo, pode parecer que esse é o melhor tipo de desenho. Isso, porém, não é necessariamente verdade. Esse é o melhor tipo de desenho para uma proposta específica: representar o rosto de uma pessoa de maneira realista. Se a proposta for representar vários tipos de pessoas, o desenho realista pode não ser adequado, porque enfatiza a singularidade de cada indivíduo. Nesse caso, o desenho simbólico apresenta uma grande vantagem para expressar e gerar identificação entre um público diverso.

É por isso que o rosto smiley, conhecido como smiley, é amplamente utilizado. Ele representa diversos tipos de faces humanas. Evidentemente, não contempla todos os tipos de rosto, mas procura alcançar uma certa universalidade.

O simbólico possui essa característica. É por meio do simbólico que conseguimos nos comunicar apesar das diferenças de vida, etnia, gênero, raça, profissão, condição econômica e outras diferenças. Essa universalidade é o que permite a comunicação.

O fato de falarmos português, por exemplo, enquanto linguagem compartilhada em um país que possui mais de 200 línguas, permite que nos entendamos. Isso não significa que uma representação seja melhor do que outra. Para determinadas finalidades, uma representação será mais adequada; para outras, outra representação será melhor. Há também casos em que o desenho abstrato será mais adequado.

O que é, então, o desenho abstrato? A partir do desenho simbólico, podemos avançar até um ponto em que a imagem do rosto de um personagem já não seja necessariamente humana. Ela deixa de ser um rosto e passa a constituir uma desconstrução de elementos em movimento. Essa representação pode expressar uma visão de como percebemos o mundo, mais do que representar o rosto de uma pessoa. Pode expressar uma emoção difícil de colocar em palavras ou mesmo de representar por meio de uma expressão facial, porque possui diferentes níveis de profundidade e diferentes contrações.

A abstração possui, portanto, uma característica de universalidade ainda maior.

A diferença entre o abstrato e o simbólico é que, no simbólico, determinadas formas de representação já foram convencionadas. Convencionou-se, por exemplo, que o rosto humano pode ser representado por um smiley. Também se convencionou que, para falar em uma universidade pública brasileira ou realizar um vestibular, será utilizada a língua portuguesa. Isso ocorre mesmo sendo o português uma língua dos colonizadores e podendo ser excludente para pessoas indígenas, para pessoas que não tiveram uma educação formal de qualidade em língua portuguesa ou para pessoas que, apesar de terem recebido uma boa educação formal em português, enfatizam variantes da língua, como a linguagem das periferias e suas gírias. A linguagem convencional, portanto, não é tão universal quanto uma imagem abstrata.

A imagem abstrata é tão universal que não se enquadra necessariamente nas convenções. Ela vai além das convenções existentes e pode criar novas convenções. Por isso, nesta disciplina, será enfatizado o desenvolvimento da habilidade de desenhar simbolicamente e abstratamente, para compreender o desenho e, mais precisamente, o pensamento visual como formas de expandir nosso conhecimento em direção a algo que ainda não está posto no mundo. Não existe um mundo previamente estabelecido para ser simplesmente copiado por meio de um desenho realista. Trata-se de algo que ainda não foi convencionado no mundo, mas que pode ser criado. Esse movimento do realista para o simbólico, do simbólico para o abstrato e também do abstrato de volta ao realista é difícil. A disciplina, entretanto, oferecerá estímulos e oportunidades para esse exercício. Em outras disciplinas e cursos do bacharelado, haverá maior ênfase no desenho realista, que também é difícil de dominar.

O primeiro exercício desta aula é o reconhecimento visual. É um exercício simples: conhecer uma pessoa que ainda não se conhece. Não se deve escolher alguém com quem já tenha havido troca de ideias, mas alguém que nunca tenha sido visto ou com quem não tenha havido interação desde o início do curso. As duas pessoas devem se sentar frente a frente, organizar as mesas e cadeiras nessa posição e colocar seus diários gráficos ou folhas de papel lado a lado. Primeiro, uma pessoa desenha enquanto a outra é entrevistada. O objetivo é tentar conhecer melhor a outra pessoa. Depois, os papéis são trocados. Após cinco minutos, ocorre a troca de quem desenha e de quem conversa.

Ao realizar o exercício de reconhecimento visual, é possível perceber que imagens mais simbólicas e abstratas podem conduzir a uma conversa mais profunda do que uma imagem realista, que muitas vezes pode incorrer em preconceitos, distorções ou dificuldades para perceber quem é a pessoa que está do outro lado. As imagens abstratas e simbólicas criam uma ponte entre as diferenças existentes entre os corpos. Elas criam uma espécie de espaço no qual pessoas com corpos diferentes podem se reconhecer e se conhecer por meio do pensamento visual.

Notem que a maior dificuldade para desenhar não é, nem nunca foi, a coordenação motora. Essa é uma ideia que muitas vezes construímos a partir do ensino fundamental e médio e que alguns professores ainda enfatizam na universidade, quando dizem que é preciso "soltar a mão". A perspectiva aqui é diferente: o mais importante é abrir a cabeça. A dificuldade de coordenar a mão está relacionada à dificuldade de abrir a mente para visualizar essas imagens enquanto estamos desenhando. À medida que se desenvolve a habilidade de pensar visualmente, desenvolve-se também a habilidade de desenhar e expressar visualmente essas imagens. Uma coisa não acontece sem a outra.

Se alguém tentar desenvolver a coordenação motora para desenhar sem desenvolver o pensamento visual, a forma de olhar e compreender o mundo, não desenvolverá efetivamente essa capacidade de desenhar. Essa é uma perspectiva baseada nas pesquisas aqui apresentadas, embora outras disciplinas tratem mais profundamente desse assunto. Para pensar visualmente, portanto, não é necessário possuir coordenação motora fina. O mais importante é ter capacidade de abstrair aquilo que se está vendo e criar representações abstratas: no nível simbólico convencionado ou no nível abstrato criativo, no qual se inventam novas convenções, rompem-se convenções existentes e utilizam-se, por exemplo, formas geométricas ou irregulares.

O exercício seguinte permitirá experimentar isso.

O desenho automático é um dos muitos jogos criados pelos surrealistas com o propósito de permitir que pessoas que não eram artistas se vissem como artistas, praticassem e criassem arte. Foi um dos movimentos mais inclusivos da arte do século XX.

Esses jogos serão retomados em outros momentos da disciplina porque estão de acordo com a perspectiva de que criatividade não é algo com que se nasce nem algo que se compra. É algo que se adquire por meio da participação em uma atividade criativa. Esses jogos são propostas de criatividade.

No desenho automático, deve-se escolher um objeto presente na sala, como o corredor, e tentar fazer uma representação, um desenho de observação desse objeto. Tradicionalmente, essa é uma das tarefas mais difíceis para estudantes de Design, pois envolve precisão e realismo e constitui uma tarefa que, em algum momento, provavelmente será enfrentada. Aqui, porém, essa lógica será desconstruída. No desenho automático, não se busca um desenho realista; ao contrário, isso é impossível. Busca-se um desenho mais abstrato e simbólico.

A regra é colocar a caneta ou o lápis sobre o papel e não movimentá-lo diretamente. A coordenação motora da mão preferencial, portanto, não será relevante para o exercício. É possível segurar o instrumento como preferir, mas, uma vez colocado o lápis ou a caneta sobre o papel, ele não deverá ser levantado até o final do desenho. O papel é que será movimentado para produzir o desenho. O objeto escolhido deve ser fixado visualmente antes do início: primeiro escolhe-se o objeto, depois fixa-se a caneta ou o lápis no papel e, então, começa-se a movimentar o caderno.

O exercício terá três minutos de duração. Após o desenho automático, é possível perceber que não é necessário depender da coordenação motora para pensar visualmente. Ao bloquear a mão preferencial que segura a caneta ou o lápis, a representação precisa ser realizada com a outra mão. Esse é um exemplo clássico de desenho contínuo, aqui chamado de desenho automático. É possível encontrar muitos exemplos desse tipo de desenho, originalmente criado pelos surrealistas. Outros jogos surrealistas também serão experimentados ao longo da disciplina.

É importante desconstruir um preconceito comum, inclusive entre pessoas que escolhem cursar Design: a ideia de que Design é desenho e de que, se alguém sabe desenhar, pode fazer uma faculdade de Design porque já possui um dom ou uma habilidade.

Essa ideia está equivocada. Design não é desenho, embora também seja desenho ou possa se expressar por meio dele. O desenho é uma das muitas ferramentas utilizadas pelo Design.

O desenho não é apenas uma representação de como as coisas são ou de como elas devem ser. Ele é principalmente parte de um trânsito, de um movimento e de um processo. Esse processo é trabalhado com mais detalhes na disciplina de Metodologia da Pesquisa. Para explorar essa questão, será utilizado um terceiro jogo: o Jogo da Mente Poluída.

Este jogo é um pouco mais difícil de compreender do que os anteriores porque envolve uma contagem de pontos. Os participantes devem formar duplas, preferencialmente com uma pessoa diferente daquela com quem realizaram o exercício de reconhecimento visual. Em cada dupla, uma pessoa será o desenhista e a outra será o observador. Depois, os papéis serão trocados. O desafio do desenhista é produzir algo totalmente sem sentido. Entretanto, se houver algum sentido no desenho e o observador conseguir percebê-lo, o observador ganha a disputa. O objetivo é, portanto, esconder sentidos onde aparentemente não há nenhum. Depois, o desenho retorna ao desenhista, que deverá atribuir sentidos a ele, incluindo aqueles que haviam sido escondidos.

O jogo possui três fases. Na primeira, o participante desenha algo sem sentido. Na segunda, o observador atribui sentidos ao desenho; quanto mais sentidos o observador conseguir identificar, mais pontos recebe. Na terceira, o desenho retorna ao participante que o produziu, que deve lembrar os sentidos atribuídos pelo observador e acrescentar os seus próprios, incluindo aqueles que havia escondido.

A estratégia consiste em desenhar algo cujo significado seja conhecido apenas pelo próprio desenhista. A dificuldade está em evitar que o desenho seja explícito demais, pois, nesse caso, a outra pessoa poderá adivinhar seu sentido e obter mais pontos.

O "sentido" possui uma regra específica no jogo: é uma explicação do que é o desenho como um todo. Não é possível selecionar apenas uma parte do desenho e atribuir a ela um significado isolado. Se uma parte parece uma vaca e outra parece um carro, por exemplo, é necessário explicar o que o carro e a vaca têm em comum. O sentido deve ser global. Poderia ser, por exemplo, uma fazenda, na qual existem um carro e uma vaca. Não se trata de um sentido fragmentado, mas de algo que explique o desenho inteiro.

A pessoa que ouve a proposta de um sentido deve julgar se ele é válido. Não é possível simplesmente afirmar que determinada imagem representa alguma coisa e considerar o sentido estabelecido. A outra pessoa precisa concordar com a interpretação para que ela seja válida no jogo. No exercício, haverá um minuto para produzir o desenho sem sentido. O observador deverá acompanhar o processo e, em seguida, terá início o debate para encontrar sentidos.

O Jogo da Mente Poluída é um jogo surrealista criado a partir da inspiração nos jogos surrealistas. Os surrealistas praticavam esse tipo de jogo em tardes ou noites de boemia, produzindo obras de arte coletivamente. Essa é uma tradição do surrealismo. A proposta aqui não é fazer apologia dessas práticas, mas reconhecer que esses jogos podem ser excelentes formas de socialização e de criação de vínculos entre colegas e outras pessoas. O resultado não é apenas uma obra de arte, mas principalmente um processo.

Uma característica particularmente interessante é que as imagens mais abstratas conseguem comportar uma quantidade maior de sentidos diferentes. Quanto mais realista é uma imagem, menor tende a ser o número de sentidos possíveis, porque seu significado está mais fixado.

Isso é especialmente evidente nas imagens simbólicas, pois o símbolo já possui um significado previamente definido. Quando determinado símbolo aparece no meio de um desenho, ele funciona quase como uma âncora da qual é difícil se desvencilhar.

O jogo foi criado, portanto, com o objetivo de explicar o que é Design e diferenciá-lo do desenho. Tanto o desenhista quanto o observador estão fazendo Design. Design não consiste apenas em desenhar. O desenho é uma forma de expressão, mas o Design também envolve, por meio da observação, atribuir sentido às coisas.

Essa não é uma ideia exclusiva desta abordagem. É uma ideia associada ao professor Klaus Krippendorff, que escreveu diversos livros sobre o assunto. Trata-se de uma definição de Design relacionada à própria etimologia da palavra, que está associada à ideia de dar sentido. Sign, em latim, significa sentido. Dar sentido, portanto, constitui uma maneira de compreender a própria origem da palavra Design. Essa é uma maneira interessante e ampla de definir e compreender Design. Na disciplina de Metodologia da Pesquisa, foi apresentada uma definição muito mais vaga de John Heskett: Design como "design de design para fazer um design de design". A definição de Klaus Krippendorff é mais precisa, pois destaca o aspecto linguístico. No entanto, há uma questão que essa definição não menciona: uma mesma imagem, um mesmo objeto ou uma mesma criação pode possuir vários sentidos. Surge, então, a pergunta: qual sentido vale?

Se algo pode possuir vários sentidos e esses sentidos não estão previamente dados, precisamos manter uma mente aberta para expandir constantemente o conhecimento. Essa é uma característica necessária ao trabalho de Design. Se não houver essa abertura -- e talvez uma mente poluída, como sugere o nome do jogo -- pode-se cometer um erro recorrente: criar uma identidade visual que possua múltiplos sentidos, sendo um deles indesejado pelo cliente.

Todas essas imagens podem apresentar conotações sexuais, pejorativas ou preconceituosas, entre outras possibilidades. Podem adquirir sentidos contrários à intenção da empresa que contratou os designers para desenvolver uma identidade visual.

O único modo de evitar esse tipo de problema é desenvolver uma mente poluída, treinando-a para perceber continuamente diferentes possibilidades de interpretação e inclusive possíveis obscenidades nas coisas que são criadas. Se os designers destas logos fossem um pouco mais maliciosos, teriam percebido determinadas interpretações que podem parecer óbvias posteriormente. É necessário, portanto, desenvolver também essa malícia no Design para evitar trabalhos mal realizados. É preciso explorar os diversos sentidos possíveis daquilo que se cria. Esses são apenas os casos mais evidentes. Também existem casos mais sutis e com mais nuances, pelos quais os designers igualmente serão responsáveis.

Para exercitar a capacidade de criar diversos sentidos possíveis para uma mesma coisa, será realizado outro jogo: Mil e Uma Maneiras de Ir de A até B, um Gamestorming. As instruções são simples. Deve-se desenhar dois pontos distantes, A e B, em uma folha de papel, que pode ser a do caderno, e desenhar um caminho entre esses dois pontos. A cada novo par de pontos A e B, deve-se produzir um caminho diferente. Quanto maior o número de caminhos possíveis criados durante o exercício, melhor. A proposta é ser criativo e evitar o caminho óbvio, que seria o caminho mais curto entre A e B.

O exercício é uma forma de explorar um espaço de possibilidades. Algumas equipes conseguiram produzir formas bastante criativas e sistemáticas de ir de A até B. Os caminhos apresentam diferentes significados possíveis: caminhos diretos, indiretos, simbólicos, abstratos e até caminhos em que não existe propriamente um caminho.

É possível, por exemplo, que A já esteja dentro de B, que parte de B esteja dentro de A, que A esteja dentro de B ou que B esteja dentro de A. Há muitas ideias interessantes que podem ser exploradas com mais calma a partir desse exercício.

Para concluir a série de exercícios, será realizada a desenhação. O exercício busca evidenciar a relação entre fala, gestos e desenho. A proposta é conversar novamente com uma pessoa com quem ainda não tenha sido realizado nenhum dos jogos anteriores. Os participantes devem se sentar frente a frente. A desenhação procura colocar os participantes em uma posição de experimentar a hipótese de que, para ser criativo, é necessário estar em atividade criativa com outras pessoas. Esse exercício também permite compreender melhor como isso se aplica à profissão. A desenhação pode facilitar conversas e estabelecer vínculos. É um recurso utilizado por designers profissionais que trabalham com criatividade coletiva.

O pensamento visual serve, portanto, para ancorar outras formas de pensamento, a conversa e a construção coletiva entre várias pessoas. Uma das aplicações desse princípio é a facilitação gráfica. Nesse caso, o desenhista é um profissional especializado. O colega professor Ed Sarro, por exemplo, realiza um trabalho muito bom nessa área. Em uma situação de reunião ou conferência, o facilitador gráfico registra, em linhas gerais, os principais temas discutidos, utilizando técnicas de representação simbólica e abstrata semelhantes às experimentadas na desenhação.

Outro exemplo é o trabalho do professor Rafael Camargo, da PUC do Paraná, que também atua nessa área. Em uma conferência na qual o assunto em discussão não foi previamente definido, não é possível preparar um slide antecipadamente. Nesse caso, pode-se utilizar um facilitador gráfico para desenhar, em tempo real, aquilo que está sendo discutido. A imagem produzida pode ser projetada durante a apresentação. O pensamento visual expansivo pode, portanto, ser praticado por qualquer pessoa. Além da facilitação gráfica, existe um processo denominado expansão visual, que é participativo: todas as pessoas atuam como facilitadoras gráficas em um processo de descoberta de novos conhecimentos.

Para compreender como o pensamento visual expansivo pode ser aplicado profissionalmente, é possível observar um projeto desenvolvido alguns anos atrás, quando eu estava na PUC do Paraná, em parceria com a Copel. A empresa queria apresentar desafios a empreendedores do setor elétrico, com o objetivo de estimular a inovação nessa área. O pensamento visual foi utilizado como uma das formas de definir quais seriam esses desafios.

Foram realizados diversos jogos para analisar as tensões existentes naquele momento no setor elétrico. Havia, por exemplo, uma tensão entre o risco e a necessidade de aumentar a produtividade. Também havia a necessidade de divulgar informações para que as pessoas compreendessem melhor os riscos, ao mesmo tempo em que existia muita desinformação.

Para mapear essas tensões, foram utilizados jogos como Cabo de Forças e Engarrafamento de Imagens. As tensões eram representadas separadamente por meio de imagens bastante simples, procurando capturar a essência de cada uma delas.

Depois disso, foi organizado um vocabulário visual em uma parede, reunindo diferentes tipos de ícones e imagens relacionados àquele universo cultural. Esse recurso era utilizado em diferentes momentos do processo. Quando alguém tinha uma ideia, mas não sabia como desenhá-la, podia consultar a parede, retirar um post-it, acrescentar outro e, assim, fazer as ideias visuais avançarem coletivamente.

Em seguida, foi utilizado um jogo chamado Espirro de Peixe, também relacionado ao Diagrama de Ishikawa, para tentar identificar a origem das tensões. Um dos casos analisados era a tensão entre fazer algo corretamente e as crenças existentes durante a manutenção da rede elétrica interna de uma residência. Algumas pessoas, por exemplo, acreditavam que não havia problema em ligar uma chave enquanto um equipamento elétrico estivesse ligado. Essa crença poderia levar alguém a realizar o procedimento e sofrer um choque.

Esse tipo de situação ocorre com frequência e constitui uma preocupação da Copel: como evitar que determinadas crenças sejam mais fortes do que formas corretas e seguras de realizar uma atividade? Foram analisadas, por meio de imagens e desenhos, as formas como essas tensões haviam sido constituídas historicamente. Os desenhos não precisavam possuir um significado imediatamente evidente para quem os observava posteriormente. Naquela conversa, entretanto, foram essenciais para chegar a um consenso sobre as razões existentes por trás das tensões identificadas.

Depois, os mesmos desenhos foram organizados em um cenário de extremos. A questão passou a ser: no futuro, qual dessas forças poderá crescer mais? Foram comparadas diferentes possibilidades. Se determinada força aumentar e outra também aumentar, o que poderá acontecer? Alguns cenários assumiam características quase apocalípticas. Se houvesse maior descrença, maior crença em desinformação e menor preocupação em fazer as coisas corretamente, haveria a possibilidade de pessoas morrerem. A partir dessa questão, passou-se a investigar como evitar esse cenário.

Começou-se então a montar um vídeo, uma animação. Em vez de produzir uma animação convencional com profissionais especializados, o que demandaria tempo e reduziria a participação das pessoas envolvidas, foi produzido um protótipo: uma demonstração de como essa animação poderia ser realizada posteriormente por um profissional. A animação foi montada utilizando os mesmos desenhos produzidos durante o processo. Eles foram colocados sobre uma mesa e filmados com um celular, registrando o caminho entre uma imagem e outra enquanto eram apresentadas as ideias consideradas importantes para que as pessoas se preocupassem com os riscos relacionados à segurança e à possibilidade de choque durante a manutenção de uma rede elétrica interna.

Começou-se então a montar um vídeo, uma animação. Em vez de produzir uma animação convencional com profissionais especializados, o que demandaria tempo e reduziria a participação das pessoas envolvidas, foi produzido um protótipo: uma demonstração de como essa animação poderia ser realizada posteriormente por um profissional. A animação foi montada utilizando os mesmos desenhos produzidos durante o processo. Eles foram colocados sobre uma mesa e filmados com um celular, registrando o caminho entre uma imagem e outra enquanto eram apresentadas as ideias consideradas importantes para que as pessoas se preocupassem com os riscos relacionados à segurança e à possibilidade de choque durante a manutenção de uma rede elétrica interna.

Vários quadros brancos que haviam sido comprados sob a ideia de que ter um quadro branco seria uma característica da inovação começaram efetivamente a ser utilizados. Antes, muitos permaneciam vazios ou continham ideias produzidas três ou quatro anos antes, que nunca eram apagadas. Os funcionários passaram, então, a utilizar os quadros brancos para criar e desenvolver ideias com técnicas semelhantes à blablação, que combina fala, desenho e gesto. Em uma reunião que utiliza um quadro branco para criar ideias, essas três dimensões normalmente aparecem misturadas. No jogo de blablação, elas foram separadas deliberadamente para que fosse possível perceber como cada uma dessas formas de expressão é fundamental para a compreensão.

O pensamento visual expansivo pode, portanto, ser utilizado em processos criativos -- ou, mais precisamente, em diferentes formas de criatividade. Nas próximas aulas, não será necessário utilizar explicitamente o pensamento visual como uma técnica específica. A proposta é incorporá-lo ao diário gráfico e utilizá-lo nas diferentes instâncias da vida cotidiana.

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Criatividade é um tema fascinante e muitas vezes envolto em mistério. Por isso, já começamos redefinindo criatividade como uma atividade criativa, ou cria-atividade. O hífen nesse contexto reforça a conexão entre "criação" e "atividade", ressaltando que a criatividade é uma atividade ativa e em constante evolução, e não algo estático ou isolado. O conceito de cria-atividade destaca a importância de colaborar, compartilhar e trocar ideias com outras pessoas, considerando a diversidade de perspectivas, experiências e habilidades.

Cria-atividade, portanto, não é um dom exclusivo de alguns sortudos. Ela não está limitada a pessoas em famílias de designers ou nascidas em ambientes ricos e urbanos. A verdade é que a cria-atividade é influenciada pelo contexto e pelas pessoas com quem interagimos. Um mito comum sobre a cria-atividade é que ela ocorre em lugares aleatórios, como durante um banho ou um passeio solitário. No entanto, o verdadeiro segredo reside na interação e na atividade constante em cria-espaços compartilhados. Esses ambientes são propícios para o processo criativo, onde a troca de ideias e a supervisão mútua são essenciais.

Cria-espaço é um termo que denota o ambiente propício para a manifestação da cria-atividade. Este conceito enfatiza que a criatividade não surge em um vácuo, mas é moldada e influenciada pelo contexto em que ocorre. Assim como "cria-atividade", o hífen neste termo serve para destacar a interligação entre "criação" e "espaço", enfatizando a ideia de que o espaço físico e social é fundamental para proporcionar a criação.

Dentro desse contexto, o cria-espaço é onde as trocas de ideias, perspectivas e experiências ocorrem. Ele pode ser uma sala de aula, um ambiente de trabalho, um laboratório, uma comunidade ou até mesmo um fórum online. Esse espaço compartilhado é uma plataforma para a colaboração entre indivíduos diversos, onde suas habilidades, conhecimentos e visões únicas se fundem para gerar novas soluções e insights. Um cria-espaço bem projetado e acolhedor pode inspirar a criatividade, enquanto um ambiente restritivo ou monótono pode inibir a expressão criativa.

A interação entre as pessoas e o espaço é fundamental na criação de um espaço que favoreça a geração de ideias inovadoras. Ao criar e nutrir esses espaços de colaboração, as organizações e as comunidades podem colher os benefícios de uma cultura criativa, onde a diversidade é valorizada, as barreiras são derrubadas e as soluções são moldadas de maneira coletiva. O cria-espaço é, portanto, um conceito que abrange a importância tanto do ambiente físico quanto da interação social para a preparação do cria-corpo.

Cria-corpo é um conceito que destaca a interação entre o corpo humano e o processo criativo. Assim como cria-atividade e cria-espaço, o hífen nesse termo composto enfatiza a relação intrínseca entre "criação" e "corpo", ressaltando que a criatividade não é apenas uma atividade mental, mas está enraizada na experiência física e sensorial de um indivíduo. A criação depende do corpo em movimento, das emoções, das sensações táteis e do engajamento físico com o mundo ao redor. O corpo não é apenas uma ferramenta passiva, mas um elemento ativo no processo criativo, por isso, é um cria-corpo.

O cria-corpo também implica que diferentes estados físicos e emocionais podem afetar a criatividade. Um corpo bem descansado e saudável pode contribuir para uma mente mais clara e uma maior capacidade de gerar ideias. Da mesma forma, a energia criativa pode ser canalizada através do movimento, seja ele caminhar, dançar ou até mesmo ações cotidianas.

O cria-corpo reconhece também que a posicionalidade de um indivíduo afeta suas condições de criação. Nossa bagagem cultural, identidade, experiências de vida e privilégios moldam como enxergamos os desafios e as oportunidades. Ao considerar a posicionalidade, entendemos que diferentes pessoas têm perspectivas únicas e abordagens distintas para a resolução de problemas.

Imagine dois indivíduos enfrentando o mesmo problema criativo. Suas vivências pessoais influenciarão suas abordagens. Alguém que tenha vivido em um ambiente urbano pode oferecer uma solução diferente de alguém que cresceu em uma área rural. Essas perspectivas moldadas por suas posições na sociedade geram insights diversos e enriquecedores.

Na intersecção entre "cria-corpo" e posicionalidade, emerge um aspecto crucial: o conflito de identidades. A posicionalidade não é uma narrativa única, mas uma sobreposição complexa de identidades sociais, culturais e pessoais. Essas identidades podem ser tanto fontes de inspiração quanto áreas de conflito, especialmente quando confrontadas com questões de opressão.

O cria-corpo nos lembra que a criatividade é uma experiência completa que envolve a mente, o corpo e a história desse corpo. É uma abordagem que nos encoraja a estar mais conectados com nós mesmos e com o mundo ao nosso redor, explorando como nossa expressão criativa é moldada e aprimorada por nossa experiência física e emocional.

Sendo assim, na busca pela cria-atividade, não se trata apenas de seguir dicas ou adotar métodos específicos, mas sim de compreender o processo dinâmico e interconectado. Ela não é limitada a uma única mente brilhante, mas é construída coletivamente, resultando em uma atividade conjunta que molda espaços, pessoas e ideias. Portanto, ao contrário da crença de que só alguns são privilegiados com a criatividade, todos podem participar da criação coletiva e contribuir para um ambiente criativo e diversificado.

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Aula gravada na disciplina Psicologia 1 do Bacharelado em Design da UTFPR.

O segredo da criatividade no design [MP3] 27 minutos

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Nesta aula, o assunto é a importância de incorporar a pesquisa e o pensamento crítico no processo de design. O objetivo é motivar os designers a não apenas criar visualmente, mas também a se tornarem "designólogos" capazes de desenvolver o design além das convenções atuais. Isso envolve desafiar limites e inovar na disciplina.

O texto explora a filosofia de Álvaro Vieira Pinto, que argumenta que o Brasil deve se concentrar em ações práticas e não apenas em questionamentos filosóficos. Questões como colonialismo, preconceito e desigualdade se tornam cruciais para o design brasileiro, influenciando a criação de produtos e tecnologias.

A reflexão sobre o papel do designer em influenciar a percepção do mundo é abordada, incluindo o uso de tecnologias que carregam estereótipos inconscientes. Além disso, são exploradas diferentes abordagens de design, tanto éticas quanto exploratórias, com exemplos práticos de como pensar o processo criativo e refazer a colaboração.

No contexto brasileiro, o texto também conecta o design com a política e a identidade nacional, ilustrando como as decisões de design podem ser políticas e refletir a dinâmica sociocultural do país. Ele conclui enfatizando que o design é um campo em constante evolução e que incorporar pensamento crítico, pesquisa e ações conscientes é essencial para criar um design mais inclusivo, ético e inovador.

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Gravação de aula realizada durante a disciplina Metodologia da Pesquisa, do curso de Tecnologia em Design Gráfico, UTFPR.

Por que pesquisar e não só fazer design? 1hr 03min [MP3]

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Design contra opressão [MP3] 12 minutos

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Esta aula fez parte do curso de Produtoras Culturais Colaborativas organizados pelo ponto de cultura Soylocoporti em Curitiba em 2013.

Origem e migração de uma cultura colaborativa MP3 30 minutos

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No entanto, a pesquisa de experiências mostra que tanto designers quanto usuários produzem teorias sobre suas experiências. Os usuários também têm suas perspectivas e teorizam sobre como os objetos de design são criados e como devem ser utilizados. Nesse contexto, a triangulação de evidências é essencial para fortalecer as teorias, que podem ser baseadas em observação, intuição, leituras e participação. O processo de teorização consiste em partir da observação dos dados, reunir evidências e gerar propostas que expliquem essas evidências. Isso é fundamental para o desenvolvimento da área do design e para a compreensão mais aprofundada das experiências dos usuários.

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O papel da teoria na pesquisa de experiências MP3 21 minutos

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Então, vamos ver hoje o papel da teoria na pesquisa de experiências. Essa é uma apresentação rápida sobre as possibilidades não só de aplicar teorias no design, mas principalmente de produzir teorias a partir do design. Esta é uma temática que já apresentei em outras aulas, que é o preconceito, a separação, a divisão, a cisão entre o trabalho intelectual, o trabalho manual, o trabalho de projetar e o trabalho de usar na área do design. Está é uma opressão que a gente vivencia na nossa sociedade, que justifica a separação entre classes, que justifica a separação entre raças, entre gênero, muitas vezes com o oprimido ficando com o lado direito, o lado do trabalho manual, do trabalho de usar, do trabalho técnico, da ciência meramente aplicada e o lado da prática, enquanto que o opressor fica com o lado da teoria, o lado do trabalho de projetar, do trabalho científico, da ciência pura.

Isso é um tipo de opressão que a gente tem combatido bastante nessa disciplina quando estudamos metodologia da pesquisa, para que vocês possam aproveitar também esse conhecimento de metodologia da pesquisa no resto do curso de design, porque nosso curso é muito focado em desenvolver habilidades práticas, ele tem pouco foco em desenvolver habilidades teóricas, embora a gente veja um pouco de teorias, em geral as teorias são aplicáveis, e não teorias que você pode desenvolver. Isso é um problema não só do nosso curso, mas da disciplina de design como um todo, ela é vista como uma área que não produz a teoria por conta própria, ela importa teorias de outras áreas.

Quando você vai estudar a teoria e história do design, você vai aprender o que a sociologia diz sobre o design, o que a antropologia diz, o que a história diz sobre o design, agora o que o design diz sobre o design é raro. Imagino que durante o curso vocês não tenham tido ainda um contato muito claro com uma teoria do design sobre o design. Uma das teorias de design sobre design que a gente viu aqui nessa disciplina é a teoria de que existe um conhecimento embutido nas coisas sobre as coisas, que é o que a gente chama de epistemologia do design, ou modos projetuais de conhecer. Isso é uma teoria de design sobre design. Mas isso é uma exceção, dentro do cenário geral a área não se constituiu ainda como área de produção teórica. Eu estou tentando combater isso com essa disciplina de metodologia da pesquisa.

Isso porque no Brasil, especialmente, também tem esse problema, pela influência no modelo pedagógico da escola de Ulm, que é aquela escola sucessora da Bauhaus na Alemanha que vai influenciar fortemente o currículo da ESDI aqui no Brasil, que vai se espalhar para várias outras universidades brasileiras, em especial a UTFPR. Nosso currículo é muito influenciado pelo currículo da ESDI, que é um currículo que coloca as disciplinas de outras áreas como sendo a fonte de produção teórica para o design. Design é visto como uma área que aplica essas teorias e transforma elas em objetos, materializa, verifica essas teorias com a criação de algo.

Isso aqui é um diagrama dos currículos da escola de Ulm, que coloca como conceito central a discussão dos problemas trazidos pela economia, pela política, pela psicologia, filosofia, através das áreas de produção da forma, do produto, do design visual, da arquitetura, planejamento urbano e o design da informação. Então vejam que a área do design aparece com uma mediação entre uma área teórica e uma área de aplicação.

Eu acho que isso está mudando, precisa mudar e uma evidência muito clara que a área de pesquisa de experiências traz é que não só os designers que produzem teorias, mas também os usuários. Sobre o quê? Sobre a sua própria experiência. Sempre que você passa por uma experiência, mesmo que você não esteja tão consciente disso, mesmo que isso não seja reconhecido por outras pessoas, a gente teoriza essa experiência, a gente leva conhecimento de uma experiência para outra. Isso já é uma teoria.

Claro, tem gente que não vai considerar isso como uma teoria porque vai ter um nível de exigência, de abstração muito grande para uma teoria. Mas uma proposta crítica em relação ao conhecimento de design, que é essa que a gente tem desenvolvida aqui nessa disciplina, reconhece que todo conhecimento generalizado é uma teoria. Pode não ter chegado ainda no nível de uma teoria científica, mas é ainda assim uma teoria. Então, o trabalho da pesquisa de experiências pode ser, muitas vezes, se aproximar dessas teorias que os usuários têm sobre as suas experiências.

Esse diagrama já tenho mostrado em vários momentos na disciplina, de que designers fazem parte de um grupo social mais ou menos homogêneo (por isso chamo de "O Mesmo") que tem o privilégio sobre os meios de projetar, enquanto que usuários fazem parte de um grupo desprivilegiado que não tem esse mesmo privilégio, que eu tenho chamado de "O Outro". Então, a pesquisa de experiências serve para que o Mesmo se conscientize das diferenças do Outro. Mas também o Outro pode se conscientizar das diferenças do Mesmo, porque ele também produz teoria e essa teoria pode ser ajustada, pode ser transformada, pode ser aperfeiçoada pelo encontro, por esse momento aqui em que os espaços do Outro e do Mesmo se encontram. E as teorias dos designers podem ser postas à prova, em confronto com as teorias dos usuários.

Então, colocando de maneira bem direta, designers são teóricos também, mesmo que não sejam reconhecidos como tal dentro da academia. Porque todo objeto que um designer cria contém em si uma teoria sobre como ele vai ser utilizado pelo Outro. Por outro lado, o usuário também está constantemente teorizando como esses objetos foram projetados, porque foram feitos desta maneira e qual era a intenção dos seus designers. Tudo isso é teoria também, teoria que o Outro produz para entender o Mesmo.

Isso é um fenômeno que já foi percebido por grandes empresas, como a Meta, que produz o Facebook e o Instagram, de que os usuários estão refletindo sobre as suas experiências, estão tomando decisões e mudando seu comportamento a partir do que eles imaginam que os designers estão querendo que eles passem nesses aplicativos.

Essa imagem vem de um estudo que a Meta fez há alguns anos atrás, sobre como os jovens percebem o efeito do uso do Instagram no seu dia a dia a respeito de questões sociais. Uma das questões que os jovens acreditam que o Instagram afeta negativamente é a sua autoimagem do corpo, ou seja, a maneira como eles veem o próprio corpo. Notem que tanto os usuários quanto a Meta sabem que o Instagram prejudica essa autoimagem. Isso porque, imagino que os usuários perceberam que eles veem um monte de fotos de outros corpos, de pessoas que são parecidas com ela, estão próximas à sua rede social, e você começa a se comparar e achar que o seu corpo não está tão bonito, não está tão bem apresentável, não está tão perfeito dentro do padrão, sendo que esses corpos muitas vezes estão sob efeito de filtros, não são os corpos verdadeiros. Então você começa a se pautar para achar que você deveria ter um corpo de um filtro, só que não existe esse corpo.

O Instagram tem contribuído, por exemplo, para um aumento significativo da demanda de operações faciais e plásticas de modo geral entre jovens. Adolescentes raramente pediam para fazer operação plástica e agora, por causa do Instagram, estão fazendo. Aí você fica pensando, poxa, por que os adolescentes simplesmente não param de usar? Porque se eles param de usar o Instagram, eles perde o contato com um monte de amigos que estão ali dentro. Nós que usamos estamos preso ali dentro do Instagram. Por mais que os usuários tenham uma perspectiva crítica e até expressem isso em suas postagens, elas não conseguem encontrar uma prática diferente. Existe a teoria crítica, mas não tem a prática crítica, porque por enquanto não tem uma rede social alternativa com outra lógica do corpo.

Esse exemplo da Meta demonstra que os usuários estão criticando e teorizando as suas experiências também, tentando entender o que está acontecendo. A pesquisa de experiências vai coletar essas teorias que os usuários. A pesquisa que a Meta fez é uma pesquisa de experiências, que buscou entender as principais dificuldades sociais ou problemas sociais que os usuários do Instagram enfrentam, especialmente na experiência de uso do aplicativo.

Além de simplesmente ouvir as pessoas, o que a pesquisa de experiências faz é triangular com outras teorias, como as científicas, aquelas que vimos no currículo da Escola de Ulm. Assim, construímos teorias da experiência completas e robustas, que incluem tanto teorias dos designers quanto dos usuários. Essas teorias explicam por que a experiência ocorre da maneira que ocorre.

Um exemplo de teoria muito influente para explicar por que usuários usam o Instagram é a teoria do vício. Dizem que, assim como alguém se vicia em uma droga, se vicia em uma rede social porque ela libera dopamina no cérebro, uma substância que é liberada quando algo agradável acontece. No Instagram, isso ocorre ao rolar o feed e ver coisas que agradam, criando um vício. Essa é uma teoria chamada de neuro UX, ou experiência neurológica. No entanto, essa teoria precisa de mais triangulação com evidências empíricas. Atualmente, ela é fracamente apoiada por estudos. Na minha opinião, é uma teoria fraca, porque além dos estímulos físicos, o ser humano é guiado por estímulos sociais. A sensação é apenas um dos elementos, e o significado social e o sentido pessoal também entram em jogo, muitas vezes em conflito.

Por isso, é importante que as teorias sejam trianguladas em diversas fontes. Quanto mais fontes uma evidência tiver e quanto mais evidências sustentarem uma teoria, mais forte ela será. Isso fica mais claro no diagrama que mostra a teoria no centro, com bolinhas representando as evidências que a suportam. Algumas teorias têm poucas ou nenhuma evidência, enquanto outras têm várias. Uma teoria forte é baseada em evidências empíricas coletadas de várias fontes.O processo de teorização parte da observação de dados, que são organizados como evidências, para depois gerar uma proposta que explique o porquê dessas evidências - ou seja, uma teoria. Não há nada de muito complexo nesse processo.

Aqui temos um exemplo de como implementamos essa visão de teorização na prática dos nossos estudantes, usando um quadro de evidências trianguladas por tipos de fontes: observação, intuição, leituras e participação. Quando falamos de "vozes da minha cabeça", estamos nos referindo à intuição. Embora não seja uma fonte ruim, ela precisa ser triangulada com outras fontes.

Depois de organizar evidências e fontes, chega o momento de teorizar. Para isso, gosto de usar massinha de modelar e Atom Lig, que são materiais com características opostas e que ajudam a capturar essa característica generalizadora da experiência. Um exemplo de estudante que trabalhou com isso investigou a experiência de pessoas em situação de rua, propondo que a "coberta" que essas pessoas usam é uma metáfora para qualquer situação vivenciada na rua. Perguntei a ele: "Quem puxa essas cobertas?" e isso disparou nele a reflexão de que o racismo está por trás dessa situação.

Esse tipo de abordagem de teorização com as mãos vem sendo experimentado há algum tempo, e pode ser feito de forma mais avançada através de uma metodologia chamada teoria fundamentada. Outro exemplo é o estudo de mestrado de Elias Harmuch Neto na PUC-PR, em que ele investigou como se forma um "devigner" (developer + designer). Ele usou ferramentas como o Atlas TI para organizar as evidências, mas para chegar na sua teoria, foi fundamental fazer um modelo metafórico de Lego Serious Play. Com ele, Elias identificou um padrão comum entre esses estudantes que tinham interesse desde a infância em desmontar e montar coisas, evoluindo para um perfil multifacetado na vida adulta, o tal do devigner.

Projetos de design desenvolvidos a partir de teorias fortes geram experiências únicas e memoráveis, que agregam valor à experiência. Acredito que a produção de teorias, embora ainda pouco valorizada, é essencial para o sucesso de um projeto.

Exercício

O objetivo deste exercício é explicar o porquê da experiência estudada ocorrer tal como ocorre. Para explicar isso, será desenvolvida uma teoria a partir das evidências coletadas até então.

1. Escrever em postits (verdes) todas as evidências (ou descobertas) coletadas até então
2. Escrever em postits (laranjas) as fontes de cada evidência
3. Organizar as fontes entre os tipos de fontes: intuição, observação, leituras e participação
4. Ligar as evidências às fontes riscando o quadro branco
5. Observar o quadro e produzir uma teoria com as mãos, utilizando uma mistura de massa de modelar e atomlig (podem ser utilizados outros materiais estruturantes também). A teoria deve explicar todas as evidências de uma vez só.
6. Escrever um postit (rosa) para cada parte da explicação teórica.

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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Esta aula abrange uma série de iniciativas que visam democratizar o processo de tomada de decisões governamentais em diversos contextos. Ela apresenta experiências tanto no Brasil quanto na Holanda, onde o professor conduziu pesquisas e interações. Movido pelo desejo de reduzir a desigualdade social e fortalecer a democracia, o design participativo se baseia na ideia de que a mudança deve ser vivenciada e compreendida de dentro para fora.

A essência do design participativo envolve projetos que reúnem diversos grupos de interessados, frequentemente em contextos politicamente polarizados. Essa polarização muitas vezes deriva de desigualdades econômicas historicamente enraizadas. O desejo de mudança impulsiona a cocriação, e o processo em si reflete esse anseio por transformação. A participação social, mais ampla do que o design participativo, também é explorada como uma maneira de expandir a democracia e enfrentar os desafios da representatividade política.

A Holanda oferece exemplos interessantes de design participativo no governo. Um aspecto notável é o "Polder Model", uma tradição de tomada de decisões que prioriza o consenso e busca envolver a população em debates prolongados para alcançar uma coordenação eficaz. Projetos como o Cidade Democrática e iniciativas de co-design em hospitais e planejamento urbano ilustram como os cidadãos podem influenciar positivamente políticas públicas. Ferramentas como o Teatro do Oprimido e o Laboratório Vivo oferecem maneiras inovadoras de envolver a comunidade e explorar novas formas de participação social.

No entanto, esse processo não está isento de desafios. O crescimento do descontentamento com os sistemas democráticos tradicionais, como observado nas manifestações de 2013 no Brasil, destaca a necessidade de repensar as formas de participação e representação. A complexidade do cenário político exige abordagens adaptativas e criativas para envolver os cidadãos de maneira eficaz, promovendo a democracia e a igualdade social de forma sustentável.

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Design participativo no governo [MP3] 45 min

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Nesta trajetória, são destacadas perspectivas diversas, entrelaçadas por experiências e reflexões compartilhadas.Esta narrativa exemplifica uma jornada contínua de conscientização, transformação e interconexão no campo do design, impulsionada por momentos críticos e colaborações multifacetadas.

A saga começa com uma iniciativa ousada de estudantes em 2001: o jornal apócrifo "O Lenhador," que criticava ingenuidades e neutralidades. Este projeto despertou a noção de ser um jornalista engajado. Uma guinada inesperada levou ao design gráfico do jornal, desencadeando um interesse que alimentou um pensamento crítico multifacetado. A descoberta do potencial transformador culminou na criação de um manifesto chamado "Design Livre."

Na jornada acadêmica, colaborações e movimentos se entrelaçam. O Instituto Faber-Ludens e a Plataforma Corais foram marcos na exploração do design social. A pedagogia crítica também desempenhou um papel, incentivando a exploração do desconhecido e levando a questionamentos profundos. Apesar de desafios, como a pandemia, a consciência coletiva gerada entre os estudantes foi transformada em ações, criando um laboratório de pedagogia crítica em design, o LADO.

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Movimentos da Consciência Crítica na Educação em Design [MP3] 54 min

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Uma distinção crucial entre usuários e designers é a sua origem em grupos sociais diferentes. Enquanto estudantes de design podem ter privilégios que lhes permitem acesso à educação superior, muitos usuários vêm de contextos diversos e podem enfrentar desafios socioeconômicos. Os usuários são aqueles que muitas vezes permanecem fora do âmbito do design, e essa diferença é essencial para compreendermos a experiência do usuário.

Aqui, introduzimos uma abordagem interessante ao abreviar "experiência do usuário" como ExU. Essa abreviação não apenas segue a lógica linguística do português, mas também tem significado cultural profundo. ExU também se refere ao orixá Exu, associado à comunicação nas religiões africanas. Ao trazermos esse conceito para o mundo do design, destacamos a importância da comunicação e da conexão entre pessoas diferentes.

Esse entendimento crítico e culturalmente consciente da ExU é crucial. Ele nos desafia a considerar a importação cega de conceitos estrangeiros e nos lembra da necessidade de adaptar ideias ao contexto brasileiro. Exu, como entidade da comunicação, ressoa com a busca por compreender a perspectiva do "outro". Esta é uma característica intrínseca à abordagem crítica que promovemos, lembrando-nos da influência persistente do passado colonial e de como podemos enfrentar questões sociais através do design.

Uma das maneiras de enfrentar essas questões é através da metodologia de problematização. Essa abordagem busca identificar problemas subjacentes e, muitas vezes, não óbvios em experiências cotidianas. Através da aplicação do duplo diamante, uma estrutura que envolve a redefinição de problemas e a criação de soluções, os designers podem mergulhar profundamente nas complexidades das experiências do usuário. No entanto, é essencial lembrar que nem todos os problemas merecem ser abordados. A identificação e a abordagem das questões que realmente importam são vitais para a transformação positiva da sociedade.

Aqui, entra em cena o poder do método Lego Serious Play. Ao representar conceitos abstratos por meio de modelos concretos, essa abordagem permite que os designers expressem experiências complexas e subjetivas de forma tangível. Isso não apenas ajuda a entender as experiências dos usuários, mas também serve como base para formular perguntas de pesquisa detalhadas.

A triangulação, que envolve a combinação de diferentes métodos e perspectivas, aprofunda a pesquisa de experiências. Esse processo proporciona uma visão mais abrangente e confiável das experiências dos usuários. A pesquisa não termina com a definição das perguntas; envolver os usuários por meio dos métodos escolhidos é um passo essencial para a compreensão genuína e aprimoramento das experiências.

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Gravação realizada na disciplina de Metodologida da Pesquisa do curso de Tecnologia em Design Gráfico da UTFPR.

Problematizando a experiência do usuário (ExU) [MP3] 20 minutos

Exercício

A experiência a ser pesquisada é representada utilizando um modelo metafórico de Lego Serious Play. O modelo metafórico não é uma representação literal do espaço onde ocorre a experiência, mas sim de como as pessoas se sentem ao passar por ela. Depois de montar o modelo e refletir sobre ele, é possível fazer o esforço de descrevê-lo em palavras. O papel de rotulagem deve começar com "A experiência de..." e descrever suas peculiaridades.

Em seguida, observando o modelo, o pesquisador preenche uma folha de papel com perguntas de pesquisa que ele pretende fazer a si Mesmo. Estas perguntas não são perguntas de questionário a serem feitas diretamente ao Outro, mas sim perguntas amplas às quais se desejem respostas. O papel deve estar posicionado na orientação paisagem.

Depois de obter uma certa quantidade de perguntas, é possível recortar as perguntas do papel e utilizá-las como um recurso de composição gráfica. Os métodos de pesquisa devem ser anotados em papéis autoadesivos (post-its), que servirão como pontos nodais do diagrama, enquanto as perguntas de pesquisa devem ser suas conexões.

As perguntas servirão como uma ponte entre dois métodos que respondem à mesma pergunta. Quando o método responder uma única pergunta, esta não servirá como ponte e deverá apontar para fora do diagrama a ser composto.

Ao final do processo, elabora-se a pergunta norteadora em um post-it de cor diferente, no centro do diagrama. Esta pergunta de pesquisa é a pergunta ampla que está por trás das demais perguntas.

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Etnografia no design com Teoria da Atividade
11. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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A pesquisa bibliográfica de experiências, conhecida como "desk research", tem um papel crucial no mercado de trabalho. A expressão não é uma tradução direta, mas sim uma descrição dessa abordagem. Para compreender essa terminologia, é essencial explorar a história do termo "antropologia de gabinete" ou "antropologia de escritório", que influenciou grandemente o design de experiências.

No século XIX, a antropologia era praticada por pesquisadores que coletavam dados indiretamente, muitas vezes por correspondência. Eles estavam distantes das culturas que estudavam, o que frequentemente levava a percepções preconceituosas e estereotipadas. Com o avançar do tempo, a antropologia evoluiu para o paradigma da "antropologia de campo", que envolve pesquisa direta e convivência com as culturas estudadas, resultando em uma perspectiva mais justa e equilibrada.

No campo do design de experiências, a influência da antropologia se manifesta por meio de métodos como a pesquisa etnográfica. A pesquisa bibliográfica de experiências envolve explorar fontes já publicadas sobre determinado assunto, como artigos científicos. A relevância dessas pesquisas é avaliada por meio do número de citações, indicando seu impacto e importância no campo.

Para um profissional dessa área, é crucial aprofundar-se em artigos científicos, extrair informações relevantes e triangulá-las com outras fontes, criando uma compreensão mais completa do tema. Além disso, a importância de sair do ambiente virtual e se envolver em pesquisas de campo é destacada, permitindo uma abordagem mais rica e autêntica na busca por conhecimento.

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Gravação realizada na disciplina de Metodologia da Pesquisa, curso de Bacharelado em Design da UTFPR.

Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research) [MP3] 27 min

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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No âmago do design de serviços, encontramos a busca por proporcionar uma experiência consistente ao usuário em diversos pontos de contato. Anteriormente, essa abordagem tinha origem europeia, mas a proposta atual incorpora uma perspectiva latino-americana que considera também as particularidades e questões de opressão vivenciadas na região. Ao considerar elementos como integração de dados, evitar repetições desnecessárias e garantir uma experiência unificada, esse novo enfoque visa oferecer satisfação e coesão ao usuário.

Embora a experiência do usuário seja um ideal ético muito potente, ele não deve negligenciar outros atores que interagem com os sistemas projetados, tais como funcionários internos. Um serviço não se restringe somente ao que é visível, mas também envolve os bastidores, onde muitas vezes se escondem situações de opressão. Aqui entra o Teatro do Oprimido, um espaço de reflexão e transformação através da arte, idealizado por Augusto Boal, que busca desvendar os bastidores da opressão para gerar conscientização e mudança.

Em nosso cenário latino-americano, onde questões de racismo, sexismo, machismo e colonialismo impactam diretamente a experiência das pessoas, é fundamental uma abordagem ética que vá além do status quo. Para tanto, é necessário encarar de frente o desafio de repensar a moralidade que subjaz muitas vezes à estrutura de serviços, visando uma transformação verdadeira. A consciência crítica, que leva em consideração as diversas realidades vividas por cada indivíduo, é um componente vital na construção de serviços mais inclusivos, equitativos e éticos.

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Gravação realizada no Meetup organizado pela Softfocus.

Ética Latino-Americana no Design de Serviços [MP3] 37 min

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Gravação realizada na disciplina Metodologia da Pesquisa do curso de Tecnologia em Design Gráfico da UTFPR.

Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências MP3 28 minutos

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Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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Na pesquisa de experiências, exploramos questões frequentemente ignoradas pelo mercado, como a opressão e a influência do contexto capitalista na qualidade de vida dos trabalhadores. Uma teoria capitalista que influencia essa área é a "teoria da progressão do valor", que aborda como um mesmo ingrediente pode ser transformado em uma commodity ou uma experiência completa, como no caso do café vendido pela Starbucks. No entanto, essa perspectiva muitas vezes deixa de lado questões trabalhistas e sociais.

A Starbucks, um exemplo de sucesso na área, não nasceu com uma pesquisa de experiências definida, mas ao longo do tempo, observou como os clientes interagiam com seus produtos e serviços. A experiência proporcionada, incluindo atendimento, ambiente e interações, acabou se tornando o diferencial. Ao analisar a Starbucks, compreendemos que a criação de uma experiência envolve o design de produtos, embalagens, interfaces, serviços e interações. Isso exige uma visão ampla e a capacidade de integrar várias especialidades. Por isso, para atuar nesse campo, é necessário se tornar um metadesigner, alguém que projeta considerando tendências sociais, comportamentos e emoções.

A pesquisa é crucial para o metadesigner, pois ela traz informações valiosas dos usuários e gera valor tanto para a empresa quanto para os clientes. Porém, é importante perceber quando o foco está no valor de uso, que é único e beneficia o usuário, em oposição ao valor de troca, que pode não ser tão relevante para a experiência.

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Gravação realizada na disciplina de Metodologia da Pesquisa do Bacharelado em Design da UTFPR.

Introdução à pesquisa de experiências (UX Research) MP3 1h5min

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Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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O objetivo desta aula é oferecer uma visão ampla sobre esse tópico e indicar referências para aprofundamento. Acompanhando o conteúdo, uma música de 1976 do Tom Zé, "Tô", ressoa com críticas à complexa realidade da época da ditadura militar. O contraste entre a percepção pública e a realidade vivida gera confusão, como destacado na canção. Isso é similar ao que acontece no universo do design, com a definição provocadora de John Heskett: "Fazer o design do design para produzir um design". Essa visão desdobra o significado do termo "design" em diversas dimensões. O processo do Metadesign envolve explorar essas diferentes interpretações.

Além disso, metadesign também toca na ideia de projetar um processo de produção. Esse conceito desafia a divisão tradicional entre projeto e produção, mostrando que o design pode influenciar ambas as etapas.

Um passo adiante é o pensamento sobre a automação no design. A história de tentativas de automação completa encontra obstáculos na complexidade do pensamento criativo e na crítica, aspectos que as máquinas ainda não conseguem replicar. No entanto, a automação gradual se espalha, transformando a maneira como produzimos.

A preocupação com a precarização dos empregos no campo do design é real, à medida que a automação avança. Uma peça de teatro especulativo apresenta um futuro no qual a inteligência artificial delega tarefas a designers subcontratados em condições precárias. Diante da crescente automação, o metadesign promete uma abordagem reflexiva e criativa que mantém a relevância do design humano na era tecnológica.

Ao mergulharmos mais fundo, é notável que o metadesign transcende a simples criação de produtos. Ele se estende para a definição de processos, contextos e até mesmo valores sociais. Enquanto a sociedade evolui, o papel do metadesign ganha destaque. O desafio está em manter a ética, o rigor e a consciência em todas as etapas desse processo. O metadesign é, em última análise, um chamado para uma abordagem mais ampla e reflexiva no campo do design, garantindo que a criatividade, a humanidade e a inovação estejam sempre no centro do que se faz.

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Gravação realizada na disciplina Metodologia da Pesquisa do Bacharelado em Design da UTFPR. Recomenda-se assistir também a peça de Teatro Fórum sobre precarização do trabalho de design transmitida pelo canal do GFAUD-USP em 2020.

Introdução ao Metadesign MP3 40 minutos

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Aula gravada na disciplina Projetos para Pessoas do Bacharelado em Design da UTFPR, ministrada em conjunto com Claudia Bordin e Marcos Mazzarotto.

Design Ontológico Crítico [MP3] 40 minutos

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Então, design ontológico crítico, já adiantando que esse termo é um pouco diferente dos termos normalmente utilizados no design. Ele diz respeito à relação entre design e realidade, e à produção da realidade. Vamos tratar de temas como, por exemplo, realidade virtual, realidade aumentada, realidade híbrida, realidade mista, mas por uma perspectiva crítica que nos ajuda a enxergar as realidades escondidas atrás dessas realidades -- as realidades oprimidas na nossa sociedade. Daí vem essa perspectiva crítica sobre o design ontológico.

Não vamos fazer apologia ao uso dessas tecnologias; pelo contrário, vamos levantar pontos polêmicos. Bom, vamos começar desmistificando esse termo: design ontológico. O que é ontologia? É o ramo da filosofia que estuda o ser em si e o ser no ente. Quem e o quê existem? Sempre que faço uma lista de coisas que existem no mundo e as organizo -- por exemplo, os seres da terra, do céu, do mar --, isso é uma ontologia. Essa ideia remonta à Grécia antiga, onde a filosofia começou tentando definir as coisas da natureza. Isso é o ser no ente: o ser reduzido a um ente, uma parte do mundo. O ente é um ser que está inserido em algo.

Por outro lado, a ontologia também discute o ser em si, ou seja, o ser como algo difícil de apreender, algo que atravessa o tempo e se define como aquilo que perdura no tempo. É muito abstrato e não entraremos em detalhes nesse aspecto. No entanto, essa discussão foi trazida por fenomenólogos como Hegel, Husserl, Heidegger e Sartre. No Brasil, temos Álvaro Vieira Pinto e Paulo Freire, que também abordaram o tema, mas trazendo-o para o cotidiano, para questões práticas do dia a dia, para entender ou complicar as relações entre mundo e realidade.

Qual a diferença entre os dois sentidos de ontologia? Por que, às vezes, sentimos que não temos contato direto com o mundo e, ao mesmo tempo, que também não estamos plenamente conectados com a realidade? Esse desalinhamento entre realidade e mundo é o tema central da ontologia.

Pensar a ontologia pela perspectiva do design significa assumir que a realidade não está dada, não é produzida automaticamente pela natureza. A realidade é sempre fruto de um projeto -- algo que os seres humanos criam intencionalmente para dar sentido a ela. Na ontologia existencialista ou existencial, o projeto indica o modo particular como o ser humano se coloca no mundo, com a intenção de transformá-lo. Isso diferencia o ser humano de um ser da natureza, que, por exemplo, não possui a capacidade de antecipar o futuro. Com essa capacidade, os seres humanos transformam o mundo para torná-lo mais adequado às suas condições de vida, aproximando-o de si mesmos. Paulo Freire e Vieira Pinto chamam isso de humanização do mundo.

Na filosofia existencialista, o conceito de projeto é muito mais amplo do que no design. Porém, se pensarmos o projeto em design como um projeto existencial -- um projeto de ser que se adianta de quem é hoje para quem deseja ser no futuro --, podemos compreender o design ontológico. O autor que mais discute isso é Álvaro Vieira Pinto, especialmente em sua obra Consciência e Realidade Nacional, que serviu de base para a pedagogia do oprimido.

Contudo, o mundo em que nos projetamos já está projetado por várias pessoas, e esses projetos frequentemente entram em conflito. Alguns estão na fase de concepção, outros em execução, e outros ainda sendo disputados para definir qual realidade prevalecerá. Vivemos em um mundo humano, onde nosso contato com a natureza imediata é mediado pelos projetos que herdamos e continuamos. Isso significa que todo projeto parte de outros projetos; nunca começamos do zero. No design, todo design é um redesign, mas pode também ser um contraprojeto.

Esses projetos disputam principalmente a hegemonia ou a definição das finalidades sobre as mediações -- partes do mundo que retiramos para transformá-lo. Por exemplo, transformamos a natureza em materiais ou em linguagem. A linguagem falada, que é um movimento natural de ar, também nos coloca em um mundo humanizado, em que os sons ganham significados específicos e se tornam ferramentas para transformar o mundo. Linguagem, materiais e ferramentas constituem mediações.

Um exemplo interessante é o de um globo físico gigante instalado no centro da escola de economia de uma universidade britânica. Ele gerou polêmica, não por representar os países "de cabeça para baixo" -- questionando o padrão de colocar a Europa no topo e o Brasil embaixo --, mas porque o autor escolheu uma cor diferente para Taiwan em relação à China. Isso gerou protestos tanto de quem considera Taiwan uma república rebelde quanto de quem defende sua independência. Esse caso ilustra como a representação do mundo se confunde com o próprio mundo.

As representações começam a se tornar o próprio mundo, criando uma contradição da qual não conseguimos nos livrar. Mediações se referem a outras mediações: o globo, por exemplo, remete às fronteiras definidas artificialmente, que não existem na natureza. A representação acumulada torna-se tão poderosa que, se algo não está representado, é como se não existisse.

