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Gravação realizada em aula da disciplina Design de Interação da PUCPR, ministrada junto com o professor Rodrigo Gonzatto.

Design Especulativo e Ficção Projetual [MP3] 1h30min

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Se é para a bolha estourar, que estoure. Porém, não posso permitir que se perca, junto com o termo, a história da profissão. Em 2013, já alertava que essa nomenclatura não ia durar. Desde 2015, passei a utilizar a tradução de UX como ExU para provocar os profissionais da área a pensarem o contexto histórico brasileiro. Meu amigo Horácio Soares fez até uma camiseta para discutir o assunto no Product Arena. Porém, apesar das reclamações destes "dinossauros", até agora não foi feito nenhum trabalho substancial de levantar a história da profissão no Brasil.

Uma profissão que não tem consciência de sua própria história corre o risco de desaparecer entre uma troca de nomenclatura e outra. Felizmente, essa área de atuação profissional já mudou de nome diversas vezes no Brasil e continua existindo. Isso graças a uma série de pessoas que trabalharam arduamente para criar uma prática consistente e umas outras tantas que trabalharam para tornar essa prática conhecida e reconhecida na sociedade (e não só no mercado).

Essas pessoas não fizeram isso isoladamente. Desde o início da profissão, essas pessoas se juntaram em grupos, comunidades, times e eventos. Esses coletivos fizeram diversas ações que deveriam hoje ser reconhecidas como marcos históricos pela contribuição fundamental à profissão, porém, pela falta de consciência profissional, hoje encontram-se esquecidas. Profissionais que hoje reclamam da bolha não sabem o quanto foi difícil para convencer a sociedade e os empregadores de que essa profissão era importante.

Vou construir aqui um rascunho de uma história da experiência do usuário no Brasil à partir do que consigo me lembrar. Mencionarei diversas pessoas que conheci ao longo destes 20 anos praticando esta profissão. Sugiro que os colegas profissionais conversem com essas pessoas, estudem seu trabalho e construam históricos menos parciais do que o que irei prover aqui. Isso irá contribuir muito para aumentar a consciência histórica da profissão e também, quem sabe, ampliar seu futuro.

Pra começar, ExU no Brasil não surgiu no mercado. Embora o termo tenha sido cunhado por Donald Norman enquanto ele trabalhava na Apple no começo dos anos 1990, no Brasil o termo começou a ser utilizado na metade dos anos 2000. Isso não significa que não havia práticas voltadas à experiência do usuário antes disso. 

Os pioneiros de ExU no Brasil foram pesquisadores de Universidades que, por curiosidade ou orientação ética, começaram a criar grupos e laboratórios de pesquisa voltados a processos que priorizavam o usuário em projetos de produtos e sistemas já nos anos 1990. Conheço os trabalhos pioneiros de Maria Cecília Baranauskas (NIED - Unicamp), Clarisse Sieckenius de Souza (SERG - PUC-Rio), Walter Cybis (LabIUtil - UFSC), Luiz Ernesto Merkle (UTFPR), Anamaria de Moraes (LEUI - PUC-Rio) e Lúcia Filgueiras (InovaUSP). Esses acadêmicos organizaram e continuam organizando conferências acadêmicas como IHC e Usihc. Nas orientações e eventos, esses pesquisadores formaram outros pesquisadores, que espalharam o assunto em outras Universidades ao redor do Brasil. É provável que existam outros pesquisadores pioneiros que não tenha mencionado aqui por não conhecer.

Nos anos 2000, por conta da bolha da Internet, o assunto começa a aparecer amplamente no mercado. Dois livros foram bem importantes para mim: Projetando websites (2000) e Homepage: Usabilidade (2002), de Jakob Nielsen. Nesta época, eu estava começando minha carreira de web designer e a faculdade de Comunicação Social. Senti que neste campo podia juntar as duas coisas e decidi enveredar para a Usabilidade que, na época, era o nome desta profissão.

Nessa época também, descobri o Webinsider, um website editado por Vicente Tardin que reunia várias colunas escritas por profissionais de Internet. Além de assinar uma coluna no Webinsider, Michel Lent Schwartzman, que sempre foi entusiasta de comunidades online, lançou a lista de email WDUse em 2002 para os profissionais de Usabilidade discutirem o assunto. Destaco a participação da Livia Labate nessa lista. Ela sempre respondia a dúvida de quem aparecia.

Livia, assim como outros profissionais desta área, foram impactados pelo lançamento de Information architecture for the world wide web (2002) de Peter Morville e Louis Rosenfeld, o famoso livro com a capa do urso polar. Esse livro nunca chegou a ser lançado no Brasil, mas foi muito influente. Os profissionais que antes se identificavam como especialistas em usabilidade começaram a se identificar como arquitetos da informação depois de ler esse livro, eu inclusive. Neste mesmo ano, um grupo de arquitetos da informação dos EUA fundaram o Asilomar Institute for Information Architecture (AIfIA), que mais tarde seria renomeado como Information Architecture Institute. Livia Labate, que havia se mudado para os EUA, abriu uma lista de email vinculada ao AifiA para discussão em português em 2003, a AifiA-pt. Essa lista foi super-importante para a área, pois conseguiu reunir praticamente todo mundo que trabalhava na área na época. Os membros da lista organizaram diversos encontros em bares de São Paulo e do Rio de Janeiro. Eu participei de alguns no Rio.

Nessa época, a formação mais comum dos profissionais que trabalhavam com experiência do usuário no Brasil era Comunicação Social e não Design. Os designers da época, se preocupavam mais com aspectos visuais da experiência e tinham certa resistência em incorporar princípios de usabilidade em seus projetos. A introdução do wireframe, que vi pela primeira vez numa palestra do Luli Radfahrer (USP) em 2003, separou a estrutura informacional da aparência visual da interface.

A disponibilização de ferramentas simples de usar para publicação de blogs provocou uma fragmentação nos portais como o Webinsider a partir de 2003. Todo mundo começou a ter um blog. Rene de Paula Jr, um dos articulistas do Webinsider fez algo diferente: começou a gravar posts em áudio, o que viria a ficar conhecido anos depois como Podcast. No mesmo ano que o Rene lançou o Roda e Avisa, eu lancei o Usabilidoido, inicialmente sem posts em áudio. 

Ainda em 2003, Bruce Tognazzini publicou um artigo em seu site pessoal provocando uma outra parte da comunidade profissional a se organizar e padronizar uma nomenclatura de cargo. Esse artigo disparou a fundação de uma outra associação, a Interaction Design Association, mais conhecida como IxDA. Diferente da AifiA, essa organização desenvolveu um programa de capítulos locais que foi bastante efetivo no Brasil.

Em 2005, foi o organizado pela professora Lúcia Filgueiras o primeiro evento público que colocou a profissão em evidência em São Paulo, o Dia Mundial da Usabilidade. Nesse evento, lembro da palestra dada por Bruno Rodrigues sobre webwriting e usabilidade. Em 2006, esse evento ocorreu também em Curitiba, organizado pela professora Adriana Betiol.

Todos os eventos nesta época tiveram casa cheia. Não havia muita informação disponível em português e as Universidades não tinham cursos específicos sobre o assunto. A primeira pós-graduação lato sensu sobre Design de Interação foi criada na PUC-Minas em 2006 por Caio Cesar, Marcos André Kutova e Daniel Alenquer. Essa pós formou uma geração de profissionais extremamente ativos em Belo Horizonte.

Em 2007, membros da AifiA-pt começaram a discutir a possibilidade de organizar um evento de maior fôlego, com palestras enviadas pela comunidade.  Guilhermo Reis e Carol Leslie assumiram a responsabilidade e organizaram o Encontro Brasileiro de Arquitetura da Informação, que teve palestras de vários profissionais ativos na comunidade brasileira, tais como Abel Reis, Mauro Pinheiro, Leda Spelta muitos outros. Na ocasião,  Leda mostrou um vídeo sobre acessibilidade que havia produzido junto com Horácio Soares, Bruno Torres e Marcos Antônio de Queiroz (MAQ). Esse vídeo foi muito impactante na época, pois mostrava o impacto da falta de acessibilidade na vida dos deficientes visuais. Na ocasião também Silvia Melo apresentou o Blog de AI, criado pelos funcionários da Agência Click que queriam compartilhar suas experiências sobre Arquitetura da Informação, dentre eles Fabrício Teixeira, que viria a transformar este blog no UX Collective alguns anos depois. Também conheci no evento o Eduardo Agni, que iria fundar anos depois a Mergo.

Até aqui, a maior parte dos eventos, discussões e oportunidades de emprego estavam localizadas em Rio, São Paulo e Belo Horizonte. Perguntei a Alexandre Kavinski se o mercado de Curitiba estava preparado para uma empresa especializada em usabilidade, tal como a Try, fundada por Maria Ercília Galvão em 2003, ou a consultoria da Mercedes Sanchez. Ele me disse que não. Fiquei um pouco frustrado com a resposta, mas concordei. Refletindo, cheguei à conclusão que era necessário formar pessoas na região. Lancei um chamado aqui no Usabilidoido para quem tivesse interesse em montar uma pós lato sensu em Curitiba. Responderam Érico Fileno, Rodrigo Scama, Leandro Henrique de Sousa, Renato da Costa e Gonçalo Ferraz. Juntos fundamos o Instituto Faber-Ludens e abrimos uma pós-graduação em parceria com as Faculdades San Martín no ano de 2008. Tivemos grande impacto local com essa pós e com a posterior atividade de consultoria do Instituto. Saíram de lá duas ferramentas importantes para disseminar e organizar o conhecimento da profissão: o UXCards e a Plataforma Corais.

Enquanto nós formávamos a cena curitibana, os paulistas estavam a mil por hora. O capítulo da IxDA-SP, fundado por Amyris Fernandez e Fábio Palamedi organizou vários Café com Interação. Estes eventos serviram para preparar a cidade para sediar o primeiro Interaction South America em 2009, evento que contou com a participação de vários palestrantes de fora do Brasil. Em 2010, o ISA foi organizado em Curitiba por Érico Fileno. Hoje, este evento se chama Interaction Latin America. 

A vertente de Design de Serviços começou nessa época. Em 2009, dei uma palestra em Joinville sobre Design de Serviços (talvez a primeira do Brasil sobre o tema) e conheci Luis Alt, que havia acabado de voltar da Espanha. Comentei com ele que ele era a segunda pessoa que eu encontrava no Brasil que conhecia bem o que era Design de Serviços. A outra pessoa era o Tennyson Pinheiro. Logo depois, em 2010, os dois se encontraram e fundaram a LiveWork Brasil e escreveram o livro Design Thinking Brasil, uma reflexão importante sobre o que funcionava no nosso contexto.

Design Thinking, a propósito, foi melhor introduzido no Brasil por Juliana Proserpio e Ricardo Ruffo, da Design Echos. Eles tiveram a oportunidade de fazer um curso intensivo no Hasso-Plattner Institute e voltaram ao Brasil cheio de ideias. A Escola de Design Thinking da Design Echos formou milhares de pessoas em competências básicas de design thinking, design de serviços e business design. Nessa linha do Design Thinking, destaco também a atuação da MJV no cenário brasileiro.

De 2011 a 2015 eu fiquei longe da comunidade brasileira por conta do meu doutorado na Holanda, então não tenho como descrever bem os acontecimentos históricos da época. Só posso dizer que, quando voltei, só se fala no tal do ExU designer, enquanto que papéis e assuntos relacionados a Usabilidade e Arquitetura da Informação desapareceram do mapa. Consegui entender melhor esse cenário através do excelente podcast Movimento UX, produzido por Izabela de Fátima. Embora esteja focado na história de profissionais que se destacaram no mercado, esse podcast é a melhor fonte de informações sobre a história da experiência do usuário no Brasil que vi até agora. 

Eu não vou descrever o que aconteceu de 2015 até 2018 porque ainda é uma história muito recente. O que posso dizer é que não acho que ExU está se tornando uma bolha. Vejo mais uma consolidação da prática profissional, porém, o termo ExU está ficando cada vez mais caduco para descrever o que fazemos. Hoje, profissionais dessa área trabalham facilitando processos de cocriação, gerenciado produtos e criando estratégias. Eu continuo preferindo usar o termo design de interação ao invés de ExU para minha atuação, porém, reconheço que sou um dos poucos que ainda usa. Acredito que a profissão ainda tem muita história pela frente, porém, acredito fortemente que o ExU Designer irá desaparecer.

Atualização 1: O Podcast Itera Ideia gravou um episódio respondendo a essa provocação: Do UX ao ExU: Uma Odisseia no Brasil. O episódio traz também as visões de Caroline Leslie e Eduardo Agni sobre a história da profissão.

Atualização 2: A DEXConf organizou uma mesa de discussão sobre este assunto, mediada pela Melina Alves, com a presença de Horácio Soares, Guilhermo Reis e eu. A gravação está no podcast da conferência.

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Gravação realizada na Pós-graduação em App Development da PUCPR.

Introdução ao Design de Interação[MP3] 46 min

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Gravação realizada na disciplina Design de Interação da PUCPR, com o professor Rodrigo Gonzatto.

Estética da Interação Opressiva [MP3] 33 minutos

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Gravação realizada no curso pós-graduação da Sustentare.

Expansão do objeto de design [MP3] 37 min

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O computador como interface humano-humana [MP3] 43 minutos

Fotos

Exercício de prototipação de uma interface de menu telefônico para um call center utilizando a técnica Mágico de Oz.

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Transcrição

Transcrição da oficina apresentada no ciclo de formação do Projeto Comunitário da PUCPR.

Hoje em dia os jovens estão cada vez mais interessados em consumir experiências e menos em consumir produtos. Na Holanda, onde morei por quatro anos, era comum as pessoas darem de presente de aniversário, Natal ou amigo secreto um bilhete para uma experiência ao invés de uma lembrança. Empreendedores astutos perceberam que produtos poderiam ser transformados em experiências, como por exemplo, supercarros. Na Europa é possível alugar uma Ferrari por 25 Euros por 15 minutos. É uma experiência curta, porém, suficiente para a pessoa sentir como é a máquina, tirar fotos e contar para os amigos que dirigiu uma Ferrari um dia. Cada vez mais os jovens estão convictos que é a experiência que conta e não a posse de produtos.

Experiências são valorizadas porque elas oferecem a oportunidade de ver coisas novas, mudar a percepção sobre o mundo e também mudar hábitos. Experiências podem de fato transformar pessoas, porém, essa transformação pode ser para pior. Em 2012 na Suíça, um motorista que havia pago 25 Euros por uma experiência de dirigir uma Ferrari acabou batendo o carro nos primeiros minutos, o que lhe ocasionou uma dívida equivalente a 1 milhão de Reais. O seguro incluso na experiência cobria o ônus apenas se o motorista estivesse dirigindo dentro do limite de velocidade da via, o que infelizmente não era o caso. A experiência acabou transformando o motorista numa pessoa endividada sem deixar claro o risco que estava envolvido.

Experiências podem também transformar pessoas em pessoas melhores. Nos Estados Unidos existe um programa chamado Every 15 Minutes que organiza experiências de dois dias sobre o risco de dirigir alcoolizado em escolas. São ministradas palestras com pessoas que sofreram acidentes, paramédicos e advogados sobre todos os aspectos relacionados a acidentes causados pelo álcool. O ponto alto da experiência é a simulação de uma batida de carro com vítimas. Os estudantes costumam participar como atores da simulação, devidamente caracterizados como vítimas do acidente. Um estudo realizado por Janice Clark Young (2000) sobre a efetividade do programa demonstrou que apesar da experiência ter efeito a curto prazo e gerar conscientização sobre o problema, a experiência não conseguiu afetar o comportamento dos adolescentes, que continuaram bebendo e dirigindo na mesma proporção de antes.