Por exemplo, o Google Maps representa a UTFPR no globo digital, mas não inclui nosso Laboratório de Design Contra Opressões, mesmo que ele exista fisicamente e nós estejamos aquia gora. Se quisermos que o nosso laboratório exista, podemos cadastrá-lo nesse mapa, algo que ainda não fizemos. É curioso como, por mais que essas mediações nos distanciem do mundo, elas nos aproximam da "realidade que está valendo", porque as pessoas decidem para onde vão por causa do Google Maps, muito mais do que olhando pela janela ou andando pelas ruas e observando algo. Hoje, essa é uma mediação fundamental. Negócios que não têm essa presença digital acabam, para muitos, não existindo, perdendo clientes e oportunidades.

Por exemplo, uma vez ajudei a cadastrar um restaurante no Google Maps. Até hoje recebo e-mails dizendo: "Parabéns, sua contribuição foi muito importante. Mais de 500 mil pessoas já viram essa atualização." Meio milhão de pessoas! Pensei: "Como assim?" Isso aconteceu porque era um restaurante muito movimentado, com mais de 200 pessoas almoçando lá todos os dias. Elas conferem no mapa horários de funcionamento e outras informações, e tudo isso graças à modificação que fiz. Reflitam sobre o poder que o Google, como criador dessa ferramenta, tem na definição do que existe e do que não existe.

Nesta foto aqui, trago outro exemplo de alguém que é ainda mais explícito nessa relação de controle da realidade: Mark Zuckerberg. O Google, por enquanto, mantém uma posição mais discreta, quase "tocaiada", o que talvez seja ainda mais perigoso. Já Zuckerberg adota uma postura mais aberta, e podemos criticá-lo diretamente. Quando ele diz: "Vou criar a realidade virtual em que vocês vão gastar a maior parte do tempo no futuro" -- o chamado metaverso --, ele está explicitando essa tentativa de controle.

Essa imagem que mostro, apesar de ser anterior ao metaverso, é paradigmática para mim. Ela ilustra bem a felicidade de Zuckerberg ao ver todo mundo conectado à realidade que ele controla, quase completamente, por meio dos estímulos. Enquanto isso, a expressão das pessoas ao redor mostra sofrimento. Lembro que estavam assistindo a um vídeo sobre problemas globais, talvez pobreza, algo assim. Ele estava radiante, enquanto todos os outros... bem, estavam absorvendo aquela realidade de outra maneira.

Essa situação ilustra uma disputa pela realidade em que o design vai se posicionar através do conceito de design ontológico. Primeiro eu vou falar da versão ingênua do design ontológico. Vou fazer uma distinção entre um design ingênuo e um design crítico, com base nas contribuições de Álvaro Vieira Pinto e Paulo Freire. Essa teoria de design ontológico mais conhecida, que está no artigo que vocês leram, foi inicialmente desenvolvida por Winograd e Flores na Universidade de Stanford. O Flores, que é chileno, trabalhou com Salvador Allende para criar o primeiro governo eletrônico junto com Gui Bonsiepe no Chile, nos anos 1970. Ele teve que fugir porque o Pinochet deu o golpe, matou o Allende com ajuda dos Estados Unidos, e o Flores continuou a pesquisar sobre cibernética. O livro dele com o Winograde é muito interessante. É um livro incrível, mas com uma perspectiva pouco crítica, apesar de tudo.

Já Anne-Marie Willis e Arturo Escobar trazem uma abordagem mais crítica, considerando que já se passou mais tempo desde essa publicação. Ainda assim, prefiro classificá-los como ingênuos. E por que isso? Porque eles tratam as coisas como se fossem pessoas, como se fossem seres humanos. Eles consideram que nós projetamos as coisas do mundo e as coisas nos projetam de volta, como se elas existissem tal como existimos.

No início da apresentação, eu mencionei que, segundo a ontologia existencial, o projeto é uma característica única do ser humano -- a maneira como ele existe no mundo. Se as coisas também projetam, então elas existem tal como seres humanos. Vou tentar derrubar essa hipótese porque acho que ela é ingênua e reduz o conceito de existência ao ser. Sartre faz essa distinção ao diferenciar o "ser em si" do "ser para si". Ele diz que as coisas não têm capacidade de projetar, sendo "seres em si". Já os seres humanos, que podem direcionar sua consciência para algo, são "seres para si". Além disso, os seres humanos podem ser "seres para o outro", vivendo para realizar os desejos de outra consciência. Esse é um conceito fundamental na Pedagogia do Oprimido de Paulo Freire, onde o oprimido é aquele que vive para atender os desejos do outro. Essa noção ingênua não captura isso porque equaliza todos os seres.

Apesar de tudo, essa perspectiva ingênua é interessante. Vou pegar um exemplo do Batman porque acho divertido. Eu gosto de assistir Batman, mas também acho que, ao olhar criticamente, podemos enxergar vários discursos que estão ali nas entrelinhas. É um produto cultural massivo, e imagino que vocês conheçam Batman e seus filmes. Acho que é útil trabalhar com isso. Claro, estamos buscando outros exemplos, então, quem tiver dicas, é só compartilhar.

Na história do Batman, temos um desenvolvimento tanto do personagem quanto de suas ferramentas. Não dá para negar que isso é design -- um design de personagem e de ferramentas. Só que esse design faz parte de algo maior: o design de uma realidade. E que realidade é essa? No universo da Wayne Enterprises e da DC Comics, desenvolvem-se ferramentas para que o Batman faça justiça com as próprias mãos e, ao mesmo tempo, com nossa imaginação. Essa realidade criada pelo Batman e pelos designers ao redor dele legitima fazer justiça com as próprias mãos quando o governo é corrupto, como no caso de Gotham.

Então aparece o Coringa, que, junto com seus comparsas, produz outras ferramentas para questionar essa ideia: "Quem é você, Batman, para me julgar? Você não está quebrando regras também? Não são essas pessoas ricas de Gotham que estão destruindo nossa convivência?" O Coringa propõe que sejamos autênticos e deixemos nosso caos vir à tona. Em certo ponto, o Batman e o Coringa começam a se acusar mutuamente, como na famosa cena do interrogatório: "Você me criou." "Não, você me criou." O Batman diz que só virou vigilante porque o Coringa matou seus pais, e o Coringa retruca que só virou um grande criminoso porque o Batman começou a atacar os ladrões da cidade, que acabaram acuados e buscaram refúgio com ele.

Apesar desse embate, nenhum dos dois coloca em disputa as ferramentas que utilizam, que poderiam ser vistas como violentas ou tendenciosas à violência. O design ontológico ingênuo introduziria essas ferramentas na discussão, apontando que elas têm vieses e tendências violentas. Nos Estados Unidos, por exemplo, existe um ciclo vicioso de violência que aumenta cada vez que uma nova arma com maior poder de fogo ou maior velocidade de disparo é lançada no mercado, vendida como um produto de consumo acessível. Um exemplo trágico foi o tiroteio de 2012 em uma sessão de Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge, onde um atirador usou um fuzil AR-15 para matar mais de 20 pessoas e ferir mais de 70 em poucos segundos.

O design ontológico ingênuo propõe a redução do potencial violento dessas ferramentas. Argumenta-se que essas armas disparam porque podem disparar, não apenas porque alguém aperta o gatilho. Se restringirmos o acesso a armas letais ou tornarmos essas ferramentas menos destrutivas, talvez possamos reduzir esse ciclo vicioso. Um exemplo de intervenção nesse sentido é a mudança nos emojis de armas. Em 2013, os emojis de armas eram representados de forma realista, com exceção do emoji da Google, que já mostrava uma arma de brinquedo. A partir de 2018, os emojis foram padronizados para armas de brinquedo.

Acho ingênuo acreditar que as pessoas se tornariam menos violentas só porque os emojis mudaram, mas, por outro lado, essa mudança abre espaço para uma conversa: por que os emojis mudaram? E pode incomodar aqueles que consideram normal usar armas em diálogos cotidianos, como em um WhatsApp.

Então, eu acho o seguinte: o design ontológico ingênuo vai até um certo ponto. Dali em diante, continuamos com o design ontológico crítico, que parte do princípio de que as coisas não existem separadamente de nós. Não existe essa ideia de que as coisas projetam o ser humano. Sempre há um ser humano por trás dessas coisas, projetando indiretamente quem nós somos -- o que chamamos de metaprojeto. Por trás de toda ferramenta de projeto há um projeto de ferramenta, um metaprojeto feito por metadesigners.

Aqui, estou utilizando um recurso de inversão dialética para revelar uma realidade que está por trás de outra, uma realidade velada, escondida, mas presente. Por exemplo, o que está escondido por trás da discussão sobre armas nos Estados Unidos é, obviamente, o interesse comercial. Toda vez que a mídia divulga notícias sobre tiroteios em massa, as pessoas assistem, leem, dão audiência. Isso gera mais notícias, que geram mais audiência. Porém, existe um ciclo mais sinistro: ao assistir essas notícias, as pessoas ficam alarmadas com o aumento da violência e compram mais armas para se proteger. Isso, por sua vez, disponibiliza mais armas no mercado, que podem acabar nas mãos de pessoas que, eventualmente, têm um ataque nervoso ou intenções violentas. Assim, o ciclo se retroalimenta.

Um estudo da Nature de 2019 mostra essa relação com dados: há picos de notícias sobre violência, picos de tiroteios em massa e picos de checagem de antecedentes criminais, que são realizados ao comprar uma nova arma. Esses picos correspondem uns aos outros. A correlação sugere que, ao dar tanta ênfase às notícias de violência, sem uma abordagem crítica, a mídia contribui para aumentar a venda de armas. Esse é um metaprojeto -- um projeto que molda como as pessoas reagem à violência, com a mídia implicada nesse processo.

Voltando ao Batman, ele também tem um metaprojetista: Lucius Fox, o CEO da Wayne Enterprises, que nas horas vagas atua como designer das armas experimentais do Batman. Ele desvia recursos da empresa, esconde projetos e, caso algum funcionário questione suas ações, como ocorre no filme, é diretamente ameaçado pelo próprio Batman. Bruce Wayne, como Batman, confronta o funcionário, insinuando: "Você gostaria de ir contra o Batman, um justiceiro que combate ladrões? Quer mesmo correr esse risco?" Com medo por sua segurança, o funcionário não denuncia nada. Vemos, assim, como Lucius Fox estimula o Batman a ser cada vez mais violento.

No caso do Coringa, também há um metaprojeto, mas de outra natureza. O filme Coringa (2019), que considero excelente, mostra como Arthur Fleck, o personagem que se torna Coringa, é moldado por uma sociedade que o rejeita. Ele busca apoio do Estado para comprar remédios psiquiátricos e receber tratamento, mas esses serviços são cortados por um enxugamento de verbas -- reflexo de um metaprojeto neoliberal que defende que o Estado não deve intervir nas injustiças sociais. Isso leva Arthur a se revoltar contra o Estado e toda a sociedade.

O bilionário Batman, que nunca precisou desses apoios, é incapaz de compreender o Coringa. A reação do Coringa a esse metaprojeto é estimular os cidadãos de Gotham a liberar sua essência egoísta, violenta e caótica. Trata-se de um contra-projeto, sim, mas que não altera a realidade. Ele parte do princípio de que a essência do ser humano é ruim e de que devemos aceitar isso. Gotham, que já estava em caos, apenas se conforma com ele.

Se o Coringa tivesse lido Sartre, entenderia que o ser humano não tem essência fixa. Segundo Sartre, a essência do ser humano é projetar-se -- transformar-se continuamente. Paulo Freire, inspirado em Sartre e observando os oprimidos que se revoltam contra seus opressores para substituí-los, escreve que os oprimidos estão imersos na realidade opressora, como peixes na água. Eles não percebem a realidade em que estão porque estão imersos nela. Só quando conseguem emergir dessa realidade começam a se enxergar como sujeitos, capazes de se projetar e mudar.

No caso do Coringa, Arthur Fleck está preso à realidade opressora. Ele é um palhaço explorado, maltratado pela sociedade, que força risos para sobreviver. Ele ri porque é obrigado, mas não encontra nada para rir genuinamente em sua vida. Esse ciclo reflete a metáfora de Paulo Freire sobre a realidade que envolve os oprimidos e dificulta sua emergência como consciência crítica.

Para romper esse ciclo, é preciso que os oprimidos percebam que estão na água -- que estão imersos na realidade. Quando começam a emergir, entendem que sua essência não é fixa, mas algo que podem projetar e transformar. Ao se organizar, os oprimidos podem se inserir criticamente na realidade para transformá-la.

Adicionei à metáfora de Freire o elemento de um barco. Esse barco, onde os opressores flutuam acriticamente, depende de um motor movido pela força dos oprimidos. Os opressores não percebem que o barco só funciona porque os oprimidos estão girando esse motor. Quando os oprimidos param, o barco também para. Esse é o momento em que os opressores podem perceber a realidade ou ser substituídos por um sistema sem opressão.

O design ontológico crítico, então, é essa inserção crítica dos oprimidos, revelando uma nova dimensão de projeto: o infraprojeto. São os projetos dos oprimidos, um conceito que estamos desenvolvendo aqui na UTFPR, no DADIN e no LADO. É uma novidade que faz uma contraposição ao metaprojeto, trazendo uma leitura crítica desse conceito.

Então, a gente encontra o oposto, digamos assim, do metaprojeto nos infraprojetos, que normalmente são invisibilizados. O termo "infra" remete a algo invisível, algo que está abaixo do nosso espectro de visão. Em uma realidade opressora, a maior parte dos projetos é feita pelos próprios oprimidos, porque os opressores, que estão "boiando" acima da realidade, acabam perdendo o contato com ela. Eles esquecem, por exemplo, que os trabalhadores de suas empresas ou até das suas próprias residências também precisam de uma casa para morar. E, como não se preocupam em projetar essas casas, quem projeta são os próprios oprimidos, aproveitando o que têm à mão para realizar a autoconstrução.

Uma favela ou uma comunidade autoconstruída é, portanto, um projeto também. Esses infraprojetos são caracterizados pela improvisação, utilizando materiais disponíveis e visando suprir necessidades negligenciadas pelos metaprojetos dos opressores. Eles podem até mesmo assumir características de contraprojetos. Por exemplo, durante a pandemia, motoristas de Uber, sem apoio ou segurança sanitária oferecida pela empresa, improvisaram barreiras contra a Covid-19 usando plástico ou outros materiais que tinham em casa. Muitas pessoas olham para isso e elogiam, dizendo: "Que criatividade, que gambiarra bem feita!", mas esquecem que a responsabilidade deveria ser da empresa, que foi uma das que mais lucraram durante a pandemia, explorando trabalhadores de plataformas como esses.

Esses infraprojetos são frequentemente negados, cooptados, roubados ou domesticados pelos opressores. Na pesquisa em design, muitas vezes os infraprojetos são enquadrados como "design vernacular" e transformados em produtos, marcas ou abordagens visuais que não beneficiam os oprimidos. Esses produtos são vendidos a preços exorbitantes e carregam uma estética que sugere conexão com a periferia, mas que, na verdade, rouba a expressão genuína e a vivência de quem os criou.

Um exemplo disso são as fotografias tiradas em contextos de opressão. Algumas dessas fotos foram transformadas em NFTs e vendidas por valores exorbitantes, sem que os fotógrafos compartilhassem esse dinheiro com as pessoas retratadas. É uma relação de co-optação: o oprimido reage, cria um contraprojeto ou uma expressão de autonomia, mas o opressor se apropria disso e transforma em algo comercializado, apagando as demandas políticas que deram origem ao projeto.

Apesar das tentativas de co-optação, os infraprojetos resistem, pois visam afirmar e viabilizar a existência dos oprimidos em uma realidade opressora que nega essa existência. Esses projetos podem ser chamados de projetos de "reexistência", como vimos na tese de Sâmia Batista defendida recentemente na ESDI. Ela aborda como esses projetos diferem dos projetos de "existência", como propostos por Sartre e Vieira Pinto. Enquanto os projetos de existência buscam ser mais, os projetos de reexistência buscam voltar a ser mais, depois de terem sido reduzidos a menos pela opressão. São projetos complexos, envolvendo luta e resistência.

O design ontológico crítico, que ainda estamos desenvolvendo, visa conscientizar os oprimidos de que, além de infraprojetar -- ou seja, criar projetos invisíveis, muitas vezes sem plena consciência disso --, eles também podem metaprojetar, como fazem os opressores. Assim, eles podem criar contraprojetos mais robustos, que não apenas resolvam problemas imediatos, mas que também enfrentem contradições estruturais da sociedade.

Um exemplo é a plataforma Corais, um metaprojeto criado para apoiar infraprojetos de oprimidos, especialmente de grupos de produção cultural. Muitos coletivos começaram a utilizar a Corais em 2012, especialmente aqueles conectados à economia solidária, como o MST, que já utilizava essa abordagem para viabilizar suas ações no campo. Esses coletivos pediram a incorporação de ferramentas específicas para suas necessidades, e, usando software livre, desenvolvemos funcionalidades como a "moeda social", que funciona como um banco para projetos colaborativos. Cada membro tem uma conta que reflete sua reciprocidade dentro da comunidade, ajudando a monitorar a saúde dessas redes.

A plataforma Corais utilizou módulos do software livre Drupal, adaptando e integrando funcionalidades já existentes para criar ferramentas como o sistema de moeda social. Essa abordagem permitiu que os oprimidos se apropriassem da tecnologia para criar novas realidades na economia criativa, ampliando essas soluções para outros contextos. Um exemplo disso foi o livro coletivo Coralizando, escrito por 17 pessoas e disponível gratuitamente, documentando essas experiências.

Quem quiser se aprofundar no tema do infradesign pode consultar o TCC de Mateus Pelanda, defendido em 2019, ou acompanhar o mestrado que ele está desenvolvendo no PPGTE. Ele explora teorias novas e pouco conhecidas, como o conceito de infraprojeto.

Resumindo, o design ontológico crítico não apenas denuncia a realidade opressora -- algo que o design ingênuo já faz --, mas também anuncia uma realidade libertadora. Ele busca transformar a realidade de maneira efetiva, inserindo-se criticamente em uma realidade projetada por outros, mas que pode ser redesenhada por nós, servindo às nossas próprias finalidades.

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Esta palestra foi gravada na Semana de Product Design organizada pela Online UX Team e apresentada por Ubiratan Silva.

Pesquisa de experiências no mercado e na academia [MP3] 16 minutos

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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Mapa de influências

Esse mapa foi composto com o Compendium, um sistema IBIS.

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Esta aula foi gravada na disciplina Tópicos Especiais em Tecnologia e Sociedade: Álvaro Vieira Pinto I, no Programa de Pós-Graduação em Tecnologia e Sociedade (PPGTE) da UTFPR.

Introdução à fenomenologia crítica da opressão 33 min

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Gravação realizada na disciplina Tópicos Especiais em Tecnologia e Sociedade: Álvaro Vieira Pinto I, no Programa de Pós-Graduação em Tecnologia e Sociedade (PPGTE) da UTFPR.

Nacionalismo autêntico na Pesquisa em Design MP3 20 minutos

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As descobertas acidentais não são simples coincidências, mas sim o resultado de pesquisadores intencionalmente se colocando em situações propícias para essas revelações. Isso envolve sair do familiar e explorar novos territórios, quebrando a rotina e buscando materiais e cenários desconhecidos. Na pesquisa de experiências, é crucial se lançar ao desconhecido para encontrar aquilo que ainda não foi percebido ou compreendido.

A pesquisa de experiências não se limita a constatar fatos, mas também busca entender por que esses fatos ocorrem e como podem ser transformados. Ela tem um papel fundamental no desenvolvimento de produtos e serviços melhores, que atendam às necessidades dos usuários e promovam mudanças positivas na sociedade. Assim, ao explorar o desconhecido e desafiar preconceitos, os pesquisadores de experiências continuam a fazer descobertas que impulsionam a inovação.

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Gravação realizada na disciplina de Metodologia de Design do curso de Tecnologia em Design Gráfico da UTFPR.

Fazendo descobertas na pesquisa de experiências MP3 40 min

Transcrição

A aula de hoje tem como objetivo apresentar uma visão geral desse processo, que ocorre à medida que a pesquisa é executada e leva a descobertas de algo que não se sabia antes de iniciá-la. A palavra "descobrir" é interessante porque, ao analisar a separação de seus radicais e sua origem, remete à ideia de retirar a coberta. Descobrir é retirar a coberta de algo que estava diante de você, próximo, mas que não era percebido por ser considerado banal. Trata-se de algo que todos supostamente já sabem. É nesse ponto que reside uma oportunidade relevante de descobrir algo que ninguém nunca descobriu: perceber aquilo que está evidente para todos, mas que ninguém vê. Muitas vezes, pesquisadores de experiências fazem a diferença dentro de equipes, organizações e também na academia quando identificam um tema que ninguém havia explorado. Isso não é apenas uma característica da pesquisa de experiências, mas da pesquisa científica como um todo; trata-se de uma prerrogativa que já existia antes mesmo da ciência formal.

Os alquimistas, considerados ancestrais dos químicos e possivelmente da ciência como um todo, já realizavam descobertas por acaso. Eles reuniam materiais, coletavam diferentes tipos de minerais que encontravam, recebiam de viajantes ou compravam, misturavam, realizavam processos de secagem e aquecimento e testavam todos os recursos disponíveis para transformar esses materiais. Em determinado momento, ocorreu a explosão de uma mistura de enxofre com salitre, resultando na descoberta da pólvora na China, no século IX. Essa descoberta levou a outras, até chegar, por exemplo, ao motor a combustão, que é tão importante para a vida atual. Esse "acaso" ao qual normalmente se atribuem essas descobertas não é completamente aleatório, pois o pesquisador, no caso o alquimista, se coloca em condições propícias para que esse tipo de descoberta aconteça. Ele guarda esses materiais em casa para possibilitar essas combinações, mas também pode sair em busca deles e frequentar lugares onde há materiais novos a serem descobertos.

Esse processo de sair do ateliê -- ou, no caso da pesquisa de experiências, sair do escritório e da universidade -- constitui uma condição em que o pesquisador se expõe ao acaso. Trata-se de buscar algo que ainda não se conhece, rompendo limites e explorando possibilidades ainda não trabalhadas pelo design. Pesquisadores que desejam descobrir algo precisam mergulhar nessa realidade, entrando em contato com diversos materiais, especialmente aqueles que não conhecem.

Embora isso pareça evidente, é importante enfatizar, pois é comum que designers permaneçam em sua zona de conforto. Nesse contexto, desenvolve-se habilidade técnica e domínio de expressão, mas não se produz algo realmente novo. A descoberta ocorre quando se passa a coletar dados sobre a realidade do outro -- uma pessoa diferente, de outra cultura, raça, etnia, credo ou qualquer outra condição que a diferencie.

Dentro da teoria do design de experiências de Nathan Shedroff, a pesquisa de experiências e o design de experiências geram novos conhecimentos a partir de dados coletados. Trata-se de uma área com característica empírica: ideias, conceitos, ferramentas e tecnologias têm base empírica e não derivam apenas de dedução teórica, tema que será abordado posteriormente para fins de comparação.

Os dados sobre a experiência do usuário podem ser obtidos de diversas fontes, sendo fundamental saber triangulá-los. Já foram realizados exercícios de triangulação de dados, ainda que, nesse caso, tenha sido utilizada apenas uma fonte, a literatura. O exercício consiste em comparar diferentes fontes e identificar o que cada uma apresenta de semelhante ou diferente. No contexto da pesquisa de experiências, devido ao seu caráter empírico, também se recorre a fontes primárias.

Fontes primárias são aquelas que coletam dados diretamente do usuário ou indiretamente por meio de ferramentas como sensores ou rastreadores. Ao coletar documentos, ouvir relatos ou observar usuários em situação de experiência, obtêm-se dados em primeira mão.

Ao iniciar a coleta desses dados, é necessário manter abertura para que eles transformem o conhecimento prévio, inclusive invalidando hipóteses. Ideias anteriores podem se revelar preconceitos e precisam ser revistas. Por isso, é fundamental não ir a campo apenas para confirmar hipóteses. A pesquisa de experiências não busca validar, mas invalidar, pois é ao quebrar preconceitos sobre a experiência do usuário que surgem descobertas.

Esse aspecto constitui um diferencial em relação à pesquisa de mercado, que frequentemente busca validar conhecimentos já existentes nas empresas. É nesse ponto que se encontra um diferencial importante. Deve existir um processo, um método ou uma característica da pesquisa que permita questionamento constante e revisão de preconceitos. Mudar de ideia é desejável dentro do processo de pesquisa de experiências.

Uma das maneiras mais importantes de realizar isso é a triangulação de dados. Consiste em combinar informações de diferentes fontes, compilar evidências e acumular pistas que levam ao retorno ao campo para validação ou invalidação. A pista funciona como uma hipótese que pode ser validada ou invalidada, mas não representa o fim do processo, apenas uma etapa intermediária. Durante o processo de investigação da experiência, é comum assumir um papel semelhante ao de um detetive, organizando um mapa ou painel de evidências, no qual conceitos geram hipóteses que serão posteriormente confirmadas ou refutadas em campo.

A investigação criminal termina quando o fato se torna evidente ou quando a hipótese de que determinado sujeito é o criminoso é confirmada ou desconfirmada. No entanto, a pesquisa de experiências não se encerra nesse ponto. É justamente por isso que ela se diferencia da pesquisa de mercado. Saber se um produto ou serviço será vendido não é suficiente. O que interessa é determinar qual deve ser a qualidade desse produto, quais qualidades são mais importantes e como construí-las. Ao tratar de qualidade, considera-se usabilidade, estética, acessibilidade, entre outras dimensões que fazem parte do campo de atuação do design e que são desenvolvidas ao longo da formação. A estética, nesse contexto, corresponde à ciência que estuda as qualidades perceptuais da realidade humana. Assim, a descoberta precisa ser útil para o design, e não apenas para o marketing.

Como exemplo, apresenta-se um projeto acadêmico de pesquisa de experiências desenvolvido por um estudante de iniciação científica. Os dados coletados em uma etnografia virtual na plataforma Corais foram organizados em um painel visual com recursos de zoom. Nesse painel, eram estabelecidas conexões entre diferentes dados provenientes de capturas de tela, constituindo evidências. Durante a escrita, essas conexões eram utilizadas para reconstruir a narrativa principal da pesquisa.

No contexto do mercado de trabalho, a pesquisa de experiências costuma envolver um número maior de participantes do que na academia, o que exige níveis mais elevados de análise e organização dos dados. Nesse cenário, passam a ser utilizadas ferramentas mais sofisticadas para análise e tratamento das informações. Entre essas ferramentas, destacam-se as de transcrição de entrevistas e áudios. Em um exemplo de pesquisa de mestrado, a transcrição foi realizada com marcação de pontos do áudio, permitindo a escuta de trechos específicos diretamente a partir do texto. Isso possibilita captar informações presentes na entonação da fala, que podem inclusive contradizer o conteúdo verbal e são fundamentais para a interpretação dos dados.

No caso de vídeos, as vantagens são ainda mais evidentes, pois permitem capturar informações não verbais, como gestos e ações. Um exemplo mencionado envolve o uso do Envivo, que possibilita registrar diferentes camadas de informação, incluindo fala, gestos, ações e significados. Trata-se de uma ferramenta complexa, pouco utilizada no mercado e mesmo na academia, mas que demonstra o potencial de aprofundamento da pesquisa de experiências.

Um exemplo mais próximo da prática de mercado envolve a análise de dados transcritos por meio da identificação de temas recorrentes. Esses temas são relacionados a trechos específicos do material analisado, em um processo conhecido como codificação axial. Atualmente, existem ferramentas mais avançadas para esse tipo de análise.

Uma dessas ferramentas é o Dovetail, que organiza dados em estruturas, permite a codificação temática e integra diferentes mídias, possibilitando a geração de evidências e relatórios.

No ambiente acadêmico, ferramentas como o Atlas.ti oferecem funcionalidades adicionais, como a análise de redes de temas, permitindo estabelecer relações de causalidade, circularidade ou outras lógicas entre os dados, com vistas à construção teórica.

É importante não confundir o papel dessas ferramentas: elas não produzem informação ou conhecimento. A interpretação é realizada pelo pesquisador, e a escolha das ferramentas reflete sua perspectiva. Por esse motivo, recomenda-se o uso inicial de ferramentas simples, como papel, caneta e post-its, priorizando a compreensão do processo.

A forma como os dados são interpretados está diretamente relacionada à visão do pesquisador. Portanto, é fundamental desenvolver consciência sobre os próprios preconceitos, evitando reproduzi-los. Isso ocorre com frequência, por exemplo, no uso de personas, quando indivíduos são enquadrados em estereótipos. Sem um esforço explícito de autocrítica, corre-se o risco de interpretar casos de maneira racista, sexista, capacitista ou classista. Essa autocrítica é essencial para que as descobertas da pesquisa de experiências contribuam de forma significativa para a sociedade, como na construção de formas de convivência sem opressão.

A descoberta não se encerra na constatação de um fato; ela pode avançar até a explicação de por que esse fato ocorre, entrando no campo da teoria, tema que será aprofundado posteriormente. Como exemplo da importância da teoria, destaca-se o desenvolvimento da interface gráfica de usuário no Xerox PARC, onde se identificou que interfaces com ícones, pastas e metáforas visuais facilitam o uso de computadores por pessoas sem formação técnica. Essa descoberta não foi explorada comercialmente pela própria instituição, mas por outra empresa. A Apple incorporou essas ideias no Macintosh de 1984, consolidando sua relevância. Parte significativa do valor de marca da empresa está associada a essas teorias aplicadas ao design de interfaces.

Atualmente, observa-se que o avanço nessa área pode ser limitado por preconceitos estruturais, incluindo racismo e machismo. A crítica a teorias existentes também constitui uma forma de produzir novas teorias e, consequentemente, novas descobertas. No capítulo que escrevi sobre "Preconceitos na interação humano-computador", classifiquei algumas teorias desta área como preconceitos, por estabelecerem atalhos fáceis que não permitem ver a realidade tal como ela é.

O aspecto central desta aula permanece sendo a coleta de dados em primeira mão. A compreensão de fenômenos como a opressão dificilmente ocorre apenas em nível teórico; ela emerge da experiência direta, seja como vivência pessoal ou como observação de situações concretas.

Eu não estaria aqui fazendo essa crítica se eu não tivesse participado de um monte de projetos racistas, sexistas e xenófobos e tivesse sacado que tinha alguma coisa errada ali. Dificilmente você saca a importância e o peso da opressão de maneira teórica. Em geral, é quando você é ou vítima da opressão, ou você é testemunha de alguém sendo oprimido que você percebe o impacto da opressão no design de experiência. Por isso, é importante projetar experiências de forma autocrítica, visando desenvolver-se responsavelmente como cidadão.

Referências

MOGGRIDGE, Bill; Designing interactions. Cambridge: MIT press, 2007.
SHEDROFF, Nathan. Experience design 1. New Riders Publishing, 2001.
PELANDA, Mateus FL; VAN AMSTEL, Frederick MC. Infraestruturando identidades visuais livres em coletivos autogestionários. In: Anais do 9o Congresso Internacional de Design da Informação/Proceedings of the 9th Information Design International Conference| CIDI. 2019.
VAN AMSTEL, F. M. C. Preconceitos da Interação Humano-Computador. CAPA-culturas, alteridades e participaçoes em IHC: navegando ondas em movimento, 1st ed., IBDSEX, Curitiba, p. 54-61, 2020.

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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Esse foi o tema abordado no meetup Ética em produtos digitais da comunidade Coproduto. A transcrição abaixo foi realizada gentilmente por Bruna Villar e Marina Neta.

Transcrição

Boa noite a todes. Vou falar sobre experiência do usuário como ideal ético. Essa é uma apresentação bem curta, direta, para tentar recuperar algo que a gente está hoje perdendo e que estava nas origens dessa disciplina chamada Experiência do Usuário (ExU). Essa é uma reflexão de um acadêmico falando sobre experiências que acontecem no nosso dia-a-dia no mercado de trabalho, mas que podem também ser transformadas através da nossa conscientização.

A questão fundamental da Ética é: qual é a maneira ideal do mesmo se relacionar com o Outro? Esses conceitos são um pouco filosóficos, mas eles têm uma referência concreta do dia-a-dia muito fácil de entender: o Mesmo é você e as pessoas são próximas a você, parecidas com você; o Outro é o distante, o diferente, aquele que não é igual a você. Então, Ética diz respeito à maneira como você se relaciona com "eles".

Existe a possibilidade de você ou do grupo que você faz parte ignorar esses outros. Pode ser também que você ou o grupo que você faz parte se considere superior ao outro. Ou, pior ainda, você pode se achar no direito, na vantagem, ou na oportunidade de colonizar, escravizar ou precarizar, que é reduzir as condições de trabalho do Outro.

A Ética nos ajuda a questionar se essas práticas podem ser consideradas morais ou imorais, justas ou injustas, mas, em última análise, a ética está se perguntando se isso é ético, porque acontece muito de uma coisa moral se tornar imoral conforme a gente vai mudando nossos padrões culturais.

Enquanto isso não acontece, nós temos a Ética como uma referência do ideal. A Ética confronta aquilo que temos como um comportamento normal, tradicional, até mesmo legal dentro do Direito. A Ética confronta o atual com aquilo que é o ideal, nos ajudando a repensar o Direito, nossos hábitos, nossos costumes e padrões culturais. É para isso que serve a Ética.

Vamos aplicar o pensamento da Ética na área de Design de Produto Digitais. Quem seria o Outro dos designers de produtos digitais? Para perceber isso, é preciso elevar o nível de consciência. No meme abaixo, é somente depois de ultrapassar o nível do fator de projeto que se percebe que o usuário é uma pessoa diferente do Mesmo, é o Outro.

Se você expandir ainda mais a sua consciência, você vai perceber que você também é um usuário para outros designers, porque você usa produtos digitais aos quais você não projetou e você sofre, portanto, o que um usuário sofre.

Então, quais seriam os ideais do design de produtos digitais? Bom, nós temos um conceito de Experiência do Usuário que é diferente do conceito de Interface do Usuário, ou UI é diferente de UX.

No meme fica bem claro que as intenções dos designers, o que eles queriam que os usuários fizessem, não corresponde necessariamente ao que os usuários realmente fazem. Se a interface é complicada, o usuário vai buscar uma gambiarra, vai buscar uma maneira de realizar os seus desejos, que não necessariamente é a maneira "oficial", a maneira preferida pelos designers.

Isso é a origem do termo Experiência do Usuário, um ideal que foi perdido devido a um patriarcado. Quem definiu esse termo não foi Donald Norman. Na verdade, é um erro comum e antiético atribuir o crédito desse termo a este homem branco do Norte Global.

Quem criou o termo Experiência do Usuário foi a designer, professora e pesquisadora Brenda Laurel. Em 1986 ela escreveu um capítulo que fez parte de um livro que o Norman editou e que ela falava que a experiência do usuário deveria ser um padrão ideal, não o que os usuários estão dispostos a aguentar ao interagir com a interface, mas sim a experiência ideal como ela deveria ser, de maneira que o usuário não sofra e que a gente sempre pense nesse ideal, persiga esse ideal.

[...] in seeking design principles for good interfaces, we must, it seems to me, concern ourselves with the best case, and ask, not what the users are willing to endure, but what the ideal user experience might be, and what sort of interface might provide it (Laurel, 1986, p. 72).

Norman utilizou esse termo de Outro jeito a partir de 1993 para definir o que dava para fazer dentro da Apple quando ele foi diretor do grupo responsável por essa área de interfaces e experiências do usuário. Essa informação consta até mesmo no histórico oficial da empresa de consultoria que ele fundou junto com Jakob Nielsen após ser demitido da Apple por ocasião da volta de Steve Jobs ao comando da empresa. Ele transformou o ideal da Experiência do Usuário em um cargo profissional.

Se recuperarmos o ideal, não importa o cargo profissional. O importante é confrontar constantemente o ideal da experiência do usuário com o atual da experiência do designer. Eu uso esse modelo que ajuda visualmente a pensar sobre essa diferença. A experiência do designer nunca é igual à experiência do usuário, porque se tratam de pessoas diferentes, de grupos sociais diferentes.

Enquanto designers costumam ser pessoas que têm privilégios, que têm várias vantagens dentro da sociedade (tanto é que chegaram na posição em que eles podem definir como vão ser as interfaces do sistema) os outros, os usuários, as pessoas pobres, negras, indígenas, mulheres e demais, muitas vezes só conseguem ter experiências de usuárias, porque é o que cabe dentro da nossa divisão do trabalho na produção de produtos digitais.

Então, é importante colocar-se na posição de reconhecer que você possui privilégios quando você é designer, ao mesmo tempo em que existem outras pessoas que possuem menos privilégios. O que você faz quando se conscientiza de seus privilégios? Você compartilha seu poder para que haja uma equalização gradual dessa relação para que, no futuro, exista uma outra relação de produção digital em que todo mundo seja designer de seus próprios sistemas.

Quando a experiência do usuário é projetada como ideal, acredita-se, então, que sempre é possível fazer melhor para o Outro do que a solução atual. E é assim que eu ensino os meus estudantes de design a se preocuparem com os outros. Na imagem abaixo, vê-se um projeto de experiência de música aumentada, na qual os estudantes criam vários estímulos táteis, sonoros e olfativos, pensando no corpo de outra pessoa, em como ela vai interagir, como ela vai sentir a experiência musical. Assim, vão percebendo como pessoas diferentes vão dar sentidos diferentes para a proposta, nunca da mesma maneira como designers gostariam que fosse.

Fazer melhor para o Outro, então, implica sempre em cuidar, aprender e se deixar transformar pela interação com o Outro. Isso é um princípio ético do design de experiência do usuário que está sendo perdido quando o Outro é tratado como um apêndice, uma peça do sistema, ou, principalmente, como apenas um número dentro de uma planilha de estatísticas, com metas para bater.

Obrigado e espero que a gente tenha um diálogo interessante a respeito dessa provocação.

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O vídeo abaixo contém o debate completo organizado pela comunidade Coproduto.

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Experiência do usuário como um ideal ético MP3 8min

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Epistemologia do Design envolve explorar o conhecimento no campo do design, analisando como é gerado e sua distinção de outras áreas. A epistemologia nos ajuda a estabelecer premissas essenciais e pontos de partida para pesquisas, fornecendo uma base sólida para metodologias.

O papel do designer como buscador de descobertas não realizadas é enfatizado, oferecendo uma amplitude de atuação profissional. Essa perspectiva de conhecimento estimula a transformação social e a inovação irreversível. O processo de criação de conhecimento não se limita apenas a projetos individuais, mas também influencia a própria disciplina do design e suas conexões com outras áreas.

Exemplos práticos, como o projeto de móveis modulares por estudantes da UTFPR, demonstram como o design gera conhecimento ao resolver problemas complexos. A pesquisa em design é uma interação constante entre o que se sabe, o que se deseja saber e as avaliações realizadas. Experimentos conduzidos por designers resultam em conhecimentos acumulados que, com o tempo, podem até contribuir para a evolução das ciências. A conexão entre design, ciência e humanidades é explorada, destacando a capacidade do design de transformar a realidade material e promover a inovação.

A essência da pesquisa em design está em explorar o desconhecido, aquilo que ainda não sabemos sobre as possibilidades de nosso mundo. A consciência desempenha um papel crucial nisso, pois transcende a acumulação passiva de conhecimento. Ela transforma quem somos, nossa abordagem e nossa interação com o mundo.

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Gravação realizada na disciplina Metodologia de Pesquisa do Bacharelado em Design da UTFPR.

Fundamentos epistemológicos da Pesquisa em Design MP3 1h44m

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Gravação realizada na disciplina Projetos para Pessoas do Bacharelado em Design da UTFPR.

Design autogestionário: experiências e prospecções MP3 1h19min

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O design é mais do que criar algo atraente (estética); é moldar o mundo e suas consequências (ética). Nesse cenário, cada escolha é uma forma de julgamento, e cada design tem implicações que ecoam na sociedade. Assim, a trajetória do designer é uma jornada contínua de equilíbrio entre método e caos, ética e estética, para criar um impacto positivo e duradouro.

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Gravação realizada na disciplina de Metodologia da Pesquisa, curso Tecnologia em Design Gráfico, UTFPR.

Aprendendo a ser designer entre o método e o caos MP3 41min

O tema de hoje é "Aprendendo a ser designer entre o método e o caos". Trataremos do posicionamento de designers em relação ao mundo e como a transformação ocorre. A metodologia da pesquisa não é apenas mental, mas tem implicações reais, afetando a vida das pessoas.

A disciplina de Metodologia aborda consequências sociais da profissão, escolhas que moldam nosso perfil ético. Geralmente, a ética é tratada no fim do curso, mas acredito que deve ser introduzida desde o início. Esta disciplina enfatiza que ética e estética estão interligadas, pois design materializa juízos de valor que podem salvar ou prejudicar vidas, dependendo da metodologia adotada.

Discutiremos como nos constituímos como designers, o que é conhecido como design ontológico. Vocês aprenderão, ao longo do curso, a importância de equilibrar método e caos, essencial para sua formação.

Nessa formação profissional, então a gente tem sempre um dilema, um dilema constante da profissão que não tem como a gente evitar, que é, será que eu devo ser mais ordenado num projeto ou mais caótico? Devo priorizar a ordem ou devo priorizar o caos? Devo priorizar a estrutura, a organização ou devo priorizar a liberdade, a criação? Vocês serão puxados para um lado ou para o outro dessas questões. Alguns professores vão puxar mais para um design metódico, vão dizer que esse é o único design, o único que vale a pena. E outros professores vão puxar mais para o design caótico e vão dizer que não existe método, o método é uma enganação, não vale a pena seguir nenhum método, o negócio é você seguir sua intuição. Isso não vai parar, depois que vocês forem para o mercado de trabalho vocês não vão ter uma resposta final sobre isso. Isso vai continuar, é uma dúvida existencial inerente à profissão do design, se perguntar entre ser metódico e ser caótico. E com base em que você responde essa pergunta? E como é que você entende o que é isso, ser metódico ou ser caótico? Eu espero que eu ajude vocês com essa apresentação a entender um pouquinho melhor as possibilidades.

Eu vou usar uma analogia, uma referência a esse personagem da cultura industrial: o Batman. Ele é um exemplo de um super-herói que adquire poderes que não são sobre-humanos, mas são além do normal porque ele é bastante metódico ou ordenado na forma de atuação. O Batman precisa de métodos, ferramentas, porque sem ele, sem esses métodos, sem essas ferramentas, sem esses equipamentos, o Batman não é um super-herói. Assim como o Batman, o design também é uma cultura pop importada de outros países. Agora eu imagino que ao contar essa história vocês vão entender porque eu toquei a música Batmacumba do Gilberto Gil antes de começar essa aula. O design metódico é como se fosse o Batman, ele não tem superpoderes, um talento, um gênio, uma capacidade inata de fazer design, então ele precisa utilizar métodos e ferramentas para fazer design.

Ali vem o poder dele, saber usar a ferramenta certa na hora certa. O Batman leva no cinturão de utilidades apenas as ferramentas que ele domina, então ele não vai levar no cinturão de utilidades uma arma que ainda está em fase experimental, uma arma que ele nunca usou, ele vai levar aquilo que ele já conhece. De maneira similar, designers não vão levar no seu cinturão de utilidades métodos e ferramentas que eles não conhecem.

O que o Batman faz dentro da Bat-caverna? Ele fica lá burilando essas ferramentas, essas armas, descobrindo como elas funcionam, como fazer caber no cinturão e outros desafios diários. Então ele está sempre treinando para que uma coisa que não está à mão, se torne à mão. Quando está à mão, quer dizer, está fácil de pegar e usar. Ele não tem tempo para aprender uma nova ferramenta, um novo método, uma nova técnica, quando o vilão aparece do nada e começa a tocar o terror em Gotham City. Por isso que ele precisa treinar.

Mesma coisa que designers, vocês também precisam treinar, porque quando começar a entrar o projeto, você não vai ter tempo de aprender um novo método. Quando surgir um novo vilão ou um novo cliente, ou uma nova emergência dentro de um projeto, uma situação inesperada, não há tempo pra aprender coisas realmente novas. É muito comum você não ter tempo de estudar e aprender novos métodos e ferramentas de design enquanto você está inserido em projeto. E então você faz o básico, o mesmo de sempre. Quando há um período entre projetos ou o período de baixa, quando tem menos projeto, é época que designers vão estudar e aprender novas métodos e ferramentas.

Essa discussão é tanto cultural quanto filosófica, abordando a fenomenologia, ou seja, como nos posicionamos e nos constituímos no mundo. Martin Heidegger, um filósofo alemão, influenciou muito o design com suas teorias sobre o papel das ferramentas em nossa existência. Apesar de críticas por sua associação com o nazismo, Heidegger destacou que uma ferramenta à mão, que usamos e dominamos, é muito diferente de uma ferramenta guardada e inerte.

No filme "O Cavaleiro das Trevas", Lucius Fox apresenta uma nova arma a Bruce Wayne, que inicialmente não sabe usá-la, quase causando um acidente. Isso ilustra que a apropriação das ferramentas requer mais do que conhecimento; é necessário incorporar o uso delas em nosso ser. Ao treinar e experimentar com a ferramenta, ela se torna parte de você, essencial para suas ações, como os shurikens e o gancho do Batman. O Batman sempre usa essas ferramentas, que se tornam parte de sua identidade. Outros super-heróis que usam ferramentas semelhantes são imediatamente comparados ao Batman, pois a ferramenta na mão se torna uma extensão da pessoa.

Além de Heidegger, outros filósofos, como Álvaro Vieira Pinto, refletiram sobre o estar no mundo. Vieira Pinto destacou um aspecto crucial que Heidegger não abordou: o trabalho necessário para construir e projetar ferramentas antes de estarem disponíveis aos usuários. Antes de estarem na mala do Lucius Fox, as ferramentas estavam na sua mesa de projeto. Lucius Fox é um metadesigner, projetando as ferramentas que o Batman usa e, assim, influenciando suas ações. O Batman não se autodetermina completamente; ele depende de Lucius Fox e de outras pessoas.

Segundo Vieira Pinto, Heidegger ignorou que qualquer ferramenta disponível resulta do trabalho acumulado de muitas pessoas, que nem sempre é reconhecido ou remunerado adequadamente. No caso do Batman, Lucius Fox concentra e gerencia o trabalho dos funcionários da Wayne Enterprises, enganando-os para que trabalhem em projetos secretos destinados ao Batman.

O Lucius Fox não trabalha sozinho, ele se aproveita do trabalho dos funcionários da Wayne Enterprises, e esse trabalho vai se acumulando até chegar ao topo de estar à mão do Batman, então não é por acaso que o Batman tem as coisas à mão, é resultado de trabalho de centenas, talvez até milhares de pessoas, certo? O Lucius Fox é o CEO, o diretor da Wayne Enterprises, que é a hold, um grupo de empresas que o Bruce Wayne herdou dos seus pais. Ele direciona boa parte dos recursos dessa empresa para, de maneira escondida, subreptícia, sem ninguém saber, construir essas ferramentas para o Batman. Ele faz uma série de ações ali que poderiam ser consideradas criminosas, porque está ocultando a utilização desses recursos. No filme Batman Begins (2005), um funcionário descobre que está acontecendo esse desvio de verbas e ameaça Bruce Wayne de tornar o caso público. Bruce Wayne fala "Pois é, eu sou o Batman mesmo, é isso mesmo, você acertou. Você tem certeza mesmo que você quer questionar um justiceiro que faz justiça com as próprias mãos?" Ou seja, ele ameaçou o sujeito de morte para ocultar um caso de corrupção dentro da empresa dele.

Os trabalhadores da Wayne Enterprises e da DC Comics desenvolvem ferramentas para que o Batman faça justiça com as próprias mãos. O Batman decidiu vingar a morte dos pais e perseguir bandidos, inclusive executando-os sem julgamento. Esses trabalhadores criam ferramentas, tanto na imaginação quanto na realidade, para um indivíduo com problemas psicológicos que abandona a terapia e sai nas ruas para espancar quem considera criminoso.

Embora o Batman diga que age sozinho, ele depende dos trabalhadores que desenvolvem suas ferramentas. Ele usa os lucros do trabalho deles para ações que podem ser vistas como criminosas. Nos próprios filmes, o Batman é criticado por ser um fora da lei, tanto quanto os criminosos que persegue. À medida que os filmes evoluem, as ferramentas do Batman parecem mais realistas e avançadas. Nos anos 90, o Batman de Michael Keaton era um desastre, mas suas ferramentas evoluíram, dando a impressão de que ele está melhorando.

A mídia constrói a imagem do Batman como um super-herói que se fez sozinho, apesar de ele ser bilionário, um privilégio significativo. Enquanto outros super-heróis têm empregos mal remunerados, o Batman é excepcionalmente rico. A cultura política brasileira também incorporou o Batman como uma figura anticorrupção, com manifestantes vestidos de Batman em passeatas, e até um senador aparecendo ao lado de um boneco inflável gigante do herói. Essas imagens não são apenas fantasia; elas interferem na nossa realidade e fazem parte do design.

Então eu pergunto para vocês, para que vocês se posicionem, se você fosse, descobrisse que seu chefe é o Batman. Você continuaria trabalhando para ele? Quem continuaria, levanta a mão aí, só para saber. Dinheiro é dinheiro. Ok, tá bom, beleza. Todo mundo precisa de dinheiro para sobreviver. Mas tem outras pessoas que você pode trabalhar para, já vou mostrar algumas. Um deles é o Coringa. A mas e os direitos trabalhistas da empresa do Batman? Olha só, o direitos trabalhista ali é você não pode falar para ninguém que ele é o Batman, senão você morre. Esse é o seu direito, o seu direito é ficar quieto.

Mas o Coringa também tem um plano de carreira muito interessante, já vou falar sobre ele. Vamos analisar o lado do Coringa, vamos mudar de perspectiva. Apesar de todo o trabalho que o Batman tinha e todas as ferramentas que ele tinha acumulada na mão, ele não conseguia evitar que o Coringa tocasse o terror em Gotham City no Cavaleiro das Trevas. E esse Coringa realmente é um personagem tão envolvente para o próprio ator, que sua atuação contribuiu para degringolar a sua situação de saúde mental e ele veio a cometer suicídio fora do cinema. Na época que saiu esse filme, ele foi um marco na história do cinema, porque ele mostrou pela primeira vez um filme de super-herói com personagens complexos, cheio de contradições. O Coringa não era um personagem 100% mal, nem era 100% bom. Ele não era uma coisa ideal, ele era alguém real, por isso que chamava tanta atenção no filme. Depois, isso foi explorado magistralmente em uma outra obra mais recente, que eu já vou falar, que é o Joker, o filme só sobre o Coringa.

Bom, em 2008, nesse Cavaleiro das Trevas, o Coringa estava tocando terror, só que aí o Batman fica possesso e numa conversa que muitas vezes as pessoas não prestam atenção, ele revela a maneira como ele vê a ética da relação com o outro, especialmente o outro que incomoda, o outro que é diferente. Quem revela essa ética, na verdade, quem ensina essa ética para ele é o Alfred, o mordomo dele, o cara que é responsável por colocar as coisas à mão do Batman na casa dele. Agora pense duas vezes depois que eu mostrar a segunda parte um aspecto do filme que é muito pouco discutido, porque a gente às vezes nem presta atenção, tá? Alfred diz assim, "Bruce Wayne, eu vou te contar uma história de um bandido que eu enfrentei na Birmania".

Então, o Alfred pergunta, "Senhor Wayne, você está bastante irritado, estou vendo visivelmente que você não está feliz com o que está acontecendo com o Coringa, né?" "Ah, então tá, é verdade, você tem razão, Alfred. Vou te contar uma história que pode te ajudar, viu Bruce Wayne." Aí ele conta essa história aqui. "Muito tempo atrás", ele diz assim, "eu estive na Birmânia, que é um país lá na Ásia, perto da China, meus amigos e eu trabalhávamos para o governo local. Eles tentavam comprar a lealdade dos líderes tribais, subornando-os com pedras preciosas. Quem eram os colegas dele? Eram as pessoas que trabalhavam para o exército inglês, que estava tentando colonizar a Birmânia. Então, eles tentavam comprar a lealdade dos líderes, subornando-os, mas as suas caravanas estavam sendo atacadas por um bandido, de nome, um bandido na floresta do norte de Rangoon. Então, as suas caravanas foram atacadas por bandido e eles foram atrás desse bandido, procurar as pedras preciosas. Em seis meses que eles ficaram pesquisando, ninguém nunca encontrou alguém que tivesse negociado, comprado essas pedras. Um dia eu vi uma criança brincando com um rubi de tamanho de uma tangerina na rua. O bandido tinha jogado as pedras fora.

"Então por que roubava?" Pergunta o Bruce Wayne. "Bom, porque ele achou que era algo divertido. Alguns homens não procuram nada lógico, como dinheiro. Eles não podem ser comprados, forçados, convencidos, negociados. Alguns homens apenas querem ver o mundo pegar fogo." Então essa foi a interpretação que o Alfred deu para a ação do bandido. Ou seja, ele só roubou aquilo ali pra tocar o caos. Depois, numa outra cena, o Bruce Wayne volta ao assunto e pergunta, "E aí Alfred, o bandido lá da Floresta da Birmania, você o pegou?" "Sim." "Como que você pegou ele?" "Taquei fogo na floresta toda."

Birmânia era um país colonizado pela colônia britânica. Para colonizar, eles subornaram os líderes locais de modo que eles obedecessem a coroa britânica. E quando os líderes não obedeceram, quando houve alguma resistência que eles fizeram, queimaram tudo. Então, métodos racionais, como os empreendidos e utilizados pelo Batman, ou mesmo pelo Alfred, enquanto um militar trabalhando para a coroa britânica, eles escondem intenções irracionais. Por trás do colonialismo, que parece uma proposta magnífica para desenvolver os países subdesenvolvidos, está uma vontade de destruir aquela terra, de se apropriar, de roubar aquele recurso natural, de explorar tudo que tem ali para o seu benefício até acabar. Isso é irracional, porque quando acaba o meio ambiente, que requer cuidados, ele começa a causar problemas, como por exemplo a poluição ou aquecimento global, que estão muito ligados ao colonialismo em escala global. Então essas intenções ficam evidentes quando os planos não dão certo.

Essa conversa passa batido, mas aqui nesse princípio ético que o Alfred está ensinando é a tradição colonialista, que ignora que o outro também tem a sua própria razão, a sua própria razão de agir do jeito que age, que impõe a sua racionalidade sobre o outro, que fala, "O outro é ignorante, o outro é burro, o outro é um agente do caos, o outro tem que ser eliminado, morto, se não puder ser morto, escravizado, se não puder ser escravizado, que venha trabalhar nas nossas plantações com um salário baixo." Isso é um preconceito fortemente arraigado à ética colonial, que a gente já no campo político superou em termos oficiais, mas na prática, na política escondida, nessa política que tenta sair fora dos holofotes, ainda é muito em voga.

O Alfred está dizendo ao Bruce, vá lá e taque fogo, ou seja, mate inocente se você precisar para pegar o Coringa, é isso que ele está dizendo, não é não? Imagina você destruir uma floresta, matar centenas de espécies, centenas de pessoas que vivem daquela floresta para pegar um bandido, vocês acham que isso é justo? Isso é justo só na cabeça de um colonizador, porque ali não tem ninguém relevante. Quem mora ali não é gente.

Tomem cuidado nas discussões sobre design. Vocês vão ver muitas vezes isso, não só nas aulas, nos livros, mas também no mercado de trabalho. Gente vendendo consultoria, prometendo soluções racionais para problemas irracionais. O que essas pessoas não vão te dizer, mas você agora que você está desenvolvendo consciência crítica você vai saber, é que por trás de métodos racionais muitas vezes tem intenções irracionais do tipo eliminar, matar, explorar e obter algum benefício.

Na continuação do filme, Lucius Fox apresenta para ele o último gadget que ele desenvolveu, que é um aplicativo móvel que conseguia mapear em 3D o ambiente que estava inserido através de um sonar. Ele emitia sons através da caixinha de som do celular, sons imperceptíveis para o ouvido humano, mas que o próprio microfone do celular conseguia capturar depois e com isso tinha um efeito de mapeamento do espaço em tridimensional. Isso é ficção científica. Na prática não dá para fazer isso, mas é uma menção indireta à maneira como os morcegos entendem os espaços, que é através do sonar, uma vez que eles não enxergam. O que o Bruce Wayne fez quando ele descobriu que tinha essa tecnologia disponível?

Quando descobriu essa ferramenta, ele instalou, sempre de autorização, em todos os telefones dos cidadãos de Gotham City, quer dizer, ele hackeou todos os telefones dos cidadãos de Gotham City para monitorar todos os espaços da cidade e saber onde estava o Coringa em qualquer momento que ele quisesse. O Batman ganhou com isso um óculos de realidade aumentada em que ele podia ver todo e qualquer espaço em 3D mapeado pelos celulares que estão espalhados pela cidade e assim ele conseguiria rastrear o Curinga.

Vocês acham que isso é correto? Não é, pois invadiu a privacidade de centenas de milhares de pessoas para executar um mandado de execução ou de prisão, quer dizer, um mandado que não foi expedido por juiz nenhum, quer dizer, o Batman se achou juiz aí. E tem mais, ele fez isso sem autorização do Lucius Fox. O que o Lucius Fox fez? Quando ele descobre o que Batman fez ele diz que é e pediu demissão imediatamente. Aí o Bruce Wayne implorou pra ele ficar só até o final da missão. Lucius aceitou, mas pediu demissão conforme avisado. O próprio filme já mostra que isso é antiético. Só que passa desapercebido também.

Essa ação do Batman é equivalente à situação do Alfred que queimou a floresta para acabar com o bandido. Em vez de você caçar o bandido e até matar o bandido, você matou todos os seres vivos que estavam em volta do bandido, se destruiu o ecossistema inteiro por causa de uma vingança, uma sede de vingança irracional. No caso, o Lucius Fox se revolta com essa situação.

Se você se colocar no lugar do Coringa, em especial no filme de 2019, que é fantástico, você vai entender que o Coringa tem as razões para fazer as coisas que ele faz. Ele teve uma série de situações em que ele pediu ajuda para o sistema, para a sociedade, para lidar com os problemas de saúde mental dele e ninguém ajudou ele.

Agora, vamos olhar para essa situação do ponto de vista do Coringa, que foi muito bem desenvolvida no último filme de 2019 da série. O filme mostra que o bandido Coringa, que a gente costuma ver nos outros filmes como alguém sem caráter, alguém que é um maluco sem razão, alguém que simplesmente quer matar e destruir e dar risada, nesse filme, em 2019, se constrói o personagem de maneira muito bem fundamentada nas contradições sociais pelos quais passava esse personagem. É uma atuação magnífica do Joaquim Fox, que rendeu a ele o Oscar. Não é por acaso. O filme também discute a disparidade, embora não seja colocado de maneira explícita, entre a realidade social em que o Coringa nasceu, enquanto uma pessoa pobre, de uma classe trabalhadora, sofrendo problemas de ordem mental e não tendo o apoio do Estado para sair daquela situação. Ele não queria ser o bandido que ele acabou se tornando, mas a sociedade não o apoiou, de todas maneiras jogou ele cada vez mais para o fundo do poço. O Batman, por sua vez que é um bilionário, nasceu em berço de ouro e nunca vai entender porque o Coringa é do jeito que é.

Então chega uma hora que o Coringa resolve colocar o caos para fora, porque ele acha que isso é a verdade do ser humano. E tem que acabar com essa hipocrisia de a gente fingir que é organizado, que é ordenado, que a gente tá de bem com a vida, que a gente pode sorrir, que o ser humano é gente boa. Ele fala, o ser humano é mau por natureza e vamos viver em uma sociedade em que a gente seja autêntico. E aí por isso ele vai colocar situações em que ele tá arriscando a própria vida. Como quando ele encontra lá duas caras, bota uma arma na cabeça dele e fala, bom, você pode escolher atirar ou não atirar e que seja o que você escolher. Na verdade ele joga, lembrei agora, ele joga, aí duas caras jogam a famosa moedinha dele e atribui o resultado ali, atirar ou não atirar, no final das contas não atira. Então o Coringa é um cara que coloca a questão da sorte, que ela coloca a questão do improviso em evidência. E ele não tá agindo assim porque ele nasceu assim, ele tinha fé no sistema, ele tentou buscar ajuda, o sistema se negou a ajudar ele.

Só que o Coringa é um agente do caos formado pelos agentes da ordem, que são os burocratas de um estado que está sendo sucateado por conta de políticas neoliberais. O E estado passa a fazer menos e deixa para a iniciativa privada o cuidado de saúde, em especial o que o Coringa estava precisando para ter acesso aos remédios psiquiátricos e atendimento psicológico. A partir daquele momento, ele começa o processo de construção do anti-herói que ele vai se tornar. Então o Coringa é um agente do caos operando dentro do sistema da ordem vigente. Embora os políticos digam que estão implementando uma agenda de ordem e progresso, uma agenda de organização, de eficiência, estão na verdade destruindo mais do que construindo.