Experiências podem ter maior impacto quando o nível de engajamento dos participantes é maior. A Caminha do Privilégio, por exemplo, embora dure apenas algumas horas, é capaz de sensibilizar as pessoas de que cada grupo social começa seu desenvolvimento social numa condição diferente. O narrador da experiência dá diversas instruções do tipo "Quem tiver perdido uma vaga de emprego devido à sua cor de pele, dê um passo para trás" e "Quem tiver arranjado um emprego logo após se formar na faculdade dê um passo para frente". No final da caminhada, as pessoas com maior privilégio ficam na frente e as pessoas com menos ficam atrás. É comum que pessoas negras fiquem atrás. Um estudo qualitativo realizado por Gloria Magana (2017) demonstrou que A Caminhada do Privilégio funciona para conscientizar os participantes da relação entre privilégios e gênero, raça e etnia.

Experiências podem também ser longas e difusas, tal como o treinamento militar, que dura meses ou anos, dependendo da posição almejada. Militares precisam ser capazes de passar por condições de sobrevivência extremas e ainda assim conservar a perspicácia e efetividade na ação. O treinamento envolve experiências intensas, inclusive com muito sofrimento. Uma pessoa que passa pelo treinamento militar raramente continua sendo a mesma depois disso. Apesar da eficácia na transformação, o treinamento militar deixou de ser considerado uma referência para a pedagogia a partir do começo do século XX, quando educadores e filósofos começaram a questionar a amplitude da transformação: seria só uma internalização da disciplina ou uma transformação de valores e atitudes?

No começo do século XX, diversas escolas progressistas começaram a surgir nos EUA escolas com o objetivo experimentar uma abordagem diferente da educação militar e industrial. Estas escolas buscavam trocar a aula expositiva por experiências práticas, que envolviam todos os sentidos dos estudantes. O filósofo John Dewey refletiu profundamente sobre as características da educação pela experiência. Ao invés de simplesmente rejeitar a sala de aula expositiva em favor de experiências mais ativas na escola e fora dela, Dewey quiz enfatizar a importância da qualidade da experiência. Uma aula expositiva pode ser uma experiência rica, desde que ela incentive os estudantes a quererem novas experiências relacionadas ou diferenciadas. As experiências pobres (ou deseducativas) seriam aquelas que reduzem o espectro de interesse do estudante, desmotivando-o a ter novas experiências. O princípio fundamental da qualidade da experiência é o sentido que uma experiência tem em relação a uma experiência anterior e uma potencial experiência futura.

A partir do pensamento de Dewey, Donald Schön desenvolveu uma teoria de Educação pela Experiência específica para profissões que exigem algum talento parecido com o talento artístico, tal como Design e Arquitetura. Schön percebeu que nas escolas de Arquitetura, o segredo da aprendizagem pela prática de ateliê (ou seja desenvolvimento de projetos práticos) é a reflexão na ação. Esse tipo de reflexão acontece quando o estudante enfrenta uma situação problemática em seu projeto que o faz mudar o curso da ação, descobrindo, com isso, novas possibilidades. A problematização da situação pode surgir da própria situação ou partir da intervenção de um colega ou de um professor que chama a atenção para o problema. Na foto, podemos ver um exemplo de um momento de reflexão na ação quando meu colega Rodrigo Gonzatto explica para uma estudante como abrir um brinquedo eletrônico sem quebrá-lo. Os movimentos de torção que o professor demonstrou não poderiam ser explicados de outra maneira senão que pela demonstração com as mãos no objeto.

Schön distingue a "reflexão na ação" da "reflexão sobre a ação" que ocorre após a experiência. Esse segundo tipo de reflexão é conhecido como debriefing, reflexão em grupo ou discussão. O professor costuma perguntar aos estudantes "E aí, o que vocês aprenderam com a experiência?" e os estudantes refletem publicamente para permitir também a comparação de suas percepções e aprendizados com o dos colegas. Uma maneira mais formal de reflexão sobre a ação consiste na escrita individual ou coletiva de relatórios de reflexão. Esse tipo de reflexão costuma ser mais profunda do que a reflexão na ação, porém, mais distanciada do conhecimento tácito que o estudante precisa desenvolver para atuar na prática.

A reflexão que se acumula na ação e se consolida sobre a ação é o que leva uma pessoa a se transformar pela experiência educativa. Para que o estudante reflita por conta própria, entretanto, ele precisa se sentir no papel de protagonista da aprendizagem. Se ele sentir que está apenas executando ordens do professor na experiência educativa, não haverá genuína reflexão na ação nem tampouco reflexão sobre a ação. O professor pode refletir pelo estudante e colocar palavras na sua boca, mas isto não seria reflexão genuína e não geraria transformação alguma. Por esse motivo, nós, professores da PUCPR, tentamos ao máximo enfatizar o protagonismo dos nossos estudantes em experiências educativas.

A transformação pessoal não é apenas uma preocupação das instituições de ensino. Ela é, na verdade, a oferta de maior valor na economia atual. Quando uma experiência consegue transformar uma pessoa na pessoa que ela aspira ser, essa experiência é considerada extremamente valiosa. No Rio de Janeiro, por exemplo, o Curto Café oferece uma transformação muito valiosa. A primeira vez que fui lá fiquei abismado com a abertura do espaço, que funciona no meio de uma galeria, sem nenhuma porta ou dispositivo espacial de controle de circulação. Não havia um lugar para entrar nem para sair, o lugar era todo aberto. A caixa para pagamentos, em especial, ficava num canto sozinha e as pessoas que passassem pela experiência do Curto Café podiam colocar quantos Reais quisessem. Caso a pessoa tivesse dúvida sobre quanto colocar, ela podia buscar sugestões no balancete do mês afixado em um quadro negro. Os dados ali eram atualizados dia-a-dia com os custos e receitas da operação. A pessoa podia inclusive saber quantos Reais faltava para fechar a conta do mês e se sentir compelido a dar uma força. Eu deixei R$ 50 pela experiência de conhecer o local, aprender como funciona uma máquina barista, conversar com pessoas maravilhosas e usar o wifi. Imagino que pessoas que passam pela experiência com maior frequência devem deixar mais do que isso.

A oferta do Curto Café é mais do que uma experiência. Trata-se de uma transformação pessoal. As pessoas podem continuar, assim como eu, acreditando que a solidariedade, o respeito e a confiança entre estranhos é possível em uma cidade conflituosa como o Rio de Janeiro. Pine II & Gilmore explicam em seu livro The Experience Economy que esse tipo de oferta surge quando uma experiência é customizada para cada pessoa que a experimenta. Se uma xícara de café bruto pode render um centavo, uma pausa para tomar um café no Curto Café pode render dezenas ou centenas de Reais, dependendo do quanto a pessoa se identifica com a transformação proposta pelo negócio. Experiências transformadoras oferecem um valor tão alto e tão customizado para cada indivíduo, que fica difícil estabelecer um preço pré-definido. Por isso que o Curto Café deixa livre para que as pessoas paguem o quanto quiser.

Dar um preço fixo para uma experiência transformadora pode inclusive reduzir a sua eficácia. A PUCPR, por exemplo, estabeleceu em 2016 uma cerimônia de Colação de Grau Institucional nos moldes das formaturas estadunidenses, com direito a show de orquestra, jogo de luzes e discurso público. Ao invés de cobrar pela festa, a PUCPR decidiu oferecer a experiência sem custos adicionais para todos os estudantes. Se tivesse cobrado, a festa já não seria tão marcante, pois alguns colegas não poderiam estar presentes.

Mas o que design tem a ver com isso tudo? Se design é projeto, seria possível então projetar experiências transformadoras? Para responder essa pergunta, eu gosto de realizar um experimento em que peço aos estudantes para fechar os olhos, degustar um bombom Sonho de Valsa e depois descrever a sua experiência. Eu peço para que façam isso aos poucos, na medida em que dou instruções misteriosas que aguçam seus sentidos. Eu chamo esse experimento de "68". O número não é para significar que realizei previamente 67 experimentos; a função dele é deixar os participantes curiosos sem saber que se trata de uma degustação. Apesar das instruções de como comer o Sonho de Valsa fossem as mesmas, as descrições das experiências dadas no final eram completamente diferentes. Todos tiveram uma experiência diferente, porém, para todos foi uma experiência diferenciada do cotidiano. Eu não pude controlar a experiência dos estudantes, mas ainda assim sinto que houve um projeto genuíno.

Se projetar não é o mesmo que controlar, então, o que é design? Segundo o professor Klaus Krippendorff, design é dar sentido às coisas. Ele volta à origem etimológica da palavra, formadas pelo radical "sign", que significa signo ou sentido e o prefixo "de" que significa dar. Essa definição ampla de design permite, ao mesmo tempo, trabalhar com muitas áreas de atuação (inclusive design de experiências) e trabalhar com projetos emergentes (pois o sentido não está no objeto). Essa definição serve para enterrar de vez a confusão comum no Brasil de que design é o mesmo que desenho. Design pode ser dar sentido ao desenho, mas não se esgota na ação de desenhar. Para compreender a produção de sentido no design de experiências transformadoras, desenvolvi um framework que cruza três objetos (coisas, espaços e atividades) com três características de projeto (forma, função e estrutura). Esse framework serve para identificar condições que podem ser projetadas para propiciar (ou não, dependendo da pessoa) uma experiência transformadora. Apresentarei o framework através de exemplos extremos.

O artesanato decorativo é um exemplo de uma coisa cuja forma faz mais sentido do que a estrutura e a função. Esse tipo de artesanato não possui nenhuma função, a não ser a função decorativa que, na verdade, é baseada na forma da coisa. A estrutura da coisa é irrelevante, pois não há necessidades de adaptação para múltiplas funções.

O fogão brasileiro é um exemplo de uma coisa cuja estrutura tem mais sentido do que a forma ou a função. A tampa de vidro não tem nenhuma utilidade a não ser estruturar o ritual de limpeza da cozinha. As mulheres brasileiras desenvolveram um ritual tradicional de concluir a limpeza da cozinha com o fechamento da tampa do fogão e a colocação de um pano bordado por cima ou uma cesta de frutas, sinalizando às outras pessoas da casa que a cozinha está limpa. Essa parte da estrutura do fogão só existe devido ao ritual. Em países que não cultivaram esse ritual, essa tampa de vidro não existe.

A chave é um exemplo de uma coisa cuja forma ou estrutura não fazem o menor sentido sem considerar sua função. A chave só faz sentido em relação a uma porta que se abre com ela. As pessoas carregam chaves no bolso devido a esse sentido, que é maior do que parece.

Para demonstrar como uma coisa pode dar sentido à uma experiência, proponho aos meus estudantes um experimento de alteridade. As etapas são:

1. Encontre uma pessoa que você não conhece;

2. Apresente-se através do seu molho de chaves;

3. Explique cada porta que a chave abre e sua relação com o lugar.

Esse experimento sempre traz surpresas e curiosidade para conhecer melhor a pessoa. O sentido de carregar a chave no bolso é o acesso a lugares que a pessoa se importa muito.

O escritório inglês Architects of Air constrói espaços incríveis com plástico inflável. As pessoas que visitam estes espaços em exposições e eventos costumam ficar maravilhadas com as formas coloridas. Eu tive a oportunidade de visitar uma dessas exposições na Holanda e fiquei horas lá dentro imaginando que estava em outro planeta.

A academia de musculação é um exemplo de um espaço que não carece de estrutura ou forma para ter sentido. Basta dispor máquinas de exercício em um plano aberto que já está formado o espaço da academia. Aqui a função atribuída é que dá sentido para o espaço.

O Jardim das Sensações em Curitiba é um espaço que propicia a visitação de pessoas cegas ou pessoas com vendas nos olhos. As plantas que estão expostas nesse jardim são cuidadosamente escolhidas para estimular o tato e olfato dos visitantes. O caminho entre as plantas é guiado por uma barra de ferro. A estrutura acessível do espaço tem mais sentido do que sua forma e função.

Para demonstrar a importância do espaço para o projeto de experiências, existe um experimento de acolhimento muito simples:

Estudantes formam grupos;

Cada grupo cria uma estrutura espacial acolhedora empilhando cadeiras, mesas e o que mais estiver disponível na sala de aula;

Por fim, os estudantes convidam um colega de outra equipe e oferecem acolhimento em seu espaço.

A atividade é mais difícil de perceber como um objeto de design, porém, ainda se aplicam as mesmas características forma, função e estrutura. A forma da atividade tem a ver com as ações que realizamos apenas com o objetivo de caracterizar que a atividade está ocorrendo. Quando a atividade é informal essa forma é menos pronunciada, porém, ela fica evidente na atividade formal. A forma da atividade pode ser tão importante que o conteúdo é deixado de lado. Em reuniões de cúpula é comum as pessoas terem a sensação de muitas coisas foram faladas mas nada foi dito. O sentido dessas reuniões é muitas vezes apenas atualizar os participantes da forma da atividade.

A função de uma atividade pode ter mais sentido do que a forma e a estrutura. A vassoura que estrutura a atividade dos garis é ineficiente e prejudicial para a saúde do gari, porém, a função dessa atividade compensa. Nas cidades brasileiras, a atividade de limpar ruas ainda não foi automatizada porque, embora os custos a longo prazo sejam menores, se fosse automatizada, milhares de pessoas perderiam seus empregos. A atividade de limpar ruas cumpre uma função social de oferecer empregos para pessoas que não tem acesso a outras oportunidades de emprego.

A rotina matinal é um exemplo de uma estrutura que dispensa forma ou função. O sentido da rotina está em executá-la diariamente, preparando-se para enfrentar as demais atividades do dia. Enquanto conduzimos nossa rotina, raramente prestamos atenção diretamente no que estamos fazendo.

O projeto de experiências dá sentido a coisas, espaços e atividades, porém, sentido é algo difícil de produzir e representar. Um método interessante para trabalhar a produção colaborativa de sentido é o Lego Serious Play, desenvolvido pela Lego Corporation para estimular reuniões mais criativas. Nesse método, as peças de Lego são utilizadas para produzir sentido através de metáforas. Por exemplo, uma bicicleta num modelo de Lego não representa uma bicicleta no mundo real, mas sim o conceito abstrato de sustentabilidade. Esse método vai além da criação de modelos metafóricos, porém, isso já é o suficiente para perceber como coisas, espaços e atividades podem ser considerados em conjunto.

O Mapa Tangível da Experiência é uma adaptação que fiz no Mapa da Experiência, um tipo de diagrama de etapas muito utilizado para compreender como uma experiência se desenrola através do tempo. O Mapa Tangível busca capturar relações diversas entre coisas, atividades e espaço, ao invés de simplesmente considerar a relação temporal como, por exemplo, a sequência de ações. Utilizando peças de Lego, estudantes montam um modelo em grupo com peças de Lego para representar como é atualmente uma experiência que desejam reprojetar. O modelo deve responder as seguintes perguntas:

Que pessoas estão envolvidas?

Que coisas estão envolvidas?

Que espaços estão envolvidos?

Que atividades estão envolvidas?

Coisas, espaços e atividades cuidadosamente projetadas conduzem uma pessoa a se tornar outra pessoa. No budismo existe um tipo específico de retiro chamado Vipassana que é conhecido por transformar pessoas ao redor do mundo. Durante 10 dias, os participantes do retiro mantém silêncio absoluto e dividem seu dia entre sessões de meditação, caminhadas pela natureza e alimentação simples. Smartphones e computadores não são permitidos. Muitas pessoas desistem do Vipassana no meio, porém, os que conseguem chegar ao final costumam afirmar que passaram a ver o mundo diferentemente. Vipassana é só um exemplo de uma experiência transformadora que projeta coisas, espaços e atividades para os aspirantes.

O framework acima define os elementos de projeto que podem ter sentido, porém, ele não prevê uma prática específica de projeto. Para isso, eu recomendo o Design Participativo. Minha sugestão é que pessoas que irão passar por e conduzir a experiência transformadora se reúnam e projetem em conjunto a experiência. Dessa maneira, o projeto terá o comprometimento e compreensão de todos, o que é muito importante para esse tipo de projeto, que depende tanto da performance individual e coletiva das pessoas envolvidas. Apresentarei uma série de ferramentas que podem ser utilizadas para projetar em conjunto uma experiência transformadora. A primeira é o Painel da Transformação. A pessoa que aspira ser transformada é desenhada em caricatura simples como ela entra na transformação e como ela deve sair de lá. A caricatura é complementada com legendas para consolidar os sentidos do desenho.

Quando trabalhamos com performances emergentes, o resultado esperado pelo projeto nunca é garantido e por isso é preciso trabalhar com variedade. No caso das experiências transformadoras, é muito comum que a pessoa se distraia, manifeste um bloqueio psicológico e perca a motivação. Essas pessoas não devem ser culpadas, pois sua atenção, disposição e motivação estão constantemente disputadas por experiências propostas por grandes empresas. Essas experiências costumam ser muito mais curtas, fáceis de passar e sedutoras, porém, não conduzem à transformação pessoal e, portanto, não tem o mesmo valor.

Devido à dificuldade de determinar resultados, a problematização é fundamental para o design de experiências. Problematização significa que nenhum problema ou solução são considerados definidos ou finalizados. Por isso é preciso pensar em diversos problemas e diversas soluções, buscando uma aproximação com as possibilidades mais prováveis. Essa problematização pode ser feita sobre o Painel de Transformação:

1. Acrescente ao desenho da pessoa transformada post-its com desenhos de distrações, bloqueios e desmotivação;
2. Mostre para outra equipe seus problemas e peça sugestões de soluções. Acrescente post-its de solução em uma cor diferente;
3. Classifique seus problemas no Modelo da Atividade.

O Modelo Sistêmico da Atividade proposto por Yrjö Engeström é uma maneira holística para analizar diversos elementos de uma atividade. Nesta adaptação para projeto de experiências, eu modifiquei o item Comunidade por Espaço e o item Objeto por Motivo. A vantagem de utilizar o Modelo Sistêmico da Atividade é que podemos perceber as relações de dependência que existem entre os fatores que contribuem (ou não) para a experiência transformadora. Assim, ao invés de focalizarmos em um ou dois fatores, podemos desenvolver um projeto mais completo. Ao classificar problemas e soluções dentro do modelo, fica evidente que uma solução parcial não é capaz de resolver nem mesmo os problemas parciais, pois estes dependem uns dos outros. O modelo leva a uma percepção de que intervenções na experiência precisam ser globais e não localizadas.

Embora o Modelo Sistêmico da Atividade permita uma visão holística sobre o projeto, ele ainda é abstrato demais para compreender os nuances de uma experiência corporal. Por isso, recomendo complementar a análise com uma sessão rápida de Teatro Imagem. A técnica, que faz parte do arsenal do Teatro do Oprimido, serve para representar uma situação problemática em poses estáticas. Não é necessário script nem talento para montar uma peça de teatro imagem, basta que o grupo monte uma cena e a platéia auxilie com a interpretação. Em poucos minutos é possível ensaiar uma cena para cada problema e uma cena para cada solução, o que já deixa claro o potencial e relevância de cada um. Muitas vezes um problema abstrato parece muito pior ou uma solução abstrata parece inviável quando encenada.

A fase de problematização termina quando emerge um conceito para a experiência transformadora. Esse conceito pode ser implementado em detalhes através do documento Jornada do Usuário, que lineariza os passos da experiência em ordem cronológica. Esse documento quebra a visão sistêmica da atividade, porém, permite focalizar no nexo das transições entre uma ação e outra, entre um espaço e outro ou entre uma coisa e outra. Esse documento costuma ser utilizado por outros profissionais no início do projeto, porém, eu acho que ele deve ser postergado pois induz a uma visão fragmentada da experiência. A Jornada do Usuário dá a impressão de que a experiência sempre ocorre da mesma maneira para todas as pessoas, o que não se confirma pelos experimentos que realizei (principalmente o no. 68).

Depois que há um conceito consolidado para a experiência, é chegada a hora de testá-lo na prática. Para isso, recomendo a criação de um Protótipo da Experiência. Protótipo em grego significa "forma primitiva". É uma tentativa de testar a materialização de um conceito antes de estar completamente desenvolvido. A vantagem de construir um protótipo antes da versão final é que você pode descobrir suas falhas antes de fixar tudo. Imagine se o Batman tivesse construído uma versão final do seu carro em O Cavaleiro das Trevas. Ele certamente estaria arrependido, pois o Curinga deu um jeito de explodí-lo.

Qualquer material que estiver à mão serve para construir protótipos, porém, os mais comuns são papelão, papel, fita crepe, canetas, rolo de papel alumínio e EVA. Neste exemplo, estudantes que participaram do programa Renault Experience transformaram uma scooter num triciclo para experimentar a experiência de direção.

Quando não há muitos recursos materiais disponíveis ou não há tempo para construir protótipos, pessoas podem fazer o papel de coisas ou de ideias. Nesse exemplo, o estudante de vermelho faz o papel da vontade de se divertir, o estudante com venda faz o papel da vontade de dormir, o estudante agachado na frente da mesa faz papel de computador e um estudante de chapéu de Tio Sam representa a pressão do mercado sobre o estudante de design sentado na cadeira. Esse protótipo explora um sistema computacional gamificado que mistura trabalho com diversão.

A maneira mais rápida de construir um protótipo de experiência é, novamente, através do teatro.

1. Crie uma breve peça de teatro demonstrando como será a experiência transformadora;
2. Escreva um script explicando a sequência da experiência. O script será lido pelo narrador enquanto os atores executam as etapas sem falar;
3. Utilize coisas e espaços para dar sentido às ações;
4. Filme a peça.

Para finalizar, destaco três características que notei nas experiências transformadores pelas quais passei ou conduzi. Em primeiro lugar, a diferença. Experiências transformadoras introduzem pessoas, coisas, espaços e atividades diferentes do que a pessoa está acostumada. Essas diferenças induzem o sujeito a olhar para si mesmo e considerar possibilidades de existência adormecidas ou bloqueadas. A diferença mostra que é possível ser diferente.

Em segundo lugar, a motivação. Uma experiência transformadora só têm êxito quando a pessoa está extremamente motivada a mudar. Esse novo motivo, introduzido pela experiência, precisa ser mais forte do que o motivo que a pessoa já tem para continuar a ser o que já é. Tecnicamente, as pessoas não se desmotivam no meio de uma experiência transformadora, o que acontece é que o motivo existente é mais forte. Desconstruir ou negar esse motivo existente muitas vezes não é viável e nem prático. Mais interessante é fortalecer o novo motivo, que surge justamente do contato com as pessoas, coisas, espaços e atividades diferentes.

Em última análise, experiências transformadoras dão sentido para a vida. Durante e após a experiência, a pessoa se sente como se tivesse realizado algo muito importante para ela, algo que será lembrado pelo resto da vida pois provocou uma mudança de rumos, uma nova auto-avaliação, uma convicção para fazer algo grandioso e a certeza de que se tornou uma pessoa melhor. Esse é o resultado que não se pode garantir, mas se pode almejar, de um bom projeto de experiência.

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Design de interfaces com padrões de interação [MP3] 1 hora e 27 minutos

Transcrição resumida

A abordagem de padrões de projeto desconstrói o mito de que o projeto é criado pelo designer sozinho, totalmente consciente, intencional e racional. Ela demonstra que todo projeto, mesmo quando conduzido por um designer sozinho, é um projeto conectado com a sociedade, mesmo que o designer não esteja consciente disso. Além disso, ele é influenciado por sentimentos e nem tudo que acontece é intencional.

A definição de design de Klaus Krippendorff ("design é dar sentido às coisas?) levanta a questão da origem do sentido. O sentido não vem do nada. Ele sempre se relaciona com outros sentidos que são transmitidos socialmente e conectados através de redes semânticas. Sempre um sentido é formado, ele se relaciona a outros sentidos, mesmo que não estejamos totalmente conscientes disso. O ?i" do iPhone e iPad se conecta com a rede semântica do Digital Hub da Apple nos anos 1990, que propunha toda uma série de novos significados para a Computação.

Devido à existência de redes de sentido, designers sempre estarão reproduzindo padrões, quer eles saibam ou não. A maneira mais simples como designers reproduzem padrões é o mimetismo, uma prática que acontece inclusive na própria natureza. Assim como o camaleão percebe a cor verde no seu ambiente e muda a cor da sua pele, o designer percebe padrões no mundo artificial e reproduz em seus projetos. O mimetismo explica porque a logo das Olimpíadas de Tokio de 2020 motivou um processo judicial por um designer Belga. A logo japonesa reproduzia os padrões mais simples de comunicação visual: formas geométricas e cores estanques. O mimetismo de formas essenciais acabou gerando a possibilidade efetiva de outro designer projetar algo muito similar.

Quando o designer é forçado a reproduzir padrões, pode-se dizer que ele está fazendo isso por conformidade. Existem regras e normas técnicas que impõem certos padrões, porém, existem também padrões de comportamento do consumidor que demandam conformidade. A garrafa térmica Futura projetada por Augusto Seibel e Índio da Costa foi um projeto que quebrava o padrão de manuseio: ao invés de segurar por uma alça, o próprio gargalo da garrafa oferecia uma pega adequada. Entretanto, os consumidores achavam que estava faltando uma peça ou então sentiam medo de manusear daquela maneira. A Aladdin acabou tendo que colocar a alça e destruir o conceito de manuseio proposto.

A articulação é quando o designer conscientemente combina padrões, relaciona padrões novos com antigos e atende a demandas específicas do contexto. É possível observar essa articulação na evolução dos telefones celulares. A cada nova versão, existem padrões novos e antigos. A quebra maior acontece quando a tela se torna touchscreen e ocupa a superfície completa do aparelho. Porém, o teclado on-screen ainda reproduz o padrão visual e estrutural dos teclados físicos. Só muito depois dessa transição é que os teclados on-screen começam a se livrar do padrão físico, aproveitando as vantagens do deslize entre teclas (Swype Keyboard).

A maneira mais conhecida de reprodução de padrões no design é a referência. Jonathan Ive fez diversas referências ao estilo de Dieter Rams da antiga Braun. Não se trata de uma cópia, mas de uma reprodução de padrões em outros contextos.

Ellipe Webdesign foi um dos primeiros websites que eu fiz, em 1999, logo que descobri como usar Photoshop e programar em HTML. Na época, eu achava que eu era um gênio por criar uma empresa com nome de Elipse, porém, hoje olho para trás e percebo que estava simplesmente reproduzindo uma moda comum na identidade visual da época: o uso intenso de elipses. Quase todas as logos da época que queriam ser modernas tinham uma elipse. Ou seja, a logo que eu achava original era o maior lugar comum possível. Designers iniciantes, como eu era na época, reproduzem padrões sem saber que estão fazendo isso.

Já designers experientes experientes sabem muito bem quando estão quebrando ou quando está reproduzindo padrões. Philippe Starck é um exemplo interessante. Devido ao caráter questionador de seus projetos, algumas pessoas consideram que eles não passam de obra de arte. Porém, seus projetos são produzidos e comercializados em massa e tem uma linha de consumidores cativo.

Tomemos como exemplo o famoso espremedor de limões de Philippe Starck, criado em 1990. Uma pesquisa por padrões formais na época provavelmente encontraria um cenário similar à pesquisa visual realizada acima. Os espremedores adotam formas simples, geométricas, cores luminosas ou superfície de metal brilhante.

Embora haja certa variação formal e funcional, praticamente todos os espremedores reproduzem o mesmo padrão estrutural: uma saliência para extrair o suco, uma peneira para separar as sementes e um recipiente para coletar o suco.

Existem diversas maneiras para espremer limões utilizando força manual. Cada maneira implica um tipo de manuseio diferente. Apesar da variação no manuseio, o padrão funcional de espremer limões costuma estar associado ao ator de beber o suco.

Os rascunhos do espremedor de limões de Starck foram realizados enquanto ele jantava numa pizzaria italiana. Starck havia acabado de espremer um limão em cima de um fruto do mar quando teve a ideia de fazer um espremedor diferente, que pudesse ser usado na mesa tal como um talher. Utilizou o próprio jogo americano de papel para rascunhar sua ideia. Os primeiros esboços investigam os padrões estruturais e formais já mencionados, porém, a partir de um momento ele quebra alguns desses padrões e experimenta com formas que se assemelham a uma aranha. Padrões são áreas inevitáveis do espaço de possibilidades de cada projeto. Starck não podia ignorá-los.

O Juicy Salif, criado por Starck em 1990, quebra diversos padrões, em particular o estrutural. Não há recipiente nem coador. Porém, por outro lado, reproduz padrões funcionais de manuseio e formais no uso de alumínio. Devido à articulação de sentidos de Starck, o produto adquiriu uma função simbólica tão importante que hoje ele é usado como um "conversation starter? ou item de decoração.

Vejamos então como padrões de projeto são reproduzidos em interfaces computacionais. Na minha definição, interface é uma mistura de comportamentos humanos e computacionais.

As possibilidades de comportamentos embutidas nas interfaces podem ser divididas em três níveis: forma, estrutura e função. Padrão de interação é uma estrutura recorrente em interfaces que possibilita diversas interações.

O padrão ?Puxe para atualizar? foi primeiro utilizado pelo aplicativo do Twitter que, ao mesmo tempo em que criava um novo padrão, quebrava o padrão de clicar no ícone home para atualizar o feed, uma vez que este que não era percebido pelos usuários. O padrão de ?Puxe para atualizar? logo se espalhou por outros aplicativos.

Designers curiosos e pesquisadores em Interação Humano Computador já identificaram diversos padrões de interação e registraram os mesmos em bibliotecas e linguagens.

A estrutura padronizada de catálogo dos padrões é fundamental para permitir sua compreensão, comparação e seleção.

Mesmo que o designer não conheça bibliotecas e linguagens de padrões, ele conhece diversos padrões apenas através da observação de projetos existentes na sociedade. Designers são especialistas em identificar padrões no caos aparente das interfaces.

No lado esquerdo eu identifico os principais elementos do padrão Página de Contato encontrado em websites. O projeto visual é extremamente neutro para enfatizar a estrutura do padrão. Do lado direito, há duas reproduções diferentes dessa mesma estrutura. Em cima, a página de contato do website do Papai Noel. Abaixo, a página de contato do website de uma banda de Hip-Hop. O projeto gráfico é diferente, porém a estrutura de interação é a mesma.