Então, na verdade, tanto o Batman quanto o Coringa são agentes do caos. Ambos são resultados de um método que parece racional mas que não é. Algo que, no fundo, gera mais caos. Desmontar um Estado que atende uma população que não tem condição de pagar para ter acesso a serviços básicos em nome de uma racionalidade financeira do tipo vamos economizar é o mesmo que gerar o caos.

O Batman também gera caos. Ele não é um personagem do lado ordeiro ou metódico, que é uma possível tradução da palavra "lawful" nesse meme. O Batman é "chaotic good", já o Coringa é "chaotic evil". Os métodos do Batman e do Coringa são muito parecidos, tanto é que o próprio Coringa fala "Você e eu somos iguais, só nos diferimos no jeito que a gente faz as coisas, mas no fundo nós dois só estamos procurando a vingança". Isso faz o Batman ficar pensativo, mas ele continua seu projeto de vingança. Vejam que essa visão que o meme traz de classificar os personagens do filme de acordo com duas categorias, duas variáveis é uma redução de possibilidades. Fica divertido e você pensa: "nossa, faz sentido". Mas não é tão simples. O Alfred, por exemplo, está sendo colocado como o bom neutro, mas a gente viu na história que ele não é nada neutro. Ele foi capaz de queimar uma floresta e destruir um ecossistema só para se vingar de um bandido. Qualquer tribunal atual iria condená-lo por força desproporcional em relação à agressão recebida.

Já o Comissário Gordon, aqui é colocado como um cara bom e ordenado, porém, no filme Cavaleiro das Trevas, ele quebra as regras e forja sua própria morte. Então a gente na verdade nunca é 100% um, nem 100% outro. A gente é uma mistura.

Então o que acontece é que o pensamento moderno que separa método de caos, bom e mal, que dá origem à ideia de herói e vilão, ele não é originalmente brasileiro, da terra de Pindorama. Esse pensamento não é o mesmo dos nossos povos originários. Isso veio de fora como parte do processso de colonização e da indústria cultural recente, que a gente foi obrigado a consumir. Porém, enquanto uma cultura ou várias culturas que se transformam e que reagem a essa colonização, imperialismo em formato cultural, a gente vai hibridizar e subverter essas divisões. Foi por isso também que eu comecei a nossa aula com a canção Bat-macumba do Gilberto Gil. É um exemplo claro de que uma mistura dessas culturas pop com culturas ancestrais brasileiras, como a Africana, pode nos ajudar a libertar desse pensamento moderno, para a gente não ficar preso nessas oposições. A gente aqui na América Latina tem uma tradição de hibridizar, de misturar, de combinar isso aí. Vários movimentos artísticos deixaram isso em evidência, desde a Tropicália até o Movimento de Cultura Digital, ambos protagonizados pelo mesmo Gilberto Gil.

Voltando para a discussão dos heróis, a gente tem exemplos tão poderosos quanto o Batman e o Coringa, menos conhecidos, mas com um valor ético superior para nosso contexto. O Chapolin Colorado, por exemplo, é um anti-herói híbrido que resistiu a mesma lógica capitalista que levou o Coringa a se tornar o bandido que ele é. Em um episódio muito conhecido, Chapolin luta contra esse a encarnação do capitalismo, o Super Sam (em alusão ao Uncle Sam). No contexto da América Latina, esse personagem representa os Estados Unidos imperialista tentando roubar o trabalho de herói do Chapolin. Porém, Super Sam também enfrenta outro personagem, Dimitri Panzov, que não está aqui na foto, que representa a União Soviética. A proposta de Chapolin Colorado era que, naquele ambiente geopolítico de Guerra Fria, a América Latina não deveria se posicionar nem de um lado nem de outro. É claro que o Brasil, na verdade, nessa época estava mais alinhado aos Estados Unidos, mas o México, país que produziu Chapolin, estava nesse meio-termo entre um lado e outro, tentando buscar o seu próprio caminho, nem alinhado aos Estados Unidos, nem alinhado à União Soviética completamente.

E aí a reflexão do Chapolin Colorado é muito interessante, porque ele é um super-herói que não tem super-poderes tão poderosos. O que ele consegue fazer que as outras pessoas não conseguem? Bom, ele tem umas anteninhas que ficam piscando quando ele sente que vai haver algum perigo, mas elas não ajudam a pensar o que ele precisa fazer. Ás vezes elas jogam ele em confusões, as mais diversas. Ele tem também uma pílula que o faz pequenininho, miniatura, que às vezes ajuda, às vezes atrapalha. Não traz tanta vantagem assim. Por fim, ele tem essa marreta biônica que ele bate nas pessoas e não acontece nada. Enfim, não é isso que realmente torna as histórias do Chapolin tão interessantes, ou o que fazem as pessoas admirarem o Chapolin. O que faz as pessoas admirarem o Chapolin são as virtudes dele. Ele é um super-herói que tem empatia, que sente a dor das pessoas, que se coloca no lugar delas, que ouve, que conversa, que está sempre disponível ao diálogo. Ele é um cara que tem muita paciência. Quando ele não sabe como enfrentar o perigo ele simplesmente senta e descansa. "Uma hora a gente vai chegar à solução", diz ele. Além disso, ele tem muita sinceridade. Ele fala as coisas na cara dura, às vezes meio sem noção. É uma característica que foi explorada por muitos memes da internet. O Chapolin Sincero, desde 2017 ou 2014, está nas redes sociais aí. Então essa daqui é uma sugestão para vocês, gente. No próximo Halloween, faça como o Chapolin: vá fantasiado de TCC.

Agora, se olharmos para a nossa história no Brasil e na América Latina, além de heróis imaginários, temos heróis de verdade também. Paulo Freire, por exemplo, foi incluído oficialmente pelo Senado Federal como um herói da pátria em um livro de metal colocado em um monumento em Brasília, em novembro de 2021. Isso reafirma seu trabalho e combate críticas infundadas, mantendo-o como patrono da educação brasileira. Esses títulos foram concedidos após muita deliberação e voto no Congresso Nacional e Senado Federal.

Paulo Freire é um verdadeiro herói. Ele criou o programa de alfabetização de adultos mais eficiente da época, alfabetizando pessoas em 40 horas, um recorde registrado no Guinness. Os métodos de alfabetização infantilizavam os adultos, tornando o aprendizado desmotivador. Freire focou no interesse dos adultos, como votar e ter poder político, o que aumentou sua motivação para aprender a ler, vendo um propósito claro nisso.

Essa foi a grande sacada de Paulo Freire, influenciando diversas áreas da educação, inclusive minha maneira de ensinar design para vocês. Sempre coloco a questão do propósito: por que aprender vários métodos de design? Em vez de dominar um só, proponho que vocês criem várias metodologias a partir de vários métodos, tornando-se mais livres.

Então tem um propósito para isso, que tem a ver com virtudes, o desenvolvimento de virtudes. Então ao refletir sobre as virtudes do educador, o Paulo Freire disse claramente, olha, não adianta só ter o discurso crítico. Você precisa ter a prática crítica. As virtudes se constroem fazendo e não só falando. Isso é muito interessante, diferente também da ideia que a gente tem de virtude, a partir de uma moral, ou mesmo de um academicismo, em que a gente aprenderia a ter virtudes na universidade lendo, refletindo, ou escrevendo. Eu acho que a gente também aprende a ter virtudes seguindo o Paulo Freire, tendo uma prática crítica.

Um ponto principal da filosofia educacional do Paulo Freire é que o educador tem que ser coerente, ele precisa ser crítico com ele mesmo, aquilo que ele prega para os outros ele tem que aplicar a ele mesmo. Ele não pode sair pregando para as pessoas uma coisa e fazer outra coisa na vida pessoal deles. Então isso é muito interessante e também ajuda a gente a pensar que a teoria não pode ser pensada fora da prática. Quando a gente fala "seja coerente entre aquilo que você prega e aquilo que você faz", é a mesma coisa que dizer "seja coerente entre a sua teoria e a sua prática". Então o Paulo Freire enfatizava que os métodos, as ferramentas que a gente usa, eles também têm uma teoria. É virtuoso descobrir essa teoria, criticar e buscar alternativas.

Então além das teorias que nos permitem antecipar as virtudes, as viradas do mundo, a teoria tem essa característica preditiva, ela antecipa algo que vai acontecer, você já sabe mais ou menos o que vai acontecer porque você tem a teoria, os métodos e as ferramentas que usamos também projetam um jeito de estar no mundo. E esse jeito pode ser caótico, pode ser metódico, ele tem um aspecto ético.

Se a gente quer ter uma prática livre, ou seja, queremos viver em liberdade, queremos que os outros ao redor de nós sejam livres, ou seja, queremos viver sem opressão, nós precisamos escolher ferramentas livres para trabalhar, ferramentas que têm esse viés.

Então isso significa se apropriar do metadesign, ou seja, da forma como a gente cria ferramentas, para a gente realizar um design ontológico crítico do ser que projeta em liberdade. Não vou explicar o que é isso agora, eu vou só plantar a semente para quem quiser saber mais, são termos técnicos que vão abrir a cabeça de vocês, mas não há necessidade de saber para progredir nessa disciplina.

Isso significa se apropriar do meta design como uma maneira de realizar o design ontológico crítico do ser que projeta a sua liberdade. Essa aqui é filosofia do design. Sei que é difícil capturar o que eu estou querendo dizer, mas vejam, quando a gente fala que metadesign é o design do design, vocês vêem na prática isso no planejamento de um processo de projeto para uma pesquisa de experiências. Uma coisa que talvez não tenha ficado claro é que, ao montar esse processo, vocês não fizeram só o design do design, vocês também fizeram o design dos designers. Vocês projetaram quem estão se constituindo, dos designers que vocês estão se tornando. Pode dar a impressão de que a minha intenção com essa aula é que vocês se tornem designers metódicos, porque eu estou ensinando a usar métodos em uma disciplina de Metodologia da Pesquisa, mas a minha intenção é que vocês pensem, reflitam, sejam críticos em relação às possibilidades de ser designers. Eu quero, em última análise, que vocês sejam livres para se projetar no mundo.

Essa reflexão está mais clara após muitos anos desenvolvendo e testado essa ferramenta chamada UX Cards. Por que a gente criou o UX Cards? Por isso tudo que a gente está falando até aqui agora. Inclusive esse desenho do Batman usando ferramentas na mão, no cinto, no livro, é um desenho da época em que ele foi criado, em 2011. Eu fiz essa ilustração para expressar por que estávamos criando UX Cards no Instituto Faber-Ludens. Sobre a ideia de fundo de que o designer é uma espécie de super-herói, hoje em dia eu já vejo que o design pode ser um anti-herói também. Pode ser outra coisa que não nem herói, nem anti-herói, só gente como qualquer outra. Enfim, a diferença entre um método na mão, no livro e no cinto é fundamental nesse modelo. O que não aparecia aqui é o método em trabalho, o método sendo desenvolvido. Isso é uma coisa que eu percebi ao longo do tempo e através da leitura do Álvaro Vieira Pinto.

Basicamente o que significa isso? Bom, que você tem a ferramenta no livro, descrita de maneira teórica, você tem a ferramenta na mão, aplicada em um projeto de design, e você tem a ferramenta no cinto, depois que você já usou várias vezes. O UX Cards contribui para que designers tenham um cinturão de utilidades para usar quando precisarem.

Eu desenvolvi o UX Cards junto com alguns colegas em 2011. Esses baralhinho têm sido utilizados nas minhas aulas desde então. Dá para baixar, fazer download e usar a versão digital no Miro, FigJam e similares. É um projeto livre, disponibilizado num site que vocês podem consultar quando forem fazer o trabalho desta disciplina. Tudo isso para que os times, as equipes de projeto, possam projetar livremente, sabendo das várias opções que têm para escolher.

O objetivo do UX Cards é meta-estruturar o planejamento colaborativo de um projeto de experiências de modo que a autogestão seja possível, de modo que não seja um designer, uma designer mandando nos outros como eles devem fazer. Por isso é uma ferramenta fluida, uma ferramenta disputável, uma ferramenta que você não consegue botar a mão e segurar e falar "é meu", tal como é possível como uma caneta ou um computador. Ela está distribuída no espaço, tal como a água. A água ninguém consegue segurar e por essa materialidade, em partes, é um dos poucos recursos naturais que ainda não foram completamente privatizados. Compare com a materialidade do ouro, por exemplo

Cada carta do UX Cards ela tem QR Code, que aponta para uma página Wiki na plataforma Corais e Wiki significa o que? Que vocês podem editar e contribuir para essas páginas. Vários estudantes de várias universidades que eu dei aula até hoje já contribuíram. Vocês podem continuar se quiserem. O legal é que vocês podem ver quem contribuiu ou quem usou aquela ferramenta. Do lado direito da tela tem os perfis das pessoas que usaram, que estudaram, tem o perfil do especialista também. Você pode mandar uma mensagem perguntando "como é que eu faço para usar isso?" Você tem alguma dica? É uma espécie de comunidade de prática. Ela oferece uma maneira de conectar as pessoas pelo que elas têm em comum nos seus cinturões.

Então quando você entra no perfil da pessoa na plataforma Corais você vai ver todas as cartinhas que ela está estudando, o que ela já sabe, etc. Você pode ver o cinturão de utilidades dela, entrar em contato e trocar ideia. O objetivo da UX Cards é ser um projeto assim como a plataforma Corais, aberto e livre para a transformação em outros projetos. O código fonte e o processo de desenvolvimento da UX Cards está todo documentado, livre e aberto, lá no site www.uxcards.org

A última atualização desse projeto foi a adaptação do UX Cards para o Miro, que é uma ferramenta digital para você ter uma experiência parecida com o quadro branco que vocês usam fisicamente na sala de aula. Se você quiser ter uma oficina de UX Cards a distância com um time que está espalhado pelo Brasil, você pode, usando essa versão 3.3 no Miro, que vocês podem baixar lá e experimentar. Inclusive vocês podem baixar o SVG, que é o código fonte editável do UX Cards para transformar em outra coisa. Vocês podem também criar outros Cards em outras áreas do conhecimento que ainda não tem mapeadas. Por exemplo, UX Cards descreve projetos na área de experiência, mas se você quiser fazer um baralho usando a mesma estrutura para projetos gráficos, para projetos de produto, para projetos de serviço, para projetos do que você quiser, você pode usar essa mesma estrutura. Essa é a vantagem de ter esse projeto aberto com código fonte e com uma licença aberta Creative Commons.

Além do UX Cards, existem várias ferramentas livres de design. Isso é um ponto que eu tenho defendido já há muitos anos. Sempre que possível, é melhor utilizar software livre em vez de usar um software proprietário, como a suíte de aplicativos da Adobe. Um dia pode ser que você não tenha dinheiro para pagar, pode ser que a fiscalização do governo pegue seu software pirata e você tenha que pagar uma multa. Além disso, tem essa questão ética e política de estar num país subdesenvolvido que não tem dinheiro sobrando para comprar ferramentas que custam muito caro porque são importadas. Uma alternativa muito mais interessante para nós no Brasil é aprender a usar software livre, que é um pouquinho mais difícil no começo, mas que a longo prazo oferece mais liberdade.

Aqui tem alguns que eu utilizo ou que eu conheço. O Inkscape, acho muito bom, o Gimp não acho tão bom, mas funciona equivalente ao Photoshop. O Scribus é equivalente ao InDesign. O Inkscape é equivalente ao Illustrator. O FontForge é uma ferramenta de criação de fontes tipográficas livre, muito bom. O Blender é uma ferramenta popular de animação em 3D. O Krita, é para ilustração digital. Já o FreeCAD, é pra você fazer objetos tridimensionais na área de produto, máquinas. Já o Canva, gente, não confundam, canva.com é gratuito mas não é software livre. O fato de ser de graça não significa que é software livre. Software livre significa que você tem acesso ao código fonte, que você pode participar de uma comunidade e interferir no design daquela ferramenta. O Canva não te dá essa possibilidade porque ele é uma ferramenta proprietária. Ele também não tem a opção de você baixar o aplicativo e instalar no teu computador, então o dia que eles quiserem desligar o Canva e deixar vocês todos na mão com todos os seus projetos, vão desaparecer porque tá tudo salvo lá na nuvem deles.

Então pra concluir, pra ser designer livre é preciso treinar como Batman, se divertir como Coringa, desenvolver virtudes como Chapolin, ser crítico como Paulo Freire e usar ferramentas livres como UX Cards. Então não tô sugerindo que vocês sejam nenhum desses aqui, tô sugerindo que vocês se construam a partir dessas referências e de muitas outras que vocês vão ter aqui na faculdade. Gente, muito obrigado.

Made with Keynote Extractor.

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Gravação realizada na disciplina de Metodologia da Pesquisa, Bacharelado em Design, UTFPR.

Planejando pesquisas de experiência com UXCards MP3 25min

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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Gravação realizada na disciplina de Teoria do Design 4 do curso de Design da UTFPR.

Design (In)sustentável?

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Gravação realizada na disciplina de Metodologia da Pesquisa do curso de Tecnologia em Design Gráfico da UTFPR.

Como desenvolver metodologias de design [MP3] 1h22m

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Gravação de aula realizada durante a disciplina Metodologia da Pesquisa, do curso de Tecnologia em Design Gráfico, UTFPR.

Fundamentos Existenciais da Pesquisa em Design 1hr 20min [MP3]

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Palestra gravada no evento Design participativo com crianças e jovens, organizado pelo LabGrim da UFC. Veja a gravação completa com a discussão.

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Aprendendo Design Participativo com Crianças MP3 23 minutos

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Nesta palestra, a interligação entre ética e estética é abordada no contexto da experiência projetada para o usuário. São explorados os desafios de criar experiências para o público e as implicações éticas relacionadas a esse processo. A ênfase recai sobre a necessidade de ir além da comercialização de produtos e serviços, incentivando uma reflexão ética entre os profissionais de design. São fornecidos exemplos práticos que demonstram a viabilidade de criar experiências de usuário, evidenciando como elementos digitais, como animações em aplicativos, podem influenciar as experiências dos usuários.

Outra abordagem é a responsabilidade que os designers têm ao criar experiências para diferentes grupos de usuários, levando em consideração suas perspectivas e origens variadas. É sugerida a diversificação das equipes de design e a inclusão de vozes sub-representadas nesse processo. Utilizando conceitos da antropologia, explora-se como interagimos com os "outros" em nossas interações sociais e como isso se manifesta no design de experiência. Além disso, são exploradas questões éticas ligadas a decisões tecnológicas, como a exclusão de grupos específicos em aplicativos de relacionamento.

A conexão intrínseca entre ética e estética é destacada por meio de exemplos práticos, como um bot que transforma dados de mortalidade da pandemia em visualizações poéticas. O ponto crucial é que toda estética carrega uma ética subjacente, moldando nossa maneira de conviver em sociedade. O texto também examina tópicos relacionados a inclusão, preconceito e como algoritmos podem perpetuar vieses. Mesmo com a contribuição das máquinas nas decisões, a responsabilidade última permanece nas mãos dos designers.

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Palestra gravada no UXDay do Product Arena Sessions de 2021.

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Ética e estética da experiência projetada para o Outro MP3 35 minutos

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Nesta aula, discute-se a descolonização do ateliê de projetos, um processo que busca repensar e reformular as práticas de design e educação. Inicialmente, são exploradas as raízes do design de experiências, destacando o trabalho de John Dewey e sua ênfase na criação de experiências educacionais enriquecedoras. Dewey aborda como as experiências podem ser projetadas para despertar interesse e conhecimento cumulativo, definindo critérios para avaliar sua eficácia.

Além disso, o texto aborda o conceito de ateliê de projetos como um local de reflexão e ação em Donald Schön. A ideia de aprendizado prático, quando o conhecimento é construído durante o processo de fazer, se tornou um lugar comum nas Escolas de Design. Paulo Freire também é mencionado, conectando sua pedagogia crítica à Educação em Design por meio da praxis, união de teoria e prática. A discussão se estende para abordar o uso de tecnologias, como a plataforma Discord, para promover o diálogo e o aprendizado colaborativo.

A aula também destaca a influência da cultura brasileira, explorando o conceito de antropofagia cultural como uma forma de incorporar ideias estrangeiras de maneira original. A importância do fazer como um meio de transmitir e transformar a cultura é enfatizada, conectando-se à evolução do design e da educação. Por fim, são mencionados projetos recentes que incentivam a produção de conhecimento colaborativo e crítico, questionando normas tradicionais de design e educação.

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Participação na mesa de debate Ensino e Saberes, III Colóquio de Pesquisa e Design. Veja a gravação completa da mesa redonda.

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Descolonizando o Ateliê de Projetos [MP3] 37 minutos

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Palestra apresentada na Semana Acadêmica dos Estudantes de Engenharia de Software da PUCPR de 2021.

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Indo além do Design Centrado no Usuário [MP3] 1 hora

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Essa palestra aprofunda o conceito do pensamento projetual e desafia a ideia convencional de "pensar fora da caixa". Apesar de parecer criativo e inovador, o pensamento fora da caixa nem sempre é a solução ideal. Na maioria das vezes, o que se precisa mesmo é pensar dentro da caixa, utilizando ferramentas como o Value Proposition Canvas e a análise da atividade, para compreender a caixa e explorar seus limites.

Ao mergulhar na história do design de sobrancelhas, a palestra destaca a importância de enxergar caixas dentro de caixas, reconhecendo as restrições impostas por padrões culturais e sociais. Esse exemplo inspira uma abordagem mais consciente e crítica para alcançar inovação concreta e não somente abstrata. Concluindo, a palestra enfatiza que a decisão sobre o que fica dentro ou fora de cada caixa é política e não técnica. Pensar dentro ou fora da caixa é uma jornada complexa e valiosa, moldando realidades e transformando percepções.

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Palestra realizada na 7ª SEMEC - Semana Acadêmica de Engenharia Mecânica da UTFPR.

Pensando (dentro do) fora da caixa [MP3] 35 minutos

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A gravação completa, incluindo a discussão, se encontra disponível no canal do Youtube do DEMULTS.

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Estética Antropofágica da Interação 22 minutos

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Palestra gravada no Meetup Focal Points do Cubo Itaú.

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Prospectando futuros a partir do design [MP3] 40 minutos

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Gravação realizada no Ciclo de Seminários de Design Prospectivo da UTFPR, 2021.

Libertando futuros domesticados pelo design imperialista [MP3] 36 minutos

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Libertando futuros domesticados pelo Design Imperialista, essa fala é uma provocação para pensarmos nas possibilidades de desenvolvermos o Design Prospectivo que é abordagem que temos conversado e discutido aqui na UTFPR como uma maneira de abordar futuros no Design de maneira prospectiva e não só especulativa ou transicional, mas como uma maneira de você ativamente prospectar esses futuros para uma perspectiva anti imperialista, uma perspectiva decolonial ou descolonizadora.

Ao invés de partir de autores que falam de realidades e a partir de realidade exógenas a nossa condição, a nossa realidade que é aqui no Brasil, estou tentando partir agora de autores brasileiros ou brasileiras que falam da nossa realidade em primeira instância. Porque eu acredito que isso nos ajuda a ser mais relevantes ao que dá pra fazer aqui dentro das nossas possibilidades.

Um desses autores, pouco conhecido no Brasil, infelizmente dada a perseguição que sofreu na ditadura militar, é Álvaro Vieira Pinto. Ele tem vários livros, mas sobre este assunto tem um livro que é na verdade dividido em dois volumes, dois volumes muito grossos, são o Conceito de Tecnologia, o volume um e o volume dois. São obras maravilhosas para entender a prospecção de futuros dada a possibilidade que temos aqui no Brasil, porque o futuro é importante para o Brasil e a tecnologia do futuro ou o futuro da tecnologia. É um livro maravilhoso com um tom gigante, eu não vou falar sobre tudo que tem nesse livro, eu vou focar somente no conceito de Domesticação de Futuro. E vou tentar mostrar como precisamos criticar esse conceito e além dele quando pensar em desenvolver o Design Prospectivo.

Domesticação do futuro

Essa Domesticação do Futuro pode ser definida de várias maneiras mas eu peguei uma parte do texto dele que ele diz assim: Em vez de negar o futuro, ou de ignorá-lo, as classes dominantes e os países centrais de desenvolvimento tecnológico, eles domesticam-no de antemão esse futuro, então o futuro deixa de ser ameaçador, ele perde o caráter de incógnita, ele não traz mais consigo qualquer mudança substancial nos status dos grupos dirigentes, ou seja, quando ele está fazendo a crítica a Domesticação do Futuro, eles está falando sobre o movimento de manter o status quo. Domesticar o Futuro para ele significa que o futuro não signifique mudanças, que o futuro signifique continuidade. Então aquela incógnita, aquela incerteza que está embutida nesse futuro que não se sabe, através da domesticação, ele se torna mais conhecido.

Outra pessoa que trabalhou com esse conceito de Domesticação de Futuro, curiosamente é o Paulo Freire que é da área da Educação. E ele usa esses termos mesmo, Domesticação do Futuro na obra A Pedagogia do Oprimido que é o texto mais conhecido dele mas também fala em Domesticação em livros como Extensão ou Comunicação, Ação Cultural para a Liberdade e Outros Escritos. O Paulo Freire, para quem não conhece a biografia dele, colaborou muito fortemente com o Álvaro Vieira Pinto, ele se referia ao Vieira Pinto como um mestre Brasileiro, um mestre da filosofia brasileira, um mestre que tinha uma filosofia autêntica brasileira.

Ele se apropriou principalmente de categorias como consciência crítica do trabalho do Álvaro Vieira Pinto, mas eu acredito que o conceito de Domesticação do Futuro que o Freire usa no mesmo sentido do Vieira Pinto deve ter sido fonte de alguma interação que eles co-criaram esse conceito ou ele tá fazendo uma referência velada ao Vieira Pinto, porque vejam como é parecido o conceito dele de Domesticação do Futuro. No prefácio do Pedagogia do Oprimido ele diz o seguinte:

O sectário de direita pretende domesticar o presente para que o futuro, na melhor das hipóteses repita o presente domesticado, enquanto o sectário de esquerda transforma o futuro em algo pré-estabelecido, uma espécie de fado, de sina ou de destinos irremediáveis.

Aqui ele está fazendo uma coisa muito interessante mostrando que o futuro, ele não deve estar dado nem do ponto de vista de manter-se como está a situação atual e nem do ponto de vista de uma utopia de que quem está ganhando continua ganhando ou de uma distopia de que quem está perdendo continua perdendo. Então, ele propõe na sequência desse trecho, que encaramos o futuro como uma construção, algo que nós podemos fazer agora no presente, que vamos determinar a partir de nossas ações, por isso ele recupera a noção de história e explica que a educação é história, que ela produz novos futuros, ela abre novas possibilidades.

Mas o Paulo Freire também usa o conceito de domesticação em um outro sentido, daí falando da domesticação dos próprios educandos. Os educandos, quando estão passando por um processo de educação formal, eles costumam ser domesticados. A prática domesticadora na educação formal tem como conotação central a dimensão manipuladora nas relações entre educadores e educandos em que, obviamente, os segundos são os objetos passivos da ação dos primeiros. O uso da palavra domesticação é uma analogia ou alusão à maneira de como se educam animais, pois parte-se do princípio que o educando não tem nenhum conteúdo, nenhum conhecimento; ele é uma tábula rasa ou um ser selvagem que precisa ser domesticado, que precisa ser trazido para civilização através do processo de educação.

Paulo Freire vai fazer referências em outras partes do texto dele sobre essa característica domesticadora da educação bancária, que já existe aqui no nosso país, no Brasil, no nosso contexto latino americano, de maneira mais ampla, desde o processo de colonização. A catequização dos povos indígenas, que inicialmente eram vistos como selvagens incivilizados pelos bandeirantes que passavam pelo interior do Brasil dizimando a população indígena, é o berço da educação bancária brasileira.

A partir do momento que começam a surgir as missões jesuítas no Brasil, surgem até guerras entre jesuítas bandeirantes, porque os jesuítas acreditavam que era possível domesticar esses homens selvagens, enquanto os bandeirantes não acreditavam nisso. Esse afresco em ladrilho mostra os indígenas saindo da mata na condição natural de animal selvagem e se transformando gradualmente em seres domesticados no lado esquerdo, mais próximos do jesuíta Padre Anchieta, que está conduzindo o ritual de transformação. Do lado esquerdo aparecem os indígenas civilizados, já vivendo dentro de um ambiente produzido pelo que o jesuíta considerava como ser humano.

A domesticação dos povos indígenas tem o propósito específico de afirmar a superioridade dessa cultura européia, eurocêntrica que veio através de Portugal e Espanha, mas também de outros países. A cultura indígena retorna para os países europeus, não como uma contribuição cultural, um processo de transformação, uma alteridade que desafia a cultura européia, mas sim como uma conquista, uma espécie de um prêmio, um troféu a ser exibido ou uma curiosidade.

A colonização gerou um discurso de exoticismo que não permite a inclusão plena do outro: "Olha só, esses selvagens que ficavam na mata, agora eles estão domesticados, porém, eles ainda conservam alguns traços peculiares. Eles não se humanizaram completamente, eles são ainda como bestas, então que tal se a gente exibir eles em zoológicos humanos?"

Esse é um cartaz de divulgação de um zoológico humano na França. Notem que é um trabalho de Design Gráfico que utiliza várias técnicas modernas para transformar esses corpos colonizados em mercadorias. Essa domesticação do futuro, ou melhor dizendo, essa domesticação do corpo colonizado, é uma relação que não é tão antiga assim quanto parece, porque o último zoológico humano que se tem registro data de 1958 durante a Feira Mundial de Bruxelas. Nessa feira, havia uma tenda dos congoleses que mostrava as suas habilidades de, suas técnicas artesanais ancestrais e tradicionais, e do outro lado tinha a grande atração que era uma exortação ao domínio da energia nuclear com um grande monumento à estrutura atômica.

Então essa relação entre a tecnologia mais avançada e a tecnologia menos avançada era fundamental para justificar porque deveria existir essa domesticação, porque com isso você conseguia garantir que esses povos domesticados não se revoltassem contra os colonizadores porque eles estavam dando uma benção para esses povos. Diz assim o discurso colonizador: "Olha só como eles são atrasados; eles precisam da colonização. Por outro lado, olha só, a gente pode trocar essa tecnologia super moderna com eles e enquanto ficamos com os bens artesanais feitos por eles, que demonstram a essência da criatividade do ser humano".

Essa troca nunca foi justa, obviamente, porque o preço da tecnologia atômica é muito maior do que a tecnologia artesanal. Quem está organizando o evento, quem está falando são os dominadores, são os colonizadores, e eles vão tentar parecer mais justos e benevolentes do que realmente são.

Essa exposição acontece em uma época em que ainda existiam lutas pela descolonização política desses países, mas esse tipo de comparação ainda existe até hoje e o Design tem um papel importantíssimo na manutenção do que já existia antes do colonialismo, mas se torna mais intenso que é o imperialismo. Imperialismo é a tentativa de uma nação dominar de maneira hegemônica uma determinada região geográfica, seja através da colonização, seja através de outros processos políticos, econômicos e culturais que não envolvem necessariamente a ocupação do território.

Design imperialista

No caso do Brasil nós temos um processo de imperialismo muito forte no século vinte, a partir da influência dos Estados Unidos no nosso desenvolvimento. Isso fica patente com algumas referências constantes na mídia promovidas pelo nosso governo atual a um antigo presidente que não está mais liderando os Estados Unidos. Os Estados Unidos se colocaram não como um colonizador, mas como um parceiro no desenvolvimento dependente ou assistido do Brasil.

Os Estados Unidos oferece tecnologias com um custo menor ou até mesmo de graça para gerar dependência e depois, aí sim, receber algum tipo de recurso financeiro em troca. Uma das estratégias do imperialismo é utilizar o Design para tornar essas tecnologias parecerem ser futuristas quando na verdade não são. São tecnologias que, quando você modifica o espaço onde elas estão sendo utilizadas, elas parecem ser futuristas pelo contraste com outras realidades. Nesse caso é um vídeo, é uma curta metragem chamada Microsoft 2019, que a Microsoft fez para promover a visão de futuro que eles tinham sobre o trabalho, a colaboração na educação entre países desenvolvidos e subdesenvolvidos.

No vídeo, estamos vendo uma sala de aula na Austrália, um país desenvolvido, colaborando com uma outra sala de aula em um país subdesenvolvido que é a Índia. A na Austrália professora está mostrando para os estudantes que não sabem onde é no mapa onde fica a Índia. Os estudantes estão interagindo via videoconferência em uma época que isso ainda não era tão comum. A videoconferência permite que eles falem sobre diferenças culturais, porém, a professora não está chamando a atenção para o que eles estão conversando ali, pois essa interação parece mais como uma curiosidade, como se os estudantes indianos estivessem dentro de uma espécie de uma jaula de um zoológico humano digital, sendo mostrados para os estudantes australianos da mesma maneira como era feito na França: "olha só como eles são estranhos, olha esse alfabeto rudimentar que eles utilizam, o devanagari".

Isso gera uma diferença cultural baseada na hierarquia. Quem está do lado de cá do monitor é superior de quem está do lado de lá do monitor, porque quem está do lado de cá é quem determina as regras, o ritmo das aulas e os significados das interações. Você não vê, por exemplo, uma professora do outro lado indiano. É como se não houvesse conhecimento, autoridade ou capacidade de autodeterminação na Índia tal coo há na Austrália. Novamente, a história é contada do ponto de vista dos colonizadores e de seus suscessores imperialistas. Observem que os designers que criaram esse vídeo possivelmente não pensaram nisso, pois apenas reproduziram acriticamente um padrão cultural típico da cultura imperialista em que estavam imersos.

Aqui nós vemos um projeto intencional de imperialismo contra a Índia encabeçado pela Microsoft. Porém, existem casos ainda mais impactantes do que este no Brasil, que são os projetos de Smart Cities. Tomemos como exemplo a Smart City Laguna no Ceará. É uma cidade que está sendo financiada, desenvolvida, projetada, planejada e administrada por um grupo de empresas israelenses. Não é uma cidade que os brasileiros estão construindo no seu território a partir de sua cultura. É uma cidade que estrangeiros estão construindo no Brasil com tecnologias que também foram desenvolvidas fora do Brasil, a partir de uma cultura que não é brasileira. Isso é uma nova forma de colonização. Pense na soberania que o Brasil teria se Smart Cities como essa se espalhassem pelo país. Por enquanto, é uma questão de soberania regional, mas ainda sim bastante preocupante.

Essas tecnologias podem ser consideradas totalitárias, porque elas definem todas as interações que a pessoa vai ter naquela cidade. Não é só o projeto do desenho urbano que Israelense, mas também a tecnologia das interações do dia a dia definidas por smartfones, definidas por serviços digitais, definidas por governo eletrônico e tudo mais que estão integradas nesse chamado Planet App.

Essas visões de futuro importadas para o Brasil escondem, através de um Design que parece futurista, as contradições que estão por trás dos modelos de interação, formas de governança, e maneiras de produzir a esfera pública. Alguns autores chamam isso de Colonialismo Digital: uma dependência de aplicativos, de redes sociais e de estruturas de logística completamente estrangeiras que, embora nos dêem benefícios, inclusive até mesmo de graça, mas que têm um custo ambiental e humano gigantesco. Esse custo não aparece no preço, da mesma maneira não aparece o custo humano da colonização e do processo de acumulação de riquezas e recursos naturais em uma determinada parte do planeta, enquanto outras partes são tratadas como meras fontes de recursos, mantendo a dependência, no caso do Brasil por exemplo mantendo uma economia baseada em produtos commodities agrícolas.

Nessa imagem vocês vêem no centro um colonizador do Norte Global, talvez Estados Unidos ou Europeu. Acho que mais dos Estados Unidos porque as empresas que estão aparecendo ali em baixo dele são empresas dos Estado Unidos e é um problema até mesmo para a própria Europa que é muitas vezes vítima desse processo de desapropriação, não necessariamente de recursos naturais no caso da Europa mas também de recursos humanos. Por exemplo, a atenção que as pessoas devotam a esses aplicativos e os textos que as pessoas escrevem, as avaliações que elas deixam, tudo isso é apropriado de graça para que esses novos colonos possam se aproveitar e gerar mais valia de trabalhadores que muitas vezes estão precarizados ou sem remuneração trabalhando em outros países.

Muitas dessas grandes empresas de tecnologia terceirizam, fazem outsourcing da produção dos seus aplicativos para países como a Índia por exemplo, então vocês vêem no lado direito trabalhadores precarizados e do lado esquerdo outros trabalhadores precarizados na produção dos materiais como o carbono e outros minerais necessários para a produção de chips e tecnologias que são ditas avançadas mas que causam impactos ambientais terríveis.

Design do Oprimido e economia solidária

Quando vivemos uma realidade oprimida como essa, olhamos para nós mesmos e nosso Design como sendo inferior, por isso que eu gosto de fazer essa distinção entre o Design do Oprimido e o Design do Opressor olhando para a relação de imperialista com uma relação de opressão, ou melhor, uma relação de subdesenvolvimento com uma relação de opressão. Dentro dela, nunca vamos considerar o nosso Design tão desenvolvido quanto o Design desses países imperiais.

Por exemplo. O Banco Palmas criou um dos primeiros bancos eletrônicos do mundo baseado no e-dinheiro, que é uma moeda digital solidária criada por um grupo de produtores que resolvem se organizar para poder evitar a fuga de capitais do seu território pela utilização de moeda corrente. Com o aplicativo, é possível gerenciar uma moeda complementar, isso tudo com a observação, o acompanhamento e a chancela do Banco Central.

Esse tipo de recurso já ajudou a levantar da pobreza milhares de pessoas. Porém, nós olhamos para ele como se fosse um design menos desenvolvido, uma gambiarra, ou algo que nem é design. Por isso, poucas pessoas conhecem o e-dinheiro e o Banco Palmas, mas muitas pessoas conhecem o Design e o branding da Visa Electron e do Mastercard, que são importados de outros países e amplamente utilizados no Brasil. Poderíamos estar investindo mais no e-dinheiro para ter uma economia mais solidária, mas devido ao Design do Opressor, nós ficamos condenados à contribuir para a acumulação de capitais fora do nosso país. Quando vamos interagir com sistemas opressores através de interfaces digitais, nós sentimos vergonha na maneira como interagimos. Nos achamos que interagimos de uma maneira feia ou burra.

Para fazermos um Design Prospectivo original e autônomo, para se vermos interagindo bonito, precisamos libertar os nossos futuros domesticados e assumir a nossa monstruosidade. Com isso eu quero dizer que existem algumas forças contraditórias dentro de nós que podem ser forças de mudanças positivas e não mudanças negativas que precisam ser eliminadas pela domesticação.

Monstruosidade

Então se olharmos na história como os colonos nos olhavam no começo da colonização, vamos encontrar várias referências a monstros diversos que existiam aqui no Brasil documentadas em livros em ilustrações como essa. Estou trazendo talvez um dos mais antigos que é o Ipupiara, documentado no começo do século XVI. Esse monstro vivia zanzando pelos primeiros assentamentos humanos dos colonos e também pelas aldeias indígenas. Os colonos ouviam falar dos indígenas e desse monstro, interpretavam aquilo de um jeito e alguns dos colonos diziam ter visto também, então gerava um disse que me disse. Eventualmente as pessoas faziam imagens, contavam histórias como essa, de um monstro que misturava gênero mulher e homem, misturava animal e ser humano, basicamente comia tudo aquilo que via e, ao comer, ele se transformava no que tinha comido.

Essa monstruosidade já estava representando uma preocupação do colono de se transformar em um nativo, de se misturar aos indígenas e se tornar um híbrido, um mestiço, que acolheria hábitos mais liberais em relação aos papéis de gênero e sexualidade. Isso amedrontava a lógica moderna e Cristã, representada por outro monstro, um monstro domesticado (e domesticador), o Leviatã. O conceito de estado moderno, a própria ideia de modernidade foi construída por filósofos como Hobbes em cima da monstruosidade. Leviatã é um grande monstro, encarnado pelo monarca, que aparta todos os conflitos da sociedade. O Estado seria necessário porque os homens iriam se matar se não houvesse um opressor maior que oprima eles e que evite que eles sejam violentos consigo mesmos. Assim, a violência estatal na era moderna assume uma roupagem racional e domesticada, apesar de sua origem selvagem.

Nossos estudantes, ao refletirem sobre como essa contradição se manifesta em um país que foi à força colocado em uma condição moderna, percebemos que essa domesticação não é uma característica natural ou culturalmente válida para a nossa existência. Começamos, então, a fazer vários experimentos para botar para fora essa monstruosidade. Um deles muito interessante, realizado com alguns estudantes que estão aqui nessa sala online, a Rafaela Angelon e o João Conrado. A Rafaela inclusive, publicou artigo científico sobre a estética monstruosa que surgiu nesse experimento. Nós escrevemos coletivamente um manifesto sobre como o Design podia ser mais politicamente orientado, porém não a uma visão política apenas, mas a várias. Portanto, esse manifesto tem várias visões políticas contraditórias e isso acabou virando a temática do manifesto que se chamou Manifesto Design Dissenso.

Esse manifesto foi posicionado em um local proeminente de visibilidade dentro da UFTPR para que pudéssemos discutir as contradições entre Design, Arte, Ciência e Engenharia na UTFPR. No dia seguinte esse manifesto não estava mais lá. Tentamos investigar quem tinha retirado e porquê tinha feito isso, mas ninguém quis assumir esse feito. O diálogo que queríamos propor não era um diálogo destrutivo, veja, não houve depredação alguma do espaço público, apenas se acrescentou uma nova camada no diálogo e, infelizmente, ele foi interrompido.

Nesse experimento, não pensamos muito na questão da questão histórica. Eu acho muito mais interessante a perspectiva histórica porque ela nos ajuda a ver de onde é que vem essas contradições, como é que elas se construíram e por outro lado o que podemos fazer para superar essas contradições.

Perspectiva histórica e temporal

Primeiramente, devemos buscar referências locais e culturais para descobrir as raízes de contradições. Isso significa estudar movimentos culturais brasileiros e se inspirar neles. É uma maneira de entender as nossas contradições e não as contradições de outro país. Antrofagia, Tropicália, Fandango, Maracatu e várias formas originais daqui podem ser muito úteis para o Design Prospectivo.

Outra coisa que pode ser útil também são as artes temporais que podem nos ajudar a descobrir possibilidades de superação dessas contradições: Teatro, Fotografia, Cinema e Animação são áreas que já trabalham com cenários hipotéticos utópicos ou distópicos de mudanças que só conseguem ser percebidas ao longo do tempo, daí a relevância dessas mídias que têm e das maneiras de como usar essas mídias, dos conhecimentos dessas mídias que estão documentadas nos experimentos artísticos. Para mim, o Design Prospectivo pode aproveitar as experiências de criação de cenários de transição em outras áreas.

Projetos prospectivos

Um exemplo muito interessante é um TCC que eu co-orientei junto com a professora Marinês Ribeiro dos Santos, do Roger Silva, ele estudou videoclipes afrofuturistas que representavam contradições das desigualdades ou da igualdade racial. Eu destaco dois videoclipes aqui: a Nave da Xênia França e o Duas de Cinco + Cóccix-ência do Criolo. São videoclipes muito bem produzidos que você olha e pensa: "não deve nada para os videoclipes estrangeiros". Ao mesmo tempo, eles dialogam com a nossa realidade, o que é uma vantagem muito grande em relação a videoclipes que muitas vezes são afrofuturistas mas que falam de realidades dos Estados Unidos.

O Roger Silva também publicou um artigo acadêmico muito interessante sobre essa questão do corpo da pessoa negra estar presente no futuro, mostrando que ele também é o futuro. Isso abre a possibilidade de acreditarmos que no futuro haverão também pessoas negras e que elas também são importantes para serem incluídas nas definições democráticas de como queremos que seja esse futuro. No caso da pesquisa do Roger, não havia ainda uma especulação de como esse futuro de fato poderia ser criado por designers. Ele apenas cita projetos que foram projetados por outros.

Isso pode ser feito através do Teatro do Oprimido. No canto esquerdo da imagem acima, vocês vêem um estudante usando uma mão de brinquedo de aço, uma espécie de uma prótese para conversar sobre política. A história que ele está contando a partir de seu personagem é que ele foi inicialmente vítima de preconceito por ter uma mão biônica. Depois, os seus chefes começaram a se aproveitar do fato dele ter uma mão mais produtiva e rápida do que os outros. Ele recebe mais trabalho mas sem necessariamente um salário maior. Ele se revoltou, se organizou, fundou um sindicato e no final da história ele acaba virando presidente do Brasil.

Escrevemos um artigo sobre esse experimento com o professor Rodrigo Gonzatto, que vai falar depois de mim. O Teatro do Oprimido foi fundamental para nós projetarmos um futuro alternativo para Curitiba, em que Curitiba se torna a capital mundial das próteses. Uma empresa fictícia chamada Optimus Body fundada em Curitiba consegue produzir próteses muito fortes, muito potentes e também muito bonitas e sedutoras, que chegam a seduzir as pessoas a amputar os seus membros saudáveis e a colocarem próteses no seu lugar.

O projeto especulativo, que assumiu o formato de vídeo mockumentário, discute como esse preconceito, inicialmente contra algumas pessoas que têm alguma deficiência, acaba sendo um preconceito invertido porque as pessoas que têm próteses começam a tentar excluir as outras. Na verdade o vídeo acaba desconstruindo a ideia do preconceito invertido, colocando em evidência as pressões mercadológicas e trabalhistas que impelem as pessoas sem deficiência a amputar seus membros: elas não conseguem emprego, pois só se admite pessoas com prótese no trabalho. É muito interessante como essa complexidade das relações sociais conseguem ser explicadas em um curta metragem de apenas cinco minutos.

Outro mockumentário bem interessante também, criado pelos estudantes em reflexão sobre o impeachment, ou melhor dizendo, o golpe da Dilma Rousseff em 2016. Eles colocaram a culpa desse golpe em uma secretária eletrônica baseada em uma inteligência artificial que tinha sido instalada pela Dilma para ajudar a gerenciar o trabalho no país e acabou gerenciando o trabalho dela. Essa inteligência artificial cometeu a famosa decisão da pedaladas fiscais, seguindo um padrão de comportamento dos presidentes anteriores, como toda boa inteligência artificial faz: reproduzir padrões.

O que aconteceu é que esse ato foi utilizado pelos oponentes, a oposição no caso, o PSDB e outros partidos, para colocar a Dilma para fora do seu cargo acusando ela de imperialismo estadunidense. É interessante porque nesse futuro, a direita brasileira é contra o imperialismo, que é um futuro obviamente diferente da nossa situação atual em que a direita apóia o imperialismo, principalmente através da defesa da liberdade de atuação das redes sociais e outras tecnologias estrangeiras.

Por fim, quero mostrar os experimentos do Teatro do Oprimido pós pandemia com o recurso teatro fórum usando máscaras digitais para representar papéis de tecnologias nas nossas interações. No centro, temos uma inteligência artificial que substituiria o trabalho de Design e tornaria esse trabalho plataformizado tal como Uber. No lado esquerdo e direito, vemos dois designers precarizados trabalhando pra essa inteligência artificial, que está simplesmente distribuindo trabalho para esses agentes precarizados, escondidos e invisibilizados pela plataforma.

A logo encomendada pelo cliente é projetada por uma pessoa em outro lugar do mundo, mas o cliente não sabe disso, pois a inteligência artificial faz parecer que a logo foi feita automaticamente. Esse filme, na verdade esse teatro fórum, que é uma interação que fizemos com estudantes de Design da USP, levanta a questão de até que ponto somos opressores e até que ponto somos oprimidos nas relações de trabalho enquanto designers.

Design & Opressão

E por fim, eu gostaria de mencionar que temos discutido esses assuntos sobre colonização, imperialismo e as possibilidades do que que o Design pode fazer para contribuir com a descolonização e autonomização dos nossos projetos e das comunidades dentro da rede Design e Opressão, uma atividade de extensão vinculada a um projeto de extensão que eu tenho desenvolvido com o professor Marco e a professora Cláudia aqui no departamento, o Laboratório de Design contra Opressão (LADO).

Essa rede engloba vários outros grupos de pesquisa de outras universidades, tem algumas pessoas aqui presentes como a Bibiana Serpa e Sâmia Batista. Atualmente estamos estudando um livro chamado Designs for the Pluriverse escrito pelo antropólogo Arturo Escobar. Vale mencionar que esse livro tem sido referenciado como um dos mais importantes sobre Design de Transição, que, por sua vez, é uma referência que usamos bastante na própria construtuição do Design Prospectivo. Estou falando porque se alguém quiser estudar esse livro com nós, estamos começando a introdução dele na semana que vem, então sigam o link que está no bate papo para se inscrever e participar desse grupo de estudos.

Dialética do Design Prospectivo

Para finalizar, Design Prospectivo se baseia em uma relação dialética entre cenários e infraestruturas. Eu falei muito aqui hoje sobre a importância da descolonização dos cenários, mas também é importante descolonizar as infraestruturas. Se tivermos um processo de descolonização combinado, nós poderíamos então admirar o que o Vieira Pinto chama de o futuro do futuro e não mais se contentar com o futuro do presente que já foi domesticado pelo imperialismo.

O que seria esse futuro do futuro? Ele configura-se pelas possibilidades de transformações sociais revolucionárias e pela realização de criações do pensamento, particularmente o exercício do poder inventivo, que determinarão novas formas de organização da sociedade e das mediações tecnológicas.

Então esse futuro do futuro não é só uma continuação do presente, ele é um futuro que tem a capacidade de ser imprevisível, mas tão imprevisível que poderia se mudar todo o sistema sociotécnico em todas relações com os sistemas naturais, que é a grande ambição desse programa de pós-graduação do Design Prospectivo de pensar em grandes sistemas. Essa aqui é uma ilustração muito bacana que a nossa colega Fernanda Botter fez, que está aqui inclusive conosco voltando da licença maternidade. Seja bem vinda de volta Fernanda. Ainda estamos digerindo esse diagrama que você fez em um momento de inspiração.

Notem que, Vieira Pinto já falava sobre transição em 1973: "A transição entre etapas sociais no desenrolar do processo produtivo, a passagem a outros modos de convivência humana, expressos em novos tipos de regimes políticos, será a determinação fundamental das alterações do curso das técnicas." Para ele, a tecnologia não é um fim em si mesmo, mas um meio de libertação dos regimes políticos e modos de convivência humana coloniais e imperialistas que nos impedem de se humanizar e se tornar melhores do que nós somos. Gente, muito obrigado e vamos agora talvez a uma conversa, um debate sobre o que foi exposto?

Transcrição gentilmente realizada por Felipe Araujo de Miranda Gomes.

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Nesta palestra, apresentam-se as reflexões de alguém que passou anos imerso no mundo dos videogames e o que isso trouxe de aprendizado. Desde a infância, eu tive a oportunidade de experimentar os jogos, inicialmente compartilhando consoles com amigos e, mais tarde, tendo acesso a um computador pessoal nos anos 90. Esse acesso ao PC abriu portas para uma diversidade de jogos e criatividade de desenvolvedores independentes, uma vez que a distribuição era mais viável nessa plataforma.

Um ponto interessante é a rápida resposta que os videogames oferecem às ações do jogador, permitindo ajustes e estratégias imediatas. Um jogo antigo chamado "After Burner" exemplifica a necessidade de reações ágeis, enquanto títulos mais recentes, como "The Sims", permitiram ao autor experimentar várias possibilidades de vida e personalidade, refletindo aspirações e desejos pessoais.

Ao longo do tempo, os jogos evoluíram, tornando-se desafios cada vez mais complexos. A curva de aprendizado variava, seja enfrentando amigos habilidosos ou a máquina. Jogos como "GoldenEye 007" no Nintendo 64 proporcionaram competições emocionantes e a sensação de superar desafios intransponíveis. Além disso, jogos como "X-COM: UFO Defense" trouxe uma dinâmica única de estratégia, abordagem tática e até mesmo emoções complexas, demonstrando que os jogos podem ser uma forma de lidar com sentimentos internos.

No entanto, nem tudo eram flores. Frustrações, desentendimentos familiares e desafios ao tentar superar obstáculos intensificavam o relacionamento do jogador com os jogos. A experiência dos videogames foi muito mais do que diversão; foi um espelho que refletiu a personalidade, a habilidade cognitiva e as emoções do jogador. A capacidade de jogar, explorar e interagir proporcionou uma jornada de autoconhecimento, maturidade e crescimento.

Palestra proferida a convite do professor Pedro Alessio na disciplina Tópicos em Design de Artefatos Digitais da Pós-graduação em Design da UFPE.

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O que eu aprendi jogando videogame MP3 41 minutos

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Palestra gravada no Meeting Arquitetura e Urbanismo e Design de Interiores da Uniavan.

Design de Espaços Interativos MP3 42 minutos

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Palestra gravada no webinário do BR-CHI.

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Estética da Interação e Opressão Mediada pelo Computador [MP3] 40 minutos

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Design de interfaces gráficas [MP3] 57 minutos

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As metáforas utilizadas nas interfaces nem sempre são suficientes para representar ações complexas. A oficina explora como representar ações do usuário pode ser mais eficaz. A abordagem do design de interação se alinha à busca por interações significativas no computador, que é visto como uma ferramenta para os usuários interagirem com o mundo e com outras pessoas, em vez de ser um fim em si mesmo.

Porém, o uso do computador pode levar à opressão, à medida que empresas e grupos privilegiados o utilizam para restringir ações e agravar desigualdades sociais. A discussão se volta para um conceito chamado usuarismo, que coloca grupos desprivilegiados em uma posição de mera utilização, em vez de permitir que se tornem produtores e transformadores da tecnologia.

Para combater essa opressão, o autor se inspira no Teatro do Oprimido, desenvolvido por Augusto Boal durante a ditadura militar no Brasil. O teatro-fórum, uma técnica central, encoraja a participação ativa do público para explorar e transformar suas realidades. A oficina mostra como essa abordagem é aplicada para desmascarar papéis sociais impostos e estimular uma reflexão crítica sobre as interações no computador e na sociedade em geral.

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A oficina menciona também a peça de Teatro Fórum sobre Design e Trabalho Precarizado em Plataformas Digitais realizada na Semana do Design do GFAUD-USP.

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Computador como Teatro do Oprimido [MP3] 23 minutos

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Palestra ministrada no Interações'2020, evento promovido pelo SPIDeLab da UFBA. Esta palestra foi baseada em um artigo apresentado no CAPAiHC em 2017.

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Preconceitos na Interação Humano-Computador [MP3] 30 minutos

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Tutorial realizado durante a Escola Ibero-Americana Avançada de Engenharia de Software (EIbAIS), vinculado ao XXIII CIbSE, Curitiba, 2020.

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Pensando (e fazendo) software com design thinking [MP3] 1 hora

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Essa aula faz parte do curso de extensão Jogar para mudar mundos, oferecido pelo Departamento de Design da UFPR em Outubro de 2020. A gravação completa está disponível no canal do Youtube do departamento e inclui também uma discussão com convidados.

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Jogos e desenvolvimento de agência transformadora [MP3] 56 minutos

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Gravação realizada como parte das atividades do mês de Design do Tão Longe Tão Perto, evento de extensão do DADIN-UTFPR.

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Cases de Design Prospectivo [MP3] 20 minutos

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Aula ministrada no Projeto de Ensino Design Thinking para Desenvolvimento de Novos Produtos da UTFPR, da professora Rosangela Stankowitz.

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Service blueprint: a planta baixa do design de serviços MP3 - 53 minutos

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Gravação realizada em palestra convidada da disciplina Cidades e Tecnologia do PPGTU/PUCPR, professor Rodrigo Firmino.

Design para a Mudança de Comportamento Urbano [MP3] 51 minutos

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A jornada do cliente surgiu inicialmente no marketing de serviços, mas evoluiu para a jornada do usuário, que foca na vida das pessoas e em como os produtos se encaixam em suas rotinas. A jornada envolve todos os momentos em que o usuário interage com um produto ou serviço, tornando-se parte integrante de sua vida. Essa experiência pode ser boa ou ruim, e é crucial para as empresas oferecerem uma experiência positiva, pois isso pode fazer toda a diferença para atrair e manter clientes. Para mapear essa jornada, é importante compreender as experiências concretas do usuário, suas emoções e interações em diferentes pontos de contato. Uma ferramenta útil para isso é o teste de usabilidade, que ajuda a confrontar a experiência abstrata com a realidade do usuário. O design de experiências busca entender essas experiências concretas antes de projetar produtos e serviços abstratos, evitando assim problemas e insatisfação do usuário.

O mapeamento de jornadas permite que as empresas entendam melhor as necessidades e desejos dos clientes, possibilitando a criação de produtos e serviços mais alinhados com suas expectativas. Além disso, ao analisar a jornada do usuário, é possível identificar pontos de fricção e oportunidades de melhoria para garantir uma experiência mais fluida e satisfatória. Através desse processo, as empresas podem construir um branding forte, garantindo que seus clientes tenham uma percepção positiva da marca. Para realizar esse mapeamento, é essencial adotar uma perspectiva de história, colocando o usuário como protagonista da jornada. Com ferramentas adequadas e colaboração entre a equipe, é possível projetar experiências inovadoras e diferenciadas, que realmente façam a diferença na vida dos clientes.

Aula ministrada no Projeto de Ensino Design Thinking para Desenvolvimento de Novos Produtos da UTFPR, da professora Rosangela Stankowitz.

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Mapeamento de jornadas no design de experiências [MP3] 40 minutos

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Palestra realizada na VI Semana Acadêmica dos Estudantes de Engenharia Mecânica (SEMEC) da UTFPR.

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Pensamento projetual em Engenharia e Design [MP3] 22 minutos

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A influência da linguagem de Dieter Rams, um designer industrial das décadas de 60 e 70, é perceptível nas linguagens digitais da Apple, por exemplo. A abordagem de Johnny Ivy, um designer da Apple, encontra paralelos visuais com o trabalho de Rams, embora com sua própria singularidade. Trata-se, portanto de uma linguagem híbrida.

A ideia de hibridização entre linguagens é central na discussão, demonstrando como diferentes linguagens digitais se entrelaçam e se traduzem mutuamente. O designer de interfaces desempenha o papel de intérprete e hibridizador nessas interações. Uma analogia é traçada entre design de interfaces e literatura, enfatizando a natureza em constante transformação das interfaces.

O argumento de que as linguagens digitais são projetos coletivos se destaca, assemelhando-se às linguagens faladas e escritas. A diversidade linguística e cultural é evidenciada, com referência à preservação das línguas indígenas ameaçadas. Em última análise, a conclusão recai sobre a noção de que o design de interfaces envolve múltiplos agentes na construção contínua dessas linguagens e na cocriação de realidades compartilhadas.

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Gravação realizada como parte do evento Tão Longe, Tão Perto do DADIN UTFPR.

Design de interfaces e linguagens digitais [MP3] 1 hora

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Gravação realizada na Confraria da Inovação, evento interno da Bosch em Curitiba.

O pensamento do design sobre criatividade e inovação [MP3] 28 minutos

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O design de disciplinas e as (in)disciplinas do design [PDF]

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Gravação realizada no painel Ensino Superior e Práticas Inovadoras da X Jornada de Formação Docente da UTFPR.

O design de disciplinas e as (in)disciplinas do design [MP3] 26 minutos

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Gravação realizada na X Jornada de Formação Docente da UTFPR.

Design thinking e outros pensamentos projetuais [MP3] 3 horas

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Gravação realizada na disciplina Design de Jogos Educacionais do PPGDesign da UFPR.

Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo [MP3] 1 hora e 40 min

Série

Esta aula faz parte da disciplina Design de Jogos Educacionais, ministrada a convite do professor André Battaiola no mestrado/doutorado em Design da UFPR.

1. Jogo, brinquedo e brincadeira
2. Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural
3. Experimentos de dupla estimulação com jogos
4. Análise Interacional
5. Intervenção Formativa com Jogos Expansivos
6. Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo

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Gravação realizada na disciplina Design de Jogos Educacionais do PPGDesign da UFPR.

Intervenção Formativa com Jogos Expansivos [MP3] 2 horas e 40 min

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Esta aula faz parte da disciplina Design de Jogos Educacionais, ministrada a convite do professor André Battaiola no mestrado/doutorado em Design da UFPR.

1. Jogo, brinquedo e brincadeira
2. Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural
3. Experimentos de dupla estimulação com jogos
4. Análise Interacional
5. Intervenção Formativa com Jogos Expansivos
6. Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo

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Gravação realizada durante o evento Design e Política realizado na UFPR em 29/11/2019.

Design participativo e a coisa pública [MP3] 8 min

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Pensamento projetual no desenvolvimento de software [MP3] 1 hora e 15 minutos

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Gravação realizada na disciplina Design de Jogos Educacionais do PPGDesign da UFPR.

Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural [MP3] 51 minutos

Você pode ouvir em velocidade lenta ou rápida no Spotify.

Série

Esta aula faz parte da disciplina Design de Jogos Educacionais, ministrada a convite do professor André Battaiola no mestrado/doutorado em Design da UFPR.

1. Jogo, brinquedo e brincadeira
2. Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural
3. Experimentos de dupla estimulação com jogos
4. Análise Interacional
5. Intervenção Formativa com Jogos Expansivos
6. Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo

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Gravação realizada na disciplina Design de Jogos Educacionais do PPGDesign da UFPR.

Jogo, brinquedo e brincadeira na perspectiva histórico-cultural [MP3] 1 hora

Você pode ouvir em velocidade lenta ou rápida no Spotify.

Série

Esta aula faz parte da disciplina Design de Jogos Educacionais, ministrada a convite do professor André Battaiola no mestrado/doutorado em Design da UFPR.

1. Jogo, brinquedo e brincadeira
2. Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural
3. Experimentos de dupla estimulação com jogos
4. Análise Interacional
5. Intervenção Formativa com Jogos Expansivos
6. Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo

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Gravação realizada no Festival de Interatividade e Comunicação (FIC19), em Porto Alegre.

O poder prospectivo do design [MP3] 55 min

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Gravação realizada durante o Minicurso de Teatro do Oprimido na Educação em Design de Interação, IHC 2019, Vitória/ES.

Teatro do Oprimido no Design de Interação [MP3] 1 hora e 12 minutos

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Design Prospectivo e o Novo Possível [MP3] 12 minutos.

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Gravação realizada na disciplina Projetos para Pessoas: Laboratório de Design e Inovação Social da UTFPR.

Design de coisas públicas [MP3] 50 minutos.

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Gravação realizada em palestra convidada da disciplina Experiência Estética e Análise Midiática do PPGEL da UTFPR.

Estética do Oprimido no Design de Experiências [MP3] 1 hora e 17 min

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Gravação realizada na Incubadora de Inovações da UTFPR Ponta Grossa.

O pensamento projetual sobre problemas capciosos [MP3] 1 hora e meia

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Gravação realizada no evento sobre Qualidade de Vida para Todos na UTFPR.

Design de Experiências e Saúde Mental [MP3] 40 min

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Gravação realizada na disciplina de Criatividade do curso de Tecnologia em Design Gráfico do DADIN UTFPR.

Facilitação Gráfica e Expansão Visual [MP3] 30 min

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Proposta

No campo das Artes, o Teatro do Oprimido oferece diversos exemplos de engajamentos com comunidades que aplicam métodos dialéticos à partir do corpo. O corpo é colocado em movimento para perceber, observar, criticar e combater opressões cotidianas. Ao invés de trabalhar diretamente com o conceito de contradição, o Teatro do Oprimido trabalha com o conceito de opressão, muito embora considere que este último se origine do primeiro.

Os estudos sobre Teatro do Oprimido já demonstraram sua vocação para trabalhar opressões como o autoritarismo, racismo, machismo e colonialismo, porém, ainda não se explorou a possibilidade de utilizar o Teatro do Oprimido para trabalhar a mediação tecnológica nas relações de opressão.

O presente estudo apresenta uma análise de práticas e depoimentos dos participantes de uma atividade de extensão em uma Universidade Tecnológica que utiliza Teatro do Oprimido para trabalhar contradições em CTS.

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Teatro do Oprimido para Corporificar Contradições de CTS [MP3] 26 min

Conclusão

Os participantes relataram uma percepção mais aguçada sobre valores carregados pelas tecnologias em situações cotidianas, o que estimulou também reflexões sobre as origens dessas tecnologias. Através do teatro, o papel da tecnologia na mediação de relações de poder ficou evidente, o que levou os participantes a valorizar momentos de "desintoxicação tecnológica", como o não-uso do telefone celular por algumas horas. Tais relatos sugerem que o Teatro do Oprimido, com pequenas adaptações, é efetivo também para descortinar contradições em CTS.

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Pesquisa de ExU no mercado e na academia [PDF]

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Gravação em áudio realizada no meetup da BRQ em diálogo com Rene de Paula Jr.

Pesquisa de ExU no mercado e na academia [MP3] 53 min

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Gravação realizada no 14o. Algures, semana acadêmica dos estudantes de design da UTFPR.

Design de Experiências Musicais [MP3] 27 min

Foto da oficina

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A música é uma forma de arte que proporciona experiências de vários tipos. Isso não é um argumento muito difícil de aceitar. Vamos ver que tipos de experiências são essas. Podemos começar separando entre experiências coletivas e experiências individuais. Pense em todos os momentos em que você teve uma pira interessante: quando viajou na própria mente, refletiu, mudou sua perspectiva ou trabalhou um sentimento -- quando curtiu a fossa individualmente ouvindo uma música. Isso é uma experiência. Quando falo em design de experiência, estou falando disso.

Agora relembre shows, concertos, festivais de música, raves, baladas. Dançando com uma... melhor nem lembrar, né? Enfim. O que acontece ali também é uma experiência, mas completamente diferente. É uma experiência de conexão, de muitas vezes sentir que você faz parte da multidão -- que você é a multidão. Em muitos desses experimentos coletivos com música temos um dos poucos momentos em que percebemos que não somos isolados. Não somos uma ilha. Como seres humanos, somos sociais -- e celebramos isso ouvindo música. Possivelmente todas essas grandes reuniões humanas são acompanhadas por música. Até nas passeatas políticas -- que agora são frequentes no Brasil. Desde 2013 o pessoal vai para as ruas e sempre aparece uma musiquinha ou outra: algumas mais chiclete, outras mais interessantes. Mas sempre experiências musicais. Ou seja, a música é um fator de conexão social muito forte.

Agora vamos ver outros dois tipos de experiência musical: a de fazer música. Antes falamos de individual versus coletivo; agora podemos falar de fazer versus escutar. Lembre-se dos momentos em que você ensaiou a cantar no banheiro, tomando banho debaixo do chuveiro. Aquela situação em que estão só você e a música. E o quanto a gente se sente satisfeito ao ouvir a própria voz -- quando não está preocupado se outras pessoas vão escutar. Quando estamos preocupados com isso, muita gente evita cantar. Mas quando estamos sozinhos, nos libertamos do preconceito de achar que nossa voz é ruim. Às vezes a voz é até maravilhosa, mas falta autoestima ou coragem para mostrá-la.

Quando fazemos música coletivamente, existem maneiras de cantar ou tocar sem se sentir constrangido. Um exemplo é a jam. Alguém aqui já participou de uma jam? Uma jam basicamente reúne várias pessoas interessadas em fazer música e, com bastante respeito e tranquilidade, elas vão dialogando musicalmente -- sem necessariamente alguém se sobressair em relação aos outros. É uma conversa através da música. Numa jam, mesmo que você não saiba cantar ou tocar perfeitamente, os erros podem até se tornar um efeito interessante dentro da improvisação. Assim como numa conversa normal: você pode falar uma palavra errada, cometer um erro de português, e as pessoas relevam. Na jam acontece algo parecido. Então é uma experiência musical bem interessante. Pouca gente conhece, mas se algum dia tiver oportunidade, vá assistir ou participar de uma jam -- é algo completamente diferente de um show.

Mas também existe uma experiência musical coletiva muito mais comum, pela qual a maioria das pessoas no Brasil já passou em algum momento: as canções religiosas. Vivemos em um país bastante religioso, majoritariamente cristão. Dentro da religião católica ou das religiões evangélicas, a música tem um papel muito importante -- não só de conexão coletiva, mas principalmente de conexão com o divino, com uma energia que estaria em outro plano. E isso transforma profundamente a vida das pessoas. Elas se emocionam, choram e, às vezes, chegam a desmaiar durante esses cânticos. São experiências muito intensas.

As experiências musicais também podem servir para transcender tradições, questioná-las, perguntar coisas como: por que certas normas existem? Por exemplo, por que as mulheres não podem ficar sem camisa, mostrar os seios? No festival Woodstock, um dos maiores festivais de música da história, a música serviu como fator de conexão entre milhares de pessoas. Mas não era só a música. Circulava ali uma série de valores culturais daquele momento histórico. A música era quase uma síntese de todo o movimento hippie.

Existem muitos festivais que proporcionam experiências coletivas semelhantes -- momentos em que as pessoas sentem uma nova vibração, uma nova maneira de pensar o mundo. Um exemplo recente é o Holi Festival of Colours. Alguém aqui já participou?

Esse festival tem origem na Índia. Originalmente, é uma celebração religiosa ligada a uma brincadeira associada ao deus do amor, Krishna. Diz a história de que ele gostava de brincar com seus amigos, jogando pó de tinta colorida neles. As pessoas vão se pintando umas às outras. Em cidades da Índia onde o festival acontece tradicionalmente, ele toma as ruas. Se você sair nesse dia, provavelmente será pintado, queira ou não. Nos últimos anos, o festival foi exportado para vários países, inclusive para o Brasil. É uma experiência muito interessante. Eu já participei algumas vezes. Uma das coisas mais curiosas é que existe uma espécie de autorização coletiva para tocar no corpo de pessoas estranhas quando você vai espalhar a tinta. Se você só joga o pó, a cor quase não pega. Mas quando você encosta e espalha a tinta na pele da pessoa, a pintura fica muito mais forte. Então todo mundo começa a fazer isso. Claro, há uma questão de respeito -- mas eu nunca presenciei problemas. Pelo contrário: a vibe costuma ser muito positiva.

Agora, experiências musicais podem ser projetadas. Onde entra o design nessa história? Eu vejo esse tipo de experiência musical como uma performance emergente -- um termo que utilizei na minha tese de doutorado. Isso também se relaciona com a dificuldade que tenho de me localizar dentro de um departamento de design industrial. Historicamente, o design está muito focado no desenvolvimento de objetos simples. Objetos que reúnem diferentes conhecimentos técnicos. Essas técnicas ficam embutidas no objeto de forma relativamente estática: o objeto é produzido, entregue e utilizado. No caso de objetos complexos, como performances emergentes ou experiências musicais, a situação é diferente. O objeto não é fixo, não é estático, não para nunca. Ele está sempre mediando algo -- algo está sempre passando por ele. Nesse caso, o objeto não se define pelo momento em que termina sua produção. No design tradicional você reúne informações, requisitos, técnicas, produz o objeto, entrega e ele é consumido. Aqui essa separação entre produção e consumo praticamente desaparece, porque toda vez que alguém usa a experiência, ela está sendo transformada. Uma experiência musical é fluida. E, justamente por isso, tudo pode acontecer.

Aqui vai um exemplo clássico de objeto complexo, para explicar melhor o que é esse tipo de objeto. Podemos observar uma revoada de pássaros. No Brasil, esse fenômeno não é muito comum, mas às vezes é possível vê-lo em algumas regiões. Ele é mais frequente mesmo no Hemisfério Norte. Basicamente, são pássaros fazendo uma espécie de aquecimento antes de iniciarem a migração para o sul, em direção ao hemisfério sul. Eles começam a voar juntos, chamando a atenção de outros pássaros para que se juntem e formem um grande swarm -- uma revoada -- antes de iniciarem a migração. E essa dança que eles fazem no ar é linda. Você olha e pensa: "Como é que eles decidem qual forma vão fazer?" Será que existe um pássaro lá na frente dizendo: "Você vai para cá, você vai para lá, você vai para cá, você vai para lá?" O mais curioso é que não existe um líder. Não existe um pássaro rei ou rainha determinando o que os outros devem fazer. O que acontece é que cada pássaro executa um conjunto de regras simples. Quando todos executam essas regras ao mesmo tempo e no mesmo espaço, surge esse comportamento complexo. Então o objeto complexo emerge de entidades muito simples. O cérebro de um único pássaro não seria capaz de conceber individualmente a complexidade desse movimento, mas os cérebros de todos, sincronizados por regras simples, permitem, coletivamente, que isso aconteça. Entre seres humanos, usamos o termo inteligência coletiva para falar dessa capacidade de organização complexa. Mas isso não acontece apenas na internet ou ao construirmos conhecimentos abstratos. Isso acontece o tempo todo na nossa vida.

Eu vejo objetos complexos e performances emergentes no meu cotidiano o tempo todo. Essa foto aqui é de uma experiência musical da qual participei na cidade de Zadar, na Croácia. Eu fiz doutorado na Holanda e viajei bastante pela Europa, e esse lugar me chamou muita atenção. Ali existe um órgão tocado pelas ondas do mar. O que vemos é uma escada com pequenas entradas, pequenos buracos. A água do mar entra nesses canais e, à medida que entra, cada buraco produz uma nota musical diferente. Assim, conforme as ondas entram e saem, o sistema vai criando uma canção. Essa experiência depende da maré, obviamente. Mas também depende das pessoas que estão ali e do que mais estiver acontecendo ao redor. Por exemplo: estar ali sozinho é uma coisa. Estar ali com um grupo de pessoas é outra. E naquele momento havia também um navio gigante ao fundo. Quando ele buzinava, o som encobria o órgão do mar. Às vezes a buzina parava e então dava para ouvir melhor. Isso é uma performance emergente. A própria paisagem sonora de uma cidade -- essa mistura de barulhos urbanos -- também é uma performance emergente. Elas não são totalmente controláveis. Elas emergem da interação entre diferentes entidades simples. E o interessante disso é que tudo pode acontecer.

Até mesmo um jogo como Guitar Hero pode se tornar parte de uma performance emergente. O jogo em si é um objeto relativamente simples: você precisa apertar os botões no momento certo conforme as marcações descem na tela. Se errar, perde pontos. Não há muita emergência nisso. Mas ele pode se tornar parte de algo maior. Em um festival de videogame em que participei, por exemplo, colocaram o Guitar Hero em um palco, como se fosse uma performance musical.

Você subia ao palco para jogar e as pessoas assistiam. Também era possível fazer duelos. Eu fiz um duelo com um colega russo que fazia doutorado comigo -- ele era sempre meu antagonista nos videogames. Ali a gente criou uma performance emergente. Você não precisa fazer poses ou movimentos para jogar Guitar Hero, porque os controles não dependem disso. Mas nós fazíamos. Porque o que estava em jogo não era apenas o jogo, mas nossa rivalidade. Para quem assistiu, foi interessante ver aquele colega russo -- normalmente muito sério e fechado -- se soltar completamente naquele momento.

Essas são algumas das vantagens das performances emergentes: qualquer coisa pode acontecer. Pode ser algo bom ou algo ruim. Quando o navio buzina e estraga o som do órgão do mar, por exemplo, foi uma experiência ruim para mim. Mas no duelo do Guitar Hero foi uma experiência ótima.

Essa discussão sobre performance emergente faz parte da área que mencionei no início da oficina: design de experiências.

O que é design de experiências? É uma área profissional relativamente nova e também uma área emergente na academia. Ela trata justamente dessas performances emergentes. E envolve conhecimentos de várias áreas, porque o objeto é complexo. Às vezes o objeto será um produto, às vezes um serviço, às vezes uma interação. E na maioria dos casos será um conjunto de vários objetos simples formando um objeto complexo. Por isso o design de experiências é interdisciplinar. Ele envolve conhecimentos de design gráfico, design de interação, interação humano-computador, design industrial, engenharia elétrica, engenharia mecânica, arquitetura, arquitetura da informação e até criação de conteúdo. Também é difícil encontrar uma definição muito clara de design de experiências porque ele fica nessa zona cinzenta entre várias áreas.

Uma característica importante é que o design de experiências costuma explorar tecnologias de ponta para mediar experiências, interações e informações. Nos exemplos de projetos que vou mostrar, vocês vão ver tentativas de usar tecnologias disponíveis para criar experiências musicais.

Outro ponto importante é que o processo de design de experiências enfatiza muito a prototipação. Quanto mais cedo você conseguir prototipar, melhor. Porque quando você prototipa, você coloca algo nas mãos de outra pessoa -- um possível usuário -- e observa como ela reage à experiência. A partir dessas reações você pode ajustar o projeto para atingir objetivos, satisfazer desejos ou explorar sentimentos que aparecem durante a experiência. Esse ciclo de prototipar ? testar com pessoas reais ? ajustar é fundamental em praticamente qualquer metodologia de design de experiências.

Agora vamos para alguns exemplos de projetos. Vou mostrar protótipos desenvolvidos por estudantes meus em diferentes universidades. Esse primeiro é bem antigo -- desde 2009 eu dou aula sobre esse assunto. Esse projeto se chamava Elefantinho Psicodélico. A estudante partiu da brincadeira infantil "elefantinho colorido". Vocês lembram dessa brincadeira? Ela funciona assim: uma pessoa fala "elefantinho colorido", os outros respondem "que cor?". A pessoa então escolhe uma cor, por exemplo rosa. Todos os jogadores precisam tocar em algo daquela cor. Quem consegue se salva; quem não consegue pode ser pego. A estudante extraiu essa regra da brincadeira e a aplicou em uma balada. Ela imaginou um dispositivo que permitiria ao DJ convocar pessoas de determinada cor para o centro da pista de dança. Quando alguém entrasse na festa receberia um broche com uma cor. Então, em determinado momento, o DJ anunciaria: "Elefantinho psicodélico... amarelo!" Todas as pessoas com broche amarelo deveriam ir para o centro da pista e dançar ali. Ela teve essa ideia e eu disse para ela: "Então vamos prototipar". Em 2009 isso ainda era relativamente difícil, mas conseguimos construir algumas versões experimentais.

Esse aqui é um projeto de ioiô interativo feito por um estudante que era profissional de competição. Ele acrescenteu LEDs no seu ioiô e projetou imagens sincronizadas sobre seu corpo, gerando um efeito performático interessantíssimo.

O design de experiências explora a sinestesia, ou seja, a capacidade de estimular um sentido através de outro. Ao combinar audição e tato, por exemplo, é possível ampliar a percepção de uma experiência e provocar respostas corporais e emocionais mais intensas. Esse princípio aparece em trabalhos como o do cineasta tcheco Jan Švankmajer, que utiliza som e imagem para provocar sensações táteis no espectador. A proposta da oficina é justamente experimentar esse potencial do tato, um dos sentidos menos explorados no design.

Para isso, os participantes devem formar grupos de três a cinco pessoas e escolher uma música instrumental. Cada grupo deve criar uma experiência de música tátil, na qual uma pessoa escuta a música com fones de ouvido e, de olhos fechados, recebe estímulos táteis sincronizados com a música. Esses estímulos podem traduzir elementos como ritmo, melodia, movimento ou humor da música. O exercício enfatiza a lógica do design de experiências baseada em prototipação: os grupos devem criar rapidamente um protótipo, testá-lo entre si e depois convidar outras pessoas para experimentar. A partir das reações, emoções e comentários dos participantes, a experiência deve ser ajustada e melhorada em ciclos sucessivos.

Made with Keynote Extractor.

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O setor de serviços ocupa uma grande parcela do PIB brasileiro, e o design de serviços busca construir redes de valor em vez de cadeias lineares. Enquanto setores tradicionais como o agro e a indústria seguem um modelo linear de produção, o design de serviços possibilita uma dinâmica circular, onde os serviços são cocriados e constantemente reaproveitados, promovendo uma economia mais sustentável.

Além do cooperativismo de plataforma, a biomimética e a descentralização podem contribuir para relações ecológicas multidirecionais no design de serviços. A abordagem ecológica no design de serviços pode ser uma importante solução para enfrentar os desafios das mudanças climáticas e construir um futuro mais sustentável.

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Gravação realizada na disciplina Teoria do Design 4 da UTFPR.

Design de Serviços para Ecossistemas Sustentáveis [MP3] 40 minutos

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Pesquisa Etnográfica Ecológica para Design Transicional [PDF]

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Gravação realizada na disciplina Teoria do Design 4 da UTFPR.

Pesquisa Etnográfica Ecológica para Design Transicional [MP3] 1 hr e 15 min

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Gravação realizada na disciplina Design e Cultura e Teoria do Design 3 da UTFPR.

Design Crítico: origem e descolonização brasileira [MP3] 1 hora e meia

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Aula realizada na disciplina Teoria do Design 4 da UTFPR.

Design para Comportamentos Sustentáveis [MP3] 32min

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Aula realizada na disciplina Teoria do Design 4 da UTFPR.

Design Expansivo na transição para Smart Grids [MP3] 1h

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Download dos slides "Design para a Inovação Social" [PDF]

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Aula realizada na disciplina Teoria do Design 4 da UTFPR.

Design para a Inovação Social [MP3] 1h

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Design Transicional e Sustentabilidade [MP3] 25 minutos

Exercício

A proposta desse exercício é identificar as transições possíveis para uma visão de futuro distante e sustentável.

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Para recuperar o valor social do software, é preciso reposicioná-lo como uma oferta na Economia da Experiência, servindo como palco para interações estéticas e transformadoras. Isso implica em projetar software de uma maneira completamente diferente do paradigma de controle que orienta a maior parte dos projetos de software hoje.

Neste minicurso oferecido no XVII Simpósio Brasileiro de Qualidade de Software, foi apresentada uma abordagem de projeto de software baseada no paradigma da possibilidade. Essa abordagem inclui não só técnicas de avaliação, mas também de observação, percepção, sensação e criação das Qualidades da Experiência do Usuário. As técnicas aproveitam habilidades como a intuição, o talento artístico e a criatividade para lidar com as qualidades imprevisíveis e incontroláveis. O objetivo desta abordagem é produzir softwares que tenham tantos sentidos quanto uma obra de arte e tantos usos quanto um objeto de design.

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Projeto Possibilístico para as Qualidades da Experiência do Usuário [MP3] 2h05min

Transcrição

Projeto possibilístico para as qualidades da experiência do usuário é um conceito ainda experimental, que pretendo sustentar academicamente no futuro. As práticas e técnicas apresentadas já possuem fundamentação, e ao longo da exposição são mencionadas diversas referências que podem ser fornecidas posteriormente. Trata-se, portanto, de uma apresentação acadêmica com caráter prático.

O termo "possibilístico" surgiu a partir de um aprofundamento nos estudos sobre qualidade de software, especialmente por meio das normas ISO. Ao analisar esses modelos -- com apoio de pesquisas e interações no grupo de Engenharia de Software -- torna-se evidente um aumento progressivo do interesse por qualidades relacionadas à usabilidade ao longo do tempo. Um estudo de 2000, de Gordieiev et al (2015) e colegas, confirma esse crescimento entre 1977 e 2010. No entanto, mesmo nas normas mais recentes, como a ISO de 2010, o termo "experiência do usuário" ainda não aparece explicitamente.

Em contraste, no mercado esse termo se tornou ubíquo e praticamente obrigatório. Apesar de resistências iniciais, consolidou-se como padrão da indústria, especialmente em cargos como "UX designer". Ainda assim, trata-se de um termo problemático. A provocação proposta é a adoção da abreviação "Exu" para "experiência do usuário" em português, não apenas como correção linguística, mas também como referência à entidade da cosmologia brasileira frequentemente mal compreendida -- analogia ao próprio papel ambíguo e indefinido do profissional de UX, que transita entre diferentes áreas sem uma definição clara.

Essa provocação busca estimular uma reflexão mais profunda sobre o campo. Enquanto o design acadêmico já incorpora o conceito de experiência do usuário, a computação ainda privilegia a usabilidade. Contudo, desde meados dos anos 2000, o próprio mercado reconhece que usabilidade é apenas uma dimensão entre várias que compõem a experiência do usuário.

Peter Morville propõe um modelo bastante difundido no mercado -- o UX Honeycomb -- que organiza a experiência do usuário em qualidades como encontrabilidade, credibilidade, acessibilidade, desejabilidade, utilidade e valor. Existem diversos modelos semelhantes, muitos baseados na intuição e na experiência de seus criadores. O principal problema desses modelos é a dificuldade de mensuração: embora úteis como referência conceitual, eles não permitem avaliar de forma precisa essas qualidades em contextos experimentais ou operacionais.

Mais recentemente, surgem tentativas de tornar essas qualidades mensuráveis. Um exemplo é o meCUE (http://mecue.de), uma ferramenta baseada em questionários que permite avaliar não apenas utilidade e usabilidade -- já consolidadas -- mas também aspectos mais recentes, como estética visual, status social, comprometimento, emoções positivas e negativas, além de qualidades que emergem no longo prazo, como lealdade e intenção de recomendação. Trata-se de um modelo mais abrangente que as normas ISO e que outros frameworks tradicionais, com a vantagem de ser open source e validado academicamente.

Apesar disso, o MEQ ainda é pouco conhecido na indústria. No mercado, o modelo mais difundido é o HEART, desenvolvido por pesquisadores da Google. Ele organiza a experiência em cinco dimensões: Happiness, Engagement, Adoption, Retention e Task Success. Diferentemente do MEQ, o HEART não define métricas diretamente; funciona como um framework heurístico que orienta a definição de objetivos, sinais e métricas específicas para cada contexto. Esses modelos evidenciam uma expansão contínua das qualidades associadas à experiência do usuário. No entanto, também revelam uma tensão central: embora haja um esforço crescente para medir essas qualidades, permanece a dificuldade de capturá-las de forma clara e operacional, especialmente aquelas mais subjetivas e contextuais.

Um estudo conduzido por Law e colegas, em 2014, investigou a percepção de profissionais de UX sobre a mensurabilidade das qualidades da experiência do usuário. Os resultados mostram um cenário ambíguo: algumas qualidades, como eficiência, são amplamente consideradas mensuráveis, enquanto outras, como usabilidade, geram discordância. Há ainda um conjunto significativo de qualidades que muitos profissionais consideram não mensuráveis.

Entre essas qualidades estão aspectos como encantamento, identificação, autorrealização e até amor. Paradoxalmente, são justamente essas dimensões que os profissionais afirmam conseguir influenciar e valorizar em seus projetos. É comum, por exemplo, a promessa de que um produto fará os usuários "amarem" a experiência -- mesmo sem uma forma clara de mensurar esse efeito. Essa tensão também aparece no próprio nome do framework HEART, que sugere uma aproximação com dimensões emocionais e subjetivas. Há uma tentativa implícita de legitimar a atuação em aspectos que escapam à mensuração tradicional.

A partir disso, emerge uma questão central: embora mensurar seja importante para garantir reconhecimento, justificar decisões e obter espaço dentro das organizações, a mensuração não responde ao problema fundamental. Uma vez que a experiência do usuário passa a ser valorizada, surge o desafio de como, de fato, criar essas qualidades.

Esse deslocamento -- da mensuração para a criação -- marca uma mudança importante de enfoque. Enquanto a engenharia de software tende a privilegiar o que pode ser medido, a discussão sobre como produzir experiências significativas permanece pouco desenvolvida nesse campo, sendo mais explorada em áreas como design e arte.

A dificuldade de tratar a experiência do usuário como requisito pode ser ilustrada por uma piada do Dilbert: diante de um sistema com mais de 400 funcionalidades, alguém sugere adicionar à lista de requisitos que ele deve ser "fácil de usar". O humor está no fato de que facilidade de uso não é uma funcionalidade isolada, mas um efeito emergente da combinação de várias decisões de projeto. Ou seja, não é algo que se possa especificar diretamente como requisito e garantir sua realização.

As qualidades da experiência do usuário -- incluindo emoções, sensações e percepções subjetivas -- não são atributos do software em si, mas da relação entre usuário e sistema. Por isso, não podem ser completamente controladas nem asseguradas apenas por especificação. Elas dependem também do que o usuário faz com o software, frequentemente de maneira imprevisível.

Um exemplo dessa imprevisibilidade é o uso de uma divisória de papelão entre jogadores em jogos multiplayer locais. Essa solução improvisada impede que um jogador veja a tela do outro, criando um novo tipo de experiência, baseada em surpresa e incerteza. Trata-se de uma adaptação criativa dos próprios usuários, não prevista pelos desenvolvedores, que altera significativamente a qualidade da experiência. Esse tipo de intervenção evidencia que a experiência do usuário não é determinada apenas pelo design do sistema, mas também pelas apropriações e invenções dos usuários. Em vez de seguir passivamente o que foi projetado, eles reinterpretam e transformam o uso, produzindo novas possibilidades de experiência.

A tentativa de controlar diretamente a experiência humana encontra limites não apenas técnicos, mas também éticos. Um exemplo extremo é o Project MKUltra, conduzido entre as décadas de 1950 e 1970, no qual a CIA realizou experimentos sem consentimento para tentar controlar a mente das pessoas. Hoje, esse tipo de abordagem é amplamente considerado antiético, especialmente nas ciências que estudam a experiência humana.

Diante dessa impossibilidade de controle, uma alternativa recorrente é o uso de modelos probabilísticos e ferramentas de analytics, como as da Google, que permitem rastrear comportamentos e prever ações dos usuários. Esses sistemas analisam fluxos de interação, taxas de conversão e padrões de abandono, oferecendo uma base quantitativa para tomada de decisão. No entanto, o uso direto desses dados apresenta problemas. Práticas como testes A/B tendem a validar elementos isolados sem considerar a experiência como um todo, resultando em interfaces fragmentadas -- um "efeito Frankenstein". Além disso, ao buscar otimizar métricas agregadas, o design passa a se orientar por uma média estatística que não corresponde a nenhum usuário real.

Esse foco no "usuário médio" leva à padronização excessiva e à perda de diferenciação. Em vez de criar experiências significativas, o projeto tende a produzir soluções genéricas, pouco marcantes e facilmente substituíveis. Assim, embora analytics ofereça ferramentas poderosas de observação e previsão, seu uso indiscriminado pode reduzir a qualidade da experiência ao nivelá-la por baixo.

A orientação por médias estatísticas e otimização de métricas tende a produzir experiências genéricas, contribuindo para a comoditização do software. Aplicativos tornam-se facilmente replicáveis, com baixo valor percebido e pouca diferenciação. Em mercados saturados -- como lojas de apps com milhões de opções -- criar "mais um" produto semelhante não é suficiente para se destacar.

Essa lógica pode ser compreendida à luz do livro The Experience Economy, que descreve uma mudança de paradigma: da oferta de produtos e serviços para a oferta de experiências. Serviços já representam um nível de customização, mas experiências vão além, sendo estruturadas de forma única e personalizada para cada pessoa -- o que permite agregar valor e justificar preços mais altos.

O exemplo clássico é o da Starbucks, que cobra múltiplas vezes o preço de um café comum não apenas pela bebida, mas pela experiência: personalização (nome no copo), ambiente, possibilidade de permanência, acesso a Wi-Fi e construção de marca. O produto em si é um commodity, mas a experiência o diferencia. Quando essa personalização se perde, o valor também diminui. Produtos padronizados tornam-se facilmente copiáveis e substituíveis. Portanto, para evitar a comoditização, é necessário investir em diferenciação por meio da experiência -- criando ofertas únicas, ajustadas a contextos e usuários específicos. Nesse sentido, a experiência do usuário deixa de ser apenas um conjunto de métricas e passa a ser um vetor estratégico de valor, orientando o design para a customização, singularidade e relevância contextual.

A discussão sobre experiência ganha concretude com um experimento prático envolvendo o consumo de um bombom. Embora todos sigam as mesmas instruções, as experiências resultantes são distintas: cada pessoa atribui significados próprios, produzindo vivências únicas. Isso evidencia que a experiência não está no objeto em si, mas na forma como ele é vivido e interpretado. O contraste entre o bombom como commodity (baixo custo, consumo padronizado) e como experiência (memória significativa, contexto narrativo, estímulos sensoriais) revela como o valor pode ser ampliado. Técnicas como ambiguidade, suspense, surpresa, estimulação multissensorial e construção narrativa são utilizadas para transformar uma ação trivial em uma experiência marcante.

A partir disso, propõe-se o conceito de projeto possibilístico, que abandona a ideia de controle total e trabalha com incerteza. Em vez de buscar garantir resultados específicos, esse tipo de projeto explora possibilidades, especula cenários -- inclusive extremos -- e valoriza aspectos negligenciados pelos concorrentes. Há também uma abertura para o uso de sensibilidade artística no processo de criação. Nesse paradigma, a incerteza deixa de ser um problema a ser eliminado e passa a ser um recurso. O projeto não busca prever exatamente o que o usuário fará, mas criar condições para que experiências relevantes possam emergir. Assim, o foco desloca-se da definição de resultados para a ampliação do espaço de possibilidades.

A incerteza pode ser compreendida por meio de um modelo popularizado por Donald Rumsfeld, que distingue entre o que se sabe que se sabe, o que se sabe que não se sabe e o que não se sabe que não se sabe. Este último grupo -- os "unknown unknowns" -- representa os maiores riscos, pois escapa completamente à previsão e ao controle.

Essa ideia é aprofundada por Nassim Nicholas Taleb no livro The Black Swan, que descreve eventos raros e improváveis que, quando ocorrem, têm impacto transformador. O exemplo histórico do cisne negro -- cuja existência era considerada impossível até ser observado na Austrália -- ilustra como uma única ocorrência pode reconfigurar completamente um sistema de conhecimento.

No contexto do software, esses eventos também ocorrem. Um exemplo é o lançamento do iPod pela Apple, que pode ser interpretado como um "cisne negro" na indústria. Embora tecnicamente inferior em alguns aspectos aos concorrentes da época, destacou-se por priorizar a experiência do usuário, desencadeando uma mudança significativa no mercado e contribuindo para a ascensão da empresa. Esse tipo de ruptura evidencia que a inovação não decorre apenas de otimizações incrementais ou previsíveis, mas da capacidade de lidar com o inesperado. Projetar considerando apenas o provável limita o potencial de transformação; incorporar o improvável amplia o espaço de possibilidades e abre caminho para mudanças estruturais.

Mesmo organizações reconhecidas pelo alto controle de qualidade, como a Apple, não conseguem garantir a experiência do usuário. Embora seus produtos sejam, em geral, mais consistentes e confiáveis, isso não explica por que pessoas se engajam intensamente com a marca -- como ao esperar em filas para lançamentos. Esse engajamento está mais relacionado à expectativa de uma experiência diferenciada do que às propriedades técnicas do produto.

Ainda assim, nem todos os usuários têm experiências positivas com esses produtos. Isso ocorre porque a experiência varia de pessoa para pessoa: cada usuário interpreta, utiliza e atribui significado de maneira distinta. O mesmo artefato pode gerar percepções divergentes, reforçando que a experiência não é uma propriedade fixa do produto. Há, portanto, uma distinção fundamental entre características objetivas -- como material, durabilidade ou funcionamento -- e qualidades da experiência, como facilidade de uso, atratividade ou prazer. Enquanto as primeiras podem ser controladas e verificadas, as segundas são relativas e emergem da interação entre usuário e sistema. Assim, mesmo com alto nível de controle sobre o produto, não é possível controlar plenamente a experiência. Ela permanece contingente, variável e dependente do contexto e do sujeito que a vivencia.

Brenda Laurel foi uma das primeiras pesquisadoras a formular o conceito de experiência do usuário no campo da interação humano-computador. Em seu livro Computer as Theater, propõe compreender o software como um espaço performático, no qual a interação se assemelha a uma encenação. Nesse modelo, a interface funciona como um palco onde diferentes agentes -- humanos e não humanos -- atuam sobre objetos, produzindo ações com efeitos no mundo.

Essa abordagem desloca o foco da interface enquanto objeto para a experiência enquanto processo. Em vez de projetar apenas elementos visuais ou funcionais, o objetivo passa a ser imaginar e estruturar as ações possíveis nesse "palco" interativo. A interação é vista como representação de ações humanas em um ambiente virtual, com consequências que podem extrapolar o sistema.

Um ponto central dessa proposta é a distinção entre interface e experiência. Enquanto a interface pode ser projetada diretamente, a experiência resulta da dinâmica entre múltiplos elementos e não pode ser totalmente determinada. Ainda assim, é possível projetar condições que favoreçam determinadas experiências, considerando o que seria ideal para o usuário -- e não apenas o mínimo aceitável. Esse entendimento também corrige uma atribuição comum: embora Don Norman tenha popularizado o termo "experiência do usuário" nos anos 1990, especialmente durante sua atuação na Apple, registros anteriores mostram que o conceito já havia sido articulado por Laurel. Sua contribuição vai além da terminologia, oferecendo um modelo conceitual que amplia significativamente a compreensão da interação como experiência.

A analogia entre software e teatro, proposta por Brenda Laurel, também revela um problema: ao considerar todas as possibilidades de ação em um "palco" interativo, a complexidade do sistema cresce rapidamente. Cada nova interação abre novas ramificações, ampliando exponencialmente o número de possibilidades que o software deveria suportar. Para lidar com isso, a autora sugere que o projeto de software se concentre no que é mais provável de acontecer, priorizando ações esperadas até chegar ao que é necessário. Esse raciocínio, embora útil para controlar a complexidade, tende a limitar o espaço de possibilidades, favorecendo previsibilidade em detrimento da abertura.

Em contraposição, propõe-se aqui uma inversão dessa lógica: em vez de restringir o projeto ao provável, é necessário também considerar o improvável, o implausível e até o aparentemente impossível. Isso se justifica porque os usuários frequentemente utilizam sistemas de maneiras não previstas, criando soluções improvisadas, adaptações e usos inesperados. Essa perspectiva crítica se expressa na rejeição de sistemas que impõem limites rígidos -- como quando um software informa que determinada ação é "impossível". Do ponto de vista do projeto possibilístico, o software não deveria restringir, mas expandir o campo de ação do usuário, abrindo espaço para exploração e invenção. Assim, em vez de fechar possibilidades para garantir controle, o design passa a operar como um dispositivo de abertura, permitindo que diferentes formas de uso emerjam, inclusive aquelas não antecipadas pelo projetista.

O modelo aqui proposto parte de uma distinção conceitual rigorosa: software, interação e experiência não são a mesma coisa. O software deve ser entendido como um material para a experiência -- um artefato com propriedades estruturais (funções, interface, regras), mas que por si só não contém a experiência. A interação é o processo que ocorre quando o usuário se engaja com esse material, e a experiência é o efeito emergente dessa relação, construído pelo sujeito a partir da ação.

Essa separação implica que as qualidades da experiência do usuário -- como prazer, frustração, engajamento ou sentido -- não são propriedades intrínsecas do sistema. Elas não podem ser diretamente implementadas, nem garantidas. O que pode ser projetado são condições materiais e interacionais que possibilitam a emergência dessas qualidades, mas nunca sua determinação. A avaliação dessas qualidades ocorre sempre a posteriori, como interpretação, seja pelo próprio usuário, seja por analistas ou designers.

A partir disso, o modelo introduz a distinção entre dois domínios: o espaço de controle e o espaço de possibilidades. O espaço de controle abrange aquilo que o projetista consegue definir com relativa precisão -- o software e certos aspectos da interação (fluxos, restrições, affordances). Ainda assim, esse controle é parcial: usuários podem contornar regras, reinterpretar funcionalidades ou produzir usos não previstos. Já o espaço de possibilidades corresponde ao campo da experiência -- aberto, contingente e indeterminado, onde múltiplos resultados podem emergir a partir da mesma configuração.

Diante dessa assimetria, a proposta desloca o foco do projeto: em vez de tentar controlar a experiência emergente (o que é epistemologicamente e pragmaticamente inviável), passa-se a trabalhar com a experiência projetada. Isso significa construir cenários, simulações e dispositivos que antecipem possíveis formas de vivência, sem pretender esgotá-las. O projeto deixa de ser prescritivo e passa a ser exploratório, operando por meio de hipóteses, encenações e variações.

Nesse enquadramento, o possível não é uma limitação do projeto, mas sua principal alavanca. Projetar torna-se um exercício de configuração de possibilidades, em que o designer atua como alguém que estrutura um campo de ação -- delimitando, expandindo ou tensionando o que pode acontecer -- em vez de definir resultados fixos. A incerteza, longe de ser eliminada, é incorporada como condição constitutiva do processo projetual e como fonte de criação.

Quando eu falo de experiências projetadas, eu não estou falando de produzir diretamente a experiência do usuário, porque isso a gente já viu que não dá para controlar. O que eu estou propondo são formas de acessar, simular ou reconstruir a experiência. São maneiras de trabalhar com algo que é, por natureza, imprevisível.

Um primeiro tipo é a experiência vicária. É quando eu tento me colocar no lugar de outra pessoa para entender como ela vive aquela situação. No design, isso significa assumir o papel do usuário e tentar reproduzir suas condições. Eu já fiz isso, por exemplo, quando fui projetar um site para uma ótica e eu não usava óculos. Eu peguei um óculos emprestado e fiquei usando por algumas horas. Claro que eu não enxergava direito, porque o grau não era o meu, mas justamente isso me fez perceber o quanto é desconfortável não conseguir ver bem. A partir disso, eu entendi melhor por que o site precisava ter textos maiores, mais legíveis. Então não é só imaginar o usuário, é tentar viver, ainda que parcialmente, a condição dele.

Outro tipo é a experiência observada. Aqui eu não tento me colocar no lugar do outro, eu observo o que ele faz na prática. Eu acompanho como as pessoas usam o sistema, em que contexto, com quais adaptações. Um exemplo foi um estudo que a gente fez com leitores de iPad. A gente foi até a casa das pessoas e observou como elas liam. E uma coisa que apareceu foi o uso simultâneo com a televisão, o que depois ficou conhecido como "second screen". Isso não tinha sido projetado, mas já estava acontecendo. Esse tipo de observação mostra que o uso real sempre escapa do que a gente planejou.

Tem também a experiência retrospectiva, que é quando eu peço para a pessoa reconstruir a experiência depois que ela aconteceu. Aqui eu não estou vendo a experiência em si, mas a memória dela, a interpretação. Em um teste com um refrigerador touchscreen, a gente pediu para as usuárias modelarem a experiência com massa de modelar e depois explicarem o que fizeram. Parece estranho, mas isso revelou aspectos emocionais muito fortes, que não apareceriam em um questionário tradicional. Então a experiência não é só o que acontece na hora, mas também como ela é lembrada e significada depois.

A experiência prospectiva é diferente, porque ela acontece antes da experiência existir. Eu peço para a pessoa imaginar como ela usaria algo que ainda não foi criado. Um caso clássico aconteceu no Xerox PARC, quando colocaram uma secretária na frente de um computador desligado e perguntaram como ela escreveria e editava um texto ali. A partir das respostas dela surgiram ideias como clicar, selecionar, apagar. Ou seja, várias coisas que hoje a gente considera básicas foram inventadas pelo próprio usuário nesse exercício. Então, nesse caso, a experiência não só antecipa o uso, ela ajuda a criar o próprio sistema.

Outro tipo que eu uso bastante é a experiência encenada, que vem muito dessa ideia do teatro. A gente cria uma situação artificial e atua aquela interação. Por exemplo, já fizemos simulações de atendimento telefônico em que alguns alunos faziam o papel do sistema e outros eram usuários. O sistema respondia em tempo real, como se fosse um menu automático. Isso permite testar a experiência antes de implementar qualquer coisa. É uma forma muito rápida de entender se a pessoa se perde, se entende, se consegue chegar onde quer.

Tem também a experiência co-criada, que é quando o usuário participa ativamente do projeto. Ele não é só alguém que testa ou avalia, ele ajuda a construir. Em um projeto com startups, por exemplo, os usuários desenhavam ideias em cima das nossas propostas, e a gente continuava a partir disso. O resultado não era de ninguém sozinho, era uma construção coletiva. Isso amplia muito o espaço de possibilidades, porque traz perspectivas que a gente não teria sozinho.

E, por fim, a experiência criticada, que é muito comum em ateliês de design. É quando alguém olha para a proposta e tenta imaginar como seria usar aquilo, levantando problemas, dúvidas, interpretações. Eu fazia muito isso com alunos, colocando o projeto na mesa e criticando como se eu fosse diferentes tipos de usuários. Às vezes a crítica nem era totalmente realista, mas ela ajudava a revelar qualidades que ainda não estavam claras na interface. Esse processo pode ser duro, mas ele é muito produtivo para entender a experiência antes dela acontecer.

O que todos esses tipos têm em comum é que eles trabalham com possibilidades, não com certezas. Eles são formas de explorar a experiência a partir de diferentes pontos de vista, envolvendo várias pessoas. E quando você envolve várias perspectivas, você expande o que pode acontecer. Então, em vez de tentar controlar a experiência, o que a gente faz é criar condições para que diferentes experiências possam emergir.

Então, quando eu começo a falar de qualidades da experiência do usuário dentro dessa perspectiva, eu preciso mudar um pouco a forma como a gente entende o próprio conceito de qualidade. Não dá mais para pensar qualidade como algo fixo, mensurável e garantido. As qualidades da experiência, tanto as projetadas quanto as emergentes, são sempre possibilidades, nunca certezas. Existem algumas qualidades que já fazem parte do vocabulário comum -- como usabilidade, utilidade, acessibilidade, atratividade, encontrabilidade -- e que ajudam muito porque nos dão palavras para discutir o projeto. Só que isso é apenas uma parte do problema. Existem muitas outras qualidades da experiência que ainda não têm nome, que a gente percebe, sente, mas não consegue descrever com precisão.

E aí entra uma dificuldade importante: se não existe vocabulário, fica mais difícil projetar. Porque projetar também é nomear, é conseguir dizer o que se quer alcançar. Por isso que, historicamente, o termo experiência do usuário surgiu como uma tentativa de ir além da usabilidade, de capturar algo mais amplo, mais complexo. Um trabalho que me influenciou bastante nesse sentido foi o do Jonas Löwgren, que estudou a estética da interação. Ele tentou justamente criar palavras para qualidades que não estavam sendo consideradas. Um exemplo é a ideia de maleabilidade, ou seja, o quanto o sistema responde de forma fluida às ações do usuário.

Eu gosto de dar um exemplo bem concreto disso: quando surgiram os primeiros smartphones com acelerômetro, muita gente ficava brincando com aplicativos que respondiam ao movimento -- como simular um copo de cerveja ou água. Aquilo não tinha muita utilidade prática, mas revelava uma qualidade importante da experiência: o sistema parecia "maleável", respondia ao corpo, ao gesto. Isso gerava um tipo de engajamento que não aparece quando a gente fala só de eficiência ou funcionalidade. Então, o ponto aqui é que o vocabulário que a gente tem hoje ainda é limitado para dar conta da riqueza da experiência. E, se a gente quer projetar experiências mais significativas, a gente também precisa expandir esse vocabulário, criando novas formas de descrever e reconhecer essas qualidades.

Antes mesmo dessas discussões mais recentes sobre experiência, já existia uma preocupação semelhante em outras áreas, especialmente na arquitetura. Um autor fundamental nesse sentido é o Christopher Alexander, que começou a questionar o fato de que a arquitetura tratava muito bem aspectos objetivos -- como dimensões, estrutura, conforto térmico -- mas não conseguia descrever adequadamente certas qualidades da experiência de estar em um espaço. Ele percebia isso na prática, quando precisava conversar com clientes sobre o que eles queriam para uma casa ou ambiente. Muitas vezes, as pessoas sabiam o que sentiam ou desejavam, mas não tinham palavras para expressar essas qualidades. Isso dificultava o próprio processo de projeto.

A solução que ele propôs foi o desenvolvimento dos chamados patterns, ou padrões. São estruturas recorrentes que aparecem em diferentes contextos e que ajudam a produzir certas qualidades de experiência. Ele organizou esses padrões em uma linguagem -- a chamada pattern language -- justamente para permitir que pessoas não especialistas pudessem participar do processo de projeto, expressando melhor o que desejam. Um exemplo é o "beer hall", aquele espaço coletivo onde as pessoas se reúnem para conversar, beber, compartilhar. Esse tipo de ambiente tem características específicas -- disposição das mesas, acústica, proximidade entre pessoas -- que favorecem uma certa qualidade de experiência, mais social, mais intensa. O pattern não descreve apenas a forma, mas a qualidade que emerge daquela configuração.

O interessante é que esse trabalho teve mais impacto na computação do que na própria arquitetura. Ele influenciou diretamente o desenvolvimento dos chamados design patterns na engenharia de software, especialmente a partir do trabalho do Gang of Four. No entanto, nessa transposição, grande parte da dimensão original -- ligada às qualidades da experiência -- acabou sendo deixada de lado, ficando mais o aspecto estrutural e reutilizável dos padrões.

Mais tarde, a área de interação humano-computador retomou essa ideia, desenvolvendo padrões de interface mais próximos da proposta original de Alexander. Esses padrões ajudam a pensar a interface como um meio concreto de possibilitar experiências, funcionando como um vocabulário inicial para quem está projetando.

Quando o Christopher Alexander fala de patterns, ele deixa claro que não se trata de criar uma qualidade isolada para cada padrão. O objetivo é justamente o contrário: combinar vários patterns para produzir uma qualidade única, mais ampla, que não pode ser reduzida a partes. Ele mesmo diz que essa qualidade é difícil de nomear, mas que, quando você está em um lugar que a possui, você sente -- é como se fosse o melhor lugar possível para estar.

Essa ideia foi retomada no design com o conceito de gestalt, que tenta dar conta dessa percepção do todo. Não é a soma das partes, mas uma qualidade emergente da relação entre elas. No contexto do software, isso aparece como uma gestalt da interação, ou seja, uma qualidade global que emerge da relação entre o usuário e o artefato interativo.

Nesse modelo, a gente pode até descrever propriedades objetivas do artefato -- tamanho, portabilidade, estrutura -- e também características da interação -- se ela é rápida, precisa, direta, conectada. Mas nenhuma dessas coisas isoladamente explica a experiência. O que importa é como tudo isso se articula em um todo coerente.

Por exemplo, em uma aplicação móvel de pagamento, o que o usuário faz é algo simples, como transferir dinheiro. Mas a experiência que ele tem envolve uma série de qualidades ao mesmo tempo: rapidez, fluidez, sensação de controle, clareza. Essas qualidades formam uma gestalt, uma percepção integrada que não pode ser decomposta sem perda de sentido. Isso reforça a ideia de que projetar experiência não é apenas ajustar atributos isolados, mas pensar na configuração do todo. É nesse nível que a experiência realmente acontece, e é por isso que abordagens fragmentadas -- focadas apenas em métricas ou funcionalidades -- tendem a falhar em capturar o que realmente importa.

Quando eu começo a pensar a experiência do usuário a partir dessa ideia de totalidade, fica claro que ela não se restringe ao software. A experiência acontece ao longo de vários pontos de contato, em diferentes momentos e mídias. O software é apenas um desses pontos dentro de um ecossistema mais amplo.

Um usuário pode, por exemplo, começar uma interação em um site, depois continuar em um aplicativo móvel, em seguida ir até uma loja física, conversar com um atendente, receber um material impresso ou ver uma campanha publicitária. A experiência se constrói nessa transição entre diferentes contextos, e não em um único sistema isolado.

Por isso, empresas que levam a experiência do usuário a sério tentam tornar essas transições mais fluidas. Um exemplo recorrente é o da Apple, que investe em integrar seus dispositivos e serviços para que uma atividade possa começar em um lugar e continuar em outro. Embora tecnicamente isso nem sempre funcione perfeitamente, a intenção é criar uma continuidade na experiência.

Mas essa integração não é apenas técnica, ela também pode ser humana. Um bom atendimento, por exemplo, pode reconhecer o histórico do usuário e dar continuidade a uma interação iniciada em outro canal. Isso evita que a pessoa precise repetir informações e reduz a fricção ao longo da jornada. O problema é que muitas organizações ainda pensam de forma fragmentada, com cada área cuidando apenas da sua parte. Isso gera experiências desconectadas, em que o usuário precisa "costurar" sozinho os diferentes pontos de contato. Nesse contexto, o papel de quem trabalha com experiência do usuário é justamente tentar enxergar esse todo. Não se trata apenas de projetar interfaces, mas de entender e articular os diferentes momentos da experiência. E isso exige uma visão mais ampla, que ultrapassa os limites de um único sistema ou disciplina.

Quando a gente fala desse papel mais amplo de quem trabalha com experiência do usuário, muitas vezes aparece uma visão meio romantizada, quase como se fosse um "herói" que entende tudo e resolve todos os problemas. Existe até essa ideia do UX hero, alguém que teria uma visão total da experiência e salvaria o usuário de sistemas mal projetados. Eu, particularmente, não concordo muito com essa visão. Eu vejo de outra forma. Todas as pessoas têm experiências, e muitas vezes pessoas que não são especialistas em UX têm repertórios muito mais ricos em determinados contextos do que alguém da área. Então não faz sentido centralizar essa capacidade em um único profissional. O que faz mais sentido é reconhecer que a experiência é distribuída e que o projeto precisa ser construído de forma colaborativa.

Para isso, colaboração não é opcional, é necessária. Só que, na prática, cada pessoa dentro de uma organização costuma olhar apenas para a sua especialidade, para o seu departamento, para a sua responsabilidade específica. Isso dificulta a construção de uma visão integrada da experiência. Além disso, a fala, por si só, tem limitações. Só conversar sobre a experiência muitas vezes não é suficiente para visualizar o todo. Por isso, ao longo do tempo, o design desenvolveu outras formas de representação além da linguagem verbal, enquanto na engenharia de software ainda existe uma forte dependência de documentos textuais, como a especificação de requisitos.

Documentos de especificação podem até ter utilidade formal, por exemplo, em contextos contratuais, mas raramente ajuda a construir uma visão integrada da experiência. Ele descreve partes, funcionalidades, condições, mas não consegue capturar o todo. Por isso, se a gente quer realmente trabalhar com experiência do usuário, a gente precisa de outras ferramentas, que permitam expandir essa visão. Ferramentas que não apenas descrevam, mas que ajudem a visualizar, materializar e compartilhar aquilo que ainda não está totalmente definido.

Então, para lidar com essa limitação da linguagem verbal e desses documentos mais tradicionais, eu comecei a buscar outras ferramentas que ajudem a expandir a visão do projeto. Eu chamo essas ferramentas de expansivas, porque elas permitem sair das partes e começar a visualizar o todo da experiência. Uma das mais simples e eficazes é o mood board, ou painel semântico. Em vez de começar pelo software, eu começo pela experiência que eu quero possibilitar. Só que não fico apenas pensando, eu materializo isso. Eu junto imagens, referências visuais, elementos que evocam sensações, ideias, atmosferas. Cada imagem carrega um significado, e quando você coloca várias juntas, começa a aparecer algo que não está em nenhuma delas isoladamente, mas no conjunto. Esse processo é propositalmente aberto e até um pouco caótico no início, porque a ideia não é definir, mas explorar possibilidades. O que interessa não é copiar uma imagem específica, mas capturar aquilo que emerge entre elas, essa qualidade mais difícil de nomear.

Existe também uma variação mais objetiva disso, que é trabalhar com palavras-chave. Em vez de imagens, as pessoas escrevem termos que associam à experiência que querem criar. Isso funciona muito bem em grupo, porque todo mundo consegue contribuir, mesmo sem ter repertório visual. E, ao reunir essas palavras, começa a se formar um campo semântico que orienta o projeto. O ponto principal dessas ferramentas é que elas ajudam a tornar visível algo que ainda não está definido. Elas não descrevem exatamente o que será feito, mas criam uma base compartilhada para pensar a experiência de forma mais ampla, antes de entrar nas decisões mais concretas de implementação.

Quando eu uso painéis semânticos ou palavras-chave, eu não estou definindo soluções, mas criando um campo de referência compartilhado. Esse campo orienta decisões futuras, mesmo que de forma indireta. Ele funciona quase como um norte, algo que ajuda a avaliar se uma decisão está coerente com a experiência que se quer construir.

Ao mesmo tempo, essas ferramentas ajudam a lidar com aquilo que ainda não tem nome. Muitas qualidades da experiência são difíceis de descrever diretamente, mas podem ser evocadas por imagens, metáforas ou associações. Isso amplia a capacidade do grupo de discutir aspectos mais sutis, que não apareceriam em uma especificação tradicional.

O mais importante aqui é que o projeto deixa de começar pela definição de funcionalidades e passa a começar pela construção de sentido. Antes de decidir o que o sistema faz, a gente tenta entender que tipo de experiência ele deve possibilitar. E isso muda completamente a lógica do processo de design, porque coloca a experiência -- ainda que indefinida -- como ponto de partida, e não como consequência.

À medida que o projeto avança, eu passo a usar esboços e protótipos para materializar ideias, ainda de forma aberta. Não são soluções finais, mas meios de explorar possibilidades e provocar discussão. Esses artefatos ajudam a tornar o projeto visível e coletivo, permitindo que outras pessoas critiquem e modifiquem. Assim, os protótipos deixam de ser apenas validação e passam a ser ferramentas de exploração contínua da experiência.

Então, uma ferramenta que eu tenho usado bastante com os estudantes aqui na PUC é o teatro projetual . A ideia é construir a situação do usuário por meio de encenação em vídeo, sem roteiro fechado. Em um dos exemplos, os estudantes trabalharam com um idoso com demência e imaginaram um dispositivo, como um óculos, que ajudaria a reconhecer pessoas, lembrar nomes e orientar ações. Durante a encenação, foram surgindo situações, como ele em uma festa sendo alertado sobre alimentos ou sendo guiado até a padaria. O ponto principal é que essas ideias não estavam prontas antes. Elas emergiram durante a atuação. O teatro, nesse caso, não representa a solução -- ele ajuda a criá-la, explorando possibilidades por meio da improvisação.

A partir disso, eu relaciono essa prática com o design baseado em cenários, que é uma abordagem mais antiga, em que você imagina as interações do usuário e normalmente escreve essas situações como parte da especificação . O problema é que isso depende muito da capacidade de escrever, e nem todo mundo consegue se expressar bem dessa forma. Por isso, eu proponho uma adaptação que eu chamo de cenário lúdico. Em vez de escrever, as pessoas contam a história encenando ou usando elementos simples, como se estivessem brincando, enquanto gravam um vídeo improvisado no smartphone. Isso resgata uma habilidade comum -- todo mundo já contou histórias com bonecos -- e facilita imaginar interações.

Um exemplo foi o conceito de um aplicativo de "Art Backup", em que uma pessoa fotografa obras em um museu e, depois de um desastre, essas imagens servem como backup. A história é meio absurda, mas ajuda a explicar a lógica do sistema. O importante não é a precisão, mas a capacidade de tornar a ideia compreensível por meio de uma narrativa.

Além desse tipo de cenário lúdico, eu também trabalho com diferentes formatos de vídeos improvisados, que a gente vem pesquisando e sistematizando . Um exemplo é o chamado "Mágico de Oz", em que uma pessoa faz o papel do sistema enquanto outra interage como usuário. Nesse caso, as interfaces podem ser simuladas com papel ou outros materiais simples, e o "sistema" responde em tempo real, como se fosse um software funcionando. Isso permite experimentar a interação antes de qualquer implementação, explorando como ela se desenrola na prática. O ponto central desses vídeos improvisados é que eles permitem testar e desenvolver ideias de interação de forma rápida e aberta, sem depender de protótipos técnicos. A interação é construída na hora, o que amplia as possibilidades e revela aspectos que dificilmente apareceriam em descrições formais.

O que começa a acontecer depois que a gente trabalha com esses diferentes formatos de criação é que surge uma complexidade muito grande. As ideias se multiplicam, as possibilidades aumentam, e as equipes começam a sentir necessidade de organizar isso tudo. Naturalmente, aparece um movimento de "colocar ordem na casa", em que as pessoas passam a estruturar uma visão mais completa da interação e da experiência. Isso geralmente acontece por meio de diagramas, que ajudam a reunir e organizar o que foi explorado anteriormente. Em ambientes como a Apple Developer Academy, por exemplo, isso aparece no uso intensivo de paredes para desenhar, discutir e consolidar ideias coletivamente. O objetivo passa a ser chegar a um consenso sobre a estrutura mínima do sistema, organizando as interações e definindo como as partes se conectam. Aos poucos, aquilo que era aberto e exploratório vai sendo sedimentado em uma forma mais estável.

Nesse momento, as equipes começam a usar diagramas e representações visuais para estruturar melhor o que foi explorado . Em ambientes como a Apple Developer Academy, por exemplo, isso aparece no uso intensivo de paredes para desenhar, discutir e consolidar ideias coletivamente. O objetivo passa a ser chegar a um consenso sobre a estrutura mínima do sistema, organizando as interações e definindo como as partes se conectam. Aos poucos, aquilo que era aberto e exploratório vai sendo sedimentado em uma forma mais estável. Esse movimento faz parte do processo: o projeto começa caótico, cheio de possibilidades, e vai sendo progressivamente organizado até se tornar algo mais definido.

Uma forma bastante comum -- e mais radical -- de organizar isso é linearizar a experiência, transformando-a em uma sequência passo a passo . Isso aparece em ferramentas como Service Blueprint, User Journey ou diagramas em swimlane, em que se organiza a experiência ao longo de uma linha do tempo. Nesses modelos, você descreve as ações do usuário, os pontos de contato (software, atendimento, produto físico) e também as ações do sistema ou da organização. Isso ajuda a visualizar uma experiência completa, principalmente a chamada experiência ideal. O problema é que essa representação é limitada. Ela não captura bem desvios, retornos ou abandonos, que são comuns no uso real. Ou seja, funciona para planejar um fluxo esperado, mas não dá conta da complexidade da experiência emergente.

Pensando nessas limitações, a gente começou aqui na PUC a experimentar outras formas de representar a experiência, e uma delas foi o uso de Lego como linguagem de projeto . Isso aconteceu, por exemplo, no desenvolvimento da plataforma Copel+, quando os esboços de tela não estavam sendo suficientes para entender o que estava acontecendo.