O projeto que se orienta por padrões estruturais permite adaptação rápida a diferentes mídias. A relativa independência da forma/função permite que os padrões se adaptem de acordo com o contexto. Compreender e adotar padrões facilita a criação de interfaces responsivas.

Uma das maiores vantagens de reproduzir padrões é o aproveitamento do conhecimento do usuário. O usuário transfere o conhecimento de interação de um aplicativo para o outro através dos padrões. Porém, quando o padrão é quebrado, o usuário precisa reaprender o novo padrão.

Existem padrões de interação que persuadem o usuário a ter determinados comportamentos. Quando fui reservar um hotel na minha última viagem, me deparei com vários desses padrões na interface do Booking, que me induzia a reservar logo. Resisti ao padrão no primeiro acesso e, quando acessei mais tarde, acabei perdendo as melhores oportunidades de hospedagem na região onde desejava. Neste caso, o projeto me persuadia a fazer algo que eu realmente queria fazer.

Padrões de interação do mau (dark patterns) induzem o usuário a fazer algo que ele não quer fazer, inibem certos comportamentos ou simplesmente confundem o usuário. Antigamente, a função de desligar o rastreamento de comportamento para customização de anúncios estava escondida dentro da opção ?About" do sistema operacional, onde o usuário não espera encontrar opções de configuração. Hoje essa opção encontra-se numa seção intitulada ?Privacy?, porém, ainda existem alguns dark patterns que reduzem a sua compreensão e proeminência na interface.

A quebra de padrões de interação provoca mudanças de comportamento no usuário que podem ser indesejadas. Por isso é importante estar consciente da quebra e de suas consequências.

A quebra do padrão de interação pode ser útil para quebrar comportamentos automatizados e insustentáveis, como a impressão do recibo de recarga do Bilhete Único de São Paulo (foto: Pedro Cacique). O botão Sim colorido de vermelho parece, à primeira vista, um botão de cancelar, o que induz o usuário a não imprimir o recibo.

Quebrar padrões também pode ser interessante para criar surpresas agradáveis ao usuário, tornando a experiência mais customizada e única. Interfaces que seguem à risca padrões de interação acabam se tornando previsíveis demais. A interface do iOS, por exemplo, já não apresenta novos padrões há várias versões, o que não causa mais o encanto de outrora com as novidades da Apple.

Outro motivo para quebrar padrões é que não há garantia nenhuma de que, somente por seguí-los, a interface será boa do ponto de vista do usuário. A interface do Microsoft Word 2003 reproduzia todos os padrões de interação esperados para sua época, porém, não era uma articulação de padrões bem resolvida. Havia muito pouco espaço para o usuário focar na sua tarefa.

A Microsoft percebeu o problema e resolveu redesenhar do zero todas as interfaces do Offfice. O Office 2007 quebrou diversos padrões de interação, porém, estabeleceu um novo padrão muito mais usável que segue até hoje, 10 anos depois. Quebrar padrões é a melhor maneira para estabelecer novos padrões.

Embora hajam boas razões para quebrar padrões, organizações sempre preferem que você siga padrões, pois assim elas podem controlar melhor a qualidade do trabalho dos projetistas. Além disso, existem algumas vantagens específicas para organizações.

Padrões facilitam a comunicação e construção de conceitos numa equipe multidisciplinar, pois dão nome a coisas que as pessoas compreendem de maneira tácita. Quando há um vocabulário comum, as pessoas podem construir conhecimento colaborativo.

A percepção do usuário sobre padrões de interação, mesmo que tácita, contribuem para o branding da experiência da marca. As pessoas reconhecem uma marca pela consistência adotada nas interfaces digitais. Por esse motivo, grandes empresas criam bibliotecas de padrões customizadas para seu uso de modo a estimular os projetistas a manterem a experiência consistente nos diferentes pontos de contato. A Yahoo foi pioneira em construir uma biblioteca de padrões de interação integrada a uma biblioteca de padrões de projeto com códigos em Javascript para implementar os componentes.

As bibliotecas de padrões em grandes organizações estão evoluindo para sistemas projetuais (design systems). É possível construir sistemas como esse utilizando softwares como o UXPin, que permite definir padrões de cores, tipografia e código para componentes de interface.

Sistemas projetuais baseados em padrões não são novidade. Sistemas de sinalização já existem há muitas décadas. Os projetos baseados em sistemas priorizam a compreensão do usuário. Devido ao seu alto grau de consistência, acabaram se tornando parte e até mesmo um símbolo da infraestrutura urbana.

O problema de muitos sistemas projetuais é que eles reduzem padrões de interação a componentes padronizados. O mesmo padrão de interação pode ser reproduzido com diferentes componentes e, por outro lado, os componentes mudam e o padrão permanece. A caracterização do padrão é feita por texto descritivo e não por componentes visuais.

Na minha visão, padrões devem servir como referência de projeto e não como norma. Projetistas devem ter liberdade para quebrar e articular padrões, do contrário, sua evolução fica comprometida. Na Apple Developer Academy eu disponibilizo diversas coleções de padrões para que os estudantes conheçam as possibilidades, mas de maneira nenhuma queremos obrigá-los a utilizar estes padrões.

Há alguns anos propus na Plataforma Corais uma ferramenta para projetar interfaces com padrões de interação com esse grau de liberdade, o ProtoPattern. Os componentes de interface oferecidos pela ferramenta teriam também conhecimento colaborativo associado, permitindo ao projetista compreender melhor sua aplicação.

De posse de informações construídas pela comunidade, seria possível gerar interfaces à partir de requisitos.

O ProtoPattern estaria ligado a uma wiki sobre aplicabilidade e usabilidade do padrão de interação. Projetistas de diferentes organizações poderiam discutir os padrões de interação enquanto os aplicam nos projetos.

O conceito de design pattern ou padrão de projeto foi proposto primeiramente por Christopher Alexander em 1964 no livro Notes on the Synthesis of Form. Lá ele demonstra que todas as construções humanas já reproduzem padrões. No exemplo da imagem, ele mostra que um vilarejo é constituído de partes dependentes: pasto e celeiro, plantações, escolas e rios manejados. Alexander propunha que esses padrões fossem decompostos até suas formas mais abstratas, tal como conceitos matemáticos.

Alexander propôs um método de projeto baseado na decomposição de problemas em partes e composição de soluções em todos organizados. Após tentar aplicar essa abordagem matemática em projetos práticos de Arquitetura, ele acabou percebendo que a decomposição acabava prejudicando a visão do todo e o excesso de racionalidade impedia de ver aspectos importantes de projeto. Sua visão sobre os padrões evoluiu muito nos livros subsequentes que ele escreveu sobre o assunto.

Podemos identificar uma variação do método de Alexander na proposta de Design Atômico de Brad Frost (2013). Frost propõe que as interfaces sejam primeiramente projetadas em seus menores componentes, os chamados átomos. Ao invés de tentar resolver a tela de uma vez só, a orientação do método é de construir primeiro o sistema projetual para depois ir, aos poucos, agregando átomos em moléculas e moléculas em organismos. Seguindo essa sequência, é possível construir templates flexíveis e robustos para diversas interfaces.

A ideia básica do Design Atômico (e da proposta de Alexander) é criar uma etapa intermediária de sistematização das possibilidades de um projeto antes de desenvolver a solução. Isso é o equivalente à ordenação das peças de Lego antes de montar o modelo desejado. A vantagem de ordenar as peças é que agiliza o projeto de vários modelos diferentes.

Baseado no método de Alexander, proponho um processo de design de interfaces com cinco etapas.

A identificação de padrões requer avidez por observar exemplos, percebendo as estruturas que estão por trás dos projetos. Eventualmente, o projetista pode querer documentar o padrão em anotações no seu caderno ou em sistemas projetuais.

A seleção de padrões começa pela definição de necessidades de maneira abstrata. Ao invés de definir a necessidade de um botão, define-se a necessidade de uma ação. Com essa definição de necessidade do ponto de vista do usuário, o número de padrões considerados aumenta e a solução pode ser menos convencional. Ao consultar padrões em bibliotecas de padrões, é interessante elaborar uma lista com padrões promissores para o projeto antes mesmo de compor a interface. Essa lista pode servir como um lembrete ou guia para o projeto.

A articulação de padrões começa pelo agrupamento de padrões por função, formando componentes e áreas da interface. Nem sempre os padrões encaixam uns com os outros, o que demanda adaptação para o contexto. É importante manter sempre uma visão do todo para que a interface atinga alto grau de consistência. Experimentar alternativas é fundamental para esse propósito.

Testes de padrões podem ser feitos de diferentes maneiras. Testes A/B são testes automatizados em interfaces web. Embora eles permitam a comparação da taxa de conversão de um padrão para outro, ele não permite compreender os motivos do comportamento do usuário, o que limita a avaliação. Testes de usabilidade são mais indicados, em particular, utilizando a ferramenta de eyetracking. Um foco de atenção muito grande numa determinada região da interface sugere que o padrão não está sendo reconhecido. Padrões fortes não exigem muitas sacadas de olho do usuário para sua compreensão. Eles são figuras tão familiares que a visão periférica consegue reconhecê-los.

O aprendizado por padrões é uma necessidade constante, pois os padrões mudam ao longo do tempo. A principal vantagem dos padrões é que eles organizam o conhecimento sobre design de interface de uma maneira que pode ser inclusive compartilhado por uma equipe. É importante, entretanto, ressaltar que o conhecimento de um indivíduo ou de uma equipe sempre vai estar aquém do conhecimento distribuído entre os diversos projetistas de interface da sociedade. Padrões são estruturas reproduzidas pela sociedade através do trabalho de indivíduos, mesmo que estes não tenham conhecimento claro sobre isso. O aprendizado por padrões estimula a consciência desse processo.

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Na minha tese de doutorado (página 144) eu avalio que dos anos 80 para os anos 90 houve uma mudança radical entre o que se considerava ser "um objeto de design" e "um objeto que não era de design"?. Até meados dos anos 80, o objeto de design era uma entidade complexa, ou seja, algo que tinha vários detalhes, vários modos, vários requisitos, vários stakeholders, várias partes e vários estilos, que deveriam ser todos combinados num projeto holístico e integrador. Um exemplo disso é um produto, uma peça gráfica impressa, um livro, uma cidade, ou o preferido dos profissionais da área: uma cadeira.

Nessa época, existiam, basicamente, duas sub-áreas na disciplina acadêmica de design: design gráfico e design de produto (ignorando as variações de nomenclatura). Hoje em dia temos diversas sub-áreas: design digital, design de moda e design de interação. 

Porque surgiram estas sub-áreas no Design? Porque o objeto principal que a disciplina se preocupa expandiu para o que chamo de performance emergente. O termo performance aqui tem mais a ver com teatro do que com engenharia, ou seja, nada tem a ver com a medida de eficiência. Performance significa realizar uma ação significativa em frente a uma audiência. A atividade de design prepara o palco para diversas performances, pois não sabe quem serão os atores nem o que vai acontecer com eles no dia-a-dia. Porque essa performance não é ensaiada, qualifico de emergente. Design digital, design de moda, design de interação, todas essas novas áreas do design se preocupam com ações significativas improvisadas no dia-a-dia das pessoas.

Vejamos um exemplo dessa expansão. Um projeto clássico de design de produto é o o aparelho telefônico projetado por Henry Dreyfuss em 1937. O projeto é um primor em termos de ergonomia. Você segura o fone e ele não escorrega da mão. Você disca os números e não erra. Trata-se de uma combinação de elementos em perfeita harmonia. Você já deve ter visto ou usado modelos telefônicos parecidos com o 302, pois ele foi copiado ad nauseum. Ainda é possível ver ícones em interfaces gráficas modernas que lembram a silhueta do 302.

Esse era o paradigma do design até os anos 80, a entidade complexa. A partir dos anos 90, entretanto, surge uma diferença drástica: o objeto que o design projetava já não é mais aquela coisa física, tangível, que você consegue pegar com as mãos e mostrar como a forma reflete uma preocupação com a ergonomia. Estes novos objetos não tem uma forma estática e não podem ser compreendidos sem utilizá-los diretamente.

O exemplo icônico desta época é o PalmPilot, criado por Jeff Hawkins em 1997. Eu tive um Palm VX no começo dos anos 2000 e ele mudou minha vida. Ele era praticamente como um cérebro externo, onde eu colocava todas as minhas tarefas, compromissos, todos os livros que eu tinha para ler na faculdade. Eu praticamente não usava mais caderno. 

Porém, um fatídico acontecimento me fez refletir sobre o impacto desse pequeno aparelho na minha mente. Fui assaltado próximo da minha casa e o assaltante quiz levar meu Palm VX. Tentei iludir o assaltante dizendo que era apenas um minigame mas ele não caiu. Nos próximos 2 dias, a minha vida ficou completamente desorganizada. Eu não sabia os trabalhos que precisavam ser feitos para a faculdade, não sabia que horas seriam meus compromissos, não tinha os números de telefone de ninguém, enfim, foi um caos. Percebi que havia delegado parte da minha memória para aquele dispositivo.

Na época, eu cheguei à conclusão ingênua de que eu nunca mais iria depender tanto assim de uma tecnologia. Porém, conforme me aprofundei nos meus estudos sobre design de interação, percebi que a delegação da memória não era uma escolha minha. O Palm foi projetado para funcionar como um extensão da mente.

O smartphone de hoje em dia, em contraste, não é uma extensão da mente. O smartphone é projetado para desempenhar o papel de meio de comunicação com outras pessoas. Embora o smartphone incorpore funcionalidades que já existiam no Palm e outros PDAs, seu projeto foi muito além disso. A possibilidade de instalar dezenas de aplicativos torna o smartphone uma performance emergente por excelência.

Para projetar o PalmPilot, Jeff Hawkins ficou andando 10 dias com um protótipo de madeira no bolso de sua camisa. Toda vez que sentia vontade de anotar alguma coisa, fingia que anotava algo com um toco de madeira. Prestava atenção ao tipo de informação que tinha vontade de inserir no dispositivo, imaginava as etapas da interação e transformava em requisitos de projeto. Notou que o objeto poderia ser uma extensão da mente, um cérebro portátil.

O que seria uma performance emergente? É uma performance que acontece quando se usa um objeto ou um espaço. A performance envolve manuseio, eventualmente segue um ritual, possui ritmo e tem significados. Esses aspectos são projetados, porém, de uma maneira indireta. O projeto emergente não é controlado. Mas qual seria a base para projetar algo assim tão indeterminado?

Ao longo dos anos, a atividade de design acabou encontrando na figura do usuário uma âncora para o projeto emergente. As escolhas do projeto são realizadas em função do comportamento observado, estudado, previsto ou recomendado para o usuário. Design centrado no usuário é o discurso que legitima o uso dessa âncora para o projeto emergente.

Esse discurso de design centrado no usuário surgiu em várias áreas do design com nomes diferentes, porém, o termo se consolidou após a publicação do livro escrito por Donald Norman e Stephen Draper. Norman, um psicólogo da linha cognitiva, propôs uma aproximação com a engenharia, criando o que ficou conhecido como engenharia cognitiva.

Resumindo, seria isso: "vamos estudar como funciona a mente do usuário e vamos fazer um sistema funcionar da maneira como a mente do usuário funciona". Como não se pode observar e estudar o comportamento da mente diretamente, Norman propôs um conceito fundamental para o design centrado no usuário: o modelo mental.

O exemplo clássico de modelo mental é aquele que refere-se aos pedais de automóveis. Se você for habilitado, quando entrar em um carro que nunca dirigiu antes, você saberá mais ou menos como acelerar, frear e trocar a marcha. Você entra no carro já com um modelo mental da posição e função dos pedais. Se uma montadora de carros decide inadvertidamente inverter essa ordem o que acontece? Um acidente. O modelo mental não corresponde ao mundo real.

Quem já teve a oportunidade de dirigir um carro com câmbio automático já deve ter passado pelo erro de pisar com tudo no freio numa parada brusca. O objetivo da ação não era frear apenas, mas também pisar na embreagem para evitar que o carro morresse. Como não existe o pedal de embreagem, você se confunde com o do freio. Com o tempo, você corrige o seu modelo mental e se acostuma com dirigir sem usar a embreagem.

Inicialmente, a prática de design centrado no usuário começava por estudar o modelo mental do usuário sobre produtos e sistemas similares. O produto ou sistema era, então, projetado para corresponder ao máximo ao modelo mental do usuário. O problema é que isso prejudicava a inovação e diferenciação de mercado, pois levava a um projeto conservador, parecido com os existentes.

Com o tempo, a prática de design expandiu para tentar induzir modelos mentais nos usuários. Surge então as propostas de engenharia da usabilidade, tecnologia persuasiva, design para a mudança do comportamento, design emocional e, mais recentemente, design da experiência do usuário. Essas propostas não aceitam o usuário como ele é, uma vez que tentam transformar-lo em outra pessoa. Essa outra pessoa pode ser praticamente a mesma, com uma pequena mudança, como por exemplo, uma pessoa persuadida pelo design a comprar um produto num e-commerce. Ou então, uma grande mudança, como uma pessoa que se doutrina politicamente pelo algoritmo de filtros do Facebook.

Essa transformação do usuário, entretanto, não acontece isoladamente. As pessoas interagem umas com as outras e isso afeta a transformação. A engenharia cognitiva, a teoria dos modelos mentais e o design centrado no usuário reduzem pessoas à mentes individuais, o que não ajuda a projetar esse tipo de performance emergente. Por isso, essas propostas tem caído em desuso com a expansão do objeto de design para a transformação do próprio usuário.

As propostas que estão crescendo são aquelas que incluem o usuário no projeto como cocriador de experiências, para que ele traga sua perspectiva afetiva, social e comunicativa. Isso tem gerado interesse por teorias psicológicas mais adequadas para trabalhar com o aspecto social e afetivo da experiência como, por exemplo, a teoria da atividade.

Após esse longo processo de expansão, o objeto de design encontra-se hoje entre uma experiência marcante, uma transformação pessoal e uma conquista coletiva. Os profissionais que atuam na área ainda tem dificuldade em pegar esse objeto, explicar como estão projetando-o e definir claramente onde querem chegar com seus projetos. O que fica claro é que a prática de design já não se baseia mais em certezas, previsões e requisitos. A prática expandida se preocupa muito mais com interações, flexibilidade, adaptação e produção de sentidos múltiplos. Essa expansão tem distanciado o design da engenharia e aproximado-o da arte, que já trabalha com performances emergentes há bem mais tempo.

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Um bom estudo etnográfico deveria durar alguns meses para gerar insights confiáveis. Entretanto, essa perspectiva de prazo ainda não encaixa com o ritmo da inovação, em especial, no mercado de tecnologia. As empresas buscam na inovação uma antecipação à concorrência. Portanto, os estudos etnográficos voltados ao design costumam durar semanas ou até mesmo alguns dias.

Na Apple Developer Academy PUCPR, tivemos uma aula rápida sobre como realizar um estudo etnográfico rápido.

Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação [PDF]

Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação [MP3] 20 minutos 

Pedimos que nossos estudantes utilizassem este método para explorar oportunidades de inovação no contexto da Apple TV. Nós queríamos que eles olhassem para os contextos atuais da Apple TV e também encontrassem outros contextos onde faria sentido ter uma Apple TV. Nessa fase, eles não deveriam pensar já na ideia do aplicativo que eles iriam construir, de modo a não criar uma solução simplória antes de compreender bem o problema.

Os estudantes entrevistaram seus parentes, amigos, lojistas, recepcionistas e outras pessoas em diversos contextos. Além disso, observaram o comportamento das pessoas em locais onde haviam televisões e onde poderiam haver televisões: casas, escolas, bares, restaurantes, lojas de varejo, hospitais e locais públicos. Enquanto entrevistavam e observavam, tomavam notas. Ensinei o método de observação expansiva para enxergar o que não está óbvio, ou seja, o que está por trás das ações cotidianas.

Diversos insights surgiram à partir das observações como, por exemplo, que a televisão cria um ambiente sonoro característico para cada espaço onde ela é repetidamente utilizada.

As pesquisas etnográficas foram conduzidas individualmente, porém, antes de formar grupos para desenvolver o projeto de aplicativo para a Apple TV, todos compartilharam seus resultados com todos. Algumas conclusões compartilhadas entre os estudantes foram:

• O telespectador quer cada vez mais programar o seu próprio canal e escolher o que ver na televisão
• A televisão não é mais assistida com toda a atenção, pois precisa disputar com outras mídias
• A televisão cria um ambiente sonoro e visual propício para atividades individuais (como dormir) assim como para atividades coletivas (festa)
• A televisão tem grande potencial para compartilhar conteúdos e realizar atividades em grupo

O compartilhamento dessas conclusões gerou uma polinização cruzada entre os projetos. Todos os aplicativos exploraram esse potencial social da Apple TV como forma de inovar na App Store. Segue uma lista de aplicativos publicados na App Store.

  Music Mood é um player de música independente que se adequa ao seu humor e atividade.

  Plot Whole é um jogo para gerar histórias aleatórias à partir de personagens e incentivar as pessoas a contar histórias.

 Vorstand é um jogo sobre alienígenas misteriosos que querem realizar experimentos psicológicos com grupos humanos.

 Alter é uma experiência interativa para vários jogadores. O objetivo é refletir sobre a alteridade, ou seja, a capacidade de uma pessoa se deixar transformar por outra.

 Brisa é uma experiência interativa para desenhar colaborativamente utilizando a Apple TV conectada num projetor.

 Rogerio é um animal de estimação virtual para incentivar crianças a terem hábitos mais saudáveis.

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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Eu utilizei a Análise Interacional na minha pesquisa de doutorado para decupar e extrair insights de gravações em vídeo. Eu já tinha experiência prévia com análise de gravações de testes de usabilidade, porém, senti que o nível de rigor da Análise Interacional é muito maior. A diferença principal é que a Análise Interacional não lida com dados criados em situações artificialmente criadas como as do Teste de Usabilidade. Ela serve para estudar fenômenos emergentes em situações naturais, tal como a liderança em equipes de design. Na época do doutorado, realizei uma pesquisa sobre liderança com um colega croata e os resultados foram muito interessantes.

Como parte da disciplina Design de Jogos Educacionais que estou ministrando junto com o professor André Battaiola no PPGDesign da UFPR, apresentei o método Análise Interacional tal como proposto por Jordan e Henderson.

Análise Interacional [MP3] 52 min

Os estudantes irão utilizar o método para analisar os dados coletados no experimento de dupla estimulação com jogos educacionais que eles estão neste momento realizando. Espero que gere novas descobertas sobre o aprendizado mediado por jogos.

Série

Esta aula faz parte da disciplina Design de Jogos Educacionais, ministrada a convite do professor André Battaiola no mestrado/doutorado em Design da UFPR.

1. Jogo, brinquedo e brincadeira
2. Design de jogos educacionais na perspectiva histórico-cultural
3. Experimentos de dupla estimulação com jogos
4. Análise Interacional
5. Intervenção Formativa com Jogos Expansivos
6. Jogos na pesquisa e prática de Design Participativo

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Trouxe de volta esse assunto na disciplina Design de Interação que ministro na PUCPR junto com Rodrigo Gonzatto. No ano passado, fizemos uma oficina para mudança de comportamento no trânsito de Curitiba, visando maior segurança de ciclistas e pedestres. Os estudantes identificaram as estratégias de design com intento em diversos pontos da cidade.

Ao observar o comportamento real das pessoas, fica claro que nenhuma dessas estratégias consegue atingir seu intento com 100% de eficácia. Isso porque as pessoas sempre acabam desviando do uso original do projeto, o que estou chamando de contra-projeto. O projeto de mudança do comportamento, portanto, trabalha com possibilidades e não com garantias.

Num segundo exercício, pedimos que os estudantes criassem uma pequena intervenção sobre comportamentos automatizados que as pessoas tem em locais públicos. Utilizando a técnica de ruptura (breaching), os estudantes poderiam estudar as normas sociais que levam as pessoas aos comportamentos automatizados. Porém, eles acabaram aproveitando mais a situação para fazer pegadinhas do Silvio Santos.

Chegamos à maturidade do exercício com a aplicação da técnica do empurrão (nudge). Trata-se de uma intervenção sobre uma escolha, dando um pequeno empurrão projetual para que as pessoas escolham uma das opções oferecidas sem, no entanto, impedir que as pessoas escolham as outras opções.

As etapas do projeto foram:

1. Observação do comportamento atual através da técnica de acompanhamento (shadowing)
2. Definição da intenção de mudança
3. Pesquisa de soluções existentes no baralho Design com Intento
4. Intervenção na situação utilizando materiais simples e baratos
5. Avaliação de efeitos através de foto ou vídeo
6. Correção da intervenção melhorando os materiais
7. Avaliação de consequências através de uma entrevista breve com uma das pessoas afetadas

Depois de realizar o nudge em pequena escala, o próximo exercício foi projetar um produto ou serviço para que nudge fosse produzido em larga escala. Os estudantes tiveram que incorporar novas tecnologias para atingir essa escala. O projeto foi entregue no formato de cenário lúdico.

Os exercícios demonstram que é possível mudar o comportamento humano através do design, porém, não necessariamente da maneira como o designer pensou. Em minha aula, expliquei que o comportamento humano é um fenômeno complexo.

Gravação

Design e Arquitetura para a Mudança de Comportamento [MP3] 63 MB 1h29min

Apesar do interesse que tenho, a abordagem do design para a mudança do comportamento não é a minha preferida. O problema é que ela se baseia numa lógica de tentativa e erro até chegar ao comportamento desejado, ou seja, não há uma visão de longo prazo para a mudança. Nos projetos em que desenvolvo, prefiro a abordagem baseada na atividade, que considera um espaço mais amplo e um prazo mais longo do que uma mera escolha cotidiana num lugar específico. Em todo o caso, costumo incorporar elementos de uma abordagem na outra.

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Embora eu também goste muito de trabalhar com papel, o material mais adequado para o projeto de interações, na minha opinião, é o vídeo digital. Vídeos curtos criados com smartphones permitem visualizar a interação se desenrolando ao longo do tempo e do espaço, dois aspectos cruciais para o projeto de interações.

Uma vez que a interação de que falamos não pode ser controlada, resta aos designers projetar possibilidades para a emergência da interação. O lugar e ritmo da interação são possibilidades cruciais para um projeto de interação. Embora o papel permita visualizar estas possibilidades através de desenhos e esquemas gráficos, com o vídeo fica muito mais fácil criar e compreender relações entre tempo e espaço.

Considere o exemplo do Mercado Pago. Uma pessoa vende um produto para uma outra pessoa distante geograficamente. O comprador precisa receber o pagamento antes de enviar pelo correio, porém, o vendedor não quer correr o risco de pagar e não receber. A interação projetada consiste num sistema de mediação de compra e venda que recebe o pagamento e só libera para o vendedor quando o comprador confirma a entrega do produto. 

Muitas pessoas não conseguem compreender a interação apenas por descrição textual por isso, propus no passado utilizar diagramas de sequência para isso.

Apesar deste diagrama melhorar a visualização do tempo, ele não melhora a visualização do espaço. Esse sistema de mediação só se torna necessário para compradores que não estão localizados na mesma cidade dos vendedores. Além disso, faltam aspectos importantes, como o medo do comprador de não receber o produto após o pagamento.

O vídeo abaixo permite visualizar a interação do Mercado Pago com mais dados contextuais do que no diagrama.

O propósito deste vídeo não é projetar uma nova interação, mas sim explicar uma interação existente. Não é esse tipo de vídeo que estou comparando com o papel. O vídeo se torna um material de cocriação quando é criado com tecnologias simples, atores amadores, cenários improvisados e objetos do cotidiano. A edição do vídeo deve ser minimizada tanto quanto possível.

Um exemplo disso é o vídeo sobre o projeto Uberbank que fiz com meu colega Rodrigo Gonzatto. Ao invés de desenharmos a interação que estávamos criando para um banco peer-to-peer, resolvemos gravar um vídeo de maneira totalmente improvisada. Embora já tivéssemos discutido o conceito da interação antes, foi na hora de fazer o vídeo que a interação ficou clara. Detalhe importante: apresentamos uma interação inovadora e complexa com o mínimo de recursos. Chamamos esse tipo de vídeo de "dispositivo oculto", pois o objeto que permite a interação não aparece no vídeo. A história mostrada no vídeo deixa implícita a interação.

Um formato similar é o comercial falso, que segue o modelo dos anúncios de produtos bizarros que poderiam ser adquiridos nas décadas de 1990 pelo número 011 14 06. Ao invés de contar uma história de interação, o vídeo tenta vender a interação como uma proposta interessante.

A maneira mais simples de trabalhar o dispositivo no vídeo é através da técnica de Bodystorming. Uma pessoa representa o dispositivo com seu próprio corpo, por exemplo, utilizando o braço como uma alavanca ou a barriga como uma tela. O ator que faz o papel do dispositivo utiliza a técnica do Mágico de Oz para responder aos inputs das outras pessoas. 

Quando a equipe é menor, podem ser utilizados objetos genéricos para representar o dispositivo em questão, o que na linguagem de produção de vídeo é conhecido como prop. O prop serve como um pivot para a improvisação do ator. Ele realiza a ação como se o dispositivo pudesse ajudá-lo a fazer, embora não ajude. Objetos estranhos funcionam muito bem como props para projetar interações inovadoras, pois as pessoas não ficam presas às propiciações culturalmente estabelecidas para aquele objeto. Um aquecimento interessante para utilizar props em vídeos é a conversa com objetos. 

Uma coleção de figurino simples com chapéus, máscaras e acessórios de moda podem ser combinadas com props para ajudar atores amadores a ?entrar no personagem?. Na foto abaixo, nossos estudantes estão esboçando uma interação entre um gerente (capacete amarelo) e um operário (máscara de solda). Os props foram criados com massa de modelar a palitos de sorvete.

Quando não houverem atores, figurino ou props disponíveis, é possível criar vídeos de interação com brinquedos, em especial, brinquedos de montar como o Lego. No exemplo abaixo utilizei meus bonecos de infância para prototipar o jogo que criei para entender o algoritmo do Facebook.

Neste outro exemplo, meus estudantes criaram uma rede social para a cocriação de histórias utilizando bonecos de Lego. Note que enquanto eles estavam gravando o vídeo, a interação ainda não estava clara para eles, por isso as diversas interrupções amadores no filme. A gravação do vídeo em si fez parte do processo de design das interações entre os usuários da rede social. Eu chamo esse tipo de vídeo de cenário lúdico, pois ele aproveita ao máximo a primazia da diversão na prototipação.