A gente então trouxe o Lego para a discussão e começou a desenvolver um método que combina elementos de modelagem mais formal -- como diagramas de casos de uso -- com representações mais próximas da experiência. Esse método foi chamado de Lego ML, ou Lego Modeling Language.

Durante as sessões, diferentes pessoas -- arquitetos, designers, programadores e clientes -- participavam juntas, e a discussão sobre a arquitetura do software era constantemente atravessada por questões sobre o impacto na experiência do usuário. Ou seja, o Lego funcionava como uma forma de integrar essas dimensões que normalmente ficam separadas.

Mais importante do que usar uma dessas técnicas é colocar todos os documentos no espaço de trabalho de forma bem visível. Em práticas como design sprint, isso cria uma espécie de memória externa do projeto. Em vez de depender da lembrança individual ou de arquivos digitais dispersos, a equipe consegue literalmente olhar ao redor e reencontrar o que já foi pensado. Isso é especialmente importante porque a experiência do usuário é algo abstrato, difícil de manter na cabeça de forma contínua. O espaço físico ajuda a sustentar essa continuidade.

Além disso, esse ambiente permite revisitar decisões e reconstruir raciocínios. Quando surge uma dúvida ou conflito, não é necessário recomeçar do zero -- é possível apontar para algo que já foi produzido, relembrar o contexto e ajustar a partir dali. Isso reduz ruídos de comunicação e evita que diferentes pessoas avancem com interpretações divergentes. Outro aspecto importante é que esse espaço possibilita uma espécie de reencenação das experiências projetadas. Ao interagir com esses materiais -- olhando, apontando, reorganizando -- a equipe revive partes do processo e consegue reinterpretar o que foi feito. Isso aproxima o trabalho da ideia de um ateliê, em que o conhecimento não está apenas em documentos, mas distribuído no ambiente e nas interações entre as pessoas.

Nesse sentido, o espaço físico funciona como um meio de alinhar perspectivas. Em vez de cada pessoa operar com um entendimento parcial ou isolado, o grupo passa a compartilhar um mesmo campo de referência. Isso facilita a construção de consenso e torna o processo mais coerente, especialmente em projetos complexos, onde a experiência não pode ser reduzida a uma única representação.

Então, como fechamento conceitual, eu apresento essa ideia de design expansivo, que é algo que eu desenvolvo melhor na minha tese de doutorado . A lógica é simples: em vez de fechar rapidamente o projeto, você começa expandindo, colocando mais possibilidades, mais perspectivas, mais qualidades da experiência. Nesse momento, vale tudo -- trazer mais pessoas, mais ideias, mais interpretações. Isso naturalmente gera um certo caos, e chega uma hora em que não dá mais para continuar expandindo. As pessoas se cansam, começam a reclamar, e o próprio processo leva a uma redução.

Então, como fechamento conceitual, eu apresento essa ideia de design expansivo, que é algo que eu desenvolvo melhor na minha tese de doutorado . A lógica é simples: em vez de fechar rapidamente o projeto, você começa expandindo, colocando mais possibilidades, mais perspectivas, mais qualidades da experiência. Nesse momento, vale tudo -- trazer mais pessoas, mais ideias, mais interpretações. Isso naturalmente gera um certo caos, e chega uma hora em que não dá mais para continuar expandindo. As pessoas se cansam, começam a reclamar, e o próprio processo leva a uma redução.

É aí que entra o design redutivo, que é o movimento oposto: organizar, selecionar, estruturar. Eu não coloco um como melhor que o outro. Os dois são necessários. O problema é que muitas vezes as organizações pulam direto para o redutivo, sem passar por essa fase de expansão. Com isso, acabam trabalhando apenas com o que é mais óbvio ou mais imediato, sem explorar de fato o espaço de possibilidades da experiência do usuário.

Para fechar, eu apresento alguns métodos para avaliar qualidades da experiência do usuário, destacando que ainda há uma carência de métodos adequados para isso . O mais conhecido é o teste de usabilidade, mas muitas vezes ele não responde à pergunta que realmente importa, que é se as pessoas gostaram da experiência.

A partir desses métodos, eu enfatizo uma distinção importante: qualidades da experiência do usuário são melhor trabalhadas com abordagens qualitativas . Isso porque qualidade envolve nuances, interpretações e significados que dificilmente podem ser reduzidos a números sem perda. Métodos quantitativos são úteis e necessários, mas operam por redução, transformando a experiência em métricas escaláveis. Nesse processo, parte da riqueza da experiência se perde. Por isso, eles são mais adequados para lidar com quantidade, não com qualidade. Então, a ideia não é descartar o quantitativo, mas reconhecer que ele cumpre outro papel. Antes de medir, é preciso criar e compreender qualitativamente. Caso contrário, corre-se o risco de medir algo empobrecido, que já não representa a complexidade da experiência original.

Para conectar isso com uma perspectiva mais ampla, eu apresento um modelo de evolução tecnológica . Quando surge uma nova tecnologia, ela cria um novo mercado e inicia uma fase de competição baseada em quantidade -- mais funcionalidades, mais desempenho, menor custo. Com o tempo, esse modelo se satura. As diferenças deixam de ser relevantes, e fica difícil se destacar apenas por métricas quantitativas. É nesse momento que surge uma inovação qualitativa, em que um produto não é apenas "mais", mas "melhor" em termos de experiência.

Essa mudança cria um novo mercado, agora orientado pela qualidade. Foi o que aconteceu, por exemplo, com os smartphones touchscreen, que reposicionaram a competição em torno da experiência do usuário. Mas esse novo ciclo também tende à saturação, o que abre espaço para uma próxima ruptura. Assim, a evolução tecnológica alterna entre fases quantitativas e qualitativas, e a experiência do usuário se torna central justamente nesses momentos de inovação qualitativa.

Diante disso, surge a questão de como lidar, na prática, com esse movimento entre expandir e reduzir, entre possibilidades e decisões . Isso não pode ser totalmente sistematizado; exige o que se pode chamar de um tipo de talento artístico dentro das disciplinas de projeto, como design, arquitetura e artes. Uma referência importante aqui é Donald Schön, que discute a formação do profissional reflexivo. Essa perspectiva está sendo aplicada, por exemplo, em estudos sobre a Apple Developer Academy, observando como os estudantes aprendem a desenvolver software de maneira semelhante ao que acontece em ateliês de design.

Nesses contextos, o aprendizado não se baseia apenas em teoria ou procedimentos, mas em prática contínua, reflexão e experimentação. O ateliê de projeto funciona como um ambiente onde se aprende fazendo, explorando e ajustando. A proposta, então, é aproximar o ensino e a prática de desenvolvimento de software dessas abordagens, tratando o desenvolvimento não apenas como uma atividade técnica, mas como um processo criativo, reflexivo e, em certa medida, artístico.

Como fechamento, eu proponho que a modelagem de software precisa dialogar mais com áreas como design e arte . Os desafios envolvidos hoje não são apenas técnicos, mas sociais, porque o software está profundamente integrado à vida cotidiana. Pensar o software de forma isolada, apenas dentro da lógica da engenharia, limita a capacidade de lidar com essa complexidade. É nas relações com outras áreas que surgem as possibilidades de enriquecer o projeto e produzir experiências mais significativas. Nesse sentido, o desenvolvimento de software deixa de ser apenas uma questão técnica e passa a ser uma prática interdisciplinar, que envolve compreender e atuar sobre a sociedade.

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]]> 1051 Design de Interação Fri, 19 Oct 2018 06:46:52 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_especulativo_e_ficcao_projetual.html Design Especulativo é uma abordagem que produz projetos conceituais baseados em cenários de futuro próximo com a intenção de estimular o debate sobre tendências sociais e tecnológicas do presente. Ficção Projetual é um formato utilizado pelo Design Especulativo para desenvolver e apresentar projetos através da contação de histórias, que pode incluir filmes, documentos, textos ou qualquer outra mídia. No limiar entre o possível e o impossível, o Design Especulativo abre espaço para o questionamento de normas sociais, tabus e hábitos cotidianos.

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Gravação realizada em aula da disciplina Design de Interação da PUCPR, ministrada junto com o professor Rodrigo Gonzatto.

Design Especulativo e Ficção Projetual [MP3] 1h30min

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]]> 1050 Podcast Wed, 17 Oct 2018 09:55:30 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/introducao_ao_design_de_interacao.html Design de Interação é uma área que lida com o desafio de projetar interações entre pessoas através das tecnologias digitais. Este tipo de projeto não garante resultados, entretanto, pois a interação é determinada pelas próprias pessoas e não pela tecnologia. A teoria da complexidade e emergência ajuda a compreender como o projeto de interação se baseia em possibilidades e não em certezas.

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Gravação realizada na Pós-graduação em App Development da PUCPR.

Introdução ao Design de Interação[MP3] 46 min

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]]> 1048 Design de Interação Sun, 16 Sep 2018 12:55:26 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/estetica_da_interacao_opressiva.html A estética é um dos recursos utilizados para oprimir pessoas sem que elas saibam que estão sendo oprimidas. Pessoas podem se sentir feias, incapazes ou culpadas de sua própria opressão. No caso do Design de Interação, a estética das interfaces pode fazer o usuário se sentir burro só de olhar. Através do Teatro do Oprimido buscamos inspiração para uma estética anti-opressiva no Design de Interação.

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Gravação realizada na disciplina Design de Interação da PUCPR, com o professor Rodrigo Gonzatto.

Estética da Interação Opressiva [MP3] 33 minutos

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]]> 1047 Podcast Wed, 12 Sep 2018 23:00:42 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/expansao_do_objeto_de_design.html O objeto de design passa por uma transformação na sociedade contemporânea. Se antes, design apontava para um objeto tangível e estático tal como um produto ou uma peça gráfica, agora aponta para diversos objetos intangíveis. Nesta aula, explico como o objeto se mistura com o próprio usuário e pressupõe a mudança do seu comportamento como se este pudesse ser projetado.

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Gravação realizada no curso pós-graduação da Sustentare.

Expansão do objeto de design [MP3] 37 min

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]]> 1045 Podcast Tue, 03 Jul 2018 21:34:54 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_interacao_antropofagico.html Design de Interação Antropofágico é uma abordagem legitimamente brasileira para o projeto de interações em rede. Essa abordagem surge no contexto do movimento de Cultura Digital, quando o Brasil começa a se colocar no cenário internacional como líder da discussão sobre o papel da Internet na sociedade. Essa palestra conta a história do Instituto Faber-Ludens de Design de Interação, a Plataforma Corais e a proposta de um Design Livre.

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Gravação realizada na disciplina Design de Interação da Graduação em Design Digital da PUCPR junto com Rodrigo Gonzatto.

Design de Interação Antropofágico [MP3] 41min

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]]> 1044 Podcast Mon, 21 May 2018 20:02:21 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_experiencias_concretas_na_construcao_civil.html Na Economia da Experiência, muito se fala sobre a importância do usuário, porém, pouco se faz concretamente para conhecer seu ponto de vista. As experiências são projetadas com base em usuários abstraídos, médias estatísticas que não existem concretamente. Para projetar experiências concretas, é preciso ativar o corpo como ferramenta de projeto. Nesta palestra são demonstrados diversos exemplos de experiências concretas no campo da Construção Civil.

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Design de Experiências Concretas na Construção Civil [MP3] 32 minutos

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]]> 1043 Palestras Mon, 21 May 2018 19:49:51 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/pesquisa_participante_e_intervencao_formativa.html Intervenção Formativa é um método de pesquisa desenvolvido por pesquisadores finlandeses ligados à terceira geração da Teoria da Atividade. O objetivo é apoiar processos de mudança em organizações ao mesmo tempo em que se gera conhecimento científico a respeito de tais mudanças. A Intervenção Formativa oferece um arcabouço teórico e metodológico robusto para justificar e estudar cientificamente casos de Design Participativo. Este oficina apresenta o método, suas ligações históricas e casos de aplicação.

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Gravação realizada no encontro do grupo Sociedades Solidárias da PUCPR no dia 17/05/2018.

Pesquisa Participante e Intervenção Formativa [MP3] 1h20min

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]]> 1042 Podcast Mon, 21 May 2018 19:42:12 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/acessibilidade_e_corpo_consciente.html Acessibilidade não é só uma questão técnica; é uma questão cultural. O preconceito sobre deficientes é uma opressão histórica que não pode ser solucionada por uma tecnologia assistiva, porém, ela pode sim contribuir para superar opressões, na medida em que tanto usuários quanto desenvolvedores se tornem mais conscientes de seus corpos. Essa palestra apresenta o conceito de corpo consciente utilizado no Ensino de Design de Interação parar superar preconceitos.

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Acessibilidade e Corpo Consciente [MP3] 27 minutes. Ouvir no Spotify

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]]> 1041 Podcast Thu, 26 Apr 2018 14:36:01 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/o_computador_como_interface_humano-humana.html O desenvolvimento de interfaces humano-computador encontra-se estagnado devido a preconceitos cultivados pela Computação. Para superar esses preconceitos, é preciso um novo conceito de interface. Interface humano-humana é um conceito para projetar espaços virtuais para pessoas interagirem com outras pessoas. Com esse conceito é possível vislumbrar um processo de design de interfaces gradual que envolve pessoas em diferentes níveis de abstração.

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O computador como interface humano-humana [MP3] 43 minutos

Fotos

Exercício de prototipação de uma interface de menu telefônico para um call center utilizando a técnica Mágico de Oz.

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]]> 1040 Design de Interação Mon, 23 Apr 2018 15:22:03 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/pensamento_projetual_na_pesquisa_cientifica.html Se a Ciência se organiza através de projetos, as disciplinas que estudam projeto (Arte, Arquitetura, Engenharia, Design de Produto/Gráfico e Ciência da Computação) podem contribuir para atualizar a prática organizacional de qualquer outra área da Ciência. Através dos três tipos de pensamentos projetuais encontrados nas disciplinas de Design, é possível vislumbrar possibilidades de colaboração científica com outras áreas da Ciência que gerem inovação e tecnologia com valor para a sociedade.

Palestra ministrada nos Seminários do Programa de Pós-graduação em Ciência Animal da PUCPR.

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Pensamento projetual na pesquisa científica [MP3] 43 minutos

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]]> 1039 Palestras Mon, 16 Apr 2018 20:14:34 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_expansivo_uma_abordagem_para_pesquisar_contradicoes_em_design.html Design expansivo é um conceito apresentado por Yrjö Engeström no Instituto Ivrea de Design de Interação em 2004 para demonstrar a perspectiva da Teoria Histórico-Cultural da Atividade sobre a prática de projeto de interações. O conceito de design expansivo foi redefinido na tese de Frederick van Amstel defendida em 2015, cujo resumo em português foi apresentado na forma de uma outra palestra. O tema desta é o método de pesquisa utilizado na tese Expansive Design. Palestra apresentada no grupo de pesquisa de Engenharia de Software do PPGIA PUCPR.

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Design Expansivo: uma abordagem para pesquisar contradições em design [MP3] 1 hora 4 minutos

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]]> 1038 Podcast Wed, 11 Apr 2018 21:20:17 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/computacao_vestivel_e_corpo_consciente.html A Computação Vestível é uma proposta de aproveitar o corpo como origem e destino da interação. Os dispositivos são pequenos o suficiente para não causar desconforto e oferecem aplicativos específicos para processar dados contextuais gerados à partir do corpo de referência. As interfaces da Computação Vestível não exigem atenção total e podem inclusive ser operadas com a visão periférica ou com outros sentidos, como o tato. A Computação Vestível oferece a oportunidade de experiências de alteridade que transformam hábitos e pensamentos.

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Computação vestível e interações com o corpo consciente [MP3] 1h 43min

Transcrição

O ábaco em formato de anel utilizado entre os séculos XVII e XIX na China é considerado o precursor mais antigo da Computação Vestível. Suas contas eram tão pequenas que, para manuseá-lo, era necessário um objeto pontiagudo. Isso não era um problema para as usuárias da época, mulheres educadas que tinham à disposição diversos grampos de cabelo. O ábaco era tanto um símbolo de distinção quanto uma ferramenta prática no comércio. Embora seja possível realizar cálculos com o ábaco, ele ainda não permitia computar dados.

Em 1975, a miniaturização dos eletrônicos permitiu encaixar uma calculadora dentro de um relógio. A primeira empresa a lançar um relógio calculadora foi a Time Computer, com o modelo Pulsar. A tela era feita de LED e gastava tanta bateria que só mostrava as horas quando se apertava no botão "Pulsar". Este botão era o único que podia ser apertado sem a ajuda de um objeto pontiagudo. Tal como o ábaco, o Pulsar aproveitava a disposição de canetas nos bolsos dos homens de negócios que podiam comprá-las. Os relógios calculadora se tornaram mais complexos, porém, nenhum deles permitia computar dados, por isso são precursores da Computação Vestível.

A capacidade de programar algoritmos e computar dados em objetos vestíveis toma corpo a partir dos anos 1990, quando o paradigma de Computação Pessoal se consolida. Pesquisadores de diversas Universidades experimentaram maneiras de computar cada vez mais relevantes ao cotidiano. O grupo Borg Lab do MIT (que depois viria a se chamar Wearable Computing), desenvolveu uma série de computadores vestíveis que aproveitavam dados como a localização do usuário, o campo de visão, batimentos cardíacos para guardar ou prover informações contextuais. Eles fizeram isso também para demonstrar que alguns conceitos trabalhados na ficção científica, como o do ciborgue, já era possível com a tecnologia da época. Um detalhe interessante é a combinação bizarra entre dispositivos estrambóticos e as vestimentas casuais da época.

MindMesh é uma capa de circuitos instalada permanentemente sobre o crânio que se comunica com eletrodos implantados dentro do cérebro. É possível plugar diferentes acessórios a essa capa, como por exemplo, câmeras e dispositivos de memória artificial que podem interagir diretamente com o cérebro humano. Steve Mann iniciou esse projeto em 2012 com a intenção de ajudar deficientes visuais a enxergar ou pacientes de Alzheimer a recuperar sua memória. O protótipo ainda não é funcional, mas levanta por si só uma série de questionamentos.

Quem duvida da viabilidade do MindMesh, precisa conhecer os diversos projetos que Mann desenvolveu no passado que hoje já foram incorporados ao arsenal de tecnologias do cotidiano. O EyeTap, por exemplo, é um óculos digital que Steve Mann criou em 1999 e que serviu de base para o Google Glass, lançado em 2012.

Em 2012, poucos meses antes do lançamento do Google Glass, Steve Mann foi barrado em um restaurante do McDonalds em Paris. O gerente pediu que Mann retirasse o seu óculos digital, porém, Mann mostrou-lhe um documento do seu médico recomendando o uso do dispositivo. Embora Mann tenha explicado que o dispositivo estava preso à sua cabeça, o gerente do McDonalds tentou retirar o óculos à força. Apesar dos danos causados ao dispositivo, a foto do momento desconfortável ficou gravada.

O Google Glass não chegou a ser lançado para o público em geral. De 2012 a 2015, a empresa vendeu o produto a desenvolvedores interessados em experimentar a tecnologia. Embora o produto tenha atraído o interesse de muitos desenvolvedores, acabou recebendo muitas críticas e reclamações dos não-usuários, ou seja, as pessoas que interagiam com esses desenvolvedores e se sentiam desconfortáveis com a presença de um dispositivo que permitia gravação não autorizada de seus rostos. Este foi um dos diversos problemas apresentados pelo Google Glass devido à falta de consideração pelo corpo do usuário e pelos não-usuários.

O Apple Watch lançado em 2015, pelo contrário, tomou o corpo do usuário como uma fonte constante de dados. Equipado com sensores biométricos e algoritmos de detecção de atividade física, o Apple Watch propôs auxiliar na mudança de hábitos pouco saudáveis, como o sedentarismo. O aplicativo Activity mostra a quantidade de tempo gasto pelo usuário na posição sentada, em pé ou andando dentro do período de um dia. Caso não haja muito movimento, o aplicativo dispara notificações convidando o usuário a se mexer. Caso haja movimento, as notificações atuam com reforço positivo.

Apple Watch também levou em consideração que a apresentação do corpo em público está sujeita a tendências de moda. Os relógios, assim como os óculos, são considerados acessórios importantes na moda e devem combinar com as vestimentas. A forma do Apple Watch é básica, visando um maior número de combinações possíveis. Além disso, é possível escolher diferentes estilos visuais para o mostrador do relógio. O alumínio escovado brilha menos do que materiais como prata e ouro, que costumam ser usados em relógios de luxo, porém, ainda demonstra esmero na produção.

Apple Watch levou em consideração que acessórios corporais são símbolos de status social. A maior parte das pessoas que vi usando um Apple Watch eram executivos ou gerentes de grandes empresas. O relógio digital comunica que esse tipo de pessoa está atualizada com o que há de mais moderno em termos de tecnologia. Por outro lado, também demonstra que a pessoa é muito ocupada e precisa estar atenta a fluxos de informação o tempo todo. Na foto, Peter Murdoch, magnata estadunidense, exibe seu Apple Watch com orgulho.

Talvez o maior fator de sucesso do Apple Watch tenha sido a promessa de incentivar a atividade física do usuário, visando, com isso promover a perda de peso. Nesta foto, usuários compartilham suas conquistas na perda de peso após utilizar o Apple Watch por alguns meses. Conclui-se que o Apple Watch levou em consideração o sentimento de insatisfação com o corpo característico de nossa cultura.

Apple Watch levou também em consideração os ritmos da interação corporificada, ou seja, a interação entre pessoas que leva em consideração o corpo delas, como por exemplo, uma conversa face-a-face. Nessas ocasiões, o usuário pode ler notificações com um golpe de vista e leve torção do pulso, o que é menos intrusivo para uma conversa do que sacar um smartphone do bolso. Existe também um botão de fácil acesso para desligar tais notificações ("não perturbe").

O corpo humano é um objeto de interesse científico, em particular, da Medicina. A Apple levou em consideração o interesse da Medicina sobre as variedades de corpos humanos e lançou em parceria com a Universidade de Stanford um aplicativo chamado Apple Heart Study para participantes voluntários cederem dados de batimentos cardíaco. É a primeira vez que se realiza um estudo sobre arritmia cardíaca com uma amostragem tão grande.

A Computação Vestível (e o Apple Watch) surgiram a partir do momento em que pesquisadores da Interação Humano Computador abandonaram a visão cognitivista do corpo, que considera o corpo um mero suporte para a mente. Nesta visão, o corpo não contribui para o pensamento e pode inclusive atrapalhar o pensamento com emoções inoportunas. As interfaces computacionais construídas à partir dessa visão aproveitam apenas o pensamento lógico e abstrato do usuário, tratando a saúde e ergonomia do corpo como secundárias. No fundo, o corpo é tratado como uma coisa nojenta ou até mesmo asquerosa que deve ser superada pela singularidade tecnológica. Um filme que mostra o conflito de superar as emoções do corpo é Videodrome (1983), de David Cronenberg. Através de uma estética gore, o filme demonstra que a televisão não é só veículo de informações, mas também e principalmente um veículo para afetos corporais.

A visão que inspira o desenvolvimento da Computação Vestível é conhecida como encarnada. Nesta visão, a mente não seria um fenômeno transcendental magnífico, mas sim um produto da carne humana. Existiria, então, um continuum entre o que acontece no cérebro e o que acontece nos demais órgãos do corpo humano. A postura corporal, os gestos, as condições físicas e o estado de saúde seriam fundamentais para o pensamento humano, tanto quanto a atividade neuronal. Esse corpo encarnado possui, também uma relação ativa em relação ao ambiente, modificando o que não convém. Uma vez que no ambiente existem outros corpos e o ambiente é compartilhado, a capacidade de agir do corpo acaba sendo objeto de disputas políticas sobre o que pode ou não pode ser feito. Essa visão encarnada do corpo é apresentada por David Cronenberg em um filme mais recente, ExistenZ (1999). Neste filme, a protagonista se conecta a um mundo virtual através de um órgão biológico externo. Cronenberg demonstra que a tecnologia já não pode mais ser considerada como um mal que adentrou nossos corpos, mas como parte constitutiva e fundamental do mesmo.

As condições que impulsionam o desenvolvimento da Computação Vestível são diversas. Em primeiro lugar, existe a questão ergonômica. Conforme nossas atividades cotidianas se tornam dependentes de computadores, menos conforto e mobilidade saudável temos à disposição. O uso do computador por longas horas de uso está associado a diversas doenças ligadas ao sedentarismo. Embora existam recomendações sobre como utilizar o computador de maneira saudável, o modo de interação cognitivista desestimula a atividade física.

Além da questão ergonômica, existe a limitação de conhecimentos que podem ser expressos através de computadores. Pesquisadores de diferentes áreas já demonstraram que o corpo humano possui diversos conhecimentos tácitos que são extremamente difíceis de expressar e computar pelo modo cognitivista de interação. Por exemplo, o conhecimento sobre como amarrar calçados. É extremamente difícil descrever em palavras esta operação para uma criança, mas é fácil colocá-la no colo e utilizar o corpo diretamente para ensiná-la. Pois assim torna-se possível utilizar gestos sutis para demonstrar como realizar a operação. Como este, existem diversos conhecimentos fundamentais à cultura humana que não podem ser computados devido à limitações das interfaces computacionais.

O computador praticamente só utiliza o sentido da visão para comunicar informações. Embora a quantidade de informações que podem ser adquiridas pelo canal visual seja maior do que por outros canais, não há nenhuma vantagem em termos de qualidade. Com frequência, a quantidade de informações prejudica a qualidade da compreensão, gerando mais confusão e distração do que conhecimento.

Na ânsia de aproveitar a capacidade informacional do canal visual, computadores acabam exigindo atenção demais para serem operados. As pessoas costumam ficar completamente focadas no computador e distraídas para tudo o mais que está ao seu redor, inclusive, e principalmente, seu próprio corpo. Um dos principais problemas de postura no uso do computador deve-se ao costume das pessoas ignorarem as dores de acomodação que servem para estimular sua mudança sua postura.

A Computação Vestível tenta superar estes problemas trazendo o computador para perto do corpo. Os dispositivos são pequenos o suficiente para não causar desconforto e oferecem aplicativos específicos para processar dados contextuais gerados à partir do corpo de referência. As interfaces da Computação Vestível não exigem atenção total e podem inclusive ser operadas com a visão periférica ou com outros sentidos, como o tato.

A Computação Vestível ainda está na sua infância, porém, acredita-se que o desenvolvimento de algumas tecnologias recentes pode contribuir para um desenvolvimento rápido de funcionalidades. Essas novas tecnologias conseguem processar dados contextuais e inferir informações relevantes mais rapidamente do que era possível anteriormente. A consultoria Callaghan Innovation identificou em 2017 três áreas estratégicas para vestíveis: Saúde, Trabalho e Lazer.

Na Saúde é possível observar uma mudança no comportamento dos pacientes, que estão cada vez mais ativos na busca por informação sobre suas condições de saúde e também na automedicação, com todos os perigos que isso traz. O website Patients Like Me permite que pacientes compartilhem que remédios estão tomando e os sintomas que estão sentindo. Acompanhando a mudança, os serviços de saúde estão buscando oferecer cada vez mais soluções que dispensem a visita ao hospital ou clínica, como o homecare e a Medicina Preventiva.

No Trabalho, existe uma tendência de normalizar a vigilância do trabalhador para medir sua performance ou analisar suas ações. O fim da privacidade é compensado pelo aumento da segurança e produtividade. A geração e utilização de informações contextuais para organização do trabalho eficiente está se tornando uma justificativa suficiente para basicamente qualquer mudança nas relações de trabalho. A polícia de Washington DC realizou em 2017 um experimento para verificar se policiais portando câmeras iriam tratar melhor os cidadãos do que aqueles que não estavam portando o dispositivo. O resultado foi negativo. Os policiais com câmera receberam o mesmo número de reclamações que os que não portavam as câmeras.

Já no Lazer, existe uma preocupação muito grande em transformar momentos ociosos em momentos de lazer. Qualquer espera ociosa precisa ser preenchida por um jogo ou distração divertida. A gamificação aparece como uma maneira de misturar Lazer com Trabalho e até mesmo com Saúde. Nem mesmo as crianças ficam de fora da tendência. O Leap Band é um vestível que incentiva crianças a fazer exercícios físicos através de um personagem virtual. Embora não garanta resultados para perder peso, o Leap Band seduz pais preocupados com o alarmante crescimento da obesidade infantil criada, em partes, pelo sedentarismo dos computadores e videogames.

Essas tendências estão provocando diversas respostas da sociedade. Um movimento peculiar chamado Quantified Self defende que, se as pessoas tiverem controle e acesso a dados gerados à partir de seu corpo, a vigilância é inofensiva. Os ativistas desse movimento acreditam que ter mais dados à disposição pode levar à decisões melhores informadas e um conhecimento maior acerca do próprio corpo. Um pioneiro deste movimento é Nicholas Felton, que de 2004 a 2014 publicou um relatório anual sobre sua vida pessoal contendo dados sobre as pessoas com quem ele interagia, o tipo de atividade que ele se dedicava e as alterações nos dados biométricos. Na última edição do Feltron Annual Report há tentativas de compreender correlações entre os ritmos biológicos.

Nicholas Felton publicou na App Store junto com colegas o aplicativo que permitia o registro de dados sobre sua vida, o Reporter App. Com esse aplicativo, qualquer pessoa pode agora compilar um relatório anual com estatísticas sobre seu comportamento. O aplicativo oferece a possibilidade de customizar o tipo de dados coletado e, com isso, gerar novos insights sobre o comportamento.

Uma crítica levantada ao movimento Quantified Self é que a coleta de dados estaria também interferindo sobre os ritmos biológicos. Uma pesquisa realizada por Baron et al (2017) descobriu que alguns pacientes com distúrbio do sono que utilizam aplicativos rastreadores de sono (sleep trackers) sentem tanta ansiedade que acabam dormindo menos do que os que utilizam métodos analógicos de mensuração do sono. A mensuração de dados acaba, portanto, gerando um ciclo vicioso de dependência da tecnologia para o sono.

Observando o crescimento do interesse pelo corpo no Design de Interação, tenho trabalhado juntamente com meu colega Rodrigo Gonzatto numa visão encarnada chamada corpo consciente. Esse termo foi inicialmente proposto por Paulo Freire para designar uma pessoa que está consciente de seus condicionamentos e liberdades. Na disciplina Design de Interação, que ministramos juntos no Curso de Design Digital da PUCPR, nós propomos aos estudantes desenvolver projetos à partir da conscientização das opressões que eles estão sujeitos no cotidiano. Numa das atividades, pedimos aos estudantes que registrassem as pressões vividas no período de uma semana. Ao final de cada dia, eles criavam um modelo com massa de modelar expressando a pressão e guardavam no organizador de remédios. Ao final da semana, os modelos foram comparados e discutidos para encontrar padrões.

Na disciplina Design de Interação, mostramos projetos de vestíveis que tratam o corpo não só como uma fonte de dados, mas como um maneira de existir na sociedade. O capuz para pessoas que não gostam de ser espiadas enquanto usam o computador criado por Joe Malia em 2004 é um exemplo paradigmático. Aqui a pessoa restringe seu campo de visão para garantir sua privacidade na utilização do computador. Indiretamente, o capuz comunica a relação íntima entre corpo e computador, uma relação que existe mesmo que a pessoa não vista o capuz. O capuz exagera a restrição do campo de visão e individualização resultante do uso intensivo da Computação Pessoal. Esse projeto pode ser considerado um exemplo de Design Crítico, ou seja, um projeto com foco na crítica social e reflexão.

Um projeto mais recente que levanta condicionamentos contemporâneos é o Embodied Suffering, um conjunto de luvas eletrônicas que permitem sentir a ansiedade que uma outra pessoa sente. Ao final da interação, os dados biométricos são impressos em 3D em um objeto que deve ser trocado entre os usuários, funcionando como uma espécie de souvenir daquele momento. O projeto foi desenvolvido por Fernando Obieta, Gabriel Bach e Nadine Prigann no curso de Embodied Interaction da Universidade de Artes de Zurique em 2017.

Numa linha similar, Ava Aghakouchak e Maria Paneta desenvolveram uma série de vestíveis chamada Sarotis. Cada vestível é composto por um soft robot feito de silicone que enche de ar ou líquido e transmite uma sensação suave de toque à pele humana. Os vestíveis exploram maneiras de perceber dados computacionais através do tato. Uma aplicação de Sarotis é uma navegação tátil por espaços virtuais para deficientes visuais, que podem perceber distâncias virtuais através do toque suave dos robôs.

No Brasil, vestíveis assim podem parecer estranhos, porém, em 2011, o Orkut fez uma campanha sobre um brinco que esquentava quando outras pessoas acessam o perfil do usuário. O Earkut, como foi chamado, era um projeto fictício, uma brincadeira de primeiro de abril, porém, despertou o interesse de milhares de pessoas.

Há alguns anos antes, minha estudante de Design da Unisul Jordana Schulka já havia criado um vestível muito parecido, que na época chamamos de Brinco do Orkut. Uma diferença fundamental é que o brinco iria esquentar quando o nome da pessoa fosse mencionada nos recados dos amigos, realizando na prática a crença popular de que a orelha esquenta quando outras pessoas falam de você por trás.

Em 2016, Caroline Nohama e Erik Kato desenvolveram como parte de seu TCC em Design Digital da PUCPR uma jaqueta com LEDs para ciclistas. O ciclista levantava o braço indicando conversão e a jaqueta brilhava do lado correspondente. Para criar essa função, os estudantes utilizaram um método chamado Fantasia Guiada e para prototipar a jaqueta, utilizaram a placa Arduino.

Uma técnica que utilizamos com nossos estudantes para criar interações com o corpo consciente é o Bodystorming do Oprimido. Trata-se de uma mistura de Bodystorming (técnica de criação de interações que utiliza o corpo) com Teatro do Oprimido (que contribui para a conscientização de condicionamentos e liberdades do corpo). Os estudantes improvisam a interação utilizando seus corpos como tecnologias. Na foto temos uma estudante representando o algoritmo de correção de operações embutido dentro do óculos de realidade aumentada de um operário numa fábrica de equipamentos eletrônicos. O Bodystorming do Oprimido serve para investigar a dimensão humana (e opressiva) da interação que passaria desapercebida numa interface cognitivista.

Na prática de projeto, a corporeidade e alteridade da interação podem ser consideradas através de alguns formatos muito simples de projeto, como o storyboard. Contar uma história com figuras humanas, ambientes e tecnologias permite desenvolver cenários com detalhamento suficiente sobre o corpo. No projeto especulativo Nike Golf, Peter Lew criou um cenário em que um jogador de golf pode analizar a precisão de suas tacadas utilizando um Apple Watch no pulso e um iPhone num tripé. Existem diversas relações espaciais importantes que a presença do corpo e das tecnologias físicas traz para o cenário.

Storyboards não precisam ser bem desenhados, entretanto, para serem efetivos em seu propósito. Existem diversas ferramentas de desenho assistido que permite criar storyboards sem nenhuma habilidade de desenho, como o storyboardthat.com No exemplo da imagem, o cenário demonstra a relevância do Apple Watch no momento em que a pessoa se desconecta do computador, como por exemplo, quando vai ao banheiro.

No Brasil, temos uma tradição que valeria à pena ser recuperada para criar interações: a Fotonovela. Ao invés de utilizar desenhos, são utilizadas fotos e balões de quadrinhos. A fotonovela permite que o corpo fale de maneira mais explícita até do que o desenho, exibindo nuances importantes como a sensualidade, postura, orientação e outros. Cenários de Computação Vestível que se propõem a oferecer experiências de alteridade podem ser projetadas através de fotonovelas, aproveitando-se da tradição brasileira de transformar o corpo em imagem.

Observando a história do Design de Interação, cheguei à conclusão de que toda interação sempre surge de um corpo humano e sempre afeta outro corpo humano, mesmo que o afeto não seja síncrono ou proporcional. Sendo assim, o corpo humano deve sempre ser levado em consideração, mesmo quando não se tratar de um projeto de Computação Vestível. A Computação Vestível tem o potencial de deixar esse aspecto de interação mais visível e efetivo, porém, o afeto pode ser até mais sutil do que nos projetos da Cute Circuit, uma butique de wearables que propõe interações afetivas. A Hug Shirt (2002) é uma camisa que transmite abraços à distância: ela sente o toque de uma pessoa e imprime força sobre o corpo da outra pessoa conectada. O abraço também pode ser mútuo.

A Computação Vestível deve, na minha opinião, proporcionar experiências de alteridade para as pessoas que interagem. Alteridade significa deixar ser transformado pelo outro, que pode, inclusive, ser a própria pessoa, porém, vista por uma perspectiva diferente. Um projeto de vestível que aplica esse princípio de maneira magistral é o Intimacy 2.0, do Studio Roosegaarde. Trata-se de um conjunto de roupas que se tornam transparentes na medida em que a pessoa interage mais nas redes sociais, revelando seu corpo físico através do corpo virtual.

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]]> 1036 Podcast Wed, 07 Mar 2018 17:29:02 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_icones_e_semiotica_da_interacao.html Ícones foram criados para relacionar conceitos computacionais com objetos do dia-a-dia que as pessoas já conhecem e sabem usar. Porém, com o passar do tempo, ícones passaram a representar conceitos não necessariamente computacionais. A semiótica aplicada ao design de ícones permite estudar esses novos processos de significação e sua contribuição para a Interação Humano Computador.

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Gravação de aula realizada na Apple Developer Academy PUCPR.

Design de Ícones e Semiótica da Interação [MP3] 1 hora e 24 minutos

Transcrição

A palavra ícone foi utilizada primeiramente para definir certos tipos de pinturas e afrescos que expressavam a essência das divindades Cristãs. Esse formato ficou bastante popular nos primeiros séculos da Igreja Ortodoxa. Essa imagem é um detalhe do ícone mais antigo ainda existente, Cristo Pantocrátor (século VI). O ícone provavelmente representaria a posição dual de Jesus Cristo como homem e como Deus.

Utilizando uma técnica de divisão e espelhamento das metades da imagem, fica claro que os dois lados da face do Cristo são muito diferentes. A face esquerda de Cristo parece mais velha e dura do que a face da direita, sugerindo o aspecto divino. A face da direita parece mais temerosa e jovial, sugerindo o aspecto humano. O ícone religioso é rico em detalhes e significados.

No século VIII, emergiu um movimento iconoclasta no Império Bizantino que destruiu a maior parte dos ícones da época. Nesta iluminura, o autor faz uma analogia entre o pintor de ícones e os algozes de Cristo. O ícone estaria restringindo a divindade a uma representação fixa, que não faz jus à natureza divina.

A adoração dos ícones assim como a iconoclastia são frutos de uma tensão que se acumula no cerne da sociedade moderna. Henri Lefebvre escreveu prolificamente sobre a contradição entre representação e realidade. Essa contradição foi magistralmente revelada por René Magritte na obra A Traição das Imagens (1928). A imagem de um cachimbo contradiz a frase "Isto não é um cachimbo", porém, a frase também é uma imagem. Como seria possível falar de um cachimbo sem a representação mínima dele pela linguagem?

Na metade do século XX, a representação se tornou tão oposta à realidade que foi necessário construir máquinas capazes de processar signos de maneira independente da representação mecânica. Alan Turin e colegas construíram em 1939 a primeira máquina semiótica com o intuito de quebrar o código de criptografia alemã. Essa máquina desvinculava a representação do cálculo da representação mecânica. O filme "O jogo da imitação" (2014) conta essa história muito bem.

A representação independente do suporte permitiu o surgimento de uma miríade de conceitos computacionais. Esses conceitos, entretanto, eram abstratos demais para quem não tinha uma formação matemática ou de engenharia. Com a intenção de tornar conceitos computacionais mais concretos e, portanto, acessíveis para especialistas de outras áreas, Douglas Engelbart e sua equipe na SRI International criaram o mouse em 1964, um dispositivo apontador que permitia interagir com representações computacionais de uma maneira mais direta. Diversas outras inovações surgiram à partir disso, tal como o hipertexto, o comando copiar e colar e outras.

Nos anos 1970, surgem monitores de alta resolução capazes de exibir interfaces gráficas. David Canfield Smith defendeu uma tese em 1975 que propunha pela primeira vez a utilização de ícones em interfaces gráficas. Inspirado nos ícones religiosos, Smith propôs que ícones poderiam ser tão abstratos quanto concretos, ou seja, eles seriam representações capazes de processamento ao mesmo tempo capazes de referir-se a uma experiência concreta que o usuário tenha tido. O exemplo que ele oferece é a linguagem de programação visual Pygmalion, que ofereceria uma série de diagramas interativos. Nesta imagem, temos diversos ícones. O mais concreto são as setas da estrutura if/else que se assemelha a uma bifurcação de estradas.

Em 1973, Tim Mott e Larry Tessler desenvolveram a Office Schematic dentro do laboratório Xerox Parc, uma proposta que iria definir o paradigma de representação para interfaces gráficas. Mott estava pensando como aproveitar melhor o recurso da interface gráfica e percebeu que haviam metáforas físicas para representar ações intra-documentos, tal como o comando de copiar e colar. Porém, não haviam metáforas para ações inter-documentos. Foi então que, diante de um guardanapo num restaurante, ele teve a ideia de representar um escritório na interface gráfica, onde os documentos pudessem ser movidos de um lugar a outro. O Office Schematic ficou conhecido posteriormente como metáfora desktop.

Trabalhando com Mott e Tessler, Smith desenhou a primeira linha de ícones do Xerox Alto (1974), o primeiro computador a implementar uma interface gráfica com a metáfora desktop. Estes ícones representavam arquivos que podiam ser movidos para diferentes mídias de armazenamento, impressoras e outros computadores. Diversos outros conceitos de interface gráfica já estavam ali presentes, tais como a barra de rolagem, os menus e a manipulação direta.

O Xerox Star que sucedeu o Alto tinha a proposta de ir além de controlar a edição e impressão de documentos. A proposta era ser um computador multifuncional para a gestão de empresas. Quatro séries de ícones foram criadas e testadas com usuários para verificar quais faziam mais sentido. Na Xerox Parc já existia uma visão de que o usuário leigo em informática deveria ser priorizado no projeto. Infelizmente a Xerox não conseguiu compreender as inovações que surgiram no Parc e acabou assinando um acordo com a Apple para que Steve Jobs e sua equipe visitasse o laboratório e conhecesse tais inovações. Ao ver a interface gráfica, Jobs teve a certeza de que era isso que precisava para realizar o conceito de Computação Pessoal que movia a empresa.

Os ícones adquiriram o status que tem hoje depois que a Apple contratou Susan Kare para desenhar a família de ícones do primeiro Macintosh, lançado em 1984. Esses ícones eram muito diferentes dos ícones do Xerox Star. Ao invés de representar apenas conceitos computacionais, alguns destes ícones representam ações e emoções humanas. O objetivo era mostrar que o computador poderia refletir as preferências e interesses do usuário, o que fica evidente no ícone do Mac com um sorriso. Diversos outros ícones representavam partes do corpo humano para enfatizar essa relação pessoal com o usuário.

O próximo marco na história dos ícones só viria em 2007, quando a Apple lançava o iPhone. Esse smartphone não era o primeiro com tela touch screen, porém, era o primeiro a priorizar o design de ícones. O design de produto do iPhone é extremamente simples visando colocar em evidência a interface gráfica e os ícones coloridos que ela continha. Os ícones eram o produto, o que ficaria mais claro depois que a Apple lançou a App Store e a possibilidade de desenvolvedores de fora da Apple colocarem ícones no iPhone para permitir acesso a seus aplicativos.

Na versão comemorativa de 10 anos de lançamento do primeiro iPhone, a Apple novamente inovou no design de ícones com o lançamento dos animojis, que representavam através de animações sincronizadas em tempo real as expressões faciais do usuário. Aqui a Apple realizou de maneira literal a ideia antiga de que o computador poderia ser um espelho do usuário. O iPhone X também eliminou a necessidade de botões físicos, tornando o produto uma grande tela para interfaces gráficas.

A relevância dos ícones na história da Interação Humano Computador se deve à:

a) Relação entre conceitos abstratos a experiências concretas

b) Mnemônica (fácil memorizar e reconhecer)

c) Localização rápida na tela

d) Economia de espaço na tela

e) Internacionalização

f) Afeto emocional

Ao longo de sua história, ícones foram padronizados em certos elementos constitutivos. A sua "anatomia" atual consiste em sete elementos: fundo (contexto onde ele aparece), figura (forma básica ou silhueta), borda (entre a figura e o fundo), cor predominante da figura, iluminação (proveniente do canto superior esquerdo), rótulo descritivo e uma ação (representação estática de um movimento).

A anatomia do ícone tem impacto direto na memorização e reconhecimento do ícone, que acontecem em processos graduais, mesmo que muito rápidos. A memorização começa à partir da imagem complexa do ícone que fica na memória de curta duração. Com o passar do tempo, a memória deste ícone se torna mais difusa e apenas traços distintivos permanecem. Após muito tempo, a pessoa lembra de características gerais, tais como a forma da figura, sua cor predominante ou a localização na tela. Em alguns casos, o ícone é completamente esquecido, porém, quando ele é visto novamente, o processo de reconhecimento acontece mais rapidamente. Ao escanear a tela, a pessoa busca primeiramente as características gerais do ícone, tais como a cor predominante e só depois considera os seus traços distintivos. Devido às características desses dois processos, ícones devem ter silhuetas simples e poucas cores.

A maior relevância do ícone não está, entretanto, associado aos processos de memória e de reconhecimento, mas sim no processo de significação. O ícone tem o potencial de estabelecer uma rica rede de associações que levam ao sentido do aplicativo. O ícone do Find My iPhone lembra um radar que, assim como diversos outras tecnologias militares, agora estão presentes no cotidiano de civis. Uma tecnologia militar conecta-se bem com os casos de uso do aplicativo: roubo e vigilância parental. Não por acaso, a Apple tem um segundo aplicativo com a mesma função de localização do aparelho, porém, o Find My Friends exige autorização do amigo para compartilhar a localização. Com o Find My iPhone, os pais podem saber onde os filhos estão a qualquer momento através da interface web do iCloud sem autorização dos filhos.

Esse processo de significação é muito bem explicado pela Engenharia Semiótica, uma teoria de Interação Humano Computador criada pela pesquisadora Clarisse de Souza da PUC-Rio. Essa teoria é baseada em duas premissas: O computador é uma máquina capaz de processar signos e a interface com o usuário é um processo de comunicação baseado em signos.

O conceito principal da Engenharia Semiótica é a metacomunicação, ou seja, a comunicação do designer explicando como o usuário pode se comunicar com o computador. A aplicação seria uma mensagem que o designer enviaria para o usuário expressando que soluções existem para suas necessidades. O usuário interpretaria os signos contidos nessa mensagem e realizaria suas atividades. A metacomunicação é unidirecional, pois uma vez que o aplicativo é codificado, o designer não pode mais mudar a sua mensagem.

Um dos maiores insights da Engenharia Semiótica é a distinção entre dois tipos de metacomunicação: operacional e estratégica. Na metacomunicação operacional, a interface expressa como usar a aplicação. Este tipo de metacomunicação já recebeu muita atenção de outras teorias de IHC. O diferencial da Engenharia Semiótica é a ênfase na metacomunicação estratégica, que expressa por quê o usuário deve utilizar a aplicação. No exemplo do tour de entrada do aplicativo AirBnB a descrição se refere às características da experiência do usuário e não aos elementos da interface.

Embora a Engenharia Semiótica não coloque nesses termos, eu compreendo que ela propõe que o designer atue como um tradutor entre duas linguagems: a linguagem de programação e a linguagem de interação. Enquanto a linguagem de programação serve para dar instruções para o computador, a linguagem de interação serve para dar instruções para o usuário. Devido à informalidade, a linguagem de interação é definida por todos os "falantes", está em constante evolução e ninguém sabe exatamente todas as possibilidades desta linguagem. Em contraste, a linguagem de programação é definida por um grupo pequeno de pessoas e se torna fixa, devido à necessidade de formalidade. A linguagem de programação expressa conceitos computacionais enquanto a linguagem de interação expressa diversos tipos de conceitos.

A unidade básica da linguagem de interação é o padrão de interação (pattern). Como exemplo, temos o padrão "Puxe para atualizar", primeiro utilizado pelo aplicativo do Twitter que, ao mesmo tempo em que criava um novo padrão, quebrava o padrão de clicar no ícone home para atualizar o feed, uma vez que este que não era percebido pelos usuários. O padrão de "Puxe para atualizar" logo se espalhou por outros aplicativos e se tornou parte da linguagem da interação falada nos aplicativos móveis.

Ícones são interpretados como parte de uma linguagem de interação, porém, eles não são meras palavras. Ícones são frases. É possível através de um método chamado análise da estrutura frasal decompor um ícone em suas partes constitutivas. O sujeito normalmente refere-se ao usuário, o verbo é a ação possível, o advérbio é um qualificativo da ação e o predicado é o objeto principal do ícone, qualificado por adjetivos. No caso do ícone Firefox Crystal vemos que o designer Everaldo Coelho qualificou a raposa do Firefox como um animal mágico que pode navegar a web tão rápido quanto o fogo.

Assim como na linguagem falada, nem todas as frases são ditas por completo, pois há informações não-ditas e implícitas. No caso dos ícones padrão da iOS Toolbar e Navigation Bar, as frases possuem verbos sem predicados, pois estes se referem ao que está carregado na View atual.

Por outro lado, os ícones padrão da iOS Tab Bar possuem o mesmo verbo implícito (ver) com diversos predicados. Os ícones não demonstram o que é possível fazer com os objetos, apenas sugerem o tipo de conteúdo.

Já os ícones do Home Screen do iOS não seguem um padrão. Alguns possuem verbo e predicado (Mapas), enquanto outros possuem apenas um substantivo (Mail). Porém, todos possuem muitos adjetivos para qualificar a experiência proporcionada por cada aplicativo. Os qualificativos são marca registrada dos ícones da Apple.

Quando se compõe uma série de ícones para um mesmo aplicativo, vale à pena definir um padrão consistente para as frases. Assim a linguagem de ícones contribui para o microbranding da marca. A linguagem de ícones da Spotify possui espessuras finas, curvas com mesma ângulação e preenchimento vazio.

A consistência na linguagem de ícones não deve, entretanto, prejudicar a distinção entre as frases. Uma vez que ícones nem sempre são vistos com atenção, a silhueta da figura deve ser diferente mesmo que a figura seja parecida, de modo a facilitar o reconhecimento diante de formas similares. Este exemplo foi publicado por @MegDraws no Twitter.

Até agora estamos discutindo as possibilidades que a forma oferece para a informação. Porém, a "mágica" dos ícones acontecem nos níveis de estrutura e de função, quando contribui para a interação e experiência. Há uma certa equivalência entre esses três níveis de possibilidades aos três níveis de análise da linguagem: sintática, semântica e pragmática. Iremos agora analisar ícones nos níveis semânticos e pragmáticos.

A Engenharia Semiótica é baseada no conceito de signo de Charles Sanders Peirce, o filósofo que fundou a escola americana de semiótica. O conceito de signo é baseado numa tríade entre três elementos: o representamen (também chamado de representante), o objeto que ele representa e o interpretante (também conhecido como significado). Neste exemplo, o ícone de pasta representa dados no disco rígido, mas a interpretação deste para um usuário específico é o álbum de fotos, pois é nesta pasta que a pessoa guarda as fotos.

Segundo Peirce, um signo nunca emerge isolado. Cada signo é significado em relação a outros signos e dá origem a novos signos num processo conhecido como semiose ilimitada. Neste exemplo, o signo de álbum de fotos lembra a pessoa do álbum impresso, ela sente vontade de imprimir algumas fotos e imagina que pode dar de presente para alguém aquele álbum.

Na Engenharia Semiótica, a semiose não é ilimitada. Ela pode ser interrompida por um signo que não faz sentido, fenômeno conhecido como breakdown. Neste momento, o usuário fica perdido ou frustrado e desiste do que estava fazendo. Certa vez tentei imprimir um álbum de fotos que havia preparado no Fotos do Mac e fiquei surpreso negativamente ao descobrir que não havia como encomendá-lo impresso pela ausência do serviço no Brasil. O aplicativo poderia ter me dito isso antes de maneira mais clara.

A Engenharia Semiótica identificou diferentes expressões comuns do usuário quando ocorre a interrupção da semiose (De Souza et al, 1999). Algumas dessas expressões podem indicar um problema sério de usabilidade (fundo vermelho), como por exemplo, quando o usuário faz algo errado e não percebe. Elas também podem indicar um crescimento da competência do usuário e a dispensa de ajuda (fundo verde).

Vejamos dois exemplos de interrupções na semiose causadas por uma mensagem com ruídos ou desvios de interpretação. O Macintosh original não tinha botão de ejetar para o disquete. Os designers criaram uma associação de arrastar e soltar o ícone do disquete até o ícone da lixeira para ejetar o disco. Depois de muitas reclamações de usuários que não encontravam a função (Onde estou?), o ícone da lixeira passou a mudar para um ícone de ejetar sempre que um disco era arrastado. Mesmo com o representamen correto, muitos usuários ainda ficam com medo de apagar os dados do disquete, CD, DVD ou pendrive até hoje e preferem fazê-lo pelo botão de ejetar do finder (Obrigado, mas não).

Na minha visão, a semiose é, na maior parte do tempo, interrompida pela falta de interesse ou de atenção. A pessoa simplesmente não quer aquilo que o signo está representando.

O que mais interessa aos usuários não é como o ícone foi desenhado (sintática), nem o que ele representa computacionalmente (semântica), mas o que é possível fazer com ele (pragmática). Essa característica da Interação Humano Computador está sendo gradualmente compreendida através de teorias como a Engenharia Semiótica.

Emojis são um exemplo popular de ícones que não representam conceitos computacionais. Ele não representa um espaço ou uma funcionalidade do computador, mas sim uma emoção ou intenção de comunicação do usuário.

Ícones representam cada vez mais conceitos não-computacionais. Isso torna ícones cada vez mais sujeitos às contradições da sociedade, em particular, entre representação e realidade. Na última versão do iOS (11), a Apple incluiu a silhueta que parece de uma mulher no ícone da lista de contatos. Anteriormente, o ícone continha apenas uma figura com feições bastante masculinas. A questão contraditória que levou à Apple a incluir a silhueta é: porque mulheres não deveriam ser representadas se elas figuram na lista de contatos? Apesar da mudança, o déficit de representação da mulher ainda continua.

Embora o signo seja uma estrutura de simples compreensão, a análise do signo permite ver sutilezas que não estão claras à primeira vista. Peirce propôs três tricotomias para analisar signos. A primeira tricotomia diz respeito ao representamen e ele mesmo. O qualisigno é uma relação de representação em que a qualidade do representamen fala por si. Neste exemplo de qualisigno, o ícone representa a qualidade de ser ícone, a "iconicidade". O sinsigno é uma relação de particularidade. O signo representa algo único, particular, tal como os trejeitos da expressão facial de uma pessoa. O legisigno é tal como uma Lei, algo inevitável. A representação do botão de desligar inequivocamente irá desligar o aparelho.

A segunda tricotomia diz respeito à relação entre representamen e objeto. Quando o representamen é similar ao objeto, a relação é chamada tecnicamente de ícone. Note que no resto dessa apresentação eu não utilizei essa compreensão mais restrita de ícone. Prefiro utilizar o nome ícone também para índices e símbolos, que não são tipos de imagens mas tipos de relações. A relação de índice é uma causalidade, ou seja, o objeto causa uma modificação na representação ou vice-e-versa. No exemplo do calendário, a data atual modifica a forma do ícone. Já a relação de símbolo é completamente arbitrária e se justifica apenas pela convenção. O desenho + não tem nenhuma relação além da arbitrariedade com a operação matemática da soma, por exemplo.

A terceira tricotomia serve para analisar as relações entre representamen e interpretante. Se o ícone representar uma possibilidade não muito clara, ele pode ser chamado de rema, tal como o ícone do microfone da Siri. O usuário não sabe se ela vai entender o que ele irá falar. No momento em que o usuário fala, aparece um outro ícone, um ícone dinâmico cuja forma se altera de acordo com o volume das ondas sonoras. Esse ícone é um fato. A Siri está lhe ouvindo, mas ainda não há certeza de que ela lhe entende. Você só consegue perceber isso nas respostas que a Siri dá, que não seria um ícone, mas seria uma relação de argumento. O argumento expressa uma relação de certeza entre o representamen e o interpretante.

Embora as tricotomias sirvam à classificação de relações, elas não foram criadas meramente para classificar signos desse ou daquele tipo. As tricotomias servem para perceber as variações no processo de representação. Scott McCloud conseguiu representar isso magistralmente no triângulo que mostra o continuum entre realidade, significado e plano da figura. Os extremos desse triângulo corresponderiam ao ícone na esquerda (figura muito similar à realidade), ao qualisigno no topo (representamen representando a representação) e ao símbolo na direita (rosto simplificado). O signo pode transitar entre as categorias dependendo da situação em que ele emerge.

Um estudo superficial sobre a Semiótica pode levar o designer a acreditar que ele pode garantir um interpretante a partir da manipulação do representamen. Isso, segundo a Semiótica não é possível, pois o objeto do signo tem caráter dinâmico. Ora o signo representa uma coisa, ora outra. Por esse motivo não há uma tricotomia sobre a relação entre representamen e objeto. O que pode ser feito é considerar os padrões de interação existentes, as particularidades do contexto e as possibilidades expressivas.

No design de ícones, existem três práticas que consideram as relações das tricotomias peirceanas. A primeira prática é a definição de parâmetros de representação antes de conceber o signo. A primeira coisa que Susan Kare ao ser contratada pela Apple em 1982 para desenhar ícones foi comprar um caderno de rascunhos quadriculado. Desenhando nesse caderno, ela restringiu os representamens ao que seria possível com a tecnologia do pixel da interface gráfica.

A segunda prática é a geração de alternativas para encontrar representamens potenciais do objeto. Tom Bigelajzen desenhou algumas alternativas para os ícones do player multimídia VLC antes de escolher a final. Isso ajudou-o a considerar qual representamen era mais adequado ao objeto (a funcionalidade de configuração do aplicativo).

Para verificar a relação entre representamen e interpretante, é indicada a prática de testes com usuários. No exemplo acima, eu criei um sistema chamado Icon Sorting que mostrava um ícone a cada 13 segundos e perguntava ao usuário qual o rótulo mais apropriado. A quantidade de opções e o tempo curto forçava uma associação rápida e corriqueira, mais parecida com o contexto de uso. Os ícones que não tiveram associações foram descartados. Existem outras maneiras de testar ícones com usuários, por exemplo, através de entrevistas e diálogos presenciais.

Apesar de tudo o que disse até agora, a melhor maneira de projetar um novo ícone, muitas vezes é não fazê-lo. Se existe um ícone que atingiu o status de símbolo para aquele objeto, é melhor utilizá-lo do que criar um novo. Existem diversas bibliotecas com milhares de ícones gratuitos para utilização. Na maior parte dos casos, é mais fácil adaptar um desses ícones do que criar um do zero. O desafio do design de ícones não é o desenho, mas sim a designação de sentido, que não é uma tarefa exata.

Não é um processo exato porque mesmo os símbolos mais convencionais podem perder o sentido ao longo do tempo. Um exemplo contemporâneo é o ícone de salvar que, antigamente, referia-se à mídia de armazenamento principal (disquete de 3 e 1/2 polegadas). Hoje em dia, existem pessoas que nunca viram um disquete desse tipo mas que conseguem reconhecer o ícone de salvar em diferentes contextos. Porém, existem muitos aplicativos que já não estão mais utilizando este ícone para representar salvar ou porque não existem mais essa funcionalidade (os dados são salvos automaticamente em intervalos de tempo) ou porque existem dois tipos de salvar (salvar na nuvem e salvar no dispositivo). Qualquer signo estará sempre sujeito à contradição entre representação e realidade. O design de ícones reproduz e transforma essa contradição o tempo todo. Compreendê-la é mais interessante do que negá-la.

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]]> 1035 Semiótica Wed, 21 Feb 2018 07:36:19 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_interfaces_com_padroes_de_interacao.html Padrão de interação (interaction design pattern ou ui pattern) é uma estrutura recorrente em interfaces que possibilita diversas interações. Interfaces podem ser projetadas com ou sem consciência destes padrões. Projetar consciente dos padrões leva a uma abordagem de projeto sistemática, criativa e social.

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Design de interfaces com padrões de interação [MP3] 1 hora e 27 minutos

Transcrição resumida

A abordagem de padrões de projeto desconstrói o mito de que o projeto é criado pelo designer sozinho, totalmente consciente, intencional e racional. Ela demonstra que todo projeto, mesmo quando conduzido por um designer sozinho, é um projeto conectado com a sociedade, mesmo que o designer não esteja consciente disso. Além disso, ele é influenciado por sentimentos e nem tudo que acontece é intencional.