Além de ajudar com cenários de interação, vídeos podem ser empregados para detalhar a interação no nível da interface, ou seja, mostrar como de fato o dispositivo media a interação na prática. Utilizando efeitos especiais simples, é possível produzir vídeos que dão vida a conceitos arrojados de interação. O protótipo não funciona de verdade, mas, no vídeo, ele parece funcionar.

Em 2009 quando as telas touch screen ainda não estavam amplamente disponíveis, meus estudantes da Unisul quiseram criar um jogo para uma mesa touchscreen e produziram o seguinte vídeo mostrando o conceito de interação. 

Como eles fizeram isso? Prepararam uma animação com os elementos da interface, treinaram inúmeras vezes os movimentos sincronizados de mão e gravaram um vídeo das duas coisas sobrepostas. A animação foi projetada na mesa à partir de um projetor precariamente afixado acima da mesa. A criatividade do design orientado a gambiarras permitiu que estudantes de Design sem conhecimento de programação pudessem experimentar uma tecnologia de ponta. Eu chamo isso de protótipo fake.

Alguns anos mais tarde, em 2011, nossos estudantes do Faber-Ludens criaram diversos protótipos fakes com o objetivo de prototipar a experiência de um serviço como um todo. O projeto TecnoFood, por exemplo, demonstra diversas interações com tecnologia de ponta dentro de um restaurante.

Quando é necessário caprichar na apresentação do conceito, um recurso fácil de usar mas muito trabalhoso é o stop-motion. Diversas fotos são tiradas da interação com o protótipo e depois elas são reunidas em um vídeo.

Vídeos tornaram-se um material tão comum para designers de interação que passaram a se tornar um produto final ao invés de uma etapa do processo de design. Embora não seja o único formato para ficções projetuais, é atualmente o formato mais utilizado para projetos de interação em histórias fictícias. No vídeo abaixo, nossos estudantes da PUCPR imaginam como seria um dia fatídico na vida de uma pessoa que utiliza um sistema de realidade aumentada em conjunto com pílulas de controle corporal.

Espero que tenha ficado claro com todos estes exemplos que a criação de vídeos é uma abordagem prática para trabalhar com aspectos sociais, afetivos e contextuais em projetos de interação. 

A propósito, no mês que vem irei ministrar junto com meu colega Rodrigo Gonzatto um minicurso sobre este assunto no simpósio IHC em Joinville. O resumo do minicurso com referências acadêmicas e questões avançadas já se encontra online. Interessados podem se inscrever apenas no minicurso sem precisar necessariamente participar do simpósio todo.

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Uma característica distintiva da ficção científica japonesa é a atenção dedicada ao cotidiano. Assim como o cinema japonês, animes incluem cenas tranquilas com a intenção apenas de construir um cenário detalhado. Ao invés de buscar a sensação de estranhamento ou de admiração, o anime japonês busca a sensação de familiaridade com o cotidiano da audiência. Isso torna a ficção científica mais próxima da ficção projetual e, portanto, mais relevante para o design de interação.

Seguindo os mesmos critérios que utilizei para compilar a minha seleção de longa metragens relacionados ao design de interação, compilo, então, uma lista com 22 animes japoneses recomendados.

Séries

Ghost in the Shell (1995) - Conta as aventuras de uma equipe policial especializada em cibercrimes. É provavelmente a série de animação em ficção cienítica mais bem succedida, com 4 longa metragens e 3 séries. O anime especula de maneira muito realista as implicações políticas, econômicas e de segurança pública da existência de ciborgues na sociedade. Trabalha com temas como psicologia ciborgue, cérebros conectados em rede, hackerismo biológico, interação em espaços virtuais, migrações devido à guerras, bastidores da política, identidade versus coletividade e outros. Os roteiros e diálogos são tão complexos que às vezes é necessário assistir duas vezes para compreender o que aconteceu, mas vale à pena. A influência desta série sobre outros filmes, anime e tecnologias atuais já é reconhecida.

Coil: A Circle of Children (2007) - Num futuro próximo, crianças recebem desde cedo animais de estimação virtuais que aparecem em óculos de realidade aumentada. Esses animais podem interagir com todas as crianças que tiverem o mesmo óculos, pois fazem parte de um ciberespaço que se sobrepõe ao mundo físico. A série conta a história de um grupo de crianças que investigam o segredo de sombras virtuais que entram dentro de outros animais, como uma espécie de vírus. A interação com o mundo virtual é o ponto alto do anime, pois adquire uma dimensão mágica, cheia de rituais e golpes de sorte.

Ergo Proxy - Uma detetive investiga uma epidemia virótica que faz as máquinas pensarem por conta própria. Cada cidadão possui um robô assistente pessoal que o acompanha seu mestre para onde vai. Na medida em que progride na investigação, a detetiva descobre que o governo está fazendo experimentos genéticos com sua população. Apesar de não trazer grandes novidades em termos de interação, o anime trabalha com temas contemporâneos, como a centralização do poder, a baixa mobilidade social, migrações devido à guerras, inteligência artificial, engenharia genética, identidade social e feminismo.

Neon Genesis Evangelion (1995) - Máquinas biológicas controladas por sincronização de atividade cerebral são a esperança da humanidade para sobreviver a um ataque alienígena. Este anime é referência pela experimentação visual, cheia de cores, paisagens gigantescas e silhuetas. As interfaces dos computadores e máquinas biológicas ainda contém novidade para os dias atuais.

Serial Experiments Lain (1998) - Uma menina tímida ganha um computador turbinado para a acessar uma espécie de Internet e se torna uma personalidade famosa dentro da rede. O anime chama a atenção o tempo todo para a base material da rede, os cabos que permitem a conexão. Os cenários são extremamente prosaicos neste anime, beirando o surrealismo. O mundo é visto à partir da visão subjetiva da protagonista, que sofre com a confusão entre o que acontece no mundo virtual e físico. Lançado no começo da Internet, o anime conta com diversos gráficos no estilo característico da rede daquela época. As implicações sociais do uso da rede ainda são muito atuais: crise de identidade, isolamento social e neutralidade.

Kaiba (2008) - Um rapaz sem memória descobre, pouco a pouco, um mundo em que as pessoas trocam de corpo assim como trocam de roupas. Apesar do visual infantil, o anime trata de temas bem complexos como a desigualdade social, disputa pelo poder, relacionamentos abusivos e ecologia. Basicamente, o anime especula os mais diversos impactos da existência de corpos descartáveis.

Fractale (2011) - Um jovem adolescente vive sozinho numa casa com os avatares de seus pais e uma série de robôs que fazem todo o trabalho de casa. Os avatares não são os pais biológicos do rapaz, mas sim pessoas que escolheram desempenhar tal papel à distância. Nesta sociedade, as pessoas não vivem umas com as outras, pois são extremamente auto-centradas. A vida do rapaz é questionada quando uma garota mostra o que está por trás da "realidade diminuída" em que ele vive. Ele conhece então o sistema social Fractale. O anime é interessante para discutir o impacto nas relações sociais da automação intensiva e do salário base, duas medidas que são hoje consideradas como uma saída para a crise do capitalismo.

C: The Money of Soul and Possibility Control (2011) - Um estudante de economia recebe a proposta de participar de um sistema de apostas num mundo virtual. Com o tempo, o estudante descobre que as apostas no mundo virtual tem impacto no mundo real. Em particular, o dinheiro criado no mundo virtual tem uma ligação direta com o futuro da sociedade. Este anime é uma investigação sobre os dilemas, sentimentos e consequências enfrentados pelos investidores do mercado financeiro.

Steins;Gate (2011) - Na tentativa de inventar o próximo gadget de sucesso, uma startup acaba criando sem querer uma máquina que permite enviar mensagens de texto via celular para pessoas no passado. Quando as pessoas recebem as mensagens, o destino delas é completamente alterado. O anime concentra-se na dificuldade de prever as consequências de pequenas mudanças no cotidiano das pessoas.

Knights of Sidonia (2014) - O planeta Terra foi destruído por uma raça alienígena que não se comunica com humanos. Os últimos sobreviventes humanos são enviados ao espaço numa gigantesca nave espacial para achar um outro planeta. Ao invés de buscar outro planeta, os dirigentes da nave acabam preferindo ir dar o troco nos alienígenas. O anime é focado nas batalhas de robôs gigantes, porém, mostra detalhes interessantes do dia-a-dia da tripulação. Por exemplo, dentre os tripulantes, há humanos que podem mudar de sexo e fazer fotossíntese com sua pele. As interfaces de controle das naves são muito bem desenhadas.

Casshern Sins (2008) - Um ciborgue que perdeu a memória tenta descobrir porque é indestrutível enquanto outros robôs perecem de uma doença chamada ruína. Na sua busca por respostas, cruza com seres humanos e robôs dos mais diferentes tipos e interesses. Cada um traz um questionamento filosófico sobre o propósito e significado da vida. O foco deste anime é explorar o papel da morte na percepção e organização da vida.

Gatchaman Crowds (2013) - Um grupo de super heróis adolescentes luta contra alienígenas invisíveis. A criadora de uma rede social extremamente popular ajuda os super heróis a combater os alienígenas com o poder psíquico de seus usuários. A multidão de usuários organizada se mostra mais poderosa que os super heróis, porém, acaba se tornando ela mesma uma ameaça quando o ódio se espalha pela rede.

Eden of the East (2009) - Um rapaz sem memória descobre que faz parte de um grupo seleto de agentes chamado ?Seleção? que possuem um smartphone que permite encomendar qualquer coisa. Ao perambular pela cidade de Tóquio, descobre que teve envolvimento em ataques terroristas recentes. A história extrapola as consequências de ter smartphones super potentes e aplicativos inteligentes. Um aplicativo em particular, o Scan It, é capaz de identificar objetos em fotografias utilizando machine learning.

Longas e curta metragem

Time of Eve (2010) - Humanos possuem androides em casa que seguem suas ordens. Porém um garoto descobre que sua andróide escapole de vez em quando e vai até um bar onde é proibido discriminar andróides e humanos. Lá, ele é confrontado com a crueldade como os andróides são tratados nessa sociedade. O filme levanta um questionamento ético e afetivo sobre a relação entre homens e inteligências artificiais.

Neo Tokyo (1992) - O futuro de Tóquio é frenético, puxando os limites do corpo e da imaginação. Excelente antologia de animes. Destaque para a construção totalmente automatizada.

Pale Cocoon (2006) - Uma catástrofe mundial fez com que a espécie humana tivesse que morar embaixo da Terra. Poucas pessoas sobreviveram e a memória dos tempos pré-apocalípticos está disponível apenas em arquivos digitais fragmentados e corrompidos. Um especialista em recuperação destes dados encontra uma gravação que muda totalmente a história oficial do desastre. A história focaliza no conflito ético, amoroso e político enfrentado por este especialista.

Akira (1988) - Um jovem desenvolve poderes psíquicos após um acidente de moto e passa a ser caçado pelo governo. A cidade de Neo-Tóquio tornou-se nesta época um antro de corrupção e desigualdade social. O visual e cenário cyberpunk deste anime influenciou toda uma geração de produções posteriores.

Steamboy (2005) - Um jovem inventor recebe de seu avô uma bola de metal que gera quantidades incríveis de energia à partir do vapor. Uma coorporação corrupta se interessa pela fonte de energia e o jovem é obrigado a fugir. O visual steampunk do anime é extremamente detalhado. Algumas reflexões interessantes sobre o papel da tecnologia na política e sociedade.

Nausicaa of the Valley (1984) - A Terra está dominada por insetos gigantes e venenosos, frutos da poluição humana. Uma princesa descobre que tratar os insetos com amor e carinho é o único caminho para a sobevivência da humanidade. Uma história bem diferente do tradicional animê violento. Uma mensagem de paz crística com roupagem de ficção científica.

The Empire of Corpses (2015) - Um cientista descobre uma maneira para reanimar cadáveres humanos através de um implante de necroware. Os cadáveres podem realizar atividades humanas, mas não conseguem falar, pensar ou sentir por si só. Em pouco tempo, a invenção se espalha e desperta uma onda de reanimação de cadáveres para trabalharem como escravos. O protagonista desconfia que os cadáveres, embora não consigam expressar, possuem sentimentos tanto quanto os humanos vivos. O visual steampunk e a crítica à desumanização são os grandes destaques deste anime.

Paprika (2006) - Uma cientista utiliza um aparelho experimental para penetrar conscientemente nos sonhos de pacientes psiquiátricos e ajudá-los a superar suas neuroses. O aparelho é roubado e uma ameaça psicólogica surge: que as pessoas comecem a entrar umas nos sonhos das outras.

Blame! (2017) - Há muitos séculos, humanos construíram máquinas gigantescas capazes de construir cidades e definiram que apenas aqueles com um gene artificial poderiam controlá-las. Uma epidemia de um vírus desconhecido eliminou o gene de todos os seres humanos e as máquinas se tornaram autônomas. A partir daí, as máquinas passaram a caçar e eliminar todos os humanos e construir incessantemente uma cidade cada vez mais completa e profunda. A história focaliza num ciborgue que tenta encontrar um possível sobrevivente com o gene especial para reconectar a raça humana com as máquinas e com a cidade.

Acha que faltou algum nessa lista? Quer me dar uma dica de outro filme? Poste nos comentários.

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No projeto Evidence Dolls, Dunne e Raby questionam as preocupações das mulheres com a genética de seus filhos. Trata-se de uma coleção de bonecos com uma pequena gaveta no lugar do pênis para que mulheres solteiras guardem cabelos de seus parceiros sexuais caso precisem verificar o material genético do homem futuramente. Para se lembrar do parceiro, a usuária pode customizar o boneco com desenhos e adesivos, sugerindo um possível ritual para o dia seguinte.

Porque parece estranho uma mulher ter uma atitude tão racional assim acerca da gestão genética de sua prole? E, por outro lado, porque ela não pode tratar o corpo do homem como objeto tal como muitos homens tratam o corpo de uma mulher? São questionamentos como esse que tornam o projeto interessante.

Na disciplina Design de Interação que ministro junto com professor Rodrigo Gonzatto na PUCPR, a gente apresenta Design Crítico como uma abordagem interessante para guiar ficções projetuais. Uma vez que o objetivo da ficção projetual é especular sobre futuros possíveis, faz todo sentido trazer uma visão crítica a respeito dos valores representados.

Introdução ao Design Crítico [MP3] 27 min

Ao observar projetos como esse, os estudantes costumam perguntar: 'mas isso não seria Arte, professor' Nós não negamos que possa ser Arte, porém, Dunne e Raby dizem que uma diferença do trabalho deles para as obras de arte exibidas em galerias de Arte (os deles também são) é que eles podem ser produzidos em larga escala.

Rotular um projeto de Design Crítico como Arte é uma maneira fácil de se esquivar do debate proposto. Se é Arte ou não é, para mim isso não é tão importante quanto a possibilidade de ter aquele produto como algo cotidiano. Uma característica marcante do Design Crítico é que ele é (ou parece ser) viável com as tecnologias atuais, além de contar com cenários de uso factíveis e propiciação efetiva para o contexto.

Um exemplo de projeto crítico que orientei no ano passado foi o TCC da Juliana Saito, um assistente digital para lidar com a procastinação. 

Conforme ela conta na história do projeto, ao realizar a pesquisa de similares, ela encontrou  vários aplicativos que criavam torturas psicológicas para o usuário procastinador. Inspirada na crítica de Bauman à vida moderna, ela resolveu criar um aplicativo que faz o usuário questionar porque ele procastina ao invés de tentar resolver o problema como todos os outros. Com o desenrolar do projeto, ela acabou decidindo fazer um dispositivo físico que se comunicasse com o usuário através da visão periférica.

O projeto acabou levantando a cumplicidade do computador nos hábitos de procastinação. Embora ele tenha sido inicialmente criado para ser uma ferramenta de produtividade, com o tempo ele acabou se tornando também uma ferramenta de entretenimento e interação social. Isso acabou contribuindo para misturar a separação das atividades de trabalho e de vida pessoal.

Conforme concluímos na aula gravada acima, o critério que eu e o professor Gonzatto utilizamos para avaliar projetos de Design Crítico não é sua funcionalidade ou estética, mas sim sua densidade cultural. Quanto mais fundo o projeto for numa questão, mais densa ela será representada e o projeto terá mais do que um sentido possível. Essa é uma característica crucial para um objeto criado para gerar debates interessantes na sociedade.

Para quem quiser saber mais sobre o assunto, recomendo a lista de dúvidas frequentes sobre o assunto traduzida pelo Gonzatto.

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Como se trata de uma versão preliminar do que vai ser o produto, serviço ou processo, o protótipo costuma ter uma aparência bruta, ter partes faltando e funcionalidades limitadas. Essa incompletude é proposital, uma vez que busca-se com ela abrir espaço para sugestões e críticas que completam o conceito.

Um recurso muito útil para receber sugestões e críticas é o humor enquanto se constrói e testa o protótipo. O clima de brincadeira ajuda as pessoas a imaginar como o protótipo pode ser completado. Nas minhas oficinas e aulas de prototipação, levo a brincadeira muito a sério.

O vídeo instrucional que gravei para o programa Renault Experience 2.0 explica como fazer protótipos brincando.

No vídeo, as estudantes da PUCPR estão se divertindo não por acaso. A diversão anda de mãos dadas com a prototipação, em especial, nas fases iniciais do projeto. Uma maneira de estimular a diversão é a escolha de materiais de cocriação coloridos e parecidos com brinquedo.

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A primeira tarefa da turma 2017 foi criar uma experiência interativa utilizando a ferramenta interactive playgrounds do XCode para participar da seleção de bolsas para a WWDC. Nesta edição, nós conseguimos uma façanha: 8 estudantes que entraram no programa 1 mês antes do desafio foram agraciados com a bolsa. 

A minha explicação para o sucesso destes estudantes é que eles adotaram um estilo de programação diferente para o desafio: a codificação criativa. Ao invés de escrever o código como se projeta um software funcional, eles escreveram código de maneira experimental e poética, buscando obter efeitos estéticos. Na minha opinião, o playgrounds do XCode foi criado para esse fim e por isso a Apple escolheu os projetos deles.

Assim que a Apple publicou o desafio, eu dei uma aula sobre codificação criativa. Foi um momento de choque para os programadores experientes e de empolgação para os designers ali presentes.

Estado da arte em Codificação Criativa [MP3] 1?15" - 19MB

O movimento de codificação criativa surgiu com o grupo Design by Numbers no MIT liderado pelo professor John Maeda. Maeda afirmou numa TED Talk que designers devem saber programar para questionarem os limites da mídia digital e inovar. Dois de seus alunos, Casey Reas e Ben Fry, criaram a linguagem Processing em 2001, hoje a principal ferramenta para codificação criativa. Na minha visão, o Swift Playgrounds é uma tentativa da Apple de estimular a criatividade dos seus desenvolvedores com funcionalidades que já existiam no Processing.

Porém, codificação criativa não se limita a uma funcionalidade do ambiente de programação. Sem a transmissão cultural do estilo de programação, a codificação criativa não acontece. Estamos no momento fazendo uma análise no BEPiD para identificar quais seriam as práticas de programação características da codificação criativa. Por enquanto estamos trabalhando com as seguintes categorias:

• Escrever código como se esboçam desenhos
• Programar de maneira oportunista
• Fazer bricolagem com códigos
• Explorar as possibilidades expressivas do meio digital
• Projetar performances emergentes
• Fazer erros felizes de programação
• Explorar efeitos estéticos do aleatório
• Desenvolver uma poética generativa
• Apreciar a beleza do código

Pretendemos publicar um artigo acadêmico sobre essa análise futuramente. Estamos também interessados na relação entre processo e resultado, ou seja, a experiência do usuário que eles proporcionaram com seu código.

	Lorien Moisyn criou uma experiência com objetos ligados em rede que, ao serem arrastados de um lado ao outro da tela, tocam notas de uma melodia cambaleante. O projeto surgiu à partir de um interesse por programar grafos visualmente. Veja o vídeo.
	Ana Carolina Barreto criou uma ferramenta de desenho baseada na sobreposição de linhas e variação e luminosidade. A ideia surgiu à partir de um bug que encantou a Ana Carolina. A proposta original era ser um aplicativo de desenho por polígonos. Veja o vídeo.
	Alexis Laborda criou um instrumento musical de percussão baseado no desenho de linhas conectadas. Depois de desenhar os pontos, o usuário pode tocar seu ritmo. Veja o vídeo.
	Alexandre Vassinievski criou uma ferramenta de desenho que cria padrões trançados como teias de aranha. De acordo com o movimento, a cor do desenho se modifica. Veja o vídeo.
	Daniel Oliveira criou um painel de objetos voadores coloridos que se assemelham a serpentinas de carnaval. Veja o vídeo.
	Matheus Pelanda criou um aplicativo que converte desenho em sons humorísticos. O usuário desenha e depois dá ?play? no desenho para ouvir uma canção zoada. Veja o vídeo.
	Rodrigo Guimarães criou uma experiência de navegação espacial. A nave pula de planeta em planeta, obedecendo o movimento de órbita. A cada planeta, um novo som é tocado. Veja o vídeo.
	Adonay Puszczynski criou um jogo para aprender lógica de programação à partir de uma história de amor entre duas entidades abstratas. Veja o vídeo.

Este foi o primeiro desafio da turma de 2017. Ainda haverão 3 outros projetos de aplicativos, inclusive, com expectativa de publicação na App Store. A codificação criativa não será estimulada como foi para esse primeiro projeto, porém, eu espero que a experiência que os estudantes tiveram com esse estilo de programação seja tão marcante que eles não queiram programar de outro jeito.

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No artigo que escrevi com meu colega Rodrigo Gonzatto sobre ideologia do futuro, afirmamos que não existem futuros desinteressados. O futuro é uma artimanha ideológica para dar a impressão de que algo do presente é mais importante do que parece. Coloca-se algo do presente no futuro para que essa coisa pareça evitável (numa distopia) ou inevitável (numa utopia).

O futuro impele as pessoas a fazer algo a respeito no presente: ficar com medo ou se empolgar, aceitar ou rejeitar, consumir ou refletir. Quando o futuro é proposto ou discutido em público, estimula também ações coletivas. Porque ele tem impacto no presente, dizemos que o futuro está no presente e porque trata da coletividade, dizemos que o futuro é uma ideologia.

Recentemente, tivemos a oportunidade de experimentar com nossos estudantes de Design Digital da PUCPR como seria desenvolver ficções projetuais com tal perspectiva.

Em vista das eleições municipais de 2016, escolhemos o tema Futuros de Curitiba:

O nome do tema é Futuros de Curitiba no plural para demonstrar que não existe um único futuro para Curitiba (apocalíptico ou paradisíaco, utópico ou distópico) mas sim diversos futuros espalhados pela cidade. O futuro que virará realidade será uma síntese desses diferentes futuros, dependendo do esforço e poder que as pessoas terão para realizá-lo. Em 2016, os cidadãos de Curitiba farão um grande esforço para eleger seu prefeito e vereadores, que poderão priorizar certos futuros em detrimento de outros durante os próximos 4 anos. Tanto os demais cidadãos quanto os políticos estão interessados em conhecer as visões de futuro que os jovens tem sobre Curitiba. A proposta desse tema é reunir e colocar a público as diferentes visões de futuro dos jovens de Curitiba, não só os estudantes da PUCPR, mas também e principalmente daqueles que não tem uma voz ativa nesse tipo de debate ainda.

Começamos o ano organizado um debate entre dois candidatos a vereador em Curitiba: Tulio Filho (designer) e Jonny Stica (arquiteto). Um resumo do debate para quem não pode participar foi publicado no Medium do projeto Futuros de Curitiba.

Em seguida, convidamos algumas pessoas que trabalhavam na Prefeitura de Curitiba para participar de oficinas de co-criação com nossos estudantes. Primeiro tivemos a participação de Alvaro Borba, responsável pelo famoso perfil da Prefs de Curitiba no Facebook. Com ele, cocriamos serviços públicos mais inteligentes. Depois, tivemos Goura Nataraja da Secretaria de Trânsito, que também era candidato a vereador (e que depois ajudei a eleger). Com ele, tivemos uma oficina sobre estratégias para mudança de comportamento no trânsito. Tudo que foi produzido nestas oficinas foi publicado no Medium com o objetivo de enfatizar o caráter público do projeto.

Nesse meio tempo, concluí uma pesquisa de campo sobre grafittis futurísticos em Curitiba. Meu objetivo era coletar evidências de que existem futuros espalhados pela cidade. A diversidade de visões expressas no grafitti foi consistente com a diversidade de locais onde eles apareceram pela cidade. Porém, dois temas foram recorrentes: sustentabilidade e cor de pele diferentes.

Os futuros coletados foram trazidos para a sala de aula e discutidos com nossos estudantes. Explicamos que os grafittis eram alternativas aos projetos de futuro da cidade elaborados pelo instituto de planejamento da cidade, o IPPUC. Embora não tivessem a mesma abrangência que o plano diretor, os grafittis propunham maneiras diferentes do plano oficial para os cidadãos interagirem entre si. Chamamos isso de contra-projeto.

Propusemos aos estudantes, então, elaborar um contra-projeto de ficção projetual na disciplina Design de Interação. Pode parecer estranho, a princípio, colocar a cidade como objeto de uma disciplina que se ocupa primariamente com o design de aplicativos, websites ou jogos. Porém, desde que lemos a tese de Caio Vassão, compreendemos que design de interação é a nova fronteira para o urbanismo. Os fluxos da cidade estão cada vez mais dependentes da tecnologia da informação e, se não forem projetados à partir de uma visão holística de cidade, podem acabar isolando mais do que conectando as pessoas.

Nas primeiras aulas, apresentamos o design de interação ecológico que o Caio propunha. O ponto principal é que o projeto não se centra num usuário ou num grupo de usuários, mas sim numa rede complexa que envolve diversos tipos de pessoas e tecnologias. O que parece teoria é, na verdade, um conceito muito prático adotado pelo design de serviços. Em nossa visão, a cidade é uma rede de serviços.

Para não nos perder na visão macro da cidade, adotamos a proposta do Caio de adotar o corpo como fulcro de projeto. Num post anterior, eu explico a proposta:

O corpo não é apenas a referência e a origem das informações, mas também é quem coloca as informações na tecnologia digital. O objetivo da interação é afetar o próprio corpo (guardando informações para serem utilizadas depois, por exemplo) ou afetar outros corpos (informar uma outra pessoa). Não basta que a informação seja transferida para a tecnologia digital, é preciso que ela seja apropriada por um corpo para que se realize a interação.

Isso foi realizado através da prática de criação de cenários em vídeo, prototipação, bodystorming e teatro imagem. Todas as nossas aulas deram a oportunidade dos estudantes exercitarem seus corpos de maneira ativa, não por uma questão de saúde, mas de projeto. Em nossa visão pedagógica, projetar com o corpo inteiro é fundamental para compreender os nuances da interação, em especial, quando tratamos de interações que acontecem no contexto de uma cidade.

Apesar de ter a cidade como contexto, não perdemos de vista os pequenos objetos que fazem parte das interações do dia-a-dia. Ao invés de trabalhar apenas a parte do objeto atribuída pela divisão do trabalho aos profissionais de design (a interface), propusemos trabalhar com o objeto em sua totalidade. Num primeiro momento, pedimos que os estudantes conversassem com objetos para compreender suas potencialidades. Depois, pedimos que conversassem com outras pessoas sobre os objetos.

Na foto abaixo, há uma série de objetos utilizados em Curitiba nos anos 1970. Cada estudante teve a tarefa de trazer um desses objetos junto com uma entrevista em vídeo com seus respectivos usuários. À partir desses objetos do dia-a-dia, tecemos relações (fios) e construímos, coletivamente, uma visão de como era a cidade de Curitiba nos anos 1970.

O motivo de estudar Curitiba dos anos 1970 é a abundância de registros históricos existentes para compreendê-la. Se a gente tivesse pedido aos nossos estudantes para estudar a Curitiba dos anos 2010, haveriam menos fontes e as explicações seriam confusas. Isso porque o passado da cidade já foi amplamente registrado, discutido e organizado, enquanto que o presente ainda está sob disputa.

À partir dessa imersão em Curitiba dos anos 1970, os estudantes foram convidados a transformar os objetos estudados em ficções projetuais. Estes objetos deveriam ser desenvolvidos seguindo o estilo futrô, que traz uma funcionalidade futurística para um passado divergente. A proposta era construir uma ficção projetual que começasse nos anos 1970 e terminasse nos anos 2010.

Os formatos "anúncio de revista" e "capa de jornal" foram excelentes para começar o processo. Abaixo é possível ver o anúncio de um serviço de Photoshop por correio e uma notícia sobre um monóculo que tocava vídeos.

Depois de colar todos os anúncios e jornais no corredor da Universidade, pedimos que os estudantes acrescentassem post-its com potenciais conflitos criados pela antecipação das tecnologias. Os estudantes podiam colar post-its tanto nos seus projetos quanto nos projetos dos colegas.

Para nós, estes conflitos eram muito importantes pois ancoravam produto ao contexto estudado (Curitiba dos anos 1970). Nosso objetivo com o futrô era ajudar nossos estudantes a compreender que a tecnologia está implicada em conflitos que se acumulam e se resolvem ao longo da história.

O próximo passo, então, foi criar diversas histórias conflituosas de pessoas e tecnologias, atravessando os anos 1980, 1990, 2000 e a atual década de 2010. Utilizamos bonecos e peças de Lego para criar a história, tal como no faz-de-conta infantil.

O momento lúdico da criação foi succedido por uma análise do conflito, na linha do Teatro do Oprimido. O objetivo era chegar às raízes históricas do conflito. O conceito de opressão é muito útil para isso, pois ajuda a identificar como o conflito surge no cotidiano. Utilizando o teatro imagem, experimentamos diversas maneiras para escapar à opressão, cada qual devidamente fotografada e discutida pela turma.

Na imagem abaixo vemos o fluxograma de reação de uma jovem negra tentando se livrar da opressão que a induz a modificar o tom de sua pele no serviço de Photoshop manual.

O teatro imagem deixou claro que a transformação social é complexa, que existem diversas perspectivas num conflito e nenhuma delas pode ser deixada de lado, do contrário, o conflito fica ainda maior.

Após refletir sobre as imagens de opressão improvisadas em sala de aula, pedimos que criassem fotomontagens realísticas do contexto de uso dos produtos fictícios. O objetivo era desenvolver uma linguagem visual para expressar o conflito.

Na foto abaixo vemos a foto de um usuário do Spotify nos anos 1970, com uma coleção gigantesca de fitas cassete. Na ficção projetual, a fita se tornou tão mais barata que atingiu regiões do Brasil que nem o rádio chegava.