A definição de design de Klaus Krippendorff ("design é dar sentido às coisas?) levanta a questão da origem do sentido. O sentido não vem do nada. Ele sempre se relaciona com outros sentidos que são transmitidos socialmente e conectados através de redes semânticas. Sempre um sentido é formado, ele se relaciona a outros sentidos, mesmo que não estejamos totalmente conscientes disso. O ?i" do iPhone e iPad se conecta com a rede semântica do Digital Hub da Apple nos anos 1990, que propunha toda uma série de novos significados para a Computação.

Devido à existência de redes de sentido, designers sempre estarão reproduzindo padrões, quer eles saibam ou não. A maneira mais simples como designers reproduzem padrões é o mimetismo, uma prática que acontece inclusive na própria natureza. Assim como o camaleão percebe a cor verde no seu ambiente e muda a cor da sua pele, o designer percebe padrões no mundo artificial e reproduz em seus projetos. O mimetismo explica porque a logo das Olimpíadas de Tokio de 2020 motivou um processo judicial por um designer Belga. A logo japonesa reproduzia os padrões mais simples de comunicação visual: formas geométricas e cores estanques. O mimetismo de formas essenciais acabou gerando a possibilidade efetiva de outro designer projetar algo muito similar.

Quando o designer é forçado a reproduzir padrões, pode-se dizer que ele está fazendo isso por conformidade. Existem regras e normas técnicas que impõem certos padrões, porém, existem também padrões de comportamento do consumidor que demandam conformidade. A garrafa térmica Futura projetada por Augusto Seibel e Índio da Costa foi um projeto que quebrava o padrão de manuseio: ao invés de segurar por uma alça, o próprio gargalo da garrafa oferecia uma pega adequada. Entretanto, os consumidores achavam que estava faltando uma peça ou então sentiam medo de manusear daquela maneira. A Aladdin acabou tendo que colocar a alça e destruir o conceito de manuseio proposto.

A articulação é quando o designer conscientemente combina padrões, relaciona padrões novos com antigos e atende a demandas específicas do contexto. É possível observar essa articulação na evolução dos telefones celulares. A cada nova versão, existem padrões novos e antigos. A quebra maior acontece quando a tela se torna touchscreen e ocupa a superfície completa do aparelho. Porém, o teclado on-screen ainda reproduz o padrão visual e estrutural dos teclados físicos. Só muito depois dessa transição é que os teclados on-screen começam a se livrar do padrão físico, aproveitando as vantagens do deslize entre teclas (Swype Keyboard).

A maneira mais conhecida de reprodução de padrões no design é a referência. Jonathan Ive fez diversas referências ao estilo de Dieter Rams da antiga Braun. Não se trata de uma cópia, mas de uma reprodução de padrões em outros contextos.

Ellipe Webdesign foi um dos primeiros websites que eu fiz, em 1999, logo que descobri como usar Photoshop e programar em HTML. Na época, eu achava que eu era um gênio por criar uma empresa com nome de Elipse, porém, hoje olho para trás e percebo que estava simplesmente reproduzindo uma moda comum na identidade visual da época: o uso intenso de elipses. Quase todas as logos da época que queriam ser modernas tinham uma elipse. Ou seja, a logo que eu achava original era o maior lugar comum possível. Designers iniciantes, como eu era na época, reproduzem padrões sem saber que estão fazendo isso.

Já designers experientes experientes sabem muito bem quando estão quebrando ou quando está reproduzindo padrões. Philippe Starck é um exemplo interessante. Devido ao caráter questionador de seus projetos, algumas pessoas consideram que eles não passam de obra de arte. Porém, seus projetos são produzidos e comercializados em massa e tem uma linha de consumidores cativo.

Tomemos como exemplo o famoso espremedor de limões de Philippe Starck, criado em 1990. Uma pesquisa por padrões formais na época provavelmente encontraria um cenário similar à pesquisa visual realizada acima. Os espremedores adotam formas simples, geométricas, cores luminosas ou superfície de metal brilhante.

Embora haja certa variação formal e funcional, praticamente todos os espremedores reproduzem o mesmo padrão estrutural: uma saliência para extrair o suco, uma peneira para separar as sementes e um recipiente para coletar o suco.

Existem diversas maneiras para espremer limões utilizando força manual. Cada maneira implica um tipo de manuseio diferente. Apesar da variação no manuseio, o padrão funcional de espremer limões costuma estar associado ao ator de beber o suco.

Os rascunhos do espremedor de limões de Starck foram realizados enquanto ele jantava numa pizzaria italiana. Starck havia acabado de espremer um limão em cima de um fruto do mar quando teve a ideia de fazer um espremedor diferente, que pudesse ser usado na mesa tal como um talher. Utilizou o próprio jogo americano de papel para rascunhar sua ideia. Os primeiros esboços investigam os padrões estruturais e formais já mencionados, porém, a partir de um momento ele quebra alguns desses padrões e experimenta com formas que se assemelham a uma aranha. Padrões são áreas inevitáveis do espaço de possibilidades de cada projeto. Starck não podia ignorá-los.

O Juicy Salif, criado por Starck em 1990, quebra diversos padrões, em particular o estrutural. Não há recipiente nem coador. Porém, por outro lado, reproduz padrões funcionais de manuseio e formais no uso de alumínio. Devido à articulação de sentidos de Starck, o produto adquiriu uma função simbólica tão importante que hoje ele é usado como um "conversation starter? ou item de decoração.

Vejamos então como padrões de projeto são reproduzidos em interfaces computacionais. Na minha definição, interface é uma mistura de comportamentos humanos e computacionais.

As possibilidades de comportamentos embutidas nas interfaces podem ser divididas em três níveis: forma, estrutura e função. Padrão de interação é uma estrutura recorrente em interfaces que possibilita diversas interações.

O padrão ?Puxe para atualizar? foi primeiro utilizado pelo aplicativo do Twitter que, ao mesmo tempo em que criava um novo padrão, quebrava o padrão de clicar no ícone home para atualizar o feed, uma vez que este que não era percebido pelos usuários. O padrão de ?Puxe para atualizar? logo se espalhou por outros aplicativos.

Designers curiosos e pesquisadores em Interação Humano Computador já identificaram diversos padrões de interação e registraram os mesmos em bibliotecas e linguagens.

A estrutura padronizada de catálogo dos padrões é fundamental para permitir sua compreensão, comparação e seleção.

Mesmo que o designer não conheça bibliotecas e linguagens de padrões, ele conhece diversos padrões apenas através da observação de projetos existentes na sociedade. Designers são especialistas em identificar padrões no caos aparente das interfaces.

No lado esquerdo eu identifico os principais elementos do padrão Página de Contato encontrado em websites. O projeto visual é extremamente neutro para enfatizar a estrutura do padrão. Do lado direito, há duas reproduções diferentes dessa mesma estrutura. Em cima, a página de contato do website do Papai Noel. Abaixo, a página de contato do website de uma banda de Hip-Hop. O projeto gráfico é diferente, porém a estrutura de interação é a mesma.

O projeto que se orienta por padrões estruturais permite adaptação rápida a diferentes mídias. A relativa independência da forma/função permite que os padrões se adaptem de acordo com o contexto. Compreender e adotar padrões facilita a criação de interfaces responsivas.

Uma das maiores vantagens de reproduzir padrões é o aproveitamento do conhecimento do usuário. O usuário transfere o conhecimento de interação de um aplicativo para o outro através dos padrões. Porém, quando o padrão é quebrado, o usuário precisa reaprender o novo padrão.

Existem padrões de interação que persuadem o usuário a ter determinados comportamentos. Quando fui reservar um hotel na minha última viagem, me deparei com vários desses padrões na interface do Booking, que me induzia a reservar logo. Resisti ao padrão no primeiro acesso e, quando acessei mais tarde, acabei perdendo as melhores oportunidades de hospedagem na região onde desejava. Neste caso, o projeto me persuadia a fazer algo que eu realmente queria fazer.

Padrões de interação do mau (dark patterns) induzem o usuário a fazer algo que ele não quer fazer, inibem certos comportamentos ou simplesmente confundem o usuário. Antigamente, a função de desligar o rastreamento de comportamento para customização de anúncios estava escondida dentro da opção ?About" do sistema operacional, onde o usuário não espera encontrar opções de configuração. Hoje essa opção encontra-se numa seção intitulada ?Privacy?, porém, ainda existem alguns dark patterns que reduzem a sua compreensão e proeminência na interface.

A quebra de padrões de interação provoca mudanças de comportamento no usuário que podem ser indesejadas. Por isso é importante estar consciente da quebra e de suas consequências.

A quebra do padrão de interação pode ser útil para quebrar comportamentos automatizados e insustentáveis, como a impressão do recibo de recarga do Bilhete Único de São Paulo (foto: Pedro Cacique). O botão Sim colorido de vermelho parece, à primeira vista, um botão de cancelar, o que induz o usuário a não imprimir o recibo.

Quebrar padrões também pode ser interessante para criar surpresas agradáveis ao usuário, tornando a experiência mais customizada e única. Interfaces que seguem à risca padrões de interação acabam se tornando previsíveis demais. A interface do iOS, por exemplo, já não apresenta novos padrões há várias versões, o que não causa mais o encanto de outrora com as novidades da Apple.

Outro motivo para quebrar padrões é que não há garantia nenhuma de que, somente por seguí-los, a interface será boa do ponto de vista do usuário. A interface do Microsoft Word 2003 reproduzia todos os padrões de interação esperados para sua época, porém, não era uma articulação de padrões bem resolvida. Havia muito pouco espaço para o usuário focar na sua tarefa.

A Microsoft percebeu o problema e resolveu redesenhar do zero todas as interfaces do Offfice. O Office 2007 quebrou diversos padrões de interação, porém, estabeleceu um novo padrão muito mais usável que segue até hoje, 10 anos depois. Quebrar padrões é a melhor maneira para estabelecer novos padrões.

Embora hajam boas razões para quebrar padrões, organizações sempre preferem que você siga padrões, pois assim elas podem controlar melhor a qualidade do trabalho dos projetistas. Além disso, existem algumas vantagens específicas para organizações.

Padrões facilitam a comunicação e construção de conceitos numa equipe multidisciplinar, pois dão nome a coisas que as pessoas compreendem de maneira tácita. Quando há um vocabulário comum, as pessoas podem construir conhecimento colaborativo.

A percepção do usuário sobre padrões de interação, mesmo que tácita, contribuem para o branding da experiência da marca. As pessoas reconhecem uma marca pela consistência adotada nas interfaces digitais. Por esse motivo, grandes empresas criam bibliotecas de padrões customizadas para seu uso de modo a estimular os projetistas a manterem a experiência consistente nos diferentes pontos de contato. A Yahoo foi pioneira em construir uma biblioteca de padrões de interação integrada a uma biblioteca de padrões de projeto com códigos em Javascript para implementar os componentes.

As bibliotecas de padrões em grandes organizações estão evoluindo para sistemas projetuais (design systems). É possível construir sistemas como esse utilizando softwares como o UXPin, que permite definir padrões de cores, tipografia e código para componentes de interface.

Sistemas projetuais baseados em padrões não são novidade. Sistemas de sinalização já existem há muitas décadas. Os projetos baseados em sistemas priorizam a compreensão do usuário. Devido ao seu alto grau de consistência, acabaram se tornando parte e até mesmo um símbolo da infraestrutura urbana.

O problema de muitos sistemas projetuais é que eles reduzem padrões de interação a componentes padronizados. O mesmo padrão de interação pode ser reproduzido com diferentes componentes e, por outro lado, os componentes mudam e o padrão permanece. A caracterização do padrão é feita por texto descritivo e não por componentes visuais.

Na minha visão, padrões devem servir como referência de projeto e não como norma. Projetistas devem ter liberdade para quebrar e articular padrões, do contrário, sua evolução fica comprometida. Na Apple Developer Academy eu disponibilizo diversas coleções de padrões para que os estudantes conheçam as possibilidades, mas de maneira nenhuma queremos obrigá-los a utilizar estes padrões.

Há alguns anos propus na Plataforma Corais uma ferramenta para projetar interfaces com padrões de interação com esse grau de liberdade, o ProtoPattern. Os componentes de interface oferecidos pela ferramenta teriam também conhecimento colaborativo associado, permitindo ao projetista compreender melhor sua aplicação.

De posse de informações construídas pela comunidade, seria possível gerar interfaces à partir de requisitos.

O ProtoPattern estaria ligado a uma wiki sobre aplicabilidade e usabilidade do padrão de interação. Projetistas de diferentes organizações poderiam discutir os padrões de interação enquanto os aplicam nos projetos.

O conceito de design pattern ou padrão de projeto foi proposto primeiramente por Christopher Alexander em 1964 no livro Notes on the Synthesis of Form. Lá ele demonstra que todas as construções humanas já reproduzem padrões. No exemplo da imagem, ele mostra que um vilarejo é constituído de partes dependentes: pasto e celeiro, plantações, escolas e rios manejados. Alexander propunha que esses padrões fossem decompostos até suas formas mais abstratas, tal como conceitos matemáticos.

Alexander propôs um método de projeto baseado na decomposição de problemas em partes e composição de soluções em todos organizados. Após tentar aplicar essa abordagem matemática em projetos práticos de Arquitetura, ele acabou percebendo que a decomposição acabava prejudicando a visão do todo e o excesso de racionalidade impedia de ver aspectos importantes de projeto. Sua visão sobre os padrões evoluiu muito nos livros subsequentes que ele escreveu sobre o assunto.

Podemos identificar uma variação do método de Alexander na proposta de Design Atômico de Brad Frost (2013). Frost propõe que as interfaces sejam primeiramente projetadas em seus menores componentes, os chamados átomos. Ao invés de tentar resolver a tela de uma vez só, a orientação do método é de construir primeiro o sistema projetual para depois ir, aos poucos, agregando átomos em moléculas e moléculas em organismos. Seguindo essa sequência, é possível construir templates flexíveis e robustos para diversas interfaces.

A ideia básica do Design Atômico (e da proposta de Alexander) é criar uma etapa intermediária de sistematização das possibilidades de um projeto antes de desenvolver a solução. Isso é o equivalente à ordenação das peças de Lego antes de montar o modelo desejado. A vantagem de ordenar as peças é que agiliza o projeto de vários modelos diferentes.

Baseado no método de Alexander, proponho um processo de design de interfaces com cinco etapas.

A identificação de padrões requer avidez por observar exemplos, percebendo as estruturas que estão por trás dos projetos. Eventualmente, o projetista pode querer documentar o padrão em anotações no seu caderno ou em sistemas projetuais.

A seleção de padrões começa pela definição de necessidades de maneira abstrata. Ao invés de definir a necessidade de um botão, define-se a necessidade de uma ação. Com essa definição de necessidade do ponto de vista do usuário, o número de padrões considerados aumenta e a solução pode ser menos convencional. Ao consultar padrões em bibliotecas de padrões, é interessante elaborar uma lista com padrões promissores para o projeto antes mesmo de compor a interface. Essa lista pode servir como um lembrete ou guia para o projeto.

A articulação de padrões começa pelo agrupamento de padrões por função, formando componentes e áreas da interface. Nem sempre os padrões encaixam uns com os outros, o que demanda adaptação para o contexto. É importante manter sempre uma visão do todo para que a interface atinga alto grau de consistência. Experimentar alternativas é fundamental para esse propósito.

Testes de padrões podem ser feitos de diferentes maneiras. Testes A/B são testes automatizados em interfaces web. Embora eles permitam a comparação da taxa de conversão de um padrão para outro, ele não permite compreender os motivos do comportamento do usuário, o que limita a avaliação. Testes de usabilidade são mais indicados, em particular, utilizando a ferramenta de eyetracking. Um foco de atenção muito grande numa determinada região da interface sugere que o padrão não está sendo reconhecido. Padrões fortes não exigem muitas sacadas de olho do usuário para sua compreensão. Eles são figuras tão familiares que a visão periférica consegue reconhecê-los.

O aprendizado por padrões é uma necessidade constante, pois os padrões mudam ao longo do tempo. A principal vantagem dos padrões é que eles organizam o conhecimento sobre design de interface de uma maneira que pode ser inclusive compartilhado por uma equipe. É importante, entretanto, ressaltar que o conhecimento de um indivíduo ou de uma equipe sempre vai estar aquém do conhecimento distribuído entre os diversos projetistas de interface da sociedade. Padrões são estruturas reproduzidas pela sociedade através do trabalho de indivíduos, mesmo que estes não tenham conhecimento claro sobre isso. O aprendizado por padrões estimula a consciência desse processo.

Made with Keynote Extractor.

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]]> 1034 Design de Interação Tue, 06 Feb 2018 09:33:57 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/interacao_humano_computador_e_design_participativo.html Design Participativo é uma abordagem para desenvolver sistemas computacionais com a participação de comunidades visando, com isto, aumentar sua capacidade de apropriação tecnológica. No momento atual de transição para uma Sociedade Civil, a participação em projetos aparece como um maneira de fortalecer a democracia através do agonismo, uma maneira de projetar que não exige consenso para avançar. Se computadores forem projetados de maneira agonística, é possível que também possam suportar o agonismo na sociedade como um todo.

Contribuição à uma mesa redonda sobre Interdisciplinaridade em IHC no evento Interações organizado pelo projeto Onda Digital na UFBA em 31/01/2018.

Slides

Áudio

Interação Humano Computador e Design Participativo [MP3] 28 min

Transcrição

Transcrição gentilmente realizada pela leitora Monica Santos.

Para falar sobre a relação contemporânea entre a interação humano-computador e o design participativo, é necessário voltar um pouco na história recente. A partir dos anos 60, observa-se uma mudança cultural na sociedade: A transição da sociedade de massa para a sociedade civil.

Os princípios básicos da Sociedade de Massa são o consumo, a submissão e a aceitação. Já na Sociedade Civil, as concepções são a recreação, a participação e a crítica. Atualmente, a sociedade presencia um movimento híbrido, onde se pode observar a transição, quando o cidadão tem uma individualidade, além da possibilidade de contribuição para o destino do coletivo.

Essa mudança pode ser dividida em três relações específicas:

A primeira está na mudança da relação entre o Estado e a sociedade, que caracteriza em uma crise da representação política, onde um grupo muito pequeno de pessoas representa as demais em uma democracia. Esse modelo de relação já não é justificável e aceitável para boa parte da população. Como exemplo, se pode citar a crise política ocorrida no Brasil em 2013, onde os cidadãos questionaram e levantaram a bandeira do "Não me representa".

Nós temos o maior acesso à informação para as pessoas verificarem que aquilo que o político fala eventualmente o Estado fala eventualmente não confere com a realidade e pode por outro lado também fiscalizar o Estado e o Estado tem cada vez maior tentativa de privatizar de colocar no âmbito privado seus serviços e através também de parcerias com organizações da sociedade civil.

Outra relação que eu quero pontuar mudanças é na relação entre organização e trabalhadores. Então você tem uma fragmentação das profissões cada vez profissões mais especializadas. Um dos motivos ou talvez uma das consequências é a fragmentação dos próprios trabalhadores enquanto classe. Então é muito difícil hoje um sindicato se manter porque tem ele professores não tem mais um sindicato dos operários para proteger os seus direitos e granjear uma margem boa de negociação perante os patrões. Por outro lado existe uma valorização muito grande do capital intelectual. Então hoje o trabalhador ele é chamado de colaborador e muitas vezes ele até. graças a esse capital intelectual que ele traz para a organização. Ele tem acesso ao os lucros da participação nos lucros da organização que é também muito grande até hoje o trabalhador. Ele também é um sócio da empresa em que ele trabalha.

Por fim, mudou também a relação entre empresas clientes. Aqui é onde mais aparece a interação humano computador. Os clientes estão mais críticos. Por outro lado mais organizados em sites como o Reclame Aqui. associação de consumidores e nas próprias redes sociais as pessoas se unem pra fazer a imagem de uma marca e para uma situação negativa. quando essa marca não oferece produtos serviços muito de baixa qualidade

O estado ele intervém mais nessa relação do que antigamente ele cria normas e regulamentações cada vez mais definidas. As agências também definindo padrões em função da defesa do consumidor.

E você tem a experiência do usuário aparecendo como um grande diferencial porque o número de ofertas ofertas se diversificou as pessoas podem escolher o que elas querem consumir e elas tendem a escolher aquilo dá mais satisfação pra elas.

Então são essas três situações principais que estão pontuando que vão dar origem ao design participativo e participativo não é exclusivo da computação mesmo ter utilizado em três áreas pelo menos três áreas diferentes.

Começo falando arquitetura que segundo os meus estudos a área que começou primeiro a utilizar esse tempo design participativo ou também muitas vezes como sinônimo de design baseado em comunidade ou Community Design. Henry Sanoff, Stanley King, Paul Davidoff e no Brasil, Sérgio Ferro já falavam da importância da participação dos usuários no projeto arquitetônico desde os anos 50/60.

No design de produto também existe um movimento similar que também utiliza o termo design participativo: Victor Papanek, Ezio Manzini, Liz Sanders e Rita Couto, brasileira da Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, são pessoas que enfatizaram a importância da participação dos usuários na criação de produtos ou serviços colocando como benefício principal de que esses serviços produtos seriam mais adequados às suas necessidades.

Agora o foco da minha apresentação é o design participativo na computação: Pelle Ehn, Susanne Bodker, Michael Muller, Thomas Binder e Cecília Matanauskas, que embora não utilize diretamente esse termo eu colocaria digamos dentro desse movimento de design participativo que é um movimento de caráter inspirado muito numa premissa ética e não uma premissa funcional ou uma premissa política como era nos outros movimentos que diz respeito a tentar incluir mais pessoas no projeto porque essas pessoas como o processo participação aprendam algo sobre computação e possam utilizar essa computação nas suas dinâmicas nas suas atividades.

Então pioneiro nessa área que eu destaco eu o com uma pessoa que eu tive a oportunidade de trabalhar lá na Holanda dando um curso em parceria com Universidade de Twente. Foi também membro da minha banca de doutorado. Ele teve a oportunidade de começar esse movimento em 1980 quando os sindicatos procuraram os centros de pesquisa em computação. Isso aconteceu em vários lugares da Escandinávia para ajudar no processo de negociação frente aos patrões por mudanças no sistema de trabalho mudanças nas tecnologias existe uma lei que os sindicatos conquistaram de que eles tinham que ser envolvidos em qualquer mudança tecnológica nas empresas em que os operários trabalhavam e a partir disso começa uma abordagem de projeto que tenta ajudar esses trabalhadores a terem uma capacidade maior de autodeterminar a maneira como eles vão trabalhar

Um dos tópicos principais do design participativo quando ainda utilizava esse nome é a relação entre computadores e democracia. Levantou-se que os computadores eles eram fundamentais para uma sociedade mais democrática já que o computador é uma ferramenta que seria utilizada em várias áreas de trabalho. E ele iria reunir informações e distribuir trabalho. Ele deveria ser gerido e projetado democraticamente. Então começa um movimento Computers for Democracy. Funda se uma sociedade chamada Computer Professionals for Social Responsibility. Não lembro exatamente o título que depois vai organizar uma conferência design participativo e os três pontos principais que eles levantam esse movimento é que os computadores fornecem restringe ou também escondem a informação. Computadores podem ser utilizados para organizar. Por outro lado pode se usados para vigiar as pessoas controlar e manipular. Eles podem por outro lado ser projetados para promover a apropriação social por coletivos democráticos que estão conscientes desse papel.

Essa faca de dois gumes que são os computadores as primeiras pesquisas em design participativo começam a discutir o processo que a qualidade do processo de projeto deveria ser democrático então começa a se distinguir entre um processo democrático ideal que você tem uma e uma fase de deliberação que nós vamos fazer o que nós vamos construir tem uma fase de decisão de todo mundo. Participação pode manifestar e essa decisão impacta na escolha coletiva de uma fase de co-criação que não se decide mas se constrói opções em que se modela colaborativamente colocando a mão na massa e por fim tem um mutirão onde as pessoas vão lá e implementam o que elas decidiram o que elas deliberaram juntas fazer. Porém na prática esse processo raramente acontece de maneira fluida.

Existem divergências em vários momentos e às vezes atores externos condições que modificam o trabalho de design participativo que impedem que esse processo seja fluido. Isso é natural e é esperado de qualquer processo participativo. que As pessoas enfrentem conflitos e problemas que vão desagregar os coletivos então isso é a realidade. Isso pesquisa em design participativo sempre tenta enfatizar essa realidade para de maneira bem pragmática tentar aprender com elas e um próximo projeto lidar melhor com essas essas divergências dificuldades

Existem também algumas algumas desculpas digamos assim muito comuns para não se fazer design participativo, que são frequentemente identificadas na literatura. São argumentos e justificativas que parecem muito racionais do tipo mas temos que fazer assim. Infelizmente não há dinheiro para justificar para pagar a participação. Não há tempo não dá. Não há outra maneira.

O projeto participativo ele não só propõe uma maneira de fazer democraticamente como também constrói uma crítica aos processos antidemocráticos e os mais perigosos que são aqueles que se dizem democráticos e não são é o que eu chamo de pseudo-participação.

Eu identifico aqui três principais estilos de pseudo participação. Vale a pena ficar atentos para ver se vocês um dia não sao envolvidos incluídos em processos desses para fazer a crítica. Estou mergulhado no Brasil agora está na moda. Tokenismo porque o que significa isso. Você envolve uma pessoa de cada tipo de público ou de cada cor de pele ou de cada etnia. E aí coloca todas essas pessoas numa mesa. Parece que elas estão participando. Elas têm oportunidade de falar. No final quem toma a decisão é uma outra pessoa. E depois esse processo é aquele processo participativo não tem efeito real na tomada de decisão não impacta não muda não transforma. Então isso se chama tokenismo muito forte hoje na nossa pseudo democracia que está se formando no Brasil.

Outra também está muito na moda está voltando aí ou talvez nunca foi embora: Demagogia é o que significa uma pessoa faz um discurso defende o bem comum mas na verdade ela está apenas interessada em defender seus próprios interesses ou interesses de um grupo menor e utiliza pra isso pra convencer dos outros artimanhas de retórica política.

E por fim o que está crescendo cada vez maior que é o que quer redefinir o significado de democracia como a ditadura da maioria. Não é isso o significado da democracia. Ditadura da maioria é uma redução da democracia para um processo de decisão numérico que não é democracia. Democracia é um processo de entendimento mútuo de compreensão de deliberação e não simplesmente de você vai ter que aceitar porque você não participou porque você foi vencido um voto. Isso não é democracia. Agora tomem cuidado se forem envolvidos em processos desse

Até aqui eu estava falando então sobre as questões mais práticas. Não Estava teorizando muito a crise da democracia. Não vou ter tempo pra fazer isso mas só cito quatro grandes pontos que teorizam essa crise da democracia. O fim das grandes narrativas do Jean François Lyotard. Ele fala que as pessoas hoje no final do século 20 deixaram de acreditar que era possível uma sociedade melhor, utópica, a União Soviética entra em colapso. As pessoas não acreditam mais por exemplo no socialismo como uma alternativa democrática ou uma alternativa para uma sociedade melhor. Então ninguém mais acredita em nada.

A acumulação excessiva de capital financeiro em especial pelos %1 da população detendo a maior parte da riqueza da sociedade isso diminui cria riscos de que afeta a democracia porque as pessoas não têm mais dinheiro não conseguem mais ter acesso à informação votam nos demagogos esses demagogos eventualmente podem se tornar governantes totalitários. Neoliberalismo que desconstrói, que acaba com a ideia de Estado que cria privatizações as pessoas ficam sem ter um órgão que tem a função de oferecer informação neutra digamos assim da população e o crescimento do antagonismo.

Há uma análise interessante da Chantal Mouffe que eu vou adentrar aqui. Segundo Chantal Mouffe o antagonismo está crescendo porque existe um vácuo deixado na política pela falta de identificação com os representantes. Então as pessoas dizem "o povo unido não precisa de partido" muita gente dizendo que "se todos os políticos são corruptos então vamos acabar com a política e fechar a política" como na computação existe uma utopia de que a gente pode implementar um sistema de governo totalmente digital. Todo mundo pode votar o que quer fazer o que você precisa mais ter representantes. Você governa pela ditadura da maioria digital. Quem consegue acessar os sistemas isso descobrir entender as opções não vota. Você tem um sistema mais que uma máquina no lugar do Estado uma máquina que é gerida pela pelo crawdy. Tem inclusive Partido Pirata que defende essa cabeça essa no Brasil em outros lugares do mundo mas continua na análise da Chantal Mouffe ela diz que esse déficit de identificação se deve não se deve à falta para a prática de consensualizar de centro que dilui o embate político em troca de acordos pela governabilidade.

Aqui está uma imagem muito curiosa a ideia da comemoração do décimo quinto ano de atualização da parceria PMDB-PT que hoje em dia já não existe mais tão forte mas parece estar voltando de novo. Curiosamente depois do golpe, então essa mistura entre partidos de esquerda e direita pra governar para fazer a coisa governar faz as pessoas acreditarem mais que existe realmente uma esquerda uma direita. é o que acontece?

As próprias pessoas começam a encarnar o debate político há um antagonismo a divergência de ideias que deveria ser executada e que antes era executada pelos políticos hoje é feita pelas próprias pessoas que todo mundo vira político. Todo mundo vira juiz todo mundo vira militar nas redes sociais. Todos os três poderes estão em uma pessoa só. E as pessoas criam embates políticos intermináveis que geram uma audiência magnífica para as redes sociais que promovem também a geração de capitais financeiros capitais intangíveis como a atenção que as pessoas dedicam a essas polêmicas informações veiculadas nas redes sociais.

Na computação se busca alternativas para isso esse é um problema conhecido e na computação enfatiza se muito as redes distribuídas não centralizadas como uma alternativa para evitar esse tipo de problema de algoritmos que manipulam a sociedade. A diáspora talvez seja a rede social alternativa que mais se desenvolveu até agora só que apesar de ser código aberto e ser distribuído tem um sistema federado e não ter resolvido esse problema do antagonismo porque há um projeto basicamente de interface o mesmo do Facebook que não tem muita diferença e a maneira como foi apresentado também foi parecido com o Facebook. Um grupo de especialistas que projeta para uma maioria muito grande sem ter uma interação sem ter uma participação no projeto sem ter um processo de entender o que quer que aquela tecnologia e como ela impacta no dia a dia dos seus próprios usuários. E esse debate deveria ser conduzido pelos próprios usuários.

Então eu acompanho o projeto que vem aí há alguns anos já do grupo ligado ao movimento de cultura digital no Brasil desenvolver várias ferramentas de participação social digital é uma delas que eu acho bem interessante é o Pólis que tenta evitar essa polarização do antagonismo através de uma visualização de grupos de interesse de pessoas que têm opiniões similares mas sem forçar que elas mudem de opinião ou que elas anulem uma opinião pela outra. Então você tem um mapa com opiniões similares pelas pessoas pela construído a partir do input do concordar ou não concordar com algumas moções. Um sistema de debate aberto com visualização digital.

Isso aí é o que a Chantal Mouffe tem chamado de agonismo que é um sistema um espaço que permite que pessoas com opiniões completamente diferentes se encontram e debatam e aceitem o fato de que elas não concordam. No entanto elas conseguem fazer coisas juntas mas não posso deixar de concordar. Eu não posso deixar de discordar e gerar um consenso para que a democracia continue, pelo contrário elas gostam de debater com quem tem uma opinião contrária porque a partir desse debate surgem novas ideias, isso é o agonismo

Uma das maneiras que o design participativo implementa o agonismo é através de objetos compartilhados: Então na fala a gente ses identifica muito que a gente fala. Eu sou o que eu digo. Então se você critica o que eu falei eu posso ficar chateado porque eu me confundo com o que eu digo. Porém se a gente cria um objeto eu coloco o objeto no mundo e falo olha esse objeto aqui é minha ideia. Daqui a pouco me deixa. Eu já pensei outra coisa mas o objeto continua lá é aquele objeto muda outra pessoa vai lá e coloca em cima já não é mais uma ideia compartilhada que a gente está construindo. Então esses objetos mediadores que a gente utiliza objetos compartilhados são fundamentais para criar uma modo de interação humana. Modos de deliberação agonista em que as pessoas elas não concordam mas elas vão construindo alguma coisa.

Softwares podem representar objetos compartilhados, Porém a representação desse software tem que ser expansiva e não redutiva. O que é uma expansão uma representação expansiva:? quer dizer que ela tem múltiplos modos de visualização não reduz tudo a números porque inúmeras são ferramentas extremamente flexíveis para fazer várias coisas mas muitas vezes não tem significado para as pessoas.

Então é uma representação expansiva ele pega o número e transforma esse número numa outra representação que as pessoas conseguem manipular consegue entender em diferentes modos. Aqui eu estou mostrando um sistema de planejamento de rotina de trabalho no hospital que a gente desenvolveu lá na Universidade de Twente. Você tem um espaço que uma enfermeira faz para atender o paciente. Você tem a ponto de vista da enfermeira e você tem uma visualização geral dos vários fluxos passando para diferentes partes do hospital. O resultado dessa representação expansiva é uma avaliação e uma modificação do projeto arquitetônico do hospital.

Essa mesma visualização pode ser feita também de maneira Low tech baixo tecnologia usando materiais de escritório. Eu chamo isso do jogo de tricô em que você desenha os caminhos que os pacientes estão fazendo naquele espaço. No caso desse projeto de um centro médico que tinha na universidade feita essa visualização gerou uma tal preocupação com segurança do paciente que o projeto acabou sendo cancelado. Então gerou uma ação coletiva dos usuários de barrar aquele projeto

No lugar desse Centro Médico da Universidade de Twente acabou construindo o Design Lab, que é um centro de inovação multidisciplinar e que várias áreas da universidade se juntou para construir projetos colaborativos. Porém logo que foi lançado ele ficava vazio. Design Lab porque a universidade não tinha tradição em projetos interdisciplinares então não adiantava ter o espaço, precisava ter a prática.

E eles chamaram por minha indicação o professor Pelle Ehn para dar um curso nesse laboratório. A gente bolou uma intervenção para gerar essa colaboração multidisciplinar disciplinar que era uma apropriação do espaço para uma uma espécie de uma rede de design colaborativo design participativo. Então a gente propôs para a organização do laboraório ficar uma noite inteira lá dentro construindo protótipos fazendo coisas divertidas tendo um tempo bacana inaugurando aquele espaço como um espaço de convivência.

A direção do Design Lab leve na época negou vetou o evento mas os estudantes fizeram assim mesmo. Eles tinham a chave tinham os métodos para entrar lá no laboratório. O evento foi chamado de Guanabana. Eles divulgaram entre os estudantes da universidade. Foi uma zona. Bastante bebida, bastante brincadeira, bastante criação, poesia, música e várias coisas bacanas aconteceram naquela noite. Porém, no dia seguinte, o estudante que tinha a chave pois era o monitor do laboratório, foi punido com duas semanas de suspensão.

A gente conversou, a gente apresentou resultados tentou mudar a visão da universidade e hoje quase três anos depois desse incidente o design leve tem uma makers night oficial, em que as pessoas são convidadas a ir lá no Design Lab pra construir coisas pra se divertir. A origem digamos desse evento está obviamente no Guanabana, que foi um evento subversivo que aconteceu lá.

Explicando isso tudo de maneira teórica. Aqui você tem uma representação expansiva tensões estão na sociedade se acumulando que vêm à tona as pessoas têm que agir. Isso não é algo ruim é uma força de mudança. Era necessário que o Design Lab mudasse, porque não poderia ficar toda aquela infra estrutura sendo gasta sem utilização adequada. O Design Lab se propõe a inclusão de pessoas diversas no projeto.

Para que essas contradições apareçam, é preciso o corpo unificado das pessoas. Você tem uma maneira de falar de agir de conscientizar se é que elas existem e essas mudanças elas acontecem quando as pessoas se envolvem de corpo e alma, quando elas estão lá de corpo inteiro participando do processo do projeto.

Eu utilizo bastante o Teatro do Oprimido com o método pra compor e ficar com tradições. Aqui nós vemos um estudante de design digital expressando a contradição de gostar de jogar jogos de video game mas tem que fazer os trabalhos da faculdade que no caso, está do lado esquerdo, representado pelo rapaz com um chapéu de bobo no lado direito. Do lado direito, você tem a pressão do mercado de trabalho pro estudante estudar para ganhar dinheiro. Por trás, temos um rapaz com a venda nos olhos que representa o sono. Então esse é o momento do estudante de Design Digital mostrar o cotidiano dele e os desafios que tem esse cotidiano com o corpo todo. Depois a gente fez uma série de dinâmicas para ensaiar como quebrar os padrões de interação que geram esse tipo de comportamento.

Se quer transformar contradição em si tem que quebrar padrões traçando não somente seguir eles que estão nas guidelines eles porque são as melhores maneiras de se fazer a experiência do usuário. O Orkut começou o Orkut a rede social que existia antigamente antes do Facebook. Perguntava se qual era sua orientação sexual. Hoje o Facebook pergunta sobre seu gênero permite que você customizar esse gênero que você quiser dando mais opções para as pessoas superarem a contradição que existe entre orientação sexual e gênero na nossa sociedade.

Então por fim, interfaces projetadas com a participação de pessoas diversas na minha visão muda a esperança de uma sociedade melhor. No caso aqui está o que eu considerei como a minha obra prima de Projeto Interação que é a Plataforma Corais e várias coisas bacanas que ela oferece. Uma delas é um sistema de banco social que impede a acumulação de capital até um certo limite. Ou seja, ninguém pode ser muito mais rico do que as outras nem muito pobre. É uma visão utópica de que a sociedade poderia ser assim.

Então recomendo alguns livros de design participativo. O caso está aí um livro brasileiro editado pela professora Baranauskas músicas que já mencionei anteriormente com o Codesign de Redes digitais; Making Futures que é o último livro editado pelo Pell Ehn; e o Convivial Toolbox que é um livro bem prático sobre design participativo.

Então, por fim, situações e projetos quem faz sentido é participativo. O design não foi ainda finalizado. O motivo do design no projeto tem que ser público, ou seja, tem que ser algo de interesse de várias pessoas. Os poderosos querem compartilhar poder. Vocês também são pessoas que projetam sistemas e têm um poder muito grande. Eventualmente vocês querem compartilhar esse poder, ou por outro lado, você pode estar do lado dos oprimidos, das pessoas que querem conquistar esse poder e querem lutar contra aqueles que não lhes dão espaço. E por fim, o sucesso do projeto depende do compromisso dessas pessoas interessadas. Não adianta ter a tecnologia sem ter o uso dela.

Exportado com Keynote Extractor.

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]]> 1033 Design Participativo Fri, 02 Feb 2018 16:58:05 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/projetando_uma_plataforma_para_autogestao.html Autogestão é um prática de organização de coletivos que rejeita a existência de chefes e especialistas em gestão. Qualquer integrante do coletivo tem autonomia para iniciar ações, tomar decisões e fiscalizar, porém, em consonância com  objetivos comuns definidos pelo coletivo. A Plataforma Corais oferece ferramentas colaborativas para praticar a autogestão desde 2011. Com mais de 600 projetos autogeridos e 5000 pessoas cadastradas, ela representa hoje uma alternativa consolidada para organizar coletivos autogeridos que fazem questão de usar software livre e design livre.

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Download dos slides [PDF]

Palestra apresentada para o grupo de estudos Sociedades Solidárias da PUCPR.

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Projetando uma plataforma para autogestão MP3 49 minutos

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]]> 1031 Podcast Wed, 20 Dec 2017 07:47:52 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/gamificacao_e_brincadeira_no_ambiente_de_trabalho.html Gamificação consiste na aplicação de elementos de jogos, tais como avatares, pontuação e fases em atividades de trabalho, com o objetivo de tornar essas atividades mais motivadoras. Além da gamificação, existem diversas abordagens que incentivam que os colaboradores de uma organização divirtam-se enquanto trabalham: sala de jogos, gamestorming, jogos sérios e decoração personalizada. De um modo geral, a brincadeira no ambiente de trabalho contribui para que as pessoas se sintam mais à vontade para se expressar, permitindo que ideias inovadoras aflorem tanto em conversas formais quanto em informais. Por outro lado, permite também que venham à tona conflitos e tensões que precisam ser superados. Esta palestra mostra como usar a brincadeira em seus diversos formatos para tornar o ambiente de trabalho mais divertido, inovador e, ao mesmo tempo, sincero.

Slides

Palestra apresentada na Celepar por ocasião da criação de uma diretoria de gamificação.

Áudio

Gamificação e brincadeira no ambiente de trabalho [MP3] 40 minutos

Transcrição

Gamificação é uma aplicação de elementos de jogos em atividades que não visam necessariamente o entretenimento. Você pode até se divertir ao participar dessa atividade, mas não é esse o foco. A diversão e o prazer servem como meio para motivar as pessoas a fazer produzir alguma coisa, criar alguma coisa ou fazer alguma coisa.

Um bom exemplo é o Duolingo, um aplicativo para aprender línguas que aproveita seu conhecimento da língua materna. O aplicativo propõe uma série de desafios práticos de uso da língua que se parecem com jogos. O desafio é resolvido sem a ajuda de outras pessoas para avaliar. O sistema avalia o usuário através da média das respostas dos demais usuários. Na medida em que o usuário vence o desafio, ele acumula pontos e ganha medalhas que demonstram o seu nível de conhecimento daquela língua. A gamificação do Duolingo serve para resolver um problema clássico do aprendizado: refletir sobre o próprio aprendizado e distinguir o que já se sabe do que falta saber.

Apesar de ser um excelente exemplo, a gamificação do Duolingo não pode ser aplicada em todos os domínios do conhecimento. No caso das línguas estrangeiras, o conhecimento já se encontra bem mapeado. Em contraste, existem inúmeras áreas do conhecimento que não dispõem de sistematização e mapeamento suficiente para definir uma escala de progressão e critérios precisos de avaliação.

Outro exemplo interessante é o FoldIt, que também aproveita um domínio do conhecimento onde existem estruturas bem conhecidas: a síntese de proteínas artificiais. Os engenheiros genéticos já sabem muitas coisas sobre o enrolamento de proteínas, porém, eles não conhecem todas as combinações possíveis e seus efeitos. Novos enrolamentos podem ser úteis para criar drogas para o tratamento de doenças atualmente incuráveis. Visando explorar as combinações, pesquisadores de diversas Universidades estadunidenses criaram um jogo online internautas colaborarem com a pesquisa de drogas, criando modelos de proteínas e testando sua performance num ambiente simulado. As explorações dos internautas já contribuíram para a cura de diversas doenças, como por exemplo, no mapeamento de proteínas do vírus HIV.

O terceiro exemplo é um tanto diferente: trata-se da gamificação de processos de trabalho. O planejamento participativo da Agência PUC realizado em 2017 pode ser considerado um planejamento gamificado. Na PUCPR, a Agência é responsável pelo processo que parte de uma ideia de um pesquisador, passa por uma patente e chega num negócio ou em uma startup. Decidimos usar jogos no planejamento participativo para incluir dezenas de pessoas no planejamento do futuro da Agência de uma maneira divertida e organizada.

Por incrível que pareça, a gamificação não tem sua origem nos países capitalistas. Os primeiros sistemas que implementaram a gamificação (com outros nomes) surgiram em países socialistas, no intuito de promover uma espécie de competição artificial entre empresas governamentais e trabalhadores. Cada entrega dos trabalhadores era mensurada e acumulava pontos. Quando atingia certo nível, o trabalhador ganhava uma medalha ou um prêmio, tal como um pacote turístico de férias.

Porque a gamificação surgiu nesse contexto? Numa sociedade socialista existe uma grande ênfase na colaboração; cada um trabalha e faz a sua parte para construir uma grande sociedade. Não há a necessidade nem o incentivo para criar mais valor do que seus colegas. Uma pessoa que inova não pode acumular capital a partir do valor gerado, sendo assim, não há incentivos para inovar. A história é conhecida e a União Soviética acabou, em partes, indo ao colapso no final dos anos 1980 devido a esses problemas.

Eu acredito que o principal problema, na verdade, foi a burocracia excessiva causada pela falta de inovação. O servidor público segue uma série de regras sem se perguntar por que faz isso, ou seja, sem perceber o benefício do serviço público ao cidadão. Isso acontece porque o sistema de recompensa não focaliza no objetivo final, que é atender o cidadão, mas sim na competição interna socialista que não garante benefício direto ao cidadão. A gamificação não resolve problemas se for aplicada de maneira simplória. Ela precisa ser muito bem pensada a partir das motivações que as pessoas têm.

O trabalho na sociedade capitalista também possui problemas graves, porém, muito diferentes da sociedade socialista. A ênfase é na competição. Desde cedo, somos incentivados por nossas famílias a competir, por exemplo, nos esportes e a colaboração acaba sendo um valor secundário. A competição é mensurada por resultados quantitativos de nossas atividades, tal como a quantidade de gols numa partida de futebol. Medidas quantitativas, embora ofereçam feedback rápido do trabalho, não geram sentido satisfatório. Diversos experimentos gerenciais apontam que aumentos salariais não motivam os trabalhos a aumentarem a qualidade do trabalho. Por esses e outros motivos, a qualidade na sociedade capitalista acaba ficando em segundo plano em relação à quantidade.

A qualidade do trabalho está ligada ao afeto, emoção e sentimentos. É preciso sentir para perceber a qualidade, porém, em ambas as sociedades, isso não é incentivado. Existe um preconceito tanto na sociedade capitalista quanto na socialista de que trabalho não deve dar prazer. O trabalhador deve sofrer durante o horário de trabalho e se quiser sentir prazer deve fazer isso somente fora do horário de trabalho.

O problema desse preconceito é que as pessoas não se realizam fazendo o trabalho pois não obtém prazer do mesmo. No caso de trabalhadores de programação, é comum que eles só sintam prazer em projetos pessoais feitos como hobbie nas suas casas. A linguagem Processing é muito utilizada por programadores que gostam de criar arte a partir de códigos, um prazer que é rechaçado em fábricas de software. Na PUCPR nós temos um ateliê de software que incentiva, ao contrário, que os estudantes tenham prazer programando aplicativos para dispositivos móveis e, desse modo, gerem inovação.

Uma empresa que tem demonstrado publicamente essa ligação entre prazer e inovação é a Google. Apesar de existir há duas décadas, o ambiente de trabalho ainda é leve e descontraído. Quando um visitante adentra uma sede da Google, não tem a sensação de entrar em um escritório tradicional, mas sim numa Universidade ou em um parque de diversão. As pessoas amam trabalhar no Google e isso não impede a empresa de ser lucrativa.

Existem diversas maneiras como as pessoas obtém prazer no trabalho. As pessoas podem gostar de interagir com colegas, resolver problemas complexos que ninguém consegue, criar coisas inovadoras e realizar propósitos motivadore (fazer algo que se gosta ou se acha importante).

Por outro lado, a dor é inerente ao trabalho, seja ela de natureza fisiológica ou psicológica. Por exemplo, a pressão dos colegas pedindo para você fazer coisas que você não sabe ou não tem tempo suficiente para fazer bem feito. O resultado disso costuma ser as inevitáveis falhas e frustrações. Quando as pessoas tentam prevenir falhas, elas costumam entrar em conflito devido à dificuldade de prever o que vai acontecer. A pior de todas as dores talvez seja a falta de significado do trabalho ou a consciência pesada de fazer algo que não se concorda ou se acredita.

O prazer e a dor são inerentes ao trabalho, porém, nem sempre as empresas canalizam estas emoções para algo produtivo. Jogos, brincadeiras, gamificação e outras abordagens lúdicas servem para canalizar o prazer e a dor para obter resultados de trabalho. Essa canalização, entretanto, não é simples de ser estabelecida.

Tomemos como exemplo novamente o planejamento participativo da Agência PUC. Começamos o processo reconhecendo e discutindo de maneira transparente os problemas que a gestão enfrenta. Para organizar essa discussão, utilizamos um jogo chamado Lancha descrito no livro Gamestorming. Gamestorming é a utilização de jogos para apoiar processos parecidos com brainstorming. O jogo da Lancha propõe que os jogadores listem problemas através da metáfora da "âncora que impede a organização de deslanchar".

Além de organizar o feedback sobre problemas, o jogo cria uma situação em que as pessoas podem falar mais abertamente o que pensam. Se por acaso alguém não gostar do que ela escreveu ou disse, ela sempre pode dizer que estava brincando. Essa é a grande vantagem do pretexto de brincar: é possível ser ousado e crítico sem correr o risco de ofender alguém. Por mais exagerada que seja a expressão no jogo, ela coloca em evidência as relações afetivas que estão em jogo. Isso é útil por que, em situações de incerteza, as emoções acabam delineando a tomada de decisão. O jogo, na verdade, evoca tanto o pensamento racional quanto o emocional.

No Hospital de Clínicas do Paraná, eu tive a oportunidade de testar o jogo O Hospital Expansivo que desenvolvi como parte da minha tese de doutorado. Durante a sessão de jogo, os profissionais de diferentes áreas do hospital encenaram conflitos reais que acontecem no dia-a-dia, porém, a partir de um papel diferente do que eles desempenham no dia-a-dia. Isso deu a eles a oportunidade de sentir o que o outro sente, ou seja, exercitar a empatia.

Uma situação específica me chamou a atenção: quando administradores do hospital se uniram no jogo para montar um cartel de empreiteiras e minar a licitação de construção do hospital simulado no jogo. Os demais jogadores protestaram rindo, apesar de reconheceram depois que a situação acontece na realidade. O pretexto de brincar ajudou-os a examinar o problema pela perspectiva do empreiteiro.

Diversos outros conflitos reais apareceram no jogo. A grande vantagem para os profissionais que participaram foi perceber que a origem dos conflitos não está nas relações pessoais desenvolvidas no ambiente de trabalho, mas sim nas estruturas e processos que organizam de maneira inadequada o trabalho. Mesmo que as pessoas mudem de papéis, o conflito entre os papéis continua existindo.

Outra vantagem do pretexto de brincar é imaginar e examinar situações completamente diferentes da realidade. Esse exercício pode trazer insights indiretos sobre como transformar algo. A situação imaginada não seria possível, porém, alguns de seus elementos podem ser adaptados para torná-la possível. Dinâmicas de teatro são excelentes para trabalhar relações de trabalho, pois as pessoas se soltam e fazem ironias, comentários sarcásticos e propostas desafiadoras que, apesar de aparecem como brincadeira, sempre tem um fundo de verdade. Quando os participantes levam a sério a brincadeira e percebem que ali há algo mais do que real, elas conseguem aproveitar o máximo do potencial inovador do brincar.

Uma vez assumida a dor e o prazer como parte do ambiente de trabalho, algumas coisas que eram consideradas impossíveis se tornam possíveis. Isso porque o possível e o impossível são delineados pelas nossas emoções, mais do que pela razão. As pessoas evitam fazer o impossível pois temem a dor e preferem o possível porque acreditam que o prazer está garantido. Porém, no processo criativo, é possível transformar uma dor num prazer e, com isso, tornar o impossível no possível. Por exemplo, num treinamento que realizei na empresa M4U em 2009, estimulei a equipe de design a criar um controle remoto para a televisão digital, apesar da empresa nunca ter investido em hardware. A dor de não ter um produto próprio (na época apenas produtos white label) foi encarada com coragem pela equipe. O prazer de projetar aquele controle remoto consolidou uma maneira mais criativa de trabalhar, posteriormente aplicada aos serviços existentes da empresa.

A longo prazo, sentir dor e prazer juntos faz as pessoas sentirem-se parte de uma comunidade. Na Apple Developer Academy, um programa de desenvolvimento de aplicativos que temos na PUCPR, os estudantes têm prazos muito curtos para desenvolver aplicativos móveis. A pressão obviamente provoca dores diversas, porém, gera também aprendizados similares aos que acontecem no mercado de trabalho. Para compensar a dor, organizamos diversos eventos recreativos no horário de trabalho, como, por exemplo, o Cosplay Day de Halloween. Esses momentos de descontração são fundamentais para os estudantes sentirem-se parte de algo maior.

Temos também na PUCPR a Hotmilk, uma aceleradora de startups. O espaço da Hotmilk é colorido e despojado, estimulando as pessoas a ficar mais à vontade para trabalhar e brincar. Espaços como esse estão se tornando comuns em grandes empresas, porém, eles não garantem que as pessoas sejam criativas. É preciso que se assuma o prazer e a dor como parte do processo criativo. Se as pessoas assumem isso, elas se tornam então predispostas aos estímulos do ambiente criativo.

Quando as pessoas estão predispostas, basta ter os estímulos na hora certa. O brinquedo ajuda a criar um pretexto para que as pessoas explorem ideias de maneira espontânea. Por exemplo, na Apple Developer Academy temos caixas de Lego à disposição dos estudantes. Numa situação específica, eu e mais uma monitora e um estudante experimentamos o uso de Lego para facilitar a comunicação sobre a arquitetura de um software. Chamamos isso de Lego UML. Essa criação espontânea não teria acontecido se não houvesse a disponibilidade de um material para experimentar rapidamente a ideia, no caso, o Lego.

Apresentei, até aqui, diferentes abordagens para o ambiente de trabalho: gamificação, jogos, brincadeiras e brinquedos. Agora falarei sobre suas diferenças em relação a uma questão fundamental: o motivo por trás da atividade. Jogos tem motivos extrínsecos; as pessoas jogam para fazer algo. Já brincadeiras tem motivos intrínsecos; as pessoas brincam porque gostam de brincar. O brinquedo, por sua vez, é a materialização de um motivo em estado latente. O motivo latente da caixa de Lego na Apple Developer Academy é a externalização de ideias, porém, ela pode servir a outros motivos. A gamificação é parecida com o brinquedo, porém, materializa motivos de maneira menos explícita em regras de negócio ou de interação que fazer parte do trabalho.

Vale ressaltar que a gamificação não funciona quando existe um motivo negativo que anula o motivo latente. A gamificação pode ajudar as pessoas a fazerem algo que elas já querem fazer e não estão conseguindo fazer, porém, ela não pode motivar as pessoas a fazerem algo que elas não querem fazer.

Somente um outro motivo pode motivar ou desmotivar uma pessoa. A pergunta inicial da gamificação não é como motivar, mas sim o que motivar. Identificar os motivos que estão desmotivando as pessoas e criar motivos capazes de superar a desmotivação é uma tarefa complexa.

Mas o que seria um motivo? Na Psicologia Histórico-Cultural, um motivo é um objeto que pode satisfazer uma necessidade ou um desejo. Este objeto não precisa ser físico. Se a necessidade for fome, o objeto pode ser uma banana, porém, se o desejo for a curiosidade, o objeto pode ser uma informação. O objeto será o ponto central da atividade enquanto existir a necessidade e o desejo.

Baseada na Psicologia Histórico-Cultural, elaborei um método de mudança organizacional baseada em jogos. Na primeira etapa, uma equipe que tenha dificuldades em trabalhar junto joga um jogo que faça emergir os conflitos associados às dificuldades. Na segunda etapa, a equipe reflete se os conflitos jogados existem também fora do jogo. Dos conflitos surgem ideias para superar as dificuldades, a terceira etapa. Por fim, seleciona-se uma dificuldade mais profunda que não foi tratada e cria-se um jogo customizado para a situação. O ciclo se repete até que os conflitos sejam vistos como consequências das barreiras entre departamentos e da falta de motivação individual e coletiva para trabalhar em conjunto.

O método foi testado pela primeira vez no Hospital de Clínicas do Paraná em 2015. O primeiro jogo jogado foi O Hospital Expansivo, já mencionado. Na reflexão de debriefing, os profissionais do hospital identificaram conflitos de motivos relacionados ao planejamento das ações do hospital. Além disso, foi levantado um conflito relativo ao incentivo coletivo para colaboração e a cobrança individualizada.

Na próxima sessão, propus alguns jogos adaptados do livro Gamestorming para lidar com os conflitos identificados. O segundo jogo foi, portanto, o Mapeamento de Stakeholders, que serviu para identificar quem estava envolvido com os conflitos. Na primeira parte do jogo foram listados os papéis e, em seguida, foi feita uma votação ponderada com adesivos sobre os papéis cujas motivações não eram bem compreendidas pelos participantes.

Os papéis mais votados foram trabalhados no jogo Mapa da Empatia. No centro do desenho está o rosto do papel. Ao seu redor são separadas regiões da folha para acrescentar post-its sobre o que o papel está pensando, vendo, fazendo, sentindo e escutando. Qualquer pessoa pode acrescentar post-its e depois é feita uma reflexão para avaliar se o grupo desenvolveu empatia pelo papel. Na próxima sessão chamamos pessoas que desempenham alguns dos papéis e pedimos que elas avaliassem as suposições do grupo. Muitas delas eram preconceitos que impediam o desenvolvimento da empatia pelo papel. Após os esclarecimentos e devidos ajustes no mapa, a pessoal que desempenha o papel discutia com o grupo como superar o preconceito.

Na foto vemos uma médica residente amassando e jogando fora post-its com preconceitos e acrescentando novos com suas próprias perspectivas, em cor diferente. A quantidade de cor original é um indicador da empatia dos jogadores antes da interação com a convidada. O preconceito desconstruído é a visão dos gestores de que o médico residente está motivado apenas com sua formação e não com o bem-estar do paciente. A médica residente mostrou que seu papel faz muitas ações pelos pacientes, porém, nem sempre visíveis à administração do hospital.

Jogamos também o jogo Lula. Partindo de um tema central, no caso Planejamento, são derivadas perguntas (post-it amarelo) e respostas (post-it laranjas). Qualquer pessoa pode perguntar e responder através de um diálogo silencioso e visual. O resultado é uma exploração rápida e produtiva de uma série de questões que costumam ficar no ar. Ao final, foram elaboradas ações concretas para transformar o planejamento. Os próximos jogos foram elaborados com base nestas ações.

O Radar de Prioridades é uma maneira de avaliar colaborativamente diferentes atividades a partir de critérios em comum. No caso, foram avaliadas as especialidades cirúrgicas (ortopedia, urologia, neurologia, etc.) em relação a critérios como repasse do SUS, interesse de pesquisa, recursos necessários e outros. A vantagem fazer esse gráfico em um jogo ao invés de colocar os dados numa planilha e gerar um gráfico de teia é a possibilidade de trabalhar com estimativas coletivas. A participação de várias pessoas aumenta a força da estimativa, porém, ficou claro para os participantes que era necessário reunir os indicadores sobre cada um dos critérios, algo que ainda não tinha sido feito.

O último jogo que jogamos foi o Planejamento de Cenários. Criamos um gráfico de quadrantes baseado no cruzamento de dois indicadores: taxa de cancelamento de cirurgias e fila de pacientes. Cada quadrante representa um cenário. No canto superior direito é o cenário chamado pelos participantes de ?tragédia atual?, em que a taxa de cancelamento de cirurgias aumenta junto com a fila de pacientes. No canto inferior direito está a ?melhoria contínua? com o aumento da fila de pacientes e diminuição da taxa de cancelamentos. No canto inferior esquerdo está a ?utopia? da diminuição dos dois indicadores e no canto superior esquerdo há um cenário logicamente impossível (se não há pacientes, não há como cancelar as cirurgias).

Os resultados alcançados por esta intervenção foram muito satisfatórios. Os conflitos pessoais foram superados e as pessoas voltaram a se falar e resolver problemas de maneira amistosa. Colocar-se no lugar do outro foi essencial para essa mudança. Isso gerou também uma maior motivação para melhorar os processos de trabalho.

Considerando os exemplos aqui apresentados, pode-se afirmar que jogos, brincadeiras e gamificação contribuem para superar conflitos de motivos em organizações. Existem outros benefícios destes recursos, porém, este foi o que me apresentou evidências mais fortes. O propalado aumento de motivação é, na verdade, uma falácia. Jogos e brincadeiras não motivam a trabalhar por si só, senão que ajudam as pessoas a criar motivos mais fortes do que aqueles que estão paralisando sua atividade. Esses novos motivos são capazes de resolver o problema da falta de motivação que, a meu ver, não é um problema de ausência de motivos, mas da existência de motivos que se. O motivo capaz de superar o conflito não vem dos jogos, mas dos próprios jogadores. O jogo, o brinquedo e a gamificação são estruturas que ajudam os jogadores a materializar motivos mais fortes. Estas intervenções são complexas mas tem poder para disparar mudanças drásticas em qualquer organização.

Feito com Keynote Extractor.

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]]> 1030 Podcast Sun, 17 Dec 2017 15:16:17 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/jogos_de_projetar.html Jogos de projetar são ferramentas utilizadas em design participativo para simular cenários, testar intervenções e gerar alternativas para um projeto em particular. Eles costumam ser customizados para cada projeto com o intuito de representar a realidade do projeto. Os resultados de um jogo de projetar podem ser: uma série de decisões estratégicas, uma mudança na perspectiva dos participantes sobre um problema, um novo conceito ou um esboço de layout. Uma vez que os resultados costumam ser incorporados pelo projeto, os jogos de projetar podem ser considerados jogos sérios. 

Na disciplina Design de Jogos Educacionais na UFPR que compartilho com André Battaiola, apresentei um panorama da pesquisa sobre jogos de projetar em Arquitetura, Design de Produto e Design de Interação.

Jogos de projetar [MP3] 1 hora e 53 minutos

Na aula eu menciono um artigo que escrevi com Rodrigo Gonzatto sobre a crítica implícita nos jogos de projetar à ideologia de racionalismo nas metodologias de design. Na aula eu não descrevo o estudo de caso no Hospital de Clínicas, porém, já existe um resumo sobre o caso. Na Plataforma Corais estão documentados alguns jogos de projetar criados por meus estudantes. Estou preparando futuramente um artigo sobre o jogo da mente poluída que, na minha perspectiva, serve como reconstrução genética da atividade de projetar.

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]]> 1029 Design Participativo Mon, 27 Nov 2017 12:47:23 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/pesquisa_exploratoria_de_oportunidades_de_inovacao.html A abordagem da inovação pelo design começa pela compreensão do contexto humano da tecnologia. A observação do comportamento humano no contexto revela as oportunidades de inovação. Embora seja possível descobrir oportunidades de inovação através da busca assistemática por inspiração, é o estudo etnográfico que está se consolidando como um método sistemático para encontrar oportunidades de inovação.

Um bom estudo etnográfico deveria durar alguns meses para gerar insights confiáveis. Entretanto, essa perspectiva de prazo ainda não encaixa com o ritmo da inovação, em especial, no mercado de tecnologia. As empresas buscam na inovação uma antecipação à concorrência. Portanto, os estudos etnográficos voltados ao design costumam durar semanas ou até mesmo alguns dias.

Na Apple Developer Academy PUCPR, tivemos uma aula rápida sobre como realizar um estudo etnográfico rápido.

Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação [PDF]

Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação [MP3] 20 minutos 

Pedimos que nossos estudantes utilizassem este método para explorar oportunidades de inovação no contexto da Apple TV. Nós queríamos que eles olhassem para os contextos atuais da Apple TV e também encontrassem outros contextos onde faria sentido ter uma Apple TV. Nessa fase, eles não deveriam pensar já na ideia do aplicativo que eles iriam construir, de modo a não criar uma solução simplória antes de compreender bem o problema.

Os estudantes entrevistaram seus parentes, amigos, lojistas, recepcionistas e outras pessoas em diversos contextos. Além disso, observaram o comportamento das pessoas em locais onde haviam televisões e onde poderiam haver televisões: casas, escolas, bares, restaurantes, lojas de varejo, hospitais e locais públicos. Enquanto entrevistavam e observavam, tomavam notas. Ensinei o método de observação expansiva para enxergar o que não está óbvio, ou seja, o que está por trás das ações cotidianas.

Diversos insights surgiram à partir das observações como, por exemplo, que a televisão cria um ambiente sonoro característico para cada espaço onde ela é repetidamente utilizada.

As pesquisas etnográficas foram conduzidas individualmente, porém, antes de formar grupos para desenvolver o projeto de aplicativo para a Apple TV, todos compartilharam seus resultados com todos. Algumas conclusões compartilhadas entre os estudantes foram:

• O telespectador quer cada vez mais programar o seu próprio canal e escolher o que ver na televisão
• A televisão não é mais assistida com toda a atenção, pois precisa disputar com outras mídias
• A televisão cria um ambiente sonoro e visual propício para atividades individuais (como dormir) assim como para atividades coletivas (festa)
• A televisão tem grande potencial para compartilhar conteúdos e realizar atividades em grupo

O compartilhamento dessas conclusões gerou uma polinização cruzada entre os projetos. Todos os aplicativos exploraram esse potencial social da Apple TV como forma de inovar na App Store. Segue uma lista de aplicativos publicados na App Store.

  Music Mood é um player de música independente que se adequa ao seu humor e atividade.

  Plot Whole é um jogo para gerar histórias aleatórias à partir de personagens e incentivar as pessoas a contar histórias.

 Vorstand é um jogo sobre alienígenas misteriosos que querem realizar experimentos psicológicos com grupos humanos.

 Alter é uma experiência interativa para vários jogadores. O objetivo é refletir sobre a alteridade, ou seja, a capacidade de uma pessoa se deixar transformar por outra.

 Brisa é uma experiência interativa para desenhar colaborativamente utilizando a Apple TV conectada num projetor.

 Rogerio é um animal de estimação virtual para incentivar crianças a terem hábitos mais saudáveis.

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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]]> 1027 Design de Interação Tue, 21 Nov 2017 19:02:44 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/contradicoes_do_solucionismo_tecnologico.html Está cada vez mais difundida em nossa sociedade a crença de que é possível resolver qualquer tipo de problema com uma boa dose de tecnologia. A ideologia do solucionismo tecnológico esconde as causas verdadeiras dos problemas e promove soluções ingênuas que acabam causando outros problemas para as pessoas. Através do design problematizador é possível combater essa ideologia e, ao mesmo tempo, desenvolver alternativas práticas que encaram sem redução a complexidade da vida moderna.

Comunicação apresentada no workshop A Técnica em Questão: Bioética, Filosofia da Técnica, Tecnologia e Sociedade promovido pelo Programa de Pós-graduação em Filosofia da PUCPR.

Áudio

Contradições do solucionismo tecnológico [MP3] 36 minutos

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]]> 1026 Palestras Sat, 18 Nov 2017 16:45:45 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_servicos_e_sustentabilidade.html Design de Serviços é uma abordagem de projeto que transforma produtos em serviços conectados a ecossistemas de primeira e de segunda natureza. Uma vez que a sustentabilidade de serviços depende da mudança de comportamento, a cocriação aparece como caminho natural para incluir as pessoas e coisas que constituem o ecossistema. Os participantes descobrem como mudar o comportamento através de estratégias de design emergentes.

Palestra apresentada na Global Sustainability Jam Curitiba 2017.

Design de Serviços e Sustentabilidade [MP3] 33 min 

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]]> 1025 Podcast Mon, 13 Nov 2017 18:15:36 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/analise_interacional.html Análise Interacional é um método de pesquisa qualitativa para estudo de como as pessoas interagem com outras pessoas e como elas interagem com objetos em situações específicas. Ela leva em consideração a fala, os gestos, os movimentos, as intenções e as motivações das pessoas, ou seja, tudo aquilo que está ligado ao sentido da interação.

Eu utilizei a Análise Interacional na minha pesquisa de doutorado para decupar e extrair insights de gravações em vídeo. Eu já tinha experiência prévia com análise de gravações de testes de usabilidade, porém, senti que o nível de rigor da Análise Interacional é muito maior. A diferença principal é que a Análise Interacional não lida com dados criados em situações artificialmente criadas como as do Teste de Usabilidade. Ela serve para estudar fenômenos emergentes em situações naturais, tal como a liderança em equipes de design. Na época do doutorado, realizei uma pesquisa sobre liderança com um colega croata e os resultados foram muito interessantes.

Como parte da disciplina Design de Jogos Educacionais que estou ministrando junto com o professor André Battaiola no PPGDesign da UFPR, apresentei o método Análise Interacional tal como proposto por Jordan e Henderson.

Análise Interacional [MP3] 52 min

Os estudantes irão utilizar o método para analisar os dados coletados no experimento de dupla estimulação com jogos educacionais que eles estão neste momento realizando. Espero que gere novas descobertas sobre o aprendizado mediado por jogos.

Série

Esta aula faz parte da disciplina Design de Jogos Educacionais, ministrada a convite do professor André Battaiola no mestrado/doutorado em Design da UFPR.

1. Jogo, brinquedo e brincadeira
2. Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural
3. Experimentos de dupla estimulação com jogos
4. Análise Interacional
5. Intervenção Formativa com Jogos Expansivos
6. Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo

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]]> 1024 Design de Interação Mon, 13 Nov 2017 17:35:50 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/aprendendo_com_o_atelie_de_projetos.html Ateliê de projetos é uma metodologia de aprendizado tradicional das escolas de Arquitetura e de Design que proporciona ao estudante a oportunidade de aprender através do desenvolvimento de projetos muito parecidos com projetos profissionais. Ela foi belamente descrita por Donald Schön no livro Educando o Praticante Reflexivo.

Inspirado em Schön, fiz uma apresentação no III Simpósio de Prática Docente do Centro de Ensino e Aprendizagem (CrEAre) PUCPR comparando um ateliê de projetos no ensino de graduação em Design Digital e no curso de extensão Apple Developer Academy, ambos da PUCPR.

Barreiras para o ateliê de projetos na graduação [MP3] 10 min

Apple Developer Academy é um programa da PUCPR em parceria com a Apple que permite aos estudantes montar startups e publicar aplicativos na App Store. Assim como na Apple Developer Academy, o TCC da Graduação em Design Digital requer o desenvolvimento de um projeto relevante em grupo.

Na Apple Developer Academy, devido à liberdade concedida aos estudantes para desenvolver aplicativos, consegui observar várias práticas características do ateliê de projetos: aprender fazendo, trabalho autônomo em grupo, instrução dialógica, crítica pública, reflexão na ação, problematização, conversa com a situação e design thinking. Esta experiência fora da Graduação (janeiro a outubro de 2017) serviu como referência para refletir sobre a experiência dentro da Graduação (agosto de 2015 a dezembro de 2016). Embora a disciplina de TCC em Design Digital fosse organizada como um ateliê de projetos, nem todas as práticas características apareceram. As principais barreiras para realizar o ateliê de projetos foram:

• A fragmentação do curso de Design Digital em disciplinas isoladas
• A carência de autonomia dos estudantes
• Os requisitos acadêmicos do TCC
• Divergência dos professores orientadores sobre a epistemologia do Curso de Design Digital

Apesar dessas barreiras, vários projetos de TCC em Design Digital foram implementados, inclusive em parceria com a própria Apple Developer Academy. O ateliê de projetos demonstrou ser uma metodologia de aprendizagem ativa com alto potencial empreendedor, porém, que requer currículos educacionais organizados por projetos (ao invés de disciplinas) para realizar todo o seu potencial.

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]]> 1023 Podcast Thu, 09 Nov 2017 17:47:47 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/projetando_interacoes_opressivas_e_libertarias_com_o_corpo_consciente.html Artigo apresentado no XVI Simpósio Brasileiro de Fatores Humanos em Sistemas Computacionais, o IHC 2017.

Resumo

O computador que oprime usuários através de interfaces mal projetadas é uma alegoria recorrente na literatura de Interação Humano-Computador. Analisando esta relação de opressão pela pedagogia crítica de Paulo Freire é possível afirmar que computadores não são por si só opressores, mas podem ser considerados opressivos se instrumentalizarem a opressão de um grupo social por outro. Este artigo apresenta a proposta alternativa de apropriar-se do computador como um espaço de possibilidades para superar a relação de opressão, tal como o Teatro do Oprimido de Augusto Boal. Um experimento de pedagogia crítica em Design de Interação confirmou a efetividade do corpo humano como fulcro de projeto e como trampolim para a superação de opressões mediadas pelo computador.

Projetando interações opressivas e libertárias com o corpo consciente [PDF] 10 páginas

Slides

Áudio

Projetando interações opressivas e libertárias com o corpo consciente [MP3] 20 minutos

Como citar

GONZATTO, Rodrigo; VAN AMSTEL, Frederick M.C. Designing oppressive and libertarian interactions with the conscious body. Anais do 16o. Simpósio Brasileiro de Fatores Humanos em Sistemas Computacionais, Joinville, 2017.

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]]> 1022 Pesquisa Acadêmica Mon, 30 Oct 2017 20:01:51 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/experimentos_de_dupla_estimulacao_com_jogos.html Na disciplina Design de Jogos Educacionais que estou dando junto com o professor André Battaiola no PPGDesign da UFPR apresentei um método para experimento psicológico que utiliza jogos para estudar aprendizado e outros fenômenos. O método visa complementar o tradicional experimento controlado com o processo de mediação baseada em signos e ferramentas. 

A dupla estimulação me parece muito mais adequada para estudar fenômenos relacionados a design do que o experimento controlado. Isso porque design não é uma resposta a um ambiente, mas sim, uma transformação do ambiente. O ambiente não pode ser controlado pois ele está sendo transformado pelo próprio experimento. O experimento de dupla estimulação permite estudar como o designer transforma o seu ambiente ao dar sentido a estímulos ambíguos tais como materiais de projeto.

Slides

Áudio

Experimentos de dupla estimulação com jogos [MP3] 2 horas e meia 101 MB

Você pode ouvir em velocidade lenta ou rápida no Spotify.

O experimento de dupla estimulação será utilizado pelos estudantes da disciplina para projetar e analisar jogos educacionais pela perspectiva da Teoria da Atividade, tal como explicado na primeira aula.

Eu compilei uma playlist com vídeos do Youtube que mostram experimentos de dupla estimulação a título de exemplos. O melhor exemplo que já vi, entretanto, é o experimento realizado por Paula Towsey que não está no Youtube.

Série

Esta aula faz parte da disciplina Design de Jogos Educacionais, ministrada a convite do professor André Battaiola no mestrado/doutorado em Design da UFPR.

1. Jogo, brinquedo e brincadeira
2. Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural
3. Experimentos de dupla estimulação com jogos
4. Análise Interacional
5. Intervenção Formativa com Jogos Expansivos
6. Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo

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]]> 1021 Podcast Mon, 30 Oct 2017 19:42:30 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/projetando_interacoes_com_video.html O projeto de interações através de vídeos é uma abordagem prática de baixo custo que visa explorar o papel do corpo na interação, tanto do ponto de vista ontológico como do afetivo. Este minicurso apresenta e permite experimentar o uso do vídeo como ferramenta para estudar, avaliar e criar interações.

Projetando interações com vídeo [PDF] 2 páginas

Resumo estendido do minicurso a ser realizado no IHC 2017, em Joinville.

Vídeo

Compilado de exemplos de projetos de interação com vídeo criados por meus estudantes.

Áudio

Gravação da apresentação inicial do minicurso com Rodrigo Gonzatto.

Projetando interações com vídeo [MP3] 24 min

Como citar

VAN AMSTEL, Frederick M.C.; GONZATTO, Rodrigo F. Projetando interações com vídeo. Minicurso do XVI Simpósio Brasileiro sobre Fatores Humanos em Sistemas Computacionais, 2017.

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]]> 1017 Pesquisa Acadêmica Thu, 26 Oct 2017 18:08:57 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/mudanca_do_comportamento_pelo_design.html A relação entre design e comportamento humano é algo que me interessa há bastante tempo. Em 2008, escrevi dois artigos curtos para a minha coluna no site da Tramontina Design Collection. Na época, eu dava uma aula sobre esse assunto na pós-graduação em Design de Interação do Instituto Faber-Ludens. Um dos exercícios que meus estudantes faziam era visitar um shopping center, identificar a presença das estratégias de design que mudavam o comportamento dos consumidores e utilizar essas mesmas estratégias para estimular um consumo mais crítico.

Trouxe de volta esse assunto na disciplina Design de Interação que ministro na PUCPR junto com Rodrigo Gonzatto. No ano passado, fizemos uma oficina para mudança de comportamento no trânsito de Curitiba, visando maior segurança de ciclistas e pedestres. Os estudantes identificaram as estratégias de design com intento em diversos pontos da cidade.

Ao observar o comportamento real das pessoas, fica claro que nenhuma dessas estratégias consegue atingir seu intento com 100% de eficácia. Isso porque as pessoas sempre acabam desviando do uso original do projeto, o que estou chamando de contra-projeto. O projeto de mudança do comportamento, portanto, trabalha com possibilidades e não com garantias.

Num segundo exercício, pedimos que os estudantes criassem uma pequena intervenção sobre comportamentos automatizados que as pessoas tem em locais públicos. Utilizando a técnica de ruptura (breaching), os estudantes poderiam estudar as normas sociais que levam as pessoas aos comportamentos automatizados. Porém, eles acabaram aproveitando mais a situação para fazer pegadinhas do Silvio Santos.

Chegamos à maturidade do exercício com a aplicação da técnica do empurrão (nudge). Trata-se de uma intervenção sobre uma escolha, dando um pequeno empurrão projetual para que as pessoas escolham uma das opções oferecidas sem, no entanto, impedir que as pessoas escolham as outras opções.

As etapas do projeto foram:

1. Observação do comportamento atual através da técnica de acompanhamento (shadowing)
2. Definição da intenção de mudança
3. Pesquisa de soluções existentes no baralho Design com Intento
4. Intervenção na situação utilizando materiais simples e baratos
5. Avaliação de efeitos através de foto ou vídeo
6. Correção da intervenção melhorando os materiais
7. Avaliação de consequências através de uma entrevista breve com uma das pessoas afetadas

Depois de realizar o nudge em pequena escala, o próximo exercício foi projetar um produto ou serviço para que nudge fosse produzido em larga escala. Os estudantes tiveram que incorporar novas tecnologias para atingir essa escala. O projeto foi entregue no formato de cenário lúdico.

Os exercícios demonstram que é possível mudar o comportamento humano através do design, porém, não necessariamente da maneira como o designer pensou. Em minha aula, expliquei que o comportamento humano é um fenômeno complexo.

Gravação

Design e Arquitetura para a Mudança de Comportamento [MP3] 63 MB 1h29min

Apesar do interesse que tenho, a abordagem do design para a mudança do comportamento não é a minha preferida. O problema é que ela se baseia numa lógica de tentativa e erro até chegar ao comportamento desejado, ou seja, não há uma visão de longo prazo para a mudança. Nos projetos em que desenvolvo, prefiro a abordagem baseada na atividade, que considera um espaço mais amplo e um prazo mais longo do que uma mera escolha cotidiana num lugar específico. Em todo o caso, costumo incorporar elementos de uma abordagem na outra.

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]]> 1020 Design de Interação Thu, 05 Oct 2017 17:17:56 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/teoria_da_atividade_aplicada_ao_design_de_jogos.html A convite do professor André Battaiola, estou ministrando junto com ele uma disciplina intitulada Design de Jogos Educacionais no Programa de Pós-Graduação em Design da UFPR. Enquanto ele apresenta uma visão à partir do Design de Jogos, eu trago a Teoria da Atividade que desenvolvi no meu doutorado. 

A Teoria da Atividade é uma explicação sobre o desenvolvimento das funções psicológicas superiores que atribui papel fundamental ao uso de signos e ferramentas no aprendizado. Essa teoria deixa claro como crianças e adultos aprendem através de jogos e brincadeiras, reproduzindo atividades na imaginação. Aplicada ao Design de Jogos, permite imaginar atividades que motivam as pessoas a jogar através de conflitos realísticos.

Um exemplo que utilizo em sala de aula é o jogo Ugg-Tect. Trata-se de um party game em que uma pessoa joga no papel de arquiteto e outra como pedreiro. O arquiteto precisa instruir o pedreiro a construir um projeto específico utilizando apenas e tão somente uma linguagem pré-definida pelo jogo. Quando o pedreiro não entende a mensagem, o arquiteto pode bater a clava na sua cabeça. O conflito que motiva este jogo está ligado à dificuldade de emitir e compreender as instruções de construção na linguagem das cavernas.

Nos slides e gravação abaixo dou uma visão geral sobre o assunto.

Áudio

Teoria da Atividade aplicada ao Design de Jogos [MP3] 66 MB 1h 41min

Nas próximas aulas, vou ensinar os estudantes como organizar experimentos psicológicos utilizando o método de dupla estimulação para mensurar o aprendizado proporcionado por jogos.

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]]> 1019 Podcast Mon, 02 Oct 2017 22:38:36 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/introducao_ao_design_critico.html Design Crítico é uma abordagem de projeto definida por Anthony Dunne e Fiona Raby como uma maneira de questionar o status quo através de um projeto de design. Ao invés de refletir de maneira transparente os valores estabelecidos na sociedade, o projeto reproduz estes mesmos valores de maneira explícita ou estranha, com o objetivo de promover a reflexão e o debate sobre os mesmos.

No projeto Evidence Dolls, Dunne e Raby questionam as preocupações das mulheres com a genética de seus filhos. Trata-se de uma coleção de bonecos com uma pequena gaveta no lugar do pênis para que mulheres solteiras guardem cabelos de seus parceiros sexuais caso precisem verificar o material genético do homem futuramente. Para se lembrar do parceiro, a usuária pode customizar o boneco com desenhos e adesivos, sugerindo um possível ritual para o dia seguinte.

Porque parece estranho uma mulher ter uma atitude tão racional assim acerca da gestão genética de sua prole? E, por outro lado, porque ela não pode tratar o corpo do homem como objeto tal como muitos homens tratam o corpo de uma mulher? São questionamentos como esse que tornam o projeto interessante.

Na disciplina Design de Interação que ministro junto com professor Rodrigo Gonzatto na PUCPR, a gente apresenta Design Crítico como uma abordagem interessante para guiar ficções projetuais. Uma vez que o objetivo da ficção projetual é especular sobre futuros possíveis, faz todo sentido trazer uma visão crítica a respeito dos valores representados.

Introdução ao Design Crítico [MP3] 27 min

Ao observar projetos como esse, os estudantes costumam perguntar: 'mas isso não seria Arte, professor' Nós não negamos que possa ser Arte, porém, Dunne e Raby dizem que uma diferença do trabalho deles para as obras de arte exibidas em galerias de Arte (os deles também são) é que eles podem ser produzidos em larga escala.

Rotular um projeto de Design Crítico como Arte é uma maneira fácil de se esquivar do debate proposto. Se é Arte ou não é, para mim isso não é tão importante quanto a possibilidade de ter aquele produto como algo cotidiano. Uma característica marcante do Design Crítico é que ele é (ou parece ser) viável com as tecnologias atuais, além de contar com cenários de uso factíveis e propiciação efetiva para o contexto.

Um exemplo de projeto crítico que orientei no ano passado foi o TCC da Juliana Saito, um assistente digital para lidar com a procastinação. 

Conforme ela conta na história do projeto, ao realizar a pesquisa de similares, ela encontrou  vários aplicativos que criavam torturas psicológicas para o usuário procastinador. Inspirada na crítica de Bauman à vida moderna, ela resolveu criar um aplicativo que faz o usuário questionar porque ele procastina ao invés de tentar resolver o problema como todos os outros. Com o desenrolar do projeto, ela acabou decidindo fazer um dispositivo físico que se comunicasse com o usuário através da visão periférica.

O projeto acabou levantando a cumplicidade do computador nos hábitos de procastinação. Embora ele tenha sido inicialmente criado para ser uma ferramenta de produtividade, com o tempo ele acabou se tornando também uma ferramenta de entretenimento e interação social. Isso acabou contribuindo para misturar a separação das atividades de trabalho e de vida pessoal.

Conforme concluímos na aula gravada acima, o critério que eu e o professor Gonzatto utilizamos para avaliar projetos de Design Crítico não é sua funcionalidade ou estética, mas sim sua densidade cultural. Quanto mais fundo o projeto for numa questão, mais densa ela será representada e o projeto terá mais do que um sentido possível. Essa é uma característica crucial para um objeto criado para gerar debates interessantes na sociedade.

Para quem quiser saber mais sobre o assunto, recomendo a lista de dúvidas frequentes sobre o assunto traduzida pelo Gonzatto.

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]]> 1015 Podcast Wed, 05 Jul 2017 19:34:39 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/processo_criativo_coletivo.html Há muitos anos estudo o fenômeno da criação coletiva em design. Embora ainda existam pessoas que defendam a noção do gênio individual para explicar a criatividade no design, nos últimos anos, percebo que esta noção tem diminuído sua relevância tanto na academia quanto no mercado. O problema principal é que os gênios criativos não conseguem garantir criatividade em todos os projetos nem tampouco atender todos os projetos que demandam criatividade e inovação. 

Embora eu não acredite que a figura do designer criativo tenha morrido, reconheço que o momento atual demanda maiores investimentos em criação coletiva, pois as equipes de design precisam cada vez mais incluir outras pessoas que não são formados em design. O projeto está cada vez mais complexo e multi-facetado. A figura salvadora do gênio criativo não inspira a confiança necessária de que todos os principais aspectos do projeto serão levados em conta. A participação e cocriação estão neste momento melhores cotados.

Na minha aula do BEPiD sobre processo criativo, fizemos uma discussão produtiva sobre como trabalhar em equipe de maneira criativa. Compartilhei os slides com os estudantes e deixei eles livres para comentar os slides ao invés de eu apresentá-los. Segue com a gravação do áudio.

Apontamentos sobre criação coletiva [PDF]

Apontamentos sobre criação coletiva [MP3] 2h06m 29MB Ouvir no Spotify

As frases contidas na apresentação resumem minha experiência de 15 anos trabalhando com equipes de design:

1. Criatividade não é um talento. É uma atividade que qualquer um pode participar.
2. Toda cria-atividade produz o seu cria-espaço. Este possui tanto a dimensão física quanto a dimensão imaginária. Eu tenho uma ideia aqui. Eu penso diferente. Temos que lembrar do que discutimos antes. Ideias na mesa Ideias na fala
3. Todo método de cria- atividade implica numa ordenação do cria-espaço.
4. Limitações no cria-espaço que, a princípio, inibem a cria- atividade podem se tornar pivô para ideias questionadoras.
5. Liberdade criativa é a capacidade de impor seus próprios limites.
6. A primeira ideia é sempre a pior ideia que você vai ter.
7. A solução de um problema sempre cria outros problemas.
8. A contradição é a origem do problema, mas também da solução.
9. É importante considerar problemas alternativos tanto quanto soluções alternativas.
10. As possibilidades que o mundo oferece sempre são maiores do que as consideradas pelo pensamento.
11. Criatividade não é pensar fora da caixa. É repensar a caixa.
12. O impossível se torna possível quando a caixa que restringe o pensamento se expande.
13. Ideias em gestação no inconsciente surgem em momentos de relaxamento e contemplação.
14. A inspiração pode vir de qualquer lugar, porém, certos lugares são mais inspiradores do que outros.
15. Na cria-atividade, lembrança é tão importante quanto imaginação, pois as ideias precisam ser confrontadas constantemente.
16. Uma ideia materializada tem mais chance de ser lembrada e confrontada do que uma ideia guardada na cabeça.
17. Um cria-espaço bagunçado propicia o confronto de ideias melhor do que um cria-espaço organizado.
18. Ideias malucas servem como condutoras para ideias sérias.
19. O autor de uma ideia se ofende quando criticado pois se identifica com sua ideia.
20. Ideias sem dono se desenvolvem mais rapidamente.
21. O novo surge do indivíduo mas precisa do coletivo para se tornar inovação.
22. O cria-espaço torna visível o caráter coletivo da cria-atividade.
23. Fazer concessões é inevitável em qualquer cria-atividade.
24. Quando uma ideia é rejeitada, é melhor que ela seja guardada no cria-espaço do que jogada no lixo.
25. Uma ideia rejeitada que volta das cinzas é mais forte do que uma ideia que nunca morreu.
26. O conceito é formado por ideias relacionadas, coisas conectadas e pessoas comprometidas.
27. Um conceito abstrato se torna cada vez mais concreto pela materialização das suas relações constitutivas.
28. O conceito é, enfim, o fruto maduro da criação coletiva.

Depois desta aula, tivemos também um seminário sobre processo de design. Pedi que cada estudante de design escolhesse um processo listado no catálogo de processos de Hugh Dubberly e gravasse um vídeo explicando-o. 

Embora o processo seja fundamental para organizar a criação coletiva, eu não acho necessário seguir o processo à risca. O mais importante num processo de criação coletiva não é seguir as etapas, mas sim manter a energia da equipe no nível vibrante. Por isso, prefiro estruturar o processo de criação coletiva com espaços e materiais flexíveis que possam ser utilizados sob demanda, dependendo dos anseios manifestos pela equipe.

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]]> 1013 Design Participativo Mon, 26 Jun 2017 16:32:05 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/a_startup_expansiva.html Está surgindo no mercado um novo tipo de startup baseada no design thinking: a startup expansiva. Ao invés de focalizar na eficiência, como faz a startup enxuta, a startup expansiva focaliza na criatividade. Veja nessa palestra como as startups formadas nos programas desenvolvidos com Renault e Apple se aproveitaram do design thinking para criar novos valores de uso junto com a aceleradora de startups Hotmilk da PUCPR.

Vídeo

Gravação realizada pela Uninter em Curitiba.

Slides

Palestra proferida no 19o. Encontro Locaweb de Profissionais de Internet em Curitiba.

A Startup Expansiva [MP3] 23MB - 58 min

Problemas da Startup Enxuta:

• É caro construir primeiro para depois aprender
• O risco é alto do produto não ter valor
• Dados não garantem conhecimento
• O produto limita o que pode ser aprendido
• Induz confundir teimosia com perseverança

Características da Startup Expansiva:

• Vai a fundo no problema e chega na contradição
• Cria um serviço (não só um produto) que ajuda as pessoas a lidarem com a contradição através de sua reprodução explícita (a contradição torna-se visível)
• Expande a contradição para outros contextos

 

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]]> 1012 Podcast Fri, 09 Jun 2017 02:22:27 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/prototipacao_e_diversao.html Prototipação é um processo de materialização gradual do conceito desenvolvido por um projeto. O protótipo implementa o conceito para verificar (e também aperfeiçoar) suas qualidades materiais.

Como se trata de uma versão preliminar do que vai ser o produto, serviço ou processo, o protótipo costuma ter uma aparência bruta, ter partes faltando e funcionalidades limitadas. Essa incompletude é proposital, uma vez que busca-se com ela abrir espaço para sugestões e críticas que completam o conceito.

Um recurso muito útil para receber sugestões e críticas é o humor enquanto se constrói e testa o protótipo. O clima de brincadeira ajuda as pessoas a imaginar como o protótipo pode ser completado. Nas minhas oficinas e aulas de prototipação, levo a brincadeira muito a sério.

O vídeo instrucional que gravei para o programa Renault Experience 2.0 explica como fazer protótipos brincando.

No vídeo, as estudantes da PUCPR estão se divertindo não por acaso. A diversão anda de mãos dadas com a prototipação, em especial, nas fases iniciais do projeto. Uma maneira de estimular a diversão é a escolha de materiais de cocriação coloridos e parecidos com brinquedo.

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]]> 1011 Design de Interação Mon, 29 May 2017 21:39:23 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/codificacao_criativa_no_bepid_pucpr.html Desde o início deste ano, além da graduação em Design Digital, estou dando aula no programa BEPiD que a PUCPR tem em parceria com a Apple. Trata-se de um ateliê de software para os estudantes criarem aplicativos inovadores para a App Store.

A primeira tarefa da turma 2017 foi criar uma experiência interativa utilizando a ferramenta interactive playgrounds do XCode para participar da seleção de bolsas para a WWDC. Nesta edição, nós conseguimos uma façanha: 8 estudantes que entraram no programa 1 mês antes do desafio foram agraciados com a bolsa. 

A minha explicação para o sucesso destes estudantes é que eles adotaram um estilo de programação diferente para o desafio: a codificação criativa. Ao invés de escrever o código como se projeta um software funcional, eles escreveram código de maneira experimental e poética, buscando obter efeitos estéticos. Na minha opinião, o playgrounds do XCode foi criado para esse fim e por isso a Apple escolheu os projetos deles.

Assim que a Apple publicou o desafio, eu dei uma aula sobre codificação criativa. Foi um momento de choque para os programadores experientes e de empolgação para os designers ali presentes.

Estado da arte em Codificação Criativa [MP3] 1?15" - 19MB

O movimento de codificação criativa surgiu com o grupo Design by Numbers no MIT liderado pelo professor John Maeda. Maeda afirmou numa TED Talk que designers devem saber programar para questionarem os limites da mídia digital e inovar. Dois de seus alunos, Casey Reas e Ben Fry, criaram a linguagem Processing em 2001, hoje a principal ferramenta para codificação criativa. Na minha visão, o Swift Playgrounds é uma tentativa da Apple de estimular a criatividade dos seus desenvolvedores com funcionalidades que já existiam no Processing.

Porém, codificação criativa não se limita a uma funcionalidade do ambiente de programação. Sem a transmissão cultural do estilo de programação, a codificação criativa não acontece. Estamos no momento fazendo uma análise no BEPiD para identificar quais seriam as práticas de programação características da codificação criativa. Por enquanto estamos trabalhando com as seguintes categorias:

• Escrever código como se esboçam desenhos
• Programar de maneira oportunista
• Fazer bricolagem com códigos
• Explorar as possibilidades expressivas do meio digital
• Projetar performances emergentes
• Fazer erros felizes de programação
• Explorar efeitos estéticos do aleatório
• Desenvolver uma poética generativa
• Apreciar a beleza do código

Pretendemos publicar um artigo acadêmico sobre essa análise futuramente. Estamos também interessados na relação entre processo e resultado, ou seja, a experiência do usuário que eles proporcionaram com seu código.

	Lorien Moisyn criou uma experiência com objetos ligados em rede que, ao serem arrastados de um lado ao outro da tela, tocam notas de uma melodia cambaleante. O projeto surgiu à partir de um interesse por programar grafos visualmente. Veja o vídeo.
	Ana Carolina Barreto criou uma ferramenta de desenho baseada na sobreposição de linhas e variação e luminosidade. A ideia surgiu à partir de um bug que encantou a Ana Carolina. A proposta original era ser um aplicativo de desenho por polígonos. Veja o vídeo.
	Alexis Laborda criou um instrumento musical de percussão baseado no desenho de linhas conectadas. Depois de desenhar os pontos, o usuário pode tocar seu ritmo. Veja o vídeo.
	Alexandre Vassinievski criou uma ferramenta de desenho que cria padrões trançados como teias de aranha. De acordo com o movimento, a cor do desenho se modifica. Veja o vídeo.
	Daniel Oliveira criou um painel de objetos voadores coloridos que se assemelham a serpentinas de carnaval. Veja o vídeo.
	Matheus Pelanda criou um aplicativo que converte desenho em sons humorísticos. O usuário desenha e depois dá ?play? no desenho para ouvir uma canção zoada. Veja o vídeo.
	Rodrigo Guimarães criou uma experiência de navegação espacial. A nave pula de planeta em planeta, obedecendo o movimento de órbita. A cada planeta, um novo som é tocado. Veja o vídeo.
	Adonay Puszczynski criou um jogo para aprender lógica de programação à partir de uma história de amor entre duas entidades abstratas. Veja o vídeo.

Este foi o primeiro desafio da turma de 2017. Ainda haverão 3 outros projetos de aplicativos, inclusive, com expectativa de publicação na App Store. A codificação criativa não será estimulada como foi para esse primeiro projeto, porém, eu espero que a experiência que os estudantes tiveram com esse estilo de programação seja tão marcante que eles não queiram programar de outro jeito.

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]]> 1010 Design de Interação Mon, 24 Apr 2017 18:44:19 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/interface_como_linguagem.html Após demonstrar como é possível projetar performances emergentes (experiência, interação e informação), eu costumo explicar o papel do design de interfaces gráficas nesse processo.

Na minha visão, a interface é justamente o conjunto de possibilidades de informação, interação e experiência entre pessoas e sistemas. Algumas destas possibilidades são oferecidas pelo próprio sistema, outras são criadas pelos próprios usuários em seus contra-projetos.

Interface não deve ser confundida com os fenômenos emergente que ela proporciona. Informação, interação e experiência são apenas possibilidades. Se uma pessoa não consegue utilizar uma interface, nenhum desses fenômenos emerge.

Interface gráfica é a parte mais visível da linguagem. O emprego de metáforas nas interfaces é só a ponta do iceberg. Além das metáforas, existem outros elementos característicos de linguagens humanas: gestos, símbolos, rituais, gêneros interativos, e a capacidade de agir simbolicamente em diversos contextos.

A professora Clarice de Souza criou uma teoria que ficou conhecida no mundo todo sobre o assunto, a Engenharia Semiótica. A ideia fundamental é que a designer codifica na interface uma mensagem de como o sistema funciona para tornar acessível suas funcionalidades para o usuário. O designer é um tradutor entre as linguagens do sistema (artificiais) e as linguagens do usuário (naturais).

Eu gosto dessa teoria, mas prefiro pensar que a interface em si é uma linguagem e não uma mensagem codificada em outras linguagens. Isso porque considero que a interface não é projetada apenas pelo designer, mas também pelo usuário no momento em que ele usa, customiza, conversa sobre a interface com outras pessoas e também quando ele se nega a usar a interface. Ou seja, na minha visão, a interface é uma construção social, tal como propõe o Steve Johnson no livro Cultura da Interface.

Na minha aula, explico que o conceito da interface continua a se desenvolver depois da sua programação em linguagem artificial. A interface é utilizada de maneiras inesperadas e isso transforma seu significado social. As ferramentas de analytics e testes A/B servem para reajustar a interface a tais mudanças sociais. Outra maneira como as interfaces se atualizam é através dos padrões de interação. Resumindo, os usuários fazem contribuições para a linguagem da interface tanto quanto os designers de interface.

Somente depois de explicar esse ponto fundamental é que explico a parte técnica do métier: wireframes, wireflows, diagramas e etc. Os entregáveis são dispositivos metalinguísticos que utilizam abstrações visuais para desenvolver a linguagem da interface. Embora alguns designers acreditem que cada interface tem sua própria linguagem, eu prefiro pensar que cada interface utiliza e complementa uma linguagem coletiva de interfaces.

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]]> 1009 Slides Wed, 19 Apr 2017 13:49:40 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/e_possivel_projetar_uma_experiencia.html Quando se apresenta a Experiência do Usuário (ExU) como um foco de projeto, surge uma questão crucial: seria possível projetar uma experiência? As respostas dos especialistas em ExU costumam ser evasivas: "não é possível projetar a experiência do usuário, pois ela é subjetiva, mas é possível projetar PARA a experiência do usuário."

Tal resposta nunca me satisfez. Se todos os recursos do projeto são direcionados para que a experiência aconteça de uma determinada maneira, não seria uma isenção de responsabilidade responder assim? Luciano Lobato provocou a audiência do EBAI em 2010 quando sugeriu que a resposta evasiva se deve à falta de mensuração de resultados de projetos dedicados à ExU.

Assim como Lobato, considero o termo experiência do usuário muito vago e por isso mesmo difícil de mensurar. Na época da palestra dele, concordei que não era possível projetar uma experiência. Porém, nos últimos anos tenho refletido que é possível sim projetar uma experiência, desde que projetar não seja entendido como controlar.

O projeto de design não é como um projeto de engenharia que precisa garantir resultados e, portanto, controlar variáveis. "Design é dar sentido às coisas", mas o sentido não é uma propriedade da coisa, mas da relação da coisa com o seu contexto. Como o designer não tem como garantir um sentido, ele cria diversas possibilidades de sentido através da configuração de forma, função e estrutura. Trata-se de um projeto complexo para uma performance emergente.

Utilizei essa abordagem na minha aula introdutória do BEPiD PUCPR e a discussão foi muito produtiva. O modelo permite superar a velha dicotomia entre forma e função, assim como a hipocrisia do foco no usuário, abrindo espaço para projetos de cunho experimental.

Projetando performances emergentes [MP3] 45 min 11mb

Como exemplo de projeto experimental, fiz um experimento durante a aula que chamei de "68". O número não é para significar que realizei previamente 67 experimentos; a função dele é deixar os participantes curiosos. Resumindo o experimento, eu peço que eles fechem os olhos, degustem um bombom Sonho de Valsa e depois descrevam a sua experiência. Porém, eu peço para eles irem fazendo isso aos poucos, na medida em que dou instruções misteriosas.

Segue as instruções do experimento 68 para quem quizer repetir o experimento:

1. Feche os olhos e a boca
2. Ouça e imagine o q estou fazendo
3. Toque no objeto deixado na sua frente
4. Identifique o que é
5. Dembrulhe o objeto bem devagar prestando atenção ao barulho do papel
6. Cheire o conteúdo do objeto
7. Abra os olhos
8. Lamba o objeto
9. Coma apenas a cobertura de chocolate, deixando o biscoito intacto
10. Abra o biscoito e coloque-o na boca
11. Chupe o biscoito
12. Coloque o recheio na boca
13. Não mastigue; espere que derreta
14. Resista o máximo que conseguir antes de engolir
15. Quando a vontade de engolir for insuportável pode engolir
16. Depois de engolir, amasse a embalagem
17. Descreva sua experiência
18. Você considera que essa experiência foi projetada?

 

Na aula da pós-graduação em App Development da PUCPR, pedi que os estudantes descrevessem sua experiência em post-its individualmente para evitar qualquer influência de um sobre o outro. A comparação dos comentários confirma a advertência que Pine e Gilmore fazem em seu clássico The Experience Economy: duas pessoas não podem ter a mesma experiência, mesmo quando compartilham exatamente a mesma situação.

Comentários dos participantes do experimento 68

Foi uma experiência boa, agradável, com sensações diversas, comer algo, gostei.

Totalmente diferente das outras vezes que tinha comido um Sonho de Valsa. Pude saborear bem cada camada, parte do chocolate e recheio.

Diferente quando se come o bombom por inteiro, é possível conhecer todos os sabores e texturas.

Inicialmente já esperava que era um chocolate, mas faltava saber qual era e que sabor. Ao final, se confirmou.

Curiosidade, ansiedade, surpresa, saciedade.

Gostoso.

ANSIEDADE.

Saborosa.

Foi uma experiência diferente, mas muito bacana. Nunca tinha parado para sentir o "cheiro" de um bombom e realmente degustá-lo.

Gostei do barulho do papel-plástico, do cheiro do produto e dos diferentes gostos.

Esperei um bombom pelo som. Um chocolate pelo cheiro e o gosto. Uma boa surpresa ao morder. Difícil não engolir.

Doce. Amendoim Torrado. Crocante. Papel grudado.

Desorientado, aflito e surpreso.

Ansiedade ao ouvir o barulho e perceber o que era o objeto. Aflição de não engolir. Prazer ao morder o recheio.

Pelo som do objeto já sabia que era um bombom. Não gostei do cheiro e da embalagem. O bombom foi saboroso.

Me senti desconfiado, mas com o tempo, percebi que era apenas um bombom e então consegui perceber o propósito do experimento.

Dificuldade em abrir. Não saber o que estava fazendo.

Embalagem reconhecível. Várias camadas. Sabor comum. Vontade de comer.

Já sabia que era um bombom ao tocar. Muito doce.

Senti em partes cada sabor do Sonho de Valsa, deixando a melhor parte para o final.

Depois de compartilhar os comentários, eu pergunto aos estudantes: "então, é possível projetar experiências ou não é?" Alguns dizem que sim, outros dizem que não. Então eu explico minha visão de que design não é o mesmo que controlar e explico que no meu experimento eu não queria controlar a experiência, mas queria que tivesse um sentido diferente de comer o bombom no cotidiano, qualquer que fosse.

Na sequência, pedi para que os estudantes elencassem os fatores que influenciaram na experiência, separando entre os que estào dentro do escopo de um projeto de design e os que não estão. Abaixo, compilo as respostas de várias turmas.

Pode ser projetado	Não pode ser projetado
Ambiente	Experiência prévia
Áudio	Expectativa
Cheiro	Momento
Processo	Humor
Conhecimento	Cultura
Escolhas	Ideologia política/religiosa
Contexto social	Condição física
Desejo	Grau de escolaridade
Gosto	Condição financeira
Duração
Linguagem
Sentimento
Disposição
Efeito manada
Cores
Necessidade
Interesses
Emoções

A diferença que me chama a atenção nesta tabela é que os fatores projetáveis são circunstanciais, enquanto os não projetáveis são construções históricas. O pensamento dos estudantes reflete uma noção de projeto desconectado da história e da cultura, como se o projeto não fizesse parte ou não influenciasse estas coisas. Tais fatores seriam externos ao projeto e tratados como mais uma incerteza inescrutável.

Neste momento, embora eu relembre que "projetar é dar sentido às coisas" e não "controlar", ainda assim é difícil para os estudantes de design conceberem que cultura e condição física do usuário são projetáveis em escalas maiores de tempo. Todo projeto pode ser visto como uma continuação de outro projeto (ou contra-projeto). Desta, maneira, eles se acumulam e promovem transformações na sociedade, porém, num ritmo lento.

Inspirado na tese de doutorado do Caio Vassão, eu fiz a ilustração abaixo para o livro Design Livre. Tento mostrar que os projetos mais amplos são menos visíveis, mas estão lá, definindo as guias para os projetos menores.

Eu vejo o projeto da experiência num nível intermediário entre o "projetinho" e o projeto de vida. A experiência que projetei com o bombom certamente será lembrada pelos meus estudantes, especialmente, quando eles forem degustar outro Sonho de Valsa. Minha esperança é que ela seja lembrada também no momento em que um companheiro de trabalho ou cliente queira controlar a experiência do usuário. Se isso acontecer, então ela terá contribuído para uma vida mais humilde e uma sociedade menos tecnocrática.

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]]> 1008 Podcast Mon, 10 Apr 2017 13:56:04 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_participativo_no_governo_mandato_goura.html Design Participativo é uma metodologia democrática de projeto que enfatiza o envolvimento ativo de todas as pessoas que são afetadas pelo projeto, em especial, aquelas que são historicamente excluídas de processos decisórios. Trata-se de uma metodologia altamente relevante para o governo.

Conforme expliquei num post anterior, em 2016 participei da campanha do vereador Goura em Curitiba. Depois de formar o gabinete, uma das prioridades da equipe do vereador foi fazer um treinamento sobre design participativo comigo.

Montei o treinamento em formato de oficina, uma vez que acredito que design participativo se aprende mais na prática do que na teoria. Apesar dessa visão, fiz uma apresentação introdutória com conceitos básicos como participação social, níveis de participação, agonismo e objeto compartilhado. Também mostrei projetos de referência para os assessores do vereador.

Design participativo no governo [MP3] 1.8 MB 1 hora

Sugeri que o design participativo seja aplicado das seguintes maneiras no governo:

• Projeto participativo de obras públicas
• Elaboração de programas
• Cocriação de serviços públicos
• Simulação de impacto de políticas públicas
• Audiência pública com oficinas de cocriação

Após a introdução, definimos em conjunto o objetivo da oficina de discutir o planejamento do mandato. Perguntei o que não estava claro ainda e um participante disse "a linha do mandato". Como quebra gelo, pedi para que fizessem um modelo literal utilizando um fio de lã para representar a linha do mandato. Em seguida, eles colaram as linhas num painel e escreveram as ações a serem incentivadas (post-it rosa) e evitadas (post-it laranja) para manter a linha.

Embora cada participante tenha pensado individualmente sobre a linha do mandato, os modelos tiveram diversos pontos em comum. A forma do círculo e da espiral foram predominantes, representando o mandato enquanto um processo de descoberta e ampliação da coletividade.

Vale citar que este é o primeiro mandato que o coletivo representado pelo Goura conseguiu conquistar. Em Curitiba, e mesmo no Brasil, há poucas referências de vereadores comprometidos com coletivos democráticos, portanto, há muito a descobrir e experimentar. Design participativo é só uma das coisas que a gente vai tentar fazer juntos.

Depois de definir a linha do mandato, olhei para minha caixa de Lego Pessoas da Comunidade e propus mapear os públicos com que o mandato irá se relacionar. A equipe mapeou primeiro os perfis de eleitores do Goura, porém, sugeri que mapeassem novos públicos e também públicos que não necessariamente apoiariam o mandato.

O cenário se demonstrou fragmentado, tal como em diversos contextos da política atual. Lembramos que, segundo a proposta do agonismo de Chantal Mouffe, os públicos podem ser reunidos através de paixões e vontades coletivas de transformar a sociedade.

Retiramos os bonecos de Lego e fizemos modelos com massa de modelar para expressar emoções que agregassem diferentes públicos. Depois de modelar, escrevemos as descrições das emoções em post-its rosa e agrupamos os públicos.

As emoções capazes de agregar os públicos do mandato do Goura segundo sua equipe são:

• Uprising (brotamento)
• Comunicação não-violenta
• Equilíbrio dinâmico
• Coletividade
• Empatia e pertencimento
• Urbanicidade
• Simpatia

Definir as emoções em palavras é mais difícil do que utilizando a massa de modelar, por isso fiz o aquecimento com a massa antes. Apelar para a emoção é uma prática política antiga, porém, aqui aparecem emoções que raramente são estimuladas por políticos tradicionais.

Neste ponto, a oficina poderia ter descambado para o planejamento da propaganda e construção da imagem do político, porém, o objetivo de estimular emoções não é assegurar o voto nas próximas eleições, mas sim gerar ações coletivas que envolvam os órgões públicos, movimentos sociais e cidadãos sem vínculos associativos.

O urbanismo tático foi uma marca da atuação do Goura quando ele ainda fazia parte do cicloativismo, culminando com a construção da Praça de Bolso do Ciclista. Assim que saiu o resultado das eleições, o coletivo já se organizou para construir a Praça de Bolso da Gilda. No momento, já foram realizadas 3 reuniões públicas para projetar a praça. Qualquer pessoa interessada no projeto pode participar.

Além da Praça da Gilda, elencamos diversas ações concretas que poderiam agregar os públicos. As emoções conceitualizadas na etapa anterior já sugerem a abordagem de mobilização.

Para terminar a oficina, fizemos uma sessão de edição de texto colaborativo com Google Docs para levantar todas as demandas que chegam ao gabinete e esboçar os procedimentos de resposta. Desde que o gabinete foi formado, a equipe tem ficado sobrecarregada com as demandas burocráticas ou fora de escopo do mandato vindas de diversas pessoas e órgãos públicos.

Infelizmente muitas pessoas acham que o papel do vereador é tapar buracos na sua rua e fazer doações de cunho assistencialista. Para desmistificar isso, a equipe fez um vídeo com o Goura explicando o que faz um vereador.

O objetivo do mandato é trabalhar com projetos de mudança amplos na cidade e, portanto, o assitencialismo não será a prioridade. Já na abertura das sessões da Câmara, Goura tomou a iniciativa de formar uma frente parlamentar para defender a mobilidade sustentável. O novo prefeito Rafael Greca ainda não se manifestou decisivamente se irá aumentar a velocidade das vias como fez Dória em São Paulo ou se irá dar continuidade ao programa de ciclomobilidade expandido pelo ex-prefeito Gustavo Fruet.

Espero que a equipe do Goura consiga aplicar a metodologia do design participativo em seus projetos. Como parte do coletivo que elegeu o vereador, estarei ajudando na medida do possível. Se você também quiser participar das iniciativas do Goura , acompanhe a página dele no Facebook.

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]]> 1007 Design Participativo Tue, 14 Feb 2017 09:59:32 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/pensamento_projetual_no_tcc.html Esta é uma apresentação que fiz junto com Rodrigo Gonzatto no simpósio de prática docente organizado pelo CREARE da PUCPR, evento que se destina a compartilhar experiências com metodologias ativas em sala de aula. Explicamos como utilizamos o design thinking para ajudar nossos alunos a definir os temas de TCC.

O TCC em Design Digital da PUCPR consiste no desenvolvimento de um projeto digital de tema livre pelos estudantes. Não há a necessidade de fazer uma investigação científica, porém, o projeto deve ser experimental e inovador. O objetivo do TCC é demonstrar ao mercado e à sociedade que o estudante é capaz de conduzir um projeto com autonomia, sem depender da figura de um professor orientador. Os projetos são realizados em grupos de 2 a 3 integrantes, conforme o modelo pedagógico de atelier de projetos. O último regulamento oficial do TCC foi elaborado em 2015 e a disciplina Pesquisa Aplicada ao TCC foi reestruturada para atingir esse objetivo.

Ao invés de prover orientação exclusivamente individual, o que diminuiria o tempo de atenção dedicada aos projetos nas turmas de 40 estudantes, decidimos por utilizar o pensamento projetual expansivo, mais conhecido como design thinking, para aproveitar dinâmicas de grupo na definição do tema. Tais dinâmicas são caracterizadas pelo uso de materiais de cocriação que ajudam na definição de coisas difíceis de explicar com palavras, como por exemplo, a motivação para a escolha do tema de TCC. 

Em conversa na primeira aula, os estudantes revelaram ter grande dificuldade para decidir sobre opções que ainda não existem, já que os projetos são criados e não escolhidos. Para ajudar a construir as opções, incentivamos os estudantes a utilizar esboços, post-its, massa de modelar e peças de Lego para materializar ideias e construir em grupo. "Fazer algo antes de saber o que fazer" e "errar logo para acertar o quanto antes" foram algumas das frases que utilizamos para caracterizar o pensamento projetual expansivo em nossas explicações. Incentivamos que os estudantes produzissem algo a cada encontro semanal, mesmo que não estivessem certos sobre o tema. 

Os temas foram mudados diversas vezes, bem como a formação das equipes. Nos surpreendeu a dificuldade dos estudantes em encontrar uma poética (poieses) própria, bem como lidar com as condições psicológicas, econômicas e sociais de estudo. O TCC é percebido não só como um ritual acadêmico, mas como uma grande etapa na vida, fazendo parte do processo de emancipação pessoal e profissional. 

Pensamento projetual no TCC [PDF]

Design thinking aplicado à definição do tema de TCC [MP3] 22'04"

Relatório de prática pedagógica: orientando TCCs em Design Digital com ferramentas de design thinking [PDF] 11 páginas

Os temas de TCC definidos desta maneira foram avaliados pelos demais professores do curso bem como pelos próprios estudantes como sendo mais inovadores, diversificados e coerentes. Alguns estudantes conseguiram realizar grandes feitos com seus projetos como, por exemplo: a) defender com sucesso seu TCC apesar de vivenciar crises de depressão, b) atingir 40 mil visualizações no Tapastic e c) receber investimentos da PUCPR.

Os projetos de TCC desenvolvidos no Design Digital podem ser vistos no blog PUCPR.Design.

Pela nossa experiência, fica claro que o design thinking foi útil para a definição de temas em projetos de TCC que seguem o modelo pedagógico do ateliê de projetos. Através da colaboração organizada entre os estudantes, conseguimos com apenas 2 professores orientar turmas de 20 a 40 estudantes. Nas discussões do final da disciplina, os estudantes avaliaram positivamente a liberdade conferida a eles para a descoberta de sua poética própria.

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]]> 1003 Podcast Mon, 31 Oct 2016 13:37:48 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/como_fazer_um_estudo_etnografico_com_usuarios.html Quando se quer conhecer o contexto do usuário em profundidade, o mais indicado é a etnografia. Importado da Antropologia, o método consiste em ir a campo observar o usuário em seu próprio habitat realizando atividades de rotina. Ou seja, diferentemente do teste de usabilidade, a etnografia observa situações criadas pelo próprio usuário e não pelo pesquisador.

Em 2005, publiquei um podcast sobre Design de Interação e Antropologia em que apresento o método e relaciono-o com as intenções do Design de Interação de se diferenciar da Interação Humano-Computador. Eu dizia que esta última estava muito focada na interação com o computador enquanto que o Design de Interação tinha uma percepção mais ampla do contexto, considerando sua constituição social e cultural.

O modelo dos contextos que elaborei em seguida deixa esta distinção mais clara: enquanto a Interação Humano Computador expandiu os interesses da Computação para o contexto simbólico, o Design de Interação expandiu o interesse da Computação para o contexto social e cultural.

A etnografia foi importada da Antropologia para realizar tal visão, porém, muitos aspectos fundamentais foram deixados de lado nas aplicações em Design de Interação. Por exemplo, a intenção original de evitar o julgamento de uma cultura pela outra ainda não se converteu numa crítica ao etnocentrismo do design. Esse aspecto é fundamental, pois realiza o objetivo da Antropologia de descolonizar o pensamento, reconhecer o outro e refletir criticamente sobre sua própria existência.

Enquanto não se desenvolvem tais aspectos nas aplicações do design, eu prefiro chamar etnografias de estudos etnográficos em design. Os estudos etnográficos no design costumam ter um escopo e duração menor do que a etnografia antropológica, em parte pelo prazo curto de projeto, em parte pela falta de conhecimento dos designers sobre o assunto.

Em 2013, fiz um apanhado de vídeos sobre como fazer estudos etnográficos no meu blog em inglês. Agora, de volta ao Brasil, tive a oportunidade de produzir tutoriais em vídeo sobre o assunto em língua portuguesa. Estes tutoriais fazem parte do desafio Renault Experience 2.0 que a PUCPR desenvolveu junto com a Renault.

O primeiro tutorial apresenta a técnica de shadowing, que consiste em acompanhar um usuário em suas tarefas rotineiras. Mais detalhes sobre a técnica podem ser encontrados na Plataforma Corais.

Durante o shadowing, deve-se evitar de interromper o usuário para conversar. O pesquisador deve atuar como "uma mosca na parede" para que o comportamento seja o mais rotineiro possível. Caso haja a necessidade de compreender melhor as motivações do usuário, é melhor deixar para o fim da observação ou para outro dia.

Para compreender motivações, a técnica da entrevista contextual é bem mais indicada.

Minha técnica de entrevista tem influência forte das práticas de Jornalismo, devido à minha formação. A diferença principal é que o objetivo não é coletar afirmações interessantes para usar na notícia, mas de fato entender o que o usuário está falando além de desenvolver empatia. Mais detalhes podem ser encontrados na Plataforma Corais.

Por fim, explico como analisar os dados coletados sobre a rotina de um usuário através de uma planilha de Excel.

Os trabalhos enviados pelos estudantes até agora para o Renault Experience 2.0 tem demonstrado que realizar um estudo etnográfico não é difícil e traz insights valiosos para um projeto. Nossa intenção principal como organizadores do desafio era estimular os estudantes a sairem da frente do computador. Quando o desafio terminar, pretendo verificar o grau decontribuição dos estudo etnográficos para o desenvolvimento das melhores propostas de serviço ou produto.

Além dessas vídeo aulas, estou publicando também um áudio sobre o uso da Teoria da Atividade para orientar estudos etnográficos. Espero que tais materiais ajudem a consolidar a prática e elevar o nível da discussão em língua portuguesa.

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]]> 1001 Design de Interação Mon, 17 Oct 2016 10:33:23 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/etnografia_no_design_com_teoria_da_atividade.html A etnografia tem sido cada vez mais aplicada para encontrar oportunidades de inovação e compreender a perspectiva do usuário. Entretanto, os estudos etnográficos no design são muitas vezes feitos sem rigor e os resultados acabam não sendo aproveitados pelo projeto. A Teoria da Atividade orienta o estudo etnográfico para alguns pontos essenciais que o design pode interferir, gerando insights mais úteis e práticos.

Parte do programa de empreendedorismo PIBEP da PUCPR.

Etnografia no Design com Teoria da Atividade [MP3] 9 MB 1'33"

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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]]> 1000 Podcast Fri, 14 Oct 2016 17:55:41 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_negocios_ubercapitalistas.html Ubercapitalismo, também conhecido como economia compartilhada ou consumo colaborativo, é uma tentativa do capitalismo de se reinventar. Ao invés de gerar valor dentro da empresa à partir da extração da mais-valia do trabalhador, o ubercapitalismo gera valor à partir do usuário. A uber-valia acumula capital tanto para a empresa quanto para o usuário, ou seja, ela troca a exploração pela cocriação de valor. Neste contexto, o design de negócios aparece como um método de cocriação de valor de uso. Desafiando o pensamento econômico tradicional, o design de negócios abre espaço para novos empreendimentos ubercapitalistas.

Slides

Áudio

Gravação realizada no programa de empreendedorismo PIBEP da PUCPR.

Design de negócios ubercapitalistas [MP3] 15 MB 1'07"

Quer ouvir com atenção? Colabore com a transcrição deste episódio

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Vídeo

Gravação realizada na Escola de Negócios Sustentare.

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]]> 999 Palestras Fri, 14 Oct 2016 17:20:08 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/pensamento_projetual_na_saude.html Minha primeira tarefa ao ingressar na agência de inovação da PUCPR foi ajudar o Leonardo Tostes a organizar o Design Shop, a primeira fase do programa Hipuc. O objetivo era sensibilizar os estudantes da PUCPR para as oportunidades de inovação na área da Saúde.

A abordagem que escolhemos para o Design Shop foi o pensamento projetual expansivo, mais conhecido como design thinking. Queríamos oferecer uma experiência prática de inovação à partir da colaboração multidisciplinar, desenvolvimento contextualizado e prototipação low-tech.

Pensamento projetual na Saúde [MP3] 24 min

Foram 3 sábados consecutivos de Design Shop no Hospital Marcelino Champagnat, que abriu suas portas para nossos estudantes. Trata-se de um hospital jovem que tem o objetivo de oferecer cirurgias de ponta e acolhimento no estilo de um hotel. A parceria foi possível devido ao interesse do hospital em desenvolver projetos de inovação.

A metodologia Design Shop que desenvolvi junto com o Leonardo Tostes é baseada nos seguintes pontos:

• Os participantes vêm de várias disciplinas
• Os participantes são colocados em situações reais que demandam projetos inovadores
• Os projetos são desenvolvidos com ferramentas colaborativas
• As propostas são prototipadas e testadas em situações reais

Durante o Design Shop tivemos apenas uma palestra, dada pelo professor Marcos Schlemm. Ele explicou como gerar insights à partir da observação de situações reais, que é a base do pensamento projetual expansivo. À partir daí, tivemos apenas atividades práticas para gerar inovações na área da Saúde.

Começamos o Design Shop com uma visita guiada pelo Hospital Marcelino Champagnat ou, como o Leonardo Tostes gosta de chamar, um safari. Fomos guiados pelo concierge do hospital, que conhecia todas as rotinas de cuidado aos pacientes.

Durante a visita guiada, os participantes do Design Shop observaram a rotina de trabalho e fizeram muitas perguntas. Nós que organizamos o evento pudemos perceber que os tipos de pergunta já refletia a disciplina em que o estudante estava se formando. Engenheiros queriam saber dos números, profissionais da saúde queriam saber dos riscos e designers queriam saber dos artefatos.

Para socializar as observações dos participantes, organizamos duas atividades práticas. A primeira foi um speed dating em que os participantes trocavam de parceiro na conversa a cada 3 minutos. Eles foram convidados a conversar sobre o que chamou a atenção deles durante a visita guiada.

Em seguida, montamos um Diagrama de Afinidades para visualizar as observações de maneira coletiva. Cada um foi convidado em silêncio a colocar três tipos de observações: insight (post-it verde), evidência (post-it laranja) e dúvida (post-it azul). Os post-its foram agrupados por temas, porém, o que pode-se perceber pela foto é que alguns temas tiveram mais notas de um tipo. Isso reflete a falta de foco nas observações.

Os participantes foram encorajados a formar grupos à partir das dúvidas compartilhadas. Ao final do primeiro dia, os grupos formularam uma pergunta para nortear a pesquisa durante a semana. Tivemos 4 perguntas norteadoras:

• Que necessidades o Tasy (sistema de gestão hospitalar) atende e não atende?
• Como transformar o papel do Pronto Atendimento no Hospital?
• Como tornar a comunicação interna mais eficiente?
• Como aproximar técnicos de enfermagem do paciente?

Na semana seguinte, repetimos o mesmo exercício de compartilhar insights, evidências e dúvidas. Desta vez, o diagrama teve um balanço melhor de cores. Os insights estavam baseados em evidências e as dúvidas refletiam o interesse dos participantes em obter novas evidências. Com esse exercício prático, conseguimos demonstrar o valor do design baseado em evidências e da organização visual da informação.

Depois de compartilhar a pesquisa, cada participante foi convidado a refletir sobre o que desejava mudar no contexto da Saúde. Algumas pessoas já tinham um projeto em mente, porém, a maioria tinha apenas uma vaga ideia. Por isso, pedimos que eles fizessem um modelo com massa de modelar do comportamento que eles gostariam de modificar na Saúde, deixando de lado o como fazer para isso acontecer. De uma maneira indireta, enfatizamos a importância de começar o projeto à partir de uma intenção de transformar a atividade social.

Como nem todo mundo tinha uma ideia de como mudar tais comportamentos, oferecemos aos participantes sugestões de estratégias para mudar o comportamento através do design. As estratégias do baralho de cartas Design com Intento foram colocadas numa escada e os participantes selecionaram as que faziam sentido para seu comportamento.

Ao final, contemplamos os comportamentos e as estratégias escolhidas. Sugerimos que os participantes formassem novos grupos baseados na similaridade de intenção de mudança de comportamento.

A partir daí, os participantes entraram num ciclo de criar, prototipar e testar suas propostas dentro do hospital.

Para prototipar uma mudança no processo de cuidado dos pacientes internados, uma das equipes resolveu improvisar um teatro.

Outra equipe preferiu utilizar Lego para propor uma mudança no Pronto Atendimento do hospital.

A prototipação física foi útil até mesmo para a equipe que desenvolvia um aplicativo móvel. Eles fizeram um mapa físico para demonstrar a funcionalidade de calcular o tempo esperado de atendimento no hospital mais próximo.

A equipe que tinha programadores prototipou direto no ambiente de desenvolvimento iOS. Porém, após testar o protótipo e verificar seus problemas, a equipe foi aconselhada a fazer um protótipo de papel antes de mexer no código.

Todas as equipes acabaram montando um protótipo testável e levaram até possíveis usuários dentro do hospital. O teste de usabilidade foi um grande momento de aprendizado para todos.

Ao fim do Design Shop, as equipes apresentaram um vídeo mostrando seu protótipo em funcionamento. Foram convidados executivos do hospital, analistas da Agência PUC e professores da PUCPR para assistir as apresentações e dar feedback às equipes.

O pensamento projetual expansivo demonstrou ser uma abordagem bastante prática para estimular estudantes da Engenharia Eletrônica, Engenharia de Produção, Farmácia, Medicina, Design de Produto e Design Digital a buscar a inovação na Saúde. A pesquisa com usuários e os materiais de cocriação foram essenciais para estabelecer a base da colaboração.

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]]> 995 Podcast Tue, 05 Jul 2016 10:43:42 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_impulsionado_por_contradicoes.html Na disciplina eletiva Design Thinking da PUCPR, tive a oportunidade de testar minha tese com meus alunos. Simplifiquei os conceitos da tese e tornei eles acessíveis para o nível de graduação em Design. Os projetos resultantes foram excelentes.

Basicamente, Design Expansivo refere-se aos projetos que incluem contradições. Ao invés das contradições serem consideradas ameaças, elas são consideradas oportunidades. Todo projeto surge de uma contradição e, quando toma consciência disso, pode se aproveitar de sua força potencial para provocar mudanças efetivas na sociedade. Por isso, minha proposta prática é fazer design impulsionado por contradições.

Isso é muito diferente do processo cognitivo de solução de problemas que a abordagem design thinking costuma enfatizar. Por isso mesmo, já redefino no começo da disciplina design thinking como pensamento projetual e, a partir disso, focalizo no tipo de pensamento expansivo que inclui contradições.

A vantagem desta abordagem é o aprofundamento em questões complexas e maior contextualização das propostas de projeto. Enquanto focalizam em problemas, designers tem dificuldade de perceber a complexidade do que estão estudando, pois, assim que definem um problema, imediatamente começam a pensar numa solução fácil pra ele. Essas soluções costumam ser tão fracas que os usuários não percebem valor algum na proposta quando apresentada a eles.

O conceito de contradição não permite tal análise superficial e obriga os designers a compreender a história do contexto, as possibilidades de projeto e os desafios de implementação.

Eu defino uma contradição como uma tensão acumulada na sociedade entre duas forças opostas que, pelo embate, podem formar uma terceira força. Essa terceira força consiste na superação da contradição, porém, seu processo de gestação é bastante demorado. A terceira força não elimina a contradição, porém, transforma sua configuração. A sociedade muda quando uma contradição se torna outra.

A proposta do design impulsionado por contradições é se colocar no meio dessa tensão e facilitar a formação da terceira força. A superação da contradição é uma tarefa da sociedade e não do designer, mas ele pode torná-la mais visível e provocar as pessoas a fazer algo a respeito.

Vejamos como meus alunos aprenderam a lidar com o conceito de contradição. Introduzi o assunto com os seguintes slides.

Design impulsionado por contradições [MP3]

Depois pedi que lêssem o texto Atividade social como base de projeto e fizessem uma pesquisa de uma atividade que eles gostariam de mudar e respondessem o seguinte questionário:

• Qual é a atividade em questão?
• Quem são as pessoas?
• Qual o objeto compartilhado da atividade?
• Qual o resultado esperado da interferência no objeto?
• Quais são os instrumentos utilizados para transformá-lo?
• Como elas dividem o trabalho para fazer isso?
• Quais são as regras das interações?
• Quais são as características dessa comunidade?
• Que contradições estão mais tensas, prestes a disparar mudanças?
• Que outras atividades se conectam com essa atividade?

De posse das respostas destas perguntas, eles puderam aprofundar a compreensão da contradição através do método PSP. Embora esse método focalize em problemas e soluções, a impossibilidade de uma solução final leva à reflexão sobre o que estaria por trás disso, no caso, a contradição.

Na maioria dos grupos, os estudantes ainda estavam longe de descrever a contradição que move a atividade. O diagrama da atividade induz a uma compreensão estática da contradição, como se ela sempre tivesse sido assim. Por isso, no próximo exercício, pedi que a contradição fosse representada no passado, presente e futuro. O novo diagrama é para ser lido de baixo para cima.

Esta equipe de estudantes conseguiu mostrar as forças opostas na atividade do homem de modificação da natureza. Elas perceberam que há uma tendência, devido ao aquecimento global, dessa atividade ser caracterizada pela adaptação e não mais pela dominação da natureza.

Com o objetivo de mostrar que a contradição não é fácil de ser resolvida como um problema abstrato, fizemos uma sessão de teatro imagem a respeito do tema de cada projeto. Projetando com o corpo inteiro, os estudantes tiveram a oportunidade de sentir na pele a contradição estudada. Todos os movimentos de superação foram registrados e posteriormente organizados pelos alunos.

Algumas equipes ficaram presas em ciclos viciosos, sem uma via alternativa. Por isso, tivemos que realizar mais uma sessão de teatro imagem para encontrar ações possíveis. Ainda assim, a contradição se mostrou mais difícil de superar do que imaginavam.

Depois de experimentar a contradição, os estudantes estavam prontos para começar a pensar no seu projeto de mudança da atividade. Nos slides, havia explicado que a contradição acumula com mais força no objeto da atividade e, quando este se transforma, toda a atividade muda. Então, propus que eles modelassem o objeto antigo da atividade e o objeto novo que eles estavam querendo fortalecer.

A tarefa final da disciplina foi criar um serviço que ajudasse a transformar o objeto antigo no objeto novo. A equipe dos estudantes Bianca Giacomini, Caroline Nohama, Luciana Vidolin Martins e Rodrigo Medalha fizeram um projeto de um serviço de troca de garrafas PET por camisetas feitas com esse material reciclado.

Um ponto que enfatizei bastante na disciplina é que uma contradição nunca é eliminada ou solucionada tal como um problema. Por isso, pedi que a proposta de serviço fosse documentada num vídeo que iria explicar as novas contradições que o projeto iria estar configurando. Desta maneira, a proposta do serviço ficaria também mais robusta, já incluindo os desafios de implementação.

Quem tiver curiosidade, pode ver uma playlist com todos os projetos de serviços elaborados pelos estudantes. A disciplina mostrou que pensar e interagir com contradições é uma maneira produtiva de projetar serviços em grupo. No próximo semestre, a disciplina Design Thinking será ofertada em inglês pela PUCPR, com o objetivo de atrair estudantes de intercâmbio de outras áreas. Essa multidisciplinaridade ajudará a capturar melhor a contradição, pois quanto maior a diversidade de formação, maior é a possibilidade de conflitos produtivos entre os estudantes.

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]]> 994 Design Participativo Wed, 29 Jun 2016 12:40:17 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_expansivo_e_contradicoes_encontradas.html Design expansivo é um conceito apresentado por Yrjö Engeström no Instituto Ivrea de Design de Interação em 2004. O conceito foi introduzido para demonstrar a perspectiva da Teoria Histórico-Cultural da Atividade sobre a prática de projeto de interações. Design expansivo é o projeto de interações que considera não só o desenvolvimento de ferramentas tecnológicas mas também o desenvolvimento da atividade como um todo, incluindo questões relativas ao uso das ferramentas, implementação, regras e divisão do trabalho. Levando em conta tal unidade expandida, o projeto torna visível contradições que não poderiam ser resolvidas como problemas técnicos, por se tratarem de complexas tensões sociais. O conceito de design expansivo foi redefinido na tese de doutoramento de Frederick van Amstel defendida em 2015 como a prática de incluir contradições em projetos de edificações.

Resumo em português da tese Expansive Design: Designing with contradictions apresentado no seminário Computar em Contexto do PPGTE da UTFPR no dia 26/04/2016.

Slides

Gravação

Gravação realizada por Rodrigo Gonzatto.

Design expansivo e contradições encontradas [MP3] 1h10

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]]> 993 Podcast Wed, 29 Jun 2016 10:52:35 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/oficina_de_gamificacao.html Gamificação é a aplicação de mecânicas de jogos em aplicativos e redes sociais visando motivar as pessoas a fazer algo que elas acham difícil fazer. Nesta oficina, o conceito é desconstruído à partir de sua origem no socialismo. Um novo conceito de gamificação é construído para estimular a colaboração no ambiente de trabalho. As referências utilizadas na oficina são: gamestorming, jogos projetuais, jogos sérios e jogos organizacionais.

Slides e áudio

Oficina de gamificação [MP3] 45" 13 MB

Fotos

Oficina de 2 horas realizada na Coletiva, semana acadêmica da Escola de Negócios da PUCPR.

Jogamos o jogo Ugg-Tect para refletir sobre a dificuldade de comunicação quando as pessoas falam línguas diferentes ou então quando são obrigadas a utilizar uma língua que não é familiar a nenhuma delas.

Depois jogamos o jogo Mapa da Empatia. O objetivo era desenvolver empatia para os envolvidos na crise política brasileira.

Por fim, fizemos uma avaliação das prioridades do governo interino de Michel Temer utilizando o Radar de Prioridades.

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]]> 989 Wed, 18 May 2016 10:16:54 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/projeto_e_contra-projeto_de_interacoes.html Na história da Arquitetura e do Design diversos projetos tentaram projetar o que as pessoas fazem num determinado espaço ou ambiente. Muitos desses projetos falharam devido aos contra-projetos dos usuários. Nesta palestra, são apresentadas quatro maneiras para aproximar o projeto do designer/arquiteto do contra-projeto do usuário: o projeto determinístico, o aberto, o participativo e o livre.

Palestra proferida na semana acadêmica de Design de Interiores da Unicuritiba em 11/05/2016.

Slides

Áudio

Projeto e contra-projeto de interações [MP3] 17MB 58"

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]]> 988 Podcast Thu, 12 May 2016 10:09:43 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/jogos_como_trampolim_para_o_design_de_servicos.html Resumo

Este estudo apresenta evidências de que os jogos projetuais, uma ferramenta do design de serviço que mimetiza jogos de tabuleiros, pode servir como trampolim para lidar com as contradições inerentes à mudança organizacional. As evidências foram coletadas numa série de experimentos de dupla estimulação conduzidos no Hospital de Clínicas do Paraná. O primeiro estímulo foram as contradições e o segundo estímulo foram os jogos projetuais. Os jogos permitiram aos participantes do experimento perceber, sentir e descrever as contradições do processo de mudança. Além disso, ajudaram a formular ações práticas para lidar com as contradições, como por exemplo, a criação de novos instrumentos de trabalho.

Jogos como trampolim para o design de serviços [PDF]

Slides

Gravação

Jogos como trampolim para o design de serviços [MP3] 20 min

Comunicação apresentada no 1o Colóquio de Perspectivas Acadêmicas sobre Jogos de Tabuleiro e RPGs.

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]]> 986 Pesquisa Acadêmica Tue, 19 Apr 2016 09:39:39 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/pensamento_projetual_expansivo.html Oficina sobre design thinking guiada por Frederick van Amstel e Rodrigo Gonzatto para os professores da Escola de Arquitetura e Design da PUCPR, durante sua semana acadêmica de 2015.

Foi apresentada uma combinação da teoria da aprendizagem expansiva com a prática do design thinking que está sendo aplicada para ajudar os alunos de Design Digital da PUCPR a desenvolver seus TCCs. Os participantes tiveram a chance de experimentar ferramentas expansivas para repensar o ensino de Design, buscando gerar inovações na prática pedagógica e em temas de pesquisa.

As ferramentas expansivas são caracterizadas pela ambiguidade, pelas múltiplas possibilidades de uso e pelo compartilhamento em grupo. Por exemplo, modelos conceituais feitos de materiais simples como post-its, quadros brancos, massa de modelar, papel kraft e EVA. Estes modelos foram utilizados durante a oficina para materializar e refletir sobre a visão que os professores tem dos alunos da escola.

Gravação em áudio

Pensamento projetual expansivo [MP3] 1'43"

Fotos

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]]> 983 Slides Thu, 11 Feb 2016 09:30:40 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/por_um_design_livre_na_economia_solidaria.html Em 2013, Pedro Jatobá e colegas da Colabor@tiva.PE me procuraram para desenvolver uma ferramenta de moeda social para a Plataforma Corais. Foi meu primeiro contato mais intenso com a economia solidária, um conjunto de práticas comunitárias para produzir e comercializar com solidariedade.

Uma dessas práticas é a criação de um banco comunitário com uma moeda complementar, também chamada de moeda social. Pedro Jatobá queria que a Plataforma Corais permitisse criar moedas sociais digitais para empreendimentos que buscavam viabilidade sem depender tanto de dinheiro.

Nós co-criamos a ferramenta e aperfeiçoamos ao longo dos anos. Atualmente, há quatro bancos ativos na Plataforma Corais:

• Universidade Livre de Teatro Vila Vilha
• Movimento Conch@TIVA
• Robótica Pedagógica Livre
• Produtora Tecnojovem

Esses bancos permitem que as pessoas criem compromissos com o desenvolvimento de sua comunidade, vendendo e trocando serviços ao invés de apenas trocando favores. A proposta é partir do sentimento de solidariedade para criar uma economia robusta, ao invés de partir do sentimento de ganância característico da economia capitalista.

Logo que comecei a lecionar na PUCPR, conheci por acaso a incubadora de empreendimentos solidários da instituição: a Trilhas, ligada à rede Marista de Solidariedade.A incubadora me convidou então a ministrar um curso de design para os empreendimentos, já que havia uma demanda grande para identidade visual. Eu propus que, ao invés de dar um curso, faríamos uma oficina de co-criação da identidade visual com os empreendedores mais os designers, micreiros e amigos interessados em ajudar.

Já existe uma tradição brasileira de design com empreendimentos solidários inspirada no Design Social da PUC-Rio. A prática consiste no designer compreender o contexto e projetar em parceria com os empreendedores. Como pesquisador, quiz aproveitar a oportunidade para fazer diferente e implementar alguns conceitos que discutimos no Design Livre. Segundo o Design Livre, o papel do designer não é projetar o produto/serviço, mas projetar ferramentas para designers amadores projetarem.

Não se tratava apenas de dar as ferramentas de design para a criação de identidades visuais. Essas ferramentas foram criadas para atender a economia capitalista e, como tal, já implicavam em reproduzir valores relacionados à ganância. A reprodução em larga escala, a globalização, a concisão e a desejabilidade são algumas das características almejadas por uma marca que não fazem sentido na economia solidária. A proposta da economia solidária é justamente ser enraizada no local.

Era preciso canibalizar ferramentas de design importadas de contextos globais e transformá-las em ferramentas coerentes com os princípios da economia solidária: coletividade, união, auto-gestão e sustentabilidade.

Download dos slides [PDF]

Identidade visual solidária e livre [MP3] 84 MB 1'37"

Ferramentas de design

Farei um resumo das ferramentas desenvolvidas e transformadas.

A primeira foi o jogo da mente poluída, que ajudou os empreendedores a entender o que era design. A segunda foi o jogo produto pinóquio, que ao invés de ser jogado com flipcharts, foi jogado com pequenos quadro brancos compartilhados em grupo. Os empreendedores e amigos foram convidados a descrever o produto/serviço solidário como se fosse uma pessoa.

Uma vez estabelecida a importância de pensar conceitualmente sobre a identidade visual, tratei de dar a eles uma oportunidade para contar as histórias dos empreendimentos de uma maneira sintética e forte. Canibalizei o método Lego Serious Play e pedi que os participantes criassem um modelo físico para ajudar a contar a história do empreendimento solidário.

A proposta era pensar com os dedos em silêncio e depois contar a história utilizando o modelo. As histórias contadas foram muito comoventes, apesar de serem sintetizadas em menos de um minuto. Isso foi essencial para que todos falassem sem perder a atenção do grupo.

Uma história em particular me chamou a atenção. Uma senhora usou um boneco para falar do marido que a desencorajou no início do empreendimento, dizendo que o mesmo não iria dar certo. Ele estava segurando as rédeas do cavalo dela, mas mesmo assim ela decidiu cavalgar.

Depois, jogamos outro jogo do livro Gamestorming: o engarrafamento de imagens. Ao invés de colocar imagens atreladas a palavras, entretanto, preferi deixar as imagens e palavras soltas.

Para expressar emoções e sentimentos relacionados à identidade visual pedi que recortassem imagens de revistas e websites para compor um painel semântico.

Essa saturação conceitual deu lugar a uma discussão sobre o logotipo do empreendimento à partir da matriz gráfica, um template que eu criei especialmente para essa oficina. Ali estão sistematizadas as possibilidades visuais que eu conheço, mas é possível que existam outras que desconheço, até porque tenho pouca experiência com design gráfico. A discussão foi seguida de esboços feitos por todos os participantes.

O resultado final agradou muito os participantes. A proposta é refinar o logotipo e desenvolver a identidade visual como um todo à partir das parcerias firmadas durante a oficina. Recomendei que a identidade fosse desenvolvida com software livre Inkscape e compartilhada com todos.

Na avaliação dos empreendedores solidários, essa maneira de projetar com liberdade e, ao mesmo tempo, coletividade pareceu-lhes muito adequada ao contexto da economia solidária. Espero que as parcerias frutifiquem e que hajam novas oportunidades para apoiar esses empreendimentos! Assim vamos construindo juntos uma alternativa sustentável ao design que serve às grandes corporações.

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]]> 966 Experiência Estética Tue, 20 Oct 2015 22:46:53 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/como_organizar_oficinas_de_co-criacao_vibrantes.html Há alguns anos venho aperfeiçoando minha habilidade para mediar oficinas de co-criação. Comecei fazendo isso nas minhas aulas de design e depois apliquei em projetos comerciais e projetos de pesquisa. Acumulei um conhecimento tácito difícil de ser transmitido. As pessoas me perguntavam como eu fazia para manter a energia fluindo durante o workshop e eu não sabia responder bem até ver o vídeo abaixo.

Trata-se de um vídeo em timelapse da oficina que organizei para vislumbrar um laboratório vivo entre a Prefeitura de Curitiba e várias universidades. O vídeo foi gravado pelo meu colega da PUCPR, o Artur Mittelbach. Olhando o vídeo várias vezes, consegui entender melhor como faço isso.

Em primeiro lugar, eu tento manter as pessoas o máximo de tempo fazendo coisas além de falando. Quando as pessoas falam e não constróem algo juntas, podem empacar na diferença de opiniões. Externalizar o pensamento utilizando materiais ajuda a desvincular a ideia do pensador, o que habilita a crítica. Quando se faz uma crítica baseadas numa fala, há o risco da pessoa se sentir ofendida pois a ideia está dentro da pessoa. Quando a ideia é externalizada, fica mais clara a diferença entre pessoa e ideia e os demais podem não somente criticar como também acrescentar novas ideias.

Como facilitador, costumo interromper falas alongadas e perguntar à pessoa qual é a sugestão dela, principalmente se a fala tem tom de reclamação. A proposta é canalizar a expressão destrutiva para um fim construtivo. Quando as pessoas estão mais familiarizadas com o jargão da democracia participativa, uso a pergunta-chave: "e qual seria o encaminhamento disso?".

Em alguns casos, a reclamação é sinal de um conflito que precisa ser trabalhado. Nesse caso, interrompo a pessoa para confrontar com uma perspectiva diferente de uma outra pessoa que tenha se manifestado anteriormente. Deixo a discussão correr entre as duas até parecer que não há solução. Então, convido a construir algo juntas: um modelo, uma imagem, um objeto, uma encenação. Essa construção se dá primeiro com contribuições individuais em silêncio e depois através da conversa e manipulação do modelo.

Depois que as pessoas constróem algo juntas, convido elas a contemplar o que construiram com um minuto de silêncio. Esse momento de reflexão costuma render insights inesperados e, por outro lado, descansa um pouco o ouvido e a atenção em outras pessoas. Também valoriza a construção coletiva e ajuda a identificar contribuições isoladas no todo. Os conflitos e divergências ficam patentes, porém, eles parecem agora mais construtivos do que destrutivos. Fica claro que ali deve ser o foco das atenções e que uma ação nesse conflito irão ter maior repercursão.

Depois que os conflitos estão deflagrados, é interessante dividir os participantes em grupos. Inicialmente o grupo deve ser entre as pessoas que concordam com uma mesma posição. Depois, esse grupo deve ser preferenciamente desmembrado para dar lugar a grupos com diversidade de opiniões. Por fim, os trabalhos em grupo devem ser apresentados para todos, no grupo grande. Esse momento também de reflexão é excelente para avaliar o próprio trabalho em grupo.

Esse processo de vai e volta nas discussões é análogo ao movimento do corpo das pessoas durante a oficina. Se as pessoas estiverem sentadas, a tendência é que se acomodem em suas posições, que continuem conversando com as mesmas pessoas, construindo o mesmo objeto. Por isso, tento manter as pessoas em pé e circulando o máximo possível durante a oficina. Paredes, quadros brancos móveis e mesas sem cadeira são recursos importantes para estimular essa atividade corporal. Às vezes é preciso lembrar as pessoas de que elas podem circular.

Organizar uma oficina de co-criação vibrante requer planejamento, mas este não pode ser seguido à risca. Estruturar demais a interação pode deixar as pessoas numa postura passiva, em que elas esperam o facilitador dizer o que é pra fazer. Isso é ruim, pois é justamente nas iniciativas espontâneas que se encontra a inovação. Portanto, é preciso ir adaptando o planejamento da oficina de acordo com a percepção de seu andamento.

Um indicador que eu uso muito é a chamada "energia" da oficina. Quando as pessoas estão demonstrando disposição e foco nas atividades, bem como obtendo prazer por participar, a energia está fluindo bem. Quando elas aparentam estar cansadas ou desatentas, então é hora de fazer um interval, mudar de atividade ou trocar de postura corporal.

Um exemplo interessante (que não aparece no vídeo) é que ficou faltando uma atividade importantíssima para pensar em fontes de financiamento para o laboratório vivo. Eu tinha programado uma dinâmica baseada em mapas para pensar isso, mas notei que os participantes estavam cansados demais para se engajar. Então, pedi emprestado um capacete de bicicleta que um participante havia trazido e pedi que todos colocassem suas fontes de financiamento dentro. Depois, sorteei algumas e li em voz alta. Isso reduziu em três vezes o tempo da dinâmica e ainda assim conseguiu levantar as ideias necessárias.

Isso foi o que eu vi. Provavelmente existem outras técnicas que utilizo que não ficaram tão explícitas no vídeo. Se você estiver vendo alguma coisa que não vi ou quiser fazer uma pergunta, utilize os comentários abaixo.

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]]> 963 Vídeos Mon, 05 Oct 2015 13:18:42 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/projetando_ecossistemas_em_rede.html A minha definição atualizada de design de interação implica num projeto em rede. Ao invés de projetar uma tecnologia para uma interação específica (por ex: enviar um email), o projeto em rede abrange diversas tecnologias, sejam elas digitais ou analógicas (ex: comunicação por vários canais). O projeto em rede demanda um novo tipo de pensamento projetual, ainda muito incipiente.

No mercado isso é discutido em partes dentro do termo experiência do usuário. A diferença entre o design da experiência e o design de interação é que o primeiro leva em consideração a integração entre todos os pontos de contato com o usuário, enquanto o segundo é mais focado nos pontos de contato digitais. Na minha definição atualizada, entretanto, o design de interação abrange também os pontos de contato analógicos. Minha intenção com essa definição é ir além da exploração comercial da experiência do usuário como ferramenta de branding e de marketing.

Isso porque essa exploração comercial é um dos grandes responsáveis pelo empobrecimento da vida social e da destruição do meio ambiente. As pessoas compram o que não precisam e antes mesmo que percebam isso, já descartaram o produto. O mesmo pode ser dito para a maneira como as pessoas estão sendo incentivadas a se relacionar com outras nas redes sociais. No Facebook, se você não gosta do que uma pessoa publica, você não é incentivado a dizer pra ela, você é incentivado a bloquear a pessoa, ou seja, jogar no lixo as suas atualizações.

Eu acredito que é possível desenvolver negócios lucrativos sem depender do comportamento consumista. Para isso, é preciso projetar ecossistemas ao invés de projetar produtos e serviços isolados. O mercado brasileiro ainda não está buscando essa transição, portanto, o lugar que eu encontrei para desenvolver projetos assim foi no ensino de design.

Desde agosto de 2015, me tornei professor da Escola de Arquitetura e Design da PUCPR. Lá ministro junto com Rodrigo Gonzatto uma disciplina sobre design de interação para a graduação em Design Digital. Nossa última aula foi exatamente sobre esse tema: design de interação ecológico. Abaixo seguem os slides e a gravação da aula.

Design de interação ecológico [MP3] 56 MB 1'02"

Sumarizando a aula, o pensamento ecológico que propomos consiste em quatro pontos:

• O todo é maior do que a soma das partes
• Uma pequena mudança numa parte afeta tudo
• Transformações ocorrem em ciclos
• O que é lixo para um é alimento para outro

Esse pensamento pode ser aplicado para projetar ecossistemas que envolvem não só animais, plantas e recursos naturais, mas também seres humanos e suas tecnologias digitais e analógicas. Uma referência para esse tipo de projeto é o livro Metadesign do Caio Vassão. Eu já havia chamado a atenção para o trabalho dele aqui neste blog em 2006. Metadesign significa quatro coisas:

• Projetar em diferentes níveis de abstração
• Desenhar diagramas como uma realidade
• Construir procedimentos baseados em parâmetros
• Dar espaço para fenômenos emergentes

Projetando dessa maneira, é possível tornar projetos sustentáveis não só do ponto de vista econômico mas também do ponto de vista sócio-ambiental e afetivo.

Para finalizar a aula, pedimos aos alunos que mapeassem o ecossistema da ficção projetual em que eles estão trabalhando. Uma ficção me chamou a atenção por levantar a questão ambiental de uma maneira interessante. Num futuro próximo, a água e o alimento seriam tão escassos que as pessoas poderiam apenas comer uma ração artificial contendo os nutrientes mínimos para a sobrevivência. A ficção se inspira no filme de ficção científica Soylent Green, porém, como é uma ficção projetual, desenvolve uma proposta mais factível. Para que as pessoas sejam seduzidas a comer, a ração seria impressa em 3D nos formatos dos pratos antigos.

Na figura acima, os alunos e alunas mapeam os insumos e dejetos relacionados com a ração 3D. Embora a ficção projetual não seja um projeto passível de implementação hoje, ela levanta questionamentos relevantes para os tempos atuais. Ao invés de focalizar na falta de água como um problema a ser resolvido, a ficção projetual coloca a crise hídrica como um fenômeno emergente. A natureza é vista como um produto da ação do ser humano, passível de projetação. Pensar ecologicamente não significa preservar a natureza intocada pelo homem, mas sim pensar no equilíbrio entre as atividades dos homens com de outros seres vivos.

O pensamento projetual que eu e Gonzatto estamos cultivando na PUCPR é para transformar as rotinas produtivas da sociedade, numa linha parecida ao que se está fazendo na Carnegie Mellon University. Quando esses alunos estiverem desenvolvendo projetos fora da faculdade, acreditamos que eles terão pelo menos a capacidade de imaginar rotinas diferentes e, aos poucos, introduzir mudanças através da reprodução cultural.

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]]> 962 Design de Interação Tue, 29 Sep 2015 10:51:04 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/o_jogo_de_esconder_e_mostrar_do_facebook.html Durante o laboratório vivo no FISL16, realizamos um experimento sobre como o Facebook distribui atualizações de status pela rede social. Muitas pessoas não sabem que seu hábito de gostar ou não gostar de atualizações de outros amigos define o que será mostrado na linha do tempo. A linha do tempo é o espaço preponderante no Facebook e transmite a impressão de ser pública, porém, isso é uma ilusão. O objetivo do experimento era desfazer essa ilusão e promover um debate sobre o quanto estaríamos delegando a política brasileira para uma empresa privada.

Segundo pesquisa realizada pelo Instituto Máquina, o Facebook é o canal mais utilizado pelos parlamentares brasileiros para interagir com seus eleitores.

Os parlamentares querem estar no Facebook porque os brasileiros discutem política neste espaço como nunca fizeram antes. Em 2013, o termo "manifestação" acabou sendo mais mencionado do que "carnaval" na rede Facebook (!).

Apesar de potencializar mobilizações, o Facebook não substitui as ruas porque não é um espaço público. Mesmo que uma pessoa escolha que uma atualização seja pública, ela não será mostrada a todos os usuários da rede. Isso se deve ao algoritmo Edgerank. Quanto maior for a interação entre duas pessoas, maior a chance da atualização de ser mostrada na linha do tempo da outra. Além disso, quanto mais as pessoas interagirem com essa atualização, mais ela será replicada. Os valores exatos não estão disponíveis para consulta e podemos apenas conjeturar sobre seu funcionamento.

Para ver como o algoritmo impacta na mobilização política, vejamos a recente campanha promovida pelo próprio Facebook para celebrar o orgulho LGBT. Poucas horas depois da aprovação do casamento de pessoas de mesmo sexo nos EUA, milhões de pessoas já estavam usando uma camada colorida sobre sua foto de perfil. Como é possível que essa camada tenha se alastrado tão rapidamente?

A explicação é que o peso atribuído à alteração de foto de perfil é o maior dentre as interações possíveis no Facebook. Com a ajuda dos likes e comentários dados pelos amigos, a chance da foto colorida aparecer na linha do tempo dos amigos aumenta muito. Se vários de seus amigos adotaram a camada colorida, você teve a impressão (errônea) de que a grande maioria das pessoas apoiavam o movimento LGBT. Segundo o próprio Facebook, apenas 1,8% de todos os usuários da rede adotaram a camada colorida.

O ativista Eli Parisier deu uma palestra muito interessante na TED explicando que o algoritmo do Facebook cria bolhas sociais, compostas de pessoas que gostam das mesmas coisas. Isso se intensifica quando os usuários deliberadamente terminam a amizade ou escondem as atualizações de outras pessoas. Conscientemente ou não, as pessoas vão construindo a sensação ilusória de que o mundo ao seu redor é composto de pessoas com o mesmo ponto de vista.

Algumas pessoas especulam que o Facebook usou a campanha do orgulho LGBT como mais um experimento de comportamento massivo, justamente para compreender como se dá a formação dessas bolhas sociais.

Nós partimos da mesma curiosidade para organizar o experimento no laboratório vivo do FISL, porém, ao contrário do Facebook, nós deixamos claro que se tratava de um experimento. Além disso, nos comprometemos a divulgar os resultados e a liberar as instruções para replicar o experimento.

O experimento consiste em participar de um jogo que simula de maneira simplificada o funcionamento do algoritmo do Facebook. Ao final do jogo, os participantes podem perceber e discutir os efeitos desse algoritmo sobre a mobilização política.

Abaixo segue um protótipo do jogo feito antes da realização no FISL.

No jogo real, os bonecos são pessoas e o jogo adquire uma dimensão performática. É um jogo fácil e divertido de jogar, mas que também provoca uma discussão muito séria a respeito da maneira como se relacionamos com nossos amigos e a sociedade.

Instruções

O jogo pode ser realizado com no mínimo 5 e no máximo 100 pessoas. O tempo de duração pode ser de 15 a 45 minutos. Antes de começar, é preciso preparar algumas coisas:

• Cada pessoa recebe
  • Um pregador de roupas para colocar na lapela da camisa
  • Uma cartela com 21 adesivos de likes
  • Bloco com post-its para escrever atualizações de status
  • Alguns fios de lã para conectar seus amigos
• Os jogadores se posicionam num espaço aberto, a meio metro de distância de seus amigos. Eles podem ficar sentados ou em pé
• Cada jogador deve adicionar seus amigos prévios com fios de lã que partem do seu pregador de roupa para o do amigo
• Todos os jogadores devem fazer pelo menos um amigo
• Anuncia-se um tema que está em voga nas redes sociais no momento. Todas as atualizações de status devem seguir esse tema

O objetivo do jogo é ficar com melhor saldo de likes (os likes recebidos nas suas atualizações menos os likes restantes em sua cartela). As regras podem ser resumidas nos seguintes pontos:

• Os jogadores escrevem atualizações e enviam para um de seus amigos conectados
• O amigo recebe a atualização e decide se gosta ou se devolve para o autor
• Quando o autor recebe de volta a atualização, guarda no bolso e não pode mais repassar aos amigos
• Se o amigo gostar da atualização, ele deve retirar um adesivo de like de sua cartela e colar na atualização, repassando em seguida a outro amigo
• Os jogadores podem andar e conectar-se a outros jogadores, porém, é possível que os fios se desconectem pelo movimento. Nesse caso, os jogadores perdem a amizade de maneira tácita (eles ignoram as atualizações do outro)
• Os jogadores podem remover explicitamente uma conexão de amizade caso as interações não sejam de seu agrado
• No final do jogo ganha quem tiver o melhor saldo de likes

Após o fim do jogo é possível discutir o papel do algoritmo do Facebook na mediação no debate político. Os jogadores podem propor mudanças nas regras do jogo e recomeçar o jogo para ver se um outro algoritmo seria desejável.

Resultados

O tema escolhido para o experimento no FISL foi a proposta de redução da maioridade penal de 18 para 16 anos, uma emenda que tramita no Congresso Nacional. Abaixo segue uma tabela com a transcrição dos post-its coletados e o número de likes que eles receberam.

Atualização de status	Likes
Apoiado, mas a educação deve melhorar em vários sentidos	13
A maioridade deveria ser aprovada junto com um pacote de melhorias na educação	10
Maioridade penal é dar responsabilidades aos atos desde cedo	10
+Educação - Prisão	9
#EuApoio? Maioridade penal reduzida, com 16 já está "grande" o suficiente para responder por seus atos.	9
A maioridade penal, por si só, não resolverá o problema da violência	8
Sem educação a redução da maioridade não resolverá muita coisa	6
Educação = pessoas mais civilizadas	6
A redução da maioridade penal é uma artemanha de um governo que não sabe propor solução, apenas contornar problemas	5
+Escolas - Prisões	4
Com a redução da maioridade as pessoas podem ter mais responsabilidades	3
Sofrimento não é solução. Redução não é redenção.	2
UNE, USS, PSD, RUA, Juntos e diversas entidades estudantis foram contra a maioridade. Cunha é golpista.	2
Descriminalização das drogas	2
Só a redução da maioridade não vai reduzir muito crimes realizados por adolescentes	2
Acho válido, mas sozinha, a redução não pode resolver o problema	2
Quem não tem opinião formada, curte aê =D	1
Por que maiores de 16 anos podem eleger seus governantes e não serem condenados?	1
Maioridade penal é um crime para a sociedade menos favorecida #FORACUNHA	1
Sexta tem protesto unificado da Juventude Contra a Maioridade!	1
Queremos mais escolas e mais educação #Nredução	1
Se todos tivessem oportunidade ninguém roubaria	1
PMDB, PSDB e Cunha são o retrocesso	1
Maioridades devem ser proporcionais às responsabilidades	1
Laboratórios no sistema de socialização	1
Fora Cunha	1
Política pública para cultura da PAZ	1
Menos mortes na periferia	1
Mais participação social	1
Revolução na educação	1
A redução da maioridade é boa, contudo pode aumentar o trabalho forçado infantil	1
A maioridade poderia ser melhor estudada, pois ela só não resolve nada	1
Todos precisam de escolas e não de PRISÕES #ForaCunha	0
Não à redução!	0
Fora Cunha	0
Desmilitarização da polícia	0
Melhorar mecanismos do ECA	0
Fim do sistema penal	0
Fim das doações de campanha	0
A redução da maioridade pode ajudar na melhoria da educação	0
As penas também devem ser refeitas	0
Educar as pessoas a educar seus políticos para que não seja preciso punir as crianças	0

Discussão

Os participantes do experimento disseram o seguinte após o experimento:

• As atualizações que receberam mais likes não passaram por todos os participantes.
• Mesmo que o participante devolvesse uma atualização popular por não gostar dela, era muito difícil levar de volta ao seu autor e parar a distribuição, pois as pessoas esqueciam quem havia lhes dado. Essas mensagens acabavam circulando indefinidamente na rede. Tal fenômeno foi considerado análogo à viralização.
• Os participantes formaram grupos que gostavam uns das atualizações dos outros.
• Os participantes que gostaram mais das atualizações dos outros (gastanto sua cartela de likes) foram também os que receberam mais likes em suas próprias atualizações.

Além de conscientizar os participantes da maneira como o Facebook une e separa as pessoas, o experimento demonstrou que certos pontos de vista são marginalizados pelo algoritmo e que as mensagens mais populares não são necessariamente unânimes.

A minha reflexão pessoal sobre o experimento é que precisamos se apropriar de outros espaços para discutir política, pois o espaço do Facebook dificulta o confrontamento com opiniões divergentes, o que é uma precondição para o debate genuíno. As pessoas acabam ficando cada vez mais radicais dentro de suas bolhas, trocando apenas mensagens com aqueles que tem posições políticas similares. Isso também acontece no Twitter, como deixa muito claro as visualizações de grafos da FGV.

Como cidadão, eu tento evitar de ficar preso dentro da bolha pela minha política pessoal de não remover nem esconder alguém só porque a atualização é ofensiva, reacionária, golpista, homofóbica, ou qualquer outra qualidade que eu não gosto. Gostaria de ter uma pluralidade de opiniões para saber o que os outros estão dizendo e até mesmo preparar minha contra-argumentação. Porém, sei que minha decisão de não gostar dos argumentos opostos aos meus para evitar que eles viralizem já me coloca dentro de uma bolha. No Facebook, não é possível escapar disso.

Reitero o convite aos designers de interação para mediar este cenário de polarização política instaurado por um algoritmo que a nossa própria classe ajudou a criar. Um caminho possível é 1) hackear os algoritmos pela recriação deles em público e 2) criar outros algoritmos e outras redes sociais que não induzam à formação de bolhas.

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]]> 958 Design de Interação Tue, 14 Jul 2015 14:18:18 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/laboratorio_vivo_e_inovacao_social_no_fisl.html Laboratório vivo é uma metodologia de inovação social que desloca o investimento em infraestrutura de pesquisa para fora da organização. Em contraste com os laboratórios de alta tecnologia que ficam protegidos a sete chaves dentro das empresas, o laboratório vivo é um espaço aberto ao público. O objetivo é aproveitar a participação para gerar inovações sociais.

Tive contato com essa metodologia na Europa, onde a inovação social é uma política pública. No curso que ajudei a ministrar junto com o professor Pelle Ehn, a gente estudou vários laboratórios vivos e criamos a semente para um novo laboratório na Universidade de Twente, como parte do DesignLab.

O laboratório vivo é chamado de vivo porque é composto primariamente de pessoas. As tecnologias aparecem em segundo plano, já que o objetivo é gerar inovação social. Esse tipo de inovação difere-se da inovação tecnológica pelo foco na transformação de relações, sentimentos, costumes, rituais e modelos de negócios.

No Brasil, já existem vários laboratórios vivos. A pesquisa de doutorado de Silvio Bitencourt da Silva identificou os laboratórios vivos brasileiros e ressaltou a criatividade na orquestração de recursos. Essa pesquisa incluiu também a Plataforma Corais, que eu já desenvolvo desde 2011.

Em 2015, tive a oportunidade de participar da fundação do Laboratório de Tecnologias para a Participação Social na Secretaria Geral da Presidência da República. A visão do laboratório foi construída com a participação de membros da sociedade civil como eu, empreendedores, professores universitários e servidores públicos.

A visão do laboratório é baseada no conceito de permeabilidade, ou seja, que os cidadãos possam penetrar nessa estrutura governamental e interferir nas suas atividades.

Em vista do interesse do laboratório de participar do 16º Fórum Internacional de Software Livre (FISL), propus adotar a metodologia de laboratório vivo durante o evento para experimentar esse conceito de permeabilidade. Planejamos o laboratório vivo à distância, eu, Ricardo Poppi, Henrique Parra e Leonardo Aragão.

O convite à participação no laboratório vivo foi publicado no Participa.br, o portal de participação do governo federal. A proposta era realizar cinco experimentos sobre participação dentro dos stands do Ministério da Cultura e do Ministério das Comunicações. Os participantes do FISL poderiam entrar no laboratório vivo e participar dos experimentos, seja como participante ativo ou observador. O objetivo desses experimentos era divulgar e avaliar as tecnologias existentes de participação social, bem como gerar ideias para novas tecnologias.

No contexto da comunidade de software livre, o laboratório queria também colocar em evidência a importância da abertura do processo (design) além da abertura do produto (código-fonte). Essa intenção se consubstanciou no conceito meta-participação, ou seja, participação na definição da maneira como se dará a participação.

Os conceitos de permeabilidade e de meta-participação nos levaram a planejar experimentos que ajudassem os participantes a entender os algoritmos das tecnologias de participação mesmo que eles não conhecessem as linguagens de programação. Para isso, decidimos simplificar a tecnologia mesmo que preservando a dinâmica de interação.

Um dos experimentos, por exemplo, simplificou o pairwise, um sistema adotado na consulta pública sobre a Estratégia de Governança Digital (aberta até 17/07/2015). Nese sistema, as propostas são mostradas aleatoriamente duas a duas e o cidadão deve escolher uma que lhe agrade. Quando a proposta é escolhida, ela ganha um ponto de vitória e quando não é escolhida, ganha um ponto de derrota. Traduzimos essa interação com post-its retirados de uma caixa que era sacudida com frequência. Os votos eram anotados na parte de trás do post-it. Os resultados foram publicados num mural baseado no esquema de pontuação.

As principais inovações sociais que surgiram à partir dos experimentos no FISL foram:

• Uma maneira simples de explicar como os sistemas de participação funcionam
• Implementação prática dos conceitos de permeabilidade e meta-participação
• Um modelo de engajamento democrático complementar às plenárias, focado na cocriação e teste de protótipos de tecnologias e políticas públicas
• Um modelo de edição de textos normativos com controle de versão distribuído (A Constituição no GIT)

Além destas inovações, o laboratório vivo criou uma ponte entre os Ministérios da Cultura e das Comunicações, que ficaram interessados em realizar outros laboratórios vivos sobre inclusão digital e cultura digital. A apropriação criativa dos estandes do governo criou até uma ponte física, o varal em que exibimos as visualizações de rede do Labic. Essa aparência descolada quebrou todas as expectativas dos participantes em relação à apresentação das ações do governo.

Com essa ação, a Secretaria Geral da Presidência da República, disseminou o pensamento projetual como uma proposta para enriquecer a participação social e a gestão pública participativa. Espero que o governo cultive outros laboratórios vivos. A semente está plantada!

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]]> 957 Vídeos Mon, 13 Jul 2015 17:06:47 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_servicos_orientado_ao_valor_de_uso.html Design de serviços é uma aplicação do pensamento projetual para a criação de novos serviços e melhoria dos existentes através de um processo que prioriza o valor de uso do serviço. O objetivo é que os alunos saibam como conquistar e manter usuários através de um projeto primoroso.

Os alunos tem a oportunidade de desenvolver uma ideia de serviço, documentar e prototipar o novo serviço. A dinâmica de aula se baseia no jogo projetual Mercado de Ideias.

O valor de uso é apenas uma promessa antes da venda. Diferente do valor de troca, ele não pode ser quantificado. Embora as pessoas possam pagar a mais por uma promessa de valor de uso convincente, o valor pago será sempre um valor de troca, não de uso. Se a pessoa não conseguir usar a tecnologia, o valor de troca continuará o mesmo e o valor de uso será nulo. O contrário também é possível: que o valor de uso seja muito maior do que o esperado.

Slides

Design de serviços orientado ao valor de uso [MP3] 43 MB - 39 min

Esse curso foi ministrado na Pós-graduação em Negócios Digitais da Universidade Positivo. O jogo Mercado de Ideias pode ser adaptado para outros temas e disciplinas. Entre em contato para trazer esse jogo para seu curso.

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]]> 955 Cursos Tue, 30 Jun 2015 11:17:52 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/criacao_coletiva_e_participacao_de_usuarios.html O projeto de produtos, espaços e serviços pode se tornar uma verdadeira criação coletiva se os usuários puderem participar do mesmo. Os usuários entram com o conhecimento da sua atividade e os designers com o pensamento projetual. O resultado são inovações do ponto de vista do usuário: facilidade de uso, necessidades atendidas e flexibilidade para adaptação. Esta palestra apresenta projetos participativos conduzidos pelo palestrante no Brasil, Inglaterra e Holanda.

Slides

Áudio

Gravação da palestra realizada na Universidade Positivo dia 16/06/2015.

Criação coletiva e participação de usuários [MP3] 64 MB 1h36min

Repercursão

O portal da Universidade Positivo divulgou uma notícia com um resumo da palestra.

A experiência em participação colaborativa levou o profissional a ser convidado pela Secretaria da Presidência da República a compartilhar seus conhecimentos.  Assim, foi originado um espaço de cocriação, onde funcionários públicos, empresários, professores universitários e pesquisadores levaram ideias para o governo melhorar os canais de participação social com o cidadão. ?Como as ideias ainda estão começando a ser implementadas, provavelmente ainda deve levar muito tempo para que tenham algum impacto. Mas se alguém ouvir falar nas próximas semanas em Dialoga Brasil, saiba que foi gerado a partir dessa colaboração?, diz Amstel.

No Brasil, o conceito de coletividade tem gerado frutos interessantes. Um deles foi a reformulação coletiva do portal da UFPR, que tinha navegabilidade ruim. A ordem do menu do portal foi definida por meio de uma técnica chamada ?card-sorting?, na qual o usuário mostra, por meio de cartões, como classifica as informações em sua mente. As amostras são analisadas para que os padrões seguidos pela maioria sejam identificados e concatenados em uma configuração final.

Na Holanda (lugar em que nasceram seus avós), onde o palestrante finaliza Doutorado em Design Participativo, trabalhar coletivamente é mais do que um conceito, é uma necessidade para que o país consiga conter a invasão do marítima, que acontece pelo fato de grande parte do território estar abaixo do nível do mar.

No país, a coletividade é tão presente que é tratada como prática comum. Exemplo disso é o fato de que o recolhimento do lixo de algumas lixeiras urbanas é de reponsabilidade da comunidade. A prefeitura disponibiliza a lixeira, mas o esvaziamento deve ser feito pelos moradores. Outra iniciativa foi a construção de uma passarela na cidade de Rotterdam, financiada coletivamente por cidadãos. A prefeitura alegou não ter dinheiro para a obra e a comunidade tomou a decisão de construí-la por conta própria, contando apenas com o suporte do governo municipal.

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]]> 953 Design Participativo Mon, 22 Jun 2015 18:09:56 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_de_interacao_para_aplicativos_sociais.html Aplicativos sociais propõem novas interações entre pessoas. Eles surgem à partir de observações sobre o comportamento humano e permitem fazer coisas que não eram possíveis antes de existirem. Apesar de serem inovadores do ponto de vista técnico, muitos desses aplicativos não fazem sucesso devido à proposta de interação. Essa palestra explica como transformar uma interação chata do dia-a-dia numa oportunidade para aplicativos sociais inovadores.

Slides

Gravação

Palestra apresentada no programa BEPiD de formação de desenvolvedores iOS da PUC-PR no dia 18/06/2015.

Design de interação para aplicativos sociais [MP3] 1:55 56 MB

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]]> 952 Slides Fri, 19 Jun 2015 12:06:02 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/design_para_as_futuras_geracoes.html Meu filho e eu demos uma palestra na Campus Party sobre design para nativos digitais. Os nativos digitais costumam gastar as horas mais valiosas da sua infância interagindo com videogames. O problema é que esses videogames estão colocando a cultura da criança dentro de uma caixa preta, inacessível para as crianças marcarem seus próprios valores. Os jogos que meu filho anda fazendo no Scratch mostram que programação para crianças não é um passatempo para gênios, mas uma maneira da criança ser mais ativa na sua inserção na cultura.

Vídeo

Slides

Antigamente as crianças brincavam livremente nas ruas e as brincadeiras evoluiam e mudavam ao longo das gerações e dos deslocamentos geográficos. As brincadeiras de criança mantinham a cultura da criança, com seus próprios valores e reflexões. Hoje essa cultura está ameaçada pelos videogames, que colocam tudo em caixas pretas. Existem exceções, é claro, mas a maioria dos games não favorece a expressão cultural dentro de um grupo de crianças.

Porém, antes da programação existe o design. Mesmo que a criança domine a programação, se ela não dominar design, não conseguirá expressar seus valores. Design é o processo de organizar as ideias de uma maneira que um projeto se torna implementável e relevante no seu contexto social. Programação sozinha não faz milagre, é preciso haver um design por trás e esse design precisa ser tão livre quanto o código-fonte da programação. Se o design é livre, então a cultura da criança pode continuar ativa nessa transição da rua para o computador.

Além da palestra, demos também um workshop sobre design e programação para crianças, baseado no livro Brincando de gato e rato dentro do computador que estava lançando na ocasião. O livro apresenta conceitos como programação orientada a objetos, lógica de programação e design de jogos de maneira muito suave, dentro de uma história típica: a rixa entre gatos e ratos. Os participantes do workshop brincaram com os personagens da imaginação do meu filho, que são derivados de seus bichinhos de pelúcia, no espaço de programação do Scratch. Foi quase como se tivessem visitado o quarto de casa, com os brinquedos espalhados pelos cantos!

É claro que fiquei orgulhoso de ver meu filho falando com desinibição, mas vale ressaltar que esse tipo de conversa a gente tem com frequência em casa e não só da minha parte, mas da parte da mãe dele também! Por isso fluiu naturalmente.

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]]> 919 Design de Interação Thu, 06 Feb 2014 13:02:33 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/imagens_de_designers_oprimidos.html Dos jogos e dinâmicas do Teatro do Oprimido que estou pesquisando, o que mais gostei foi o teatro-imagem. É simples, fácil de ser utilizado por quem não tem experiência de ator e gera uma síntese poderosa.

Os participantes discutem sobre uma opressão que alguns dele tenha vivenciado e então montam uma cena congelada que expressa a opressão. A platéia interpreta a cena e sugere possibilidades de movimentos para libertar o oprimido da opressão. Eventualmente, membros da platéia remodelam o corpo dos atores ou os substituem. O teatro-imagem só termina quando os participantes acreditam que a ação encenada pode libertar o sujeito da opressão.

A proposta do Teatro do Oprimido é ajuda o oprimido a lidar com a opressão, estar preparado para dar uma resposta libertadora da próxima vez que acontecer, ao invés de manter o status quo dominante.

Seguem alguns exemplos de aplicação desta técnica para a mudança organizacional em favor da experiência do usuário, criadas pelos alunos do curso de mesmo nome.

Os flanelinhas de mouse

Quem trabalha com design gráfico já passou por essa situação: um sujeito fica atrás de você, pedindo pra mudar um elemento na tela do computador mais pra cá, mais pra lá... que nem um flanelinha. Pegar o mouse e fazer que é bom, necas! O designer fica numa situação bastante complicada, pois perde a sua autonomia criativa.

O interessante da solução proposta no vídeo acima é que o designer fica numa posição de igualdade com relação ao opressor. A diferença entre estar em pé e estar sentado marca nitidamente a diferença de poder entre os papéis, seja cliente ou diretor de arte.

O problema é que essa diferença não é interessante para resolver a criação, pois não se trata de uma questão de disciplina, e sim de co-autoria.

A forma como essa solicitação de co-autoria é feita muitas vezes acaba provocando a saída do designer da autoria. Como ele não está numa posição favorável para contrargumentar, desiste da autoria e passa a fazer tudo o que o outro sugere, enfim, a operar o mouse.

Quando eu trabalhava com design de páginas web, 10 anos atrás, tive um projeto em que tive que fazer 8 layouts diferentes para um cliente exigente. O atendimento da agência só trazia as solicitações do cliente e nunca levava minha defesa. Eu fiquei tão irritado com a situação que publiquei uma página web contando o causo.

Dois anos depois, quando eu já nem trabalhava mais na agência, recebo uma ligação do cliente solicitando que a página seja tirada no ar, pois estava aparecendo no Google antes da página oficial deles. Claro, eu tinha falado pra não fazer tudo em Flash, mas o atendimento não soube explicar a diferença. Eu tirei a página do ar, mas resolvi republicar a história a título de recordação, sem o nome da empresa, é claro.

Um projeto web fatídico from Frederick van Amstel

Se eu tivesse visto o teatro-imagem acima, certamente teria agido diferente. Eu reagi à opressão com a mesma violência simbólica. Só pedindo demissão da agência, um ano depois, que consegui me libertar dela. Porém, minha atitude prejudicou o cliente ao invés de ajudá-lo, que era o objetivo de meu trabalho.

O designer barrado

Um designer (esquerda) tenta entrar em contato com os futuros usuários (direita) de um novo produto e é barrado pela estrutura organizacional (os guardas no centro). Essa imagem mostra uma das maiores dificuldades que os profissionais que trabalham com experiência do usuário enfrentam: obter carta-branca para fazer pesquisas com os usuários.

O designer diz uma coisa muito interessante: às vezes a opressão é mais sutil do que uma pessoa dizendo não. Embora a empresa diga que você pode fazer as tais pesquisas, na prática não há tempo nem dinheiro para fazer isso na maioria dos projetos. Chega uma hora que ou o designer sai da empresa ou internaliza a dificuldade, aceitando a opressão como natural.

O movimento libertador achei genial. Entrar em contato com os usuários pela via informal, encontrando pessoas próximas na rede de amigos que se encaixam no perfil. Já que eu fazia o papel de curinga no teatro, não falei a minha interpretação do movimento, mas eu vi a possibilidade subversiva do designer ajudar os usuários a se organizarem melhor contra a baixa qualidade do produto.

A ditadura do tempo e do dinheiro

A terceira imagem é a mais didática de todas. Nessa ocasião, pudemos ensaiar vários movimentos libertadores diferentes. A libertação aconteceu de forma gradual, o que permitiu uma análise minuciosa de um problema que é considerado insolúvel: a limitação de tempo e de dinheiro.

O cliente no lado esquerdo é o portador do dinheiro e do tempo, que são fixos. À primeira vista, estes dois elementos parecem ser as fontes da opressão, porém, conforme o teatro avança, a platéia percebe que na verdade a opressão acontece pela gestão e não pela limitação de recursos.

Acho bem importante desconstruir a limitação do tempo e do dinheiro pois volta e meia qualquer discussão que tenta mudar o status quo acaba empacando em "Nós não temos tempo e nem dinheiro sobrando. Não dá pra fazer diferente..." É claro que dá! Sempre dá pra fazer diferente, só que é preciso mudar as estruturas de poder e de gestão e nem sempre as pessoas estão dispostas a isso.

Oportunidades

O curso mencionado foi a primeira vez que usei o teatro-imagem. Fiquei impressionado com o poder de fazer vir à tona questões difíceis de explicar. A forma como essas questões são trabalhadas, permitindo múltiplas interpretações, sem ter um certo ou errado, abre caminho para trabalhar conflitos sem polarizar discussões.

O próximo passo é aplicar a técnica dentro de uma organização específica. Acredito que os resultados devem ser ainda mais interessantes, pois a cena terá maior riqueza de detalhes e contextualização. Isso sem falar na possibilidade de gerar o compromisso de mudança durante o teatro.

Se você quiser levar o teatro-imagem para a sua organização, veja especialmente o último vídeo. Se precisar da minha ajuda, entre em contato.

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]]> 911 Design de Interação Sun, 11 Aug 2013 13:07:36 -0300 http://www.usabilidoido.com.br/como_convencer_o_seu_chefe_a_investir_em_exu.html Uma das reclamações que mais ouço dos profissionais que trabalham em prol da experiência do usuário é que o chefe ou o cliente não entende e/ou não valoriza esse aspecto. Não é de se admirar. De um modo geral, faltam boas explicações e argumentos que justifiquem o investimento.

Na maioria das explicações, não passa de uma série de hypes e jargões da área.

- O que é UX Design?

- É o que faz um UX designer.

- E o que faz um UX designer?

- Ele faz perguntas sobre a experiência do usuário (UX) enquanto projeta um produto.

- E o que é essa tal de UX?

- É tudo que afeta a interação do usuário com um produto.

Embora pareçam lógicas para quem é do ramo, estas respostas são muito vagas. Não ajudam a entender do que se está falando, pois faz referências recursivas o tempo todo. Não fica claro o objeto do design: é o produto ou é a experiência do usuário? Ou é a interação entre eles? Se perguntar como se projeta, como se avalia, ou qual é o retorno, cai uma chuva ainda mais forte de jargões e conceitos mirabolantes.

No contexto brasileiro, a situação é mais complicada porque os jargões acabam sendo importados sem uma reflexão se fazem sentido para a realidade do mercado atual. Nem bem o termo usabilidade se difundiu e já querem trocá-lo para experiência do usuário. Os defensores do termo traduzem "user experience" como "experiência do usuário", porém, abreviam-no como no inglês: "UX".

Os profissionais experientes da área dizem que tanto faz como se chama, o importante é mostrar o resultado. Pois bem, então eu proponho que o acrônimo de "experiência do usuário" seja ExU. Além de ser mais adequado do ponto de vista da língua, faz referência a uma personalidade religiosa tipicamente brasileira que compartilha a mesma dificuldade de definição.

No curso de mudança organizacional que dei mês passado no Rio de Janeiro, fiz uma breve encenação com Horacio Soares sobre a relação do designer com o chefe (vídeo abaixo). O designer tenta convencer o chefe a fazer o recall do produto para consertar a experiência do usuário, mas o chefe não quer nem saber. Observe como no começo o Horacio utiliza termos abstratos e apela para argumentos sentimentais. Conforme ele muda sua abordagem, o chefe vai se tornando mais acessível.