Diversos conflitos criados pela antecipação do Spotify foram imaginados:

• falta de espaço para guardar as fitas
• lentidão do transporte viário para a distribuição musical
• segregação de gostos por gêneros
• censura governamental

O formato que escolhemos para finalizar a ficção projetual foi o documentário falso, também conhecido como mockumentary. A proposta era mostrar como o desvio tecnológico dos anos 1970 tinha impactado os dias de hoje.

Os filmes produzidos foram publicados na página do projeto Futuros de Curitiba. Com o objetivo de levar a discussão sobre os futuros da cidade para um público mais amplo, procuramos a Prefeitura de Curitiba e recebemos o apoio para divulgar um dos filmes na página do Facebook da cidade.

O documentário fictício SubCuritiba conta a história da divisão da cidade em duas: a cidade verde, ecológica e inovadora da superfície e a cidade escura, poluída e trabalhadora do subterrâneo. Essa divisão ocorreu em conjunto com o desenvolvimento acelerado da infraestrutura viária subterrânea. O filme obteve 11 mil visualizações e dezenas de comentários no Facebook.

Os principais comentários expressam a identificação afetiva das pessoas com a cidade. Poucos mencionaram a possível analogia entre a ficção e os fatos contemporâneos que sugerem uma tendência crescente de desenvolvimento desigual de infraestrutura pública na cidade.

Por exemplo, a nova gestão da Prefeitura de Curitiba anunciou há alguns dias o Vale do Pinhão, um programa de investimentos para estimular a criação de startups na cidade. Este programa pode ser considerado uma ficção projetual, uma vez que Curitiba não dispõe de nenhuma das condições que fizeram o Vale do Silício possível, a começar pela inexistência de vales no planalto.

O traçado divulgado pela Prefeitura (em vermelho vinho no mapa abaixo) exclui ostensivamente a Vila das Torres (área em vermelho), região próxima ao centro onde moram pessoas de menor poder aquisitivo. Se incluída, a região poderia ajudar na conexão da PUCPR com a UFPR, gerando empregos e conhecimento onde mais se precisa.

Esse problema urbano é similar ao da neutralidade da rede. Em países da África, enquanto os ricos podem acessar qualquer website, os pobres ficam restritos ao Facebook e Wikipedia. Na tentativa de burlar essa restrição, os usuários angolanos escondem links para filmes e músicas piratas em artigos da Wikipedia em português. Os moderadores portugueses e brasileiros que desconhecem esse contexto de acesso se irritam por ter que apagar os links criados pelos angolanos. O conflito ocorre porque a infraestrutura separa as pessoas de acordo com seu poder aquisitivo, criando uma espécie de gueto digital.

A conclusão do projeto Futuros de Curitiba é que existem muitos futuros espalhados pela cidade e que há uma disputa entre diversos atores para afirmar qual futuro está valendo no presente. Suas ideologias aparecem não só no discurso, mas também nas imagens, objetos e interações que aparecem no futuro. O objetivo é fazer uma conexão afetiva com o público para sugerir de maneira indireta uma ação ou inação no presente.

O projeto Futuros de Curitiba também demonstrou que o design de interação e, em especial, a ficção projetual podem ser usados tanto para profetizar quanto para discutir futuros. Apresentados dessa maneira, servem como abordagem prática para conscientizar estudantes de design de seu papel político na sociedade.

Com a prática de desenvolvimento de projetos livres, nós conseguimos trabalhar o conteúdo político sem cair no proselitismo, partidarismo ou demagogia. O processo e o resultado estão agora finalmente documentados para averiguação pública. Que venham as críticas!

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Em 2005, publiquei um podcast sobre Design de Interação e Antropologia em que apresento o método e relaciono-o com as intenções do Design de Interação de se diferenciar da Interação Humano-Computador. Eu dizia que esta última estava muito focada na interação com o computador enquanto que o Design de Interação tinha uma percepção mais ampla do contexto, considerando sua constituição social e cultural.

O modelo dos contextos que elaborei em seguida deixa esta distinção mais clara: enquanto a Interação Humano Computador expandiu os interesses da Computação para o contexto simbólico, o Design de Interação expandiu o interesse da Computação para o contexto social e cultural.

A etnografia foi importada da Antropologia para realizar tal visão, porém, muitos aspectos fundamentais foram deixados de lado nas aplicações em Design de Interação. Por exemplo, a intenção original de evitar o julgamento de uma cultura pela outra ainda não se converteu numa crítica ao etnocentrismo do design. Esse aspecto é fundamental, pois realiza o objetivo da Antropologia de descolonizar o pensamento, reconhecer o outro e refletir criticamente sobre sua própria existência.

Enquanto não se desenvolvem tais aspectos nas aplicações do design, eu prefiro chamar etnografias de estudos etnográficos em design. Os estudos etnográficos no design costumam ter um escopo e duração menor do que a etnografia antropológica, em parte pelo prazo curto de projeto, em parte pela falta de conhecimento dos designers sobre o assunto.

Em 2013, fiz um apanhado de vídeos sobre como fazer estudos etnográficos no meu blog em inglês. Agora, de volta ao Brasil, tive a oportunidade de produzir tutoriais em vídeo sobre o assunto em língua portuguesa. Estes tutoriais fazem parte do desafio Renault Experience 2.0 que a PUCPR desenvolveu junto com a Renault.

O primeiro tutorial apresenta a técnica de shadowing, que consiste em acompanhar um usuário em suas tarefas rotineiras. Mais detalhes sobre a técnica podem ser encontrados na Plataforma Corais.

Durante o shadowing, deve-se evitar de interromper o usuário para conversar. O pesquisador deve atuar como "uma mosca na parede" para que o comportamento seja o mais rotineiro possível. Caso haja a necessidade de compreender melhor as motivações do usuário, é melhor deixar para o fim da observação ou para outro dia.

Para compreender motivações, a técnica da entrevista contextual é bem mais indicada.

Minha técnica de entrevista tem influência forte das práticas de Jornalismo, devido à minha formação. A diferença principal é que o objetivo não é coletar afirmações interessantes para usar na notícia, mas de fato entender o que o usuário está falando além de desenvolver empatia. Mais detalhes podem ser encontrados na Plataforma Corais.

Por fim, explico como analisar os dados coletados sobre a rotina de um usuário através de uma planilha de Excel.

Os trabalhos enviados pelos estudantes até agora para o Renault Experience 2.0 tem demonstrado que realizar um estudo etnográfico não é difícil e traz insights valiosos para um projeto. Nossa intenção principal como organizadores do desafio era estimular os estudantes a sairem da frente do computador. Quando o desafio terminar, pretendo verificar o grau decontribuição dos estudo etnográficos para o desenvolvimento das melhores propostas de serviço ou produto.

Além dessas vídeo aulas, estou publicando também um áudio sobre o uso da Teoria da Atividade para orientar estudos etnográficos. Espero que tais materiais ajudem a consolidar a prática e elevar o nível da discussão em língua portuguesa.

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O design como inovação é uma das quatro maneiras para integrar design numa empresa. Basicamente, significa que, antes de desenvolver um produto ou serviço, os designers fazem uma pesquisa de oportunidades baseada na observação de usuários. O desenvolvimento da tecnologia ocorre depois que as oportunidades foram identificadas e validadas pelos usuários, para evitar gastos desnecessários. Desta maneira, espera-se que apenas tecnologias úteis sejam desenvolvidas.

Esta maneira de integrar design numa empresa tem suas vantagens e desvantagens. Em primeiro lugar, é prudente e econômico restringir gastos em desenvolvimento de tecnologias sem a validação de mercado. Em segundo, é interessante focalizar em necessidades não atendidas pelo mercado. Entretanto, o investimento em design não garante que a inovação seja um sucesso e pode até atrasar sua chegada no mercado devido ao processo de maturação das ideias e validação com usuários.

Apesar dessas limitações, o design é atualmente uma das melhores abordagens para lidar com o fuzzy front end da inovação, ou seja, com o processo de descoberta de oportunidades para inovação. Nesta fase, o espaço de possibilidades fica tão grande que fica difícil escolher em quais delas investir. O design ajuda a sair da confusão gerada pela complexidade devido à sua capacidade de materialização das ideias e de engajamento dos múltiplos interessados no projeto.

Liz Sanders e Pieter Jan Stappers mostram em seu livro que designers trabalhando no fuzzy front end costumam fazer oficinas de co-criação com interessados para encontrar oportunidades de inovação. Os insights que surgem destas oficinas costumam ser muito mais robustos do que os que surgem de entrevistas e observações, isso porque o usuário contribui com a análise de sua própria situação. Na minha tese de doutorado, eu chamo isso de auto-representação.

A compreensão do contexto é mais profunda na oficina de co-criação, pois pode-se discutir e resolver com os interessados as contradições que apareceram nas observações iniciais. Por exemplo, um problema para um usuário que não é problema para outro usuário. Isso é algo que costuma deixar empreendedores bastante confusos. Se o empreendedor confia num dos usuários, incorre no risco de produzir algo inútil. Mais interessante é contrapor estas visões e compreender o que está por traz do enquadramento da situação como um problema.

À partir dessa compreensão, é possível redefinir o problema. A maior contribuição do design para a inovação em empresas costuma ser justamente essa: a redefinição dos problemas a serem solucionados. Ao invés de solucionar um problema que a empresa vem tentando solucionar há anos e não consegue, o design questiona o problema à partir das observações e interações com usuários. É possível que aquele problema não seja de fato um problema.

Esse processo de problematização é um momento tão criativo no design quanto o próprio processo de solução. Por exemplo, um designer buscando oportunidades de inovação numa organização mais ou cedo ou mais tarde irá esbarrar no famoso problema de comunicação. Ele pode aceitar esse problema e tentar solucioná-lo de imediato com mais ferramentas de comunicação ou pode ir a fundo e encontrar as contradições por trás do problema.

Na primeira opção, ele não estará produzindo inovação, pois estará solucionando o problema da mesma maneira como foi tentado anteriormente, ou seja, será mais do mesmo. Na segunda maneira, a possibilidade de inovação é maior, pois o problema foi redefinido. Conforme minha pesquisa de doutorado mostra, uma solução inovadora surge de um problema inovador.

Essa redefinição de problemas é cada vez mais feita em conjunto com os interessados no projeto, incluindo até mesmo os usuários, pois a criação de valor está migrando de dentro das empresas para suas fronteiras. A relação entre cliente e fornecedor, típica da sociedade industrial, já não é mais a origem do valor na sociedade pós-industrial. Hoje em dia, o valor está sendo cocriado nas fronteiras entre organizações de produtores e de cocriadores. Nessa relação, a negociação se concentra no valor de uso mais do que no valor de troca.

Design é uma área com experiência na priorização do uso na cadeia de valor. Diferentemente da Engenharia, da Economia e da Gestão, o Design trabalha com métricas qualitativas, avaliações subjetivas e criações artísticas. Embora sejam mais difíceis de reproduzir e de auditar, as táticas utilizadas pelos designers para cruzar fronteiras são mais eficazes em salvaguardar o valor de uso do que as estratégias integradoras propaladas pelas outras áreas.

Num estudo realizado com estudantes de Engenharia Civil, mostrei que a priorização do valor de troca num projeto torna a colaboração difícil, pois não gera objetos compartilhados. Os interessados no projeto fazem apenas aquilo que gera maior retorno, seja em forma de dinheiro, prestígio ou dependência. Uma das conclusões da minha tese de doutorado é que a priorização do valor de uso motiva as pessoas a dar o melhor de si num projeto. Quando os interessados percebem que podem beneficiar alguém por quem sentem empatia, este alguém se torna uma motivação em comum.

O resultado da priorização do valor de uso é a inovação qualitativa, ou seja, aquela que estende mercados saturados ou que cria novos mercados. No meu modelo de evolução tecnológica, a inovação qualitativa sucede a inovação quantitativa que prima pela escala, custo e funcionalidades. O desenvolvimento da qualidade supera a saturação do mercado com um produto muito melhor, abrindo espaço para a competição num novo patamar. É o que a Apple fez com o iPhone em 2007: criou um novo paradigma de interfaces.

A inovação pelo design é, portanto, uma abordagem para cocriar valor de uso nas fronteiras entre as organizações. A empatia pelos usuários é o princípio norteador, o método mais usado é a prototipação rápida e a ferramenta característica é o post-it. Para implementar essa abordagem numa empresa, não é necessário ser um designer. O pensamento projetual está acessível a todas as profissões. Na verdade, um processo de inovação pelo design típico começa justamente por mudar o tipo pensamento de pensamento projetual cultivado pela empresa, do sistemático para o expansivo.

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Afinal de contas, a grande novidade que o design thinking trouxe é que outros profissionais podem se apropriar dos conhecimentos do design para incrementar suas atividades. Nesse processo de aprendizagem e troca, os profissionais de outras áreas não partem do zero; eles já possuem um pensamento projetual. Pensar projetos não é uma exclusividade do design, basta ver as discussões na Gestão de Projetos, na Arquitetura, na Engenharia, na Ciência Política, Arte e outras áreas.

Eu acredito que exista uma diferença na maneira como (alguns) designers pensam projetos e isso fica melhor expresso na tradução para o português. O que hoje é alardado como design thinking trata-se de um tipo específico de pensamento projetual, o pensamento projetual expansivo. Para ficar claro a diferença, irei comparar esse tipo de pensamento com dois outros: o sistemático e o intuitivo. É provável que existam outros tipos de pensamento projetual, mas eu ainda não consigo distinguí-los tão claramente. Quem conseguir distinguir outros ou discordar das minhas categorias, por favor, manifeste-se nos comentários.

Pensamento projetual sistemático

Esse tipo de pensamento deriva da filosofia analítica e se baseia na técnica da redução da complexidade. O todo complexo é dividido em partes através da análise. A análise é sistemática porque durante o processo de análise é feita também uma consideração sobre como as partes se conectam no todo. Tais conexões funcionam como um sistema em que cada parte cumpre uma função. As conexões que não contribuem para ver o todo como um sistema funcional são descartadas ou marcadas como risco (por exemplo, uma relação subjetiva).

Devido à sua preocupação com a função, o pensamento projetual sistemático começa pela definição de requisitos. O sistema tem que ter isso e fazer aquilo. Qualquer divergência que surja no desenvolvimento costuma ser atribuída à ausência de requisitos. A definição de requisitos visa prevenir incertezas, que são consideradas falhas ou erros de desenvolvimento.

Alguns requisitos especiais adquirem o status de restrição caso seja uma demanda do cliente, uma demanda da legislação ou uma demanda técnica. Estes requerimentos raramente são questionados, pois o problema a ser resolvido é justamente tornar o projeto viável dentro das restrições impostas.

O sistema é projetado, portanto, à partir de requisitos que dão origem à módulos e componentes capazes de suprir os requisitos individualmente. Para evitar que o sistema fique fragmentado, são adotadas medidas de padronização superficiais, como padrões de transferência de dados e de interação com o usuário.

O pensamento projetual sistemático aparece com frequência na prática de projeto das Engenharias, da Administração, da Química e da Computação. Na minha tese de doutorado, eu analiso como o pensamento projetual sistemático dá origem ao design redutivo.

Pensamento projetual intuitivo

Existem outras maneiras de projetar menos explícitas e organizadas do que o pensamento projetual sistemático. Nem todos os projetos precisam surgir de demandas existentes ou provocar demandas. Existem projetos que tem o objetivo de mostrar algo novo, não necessariamente algo funcional. A expressividade e inovação pode ser mais importante do que a utilidade imediata.

O pensamento projetual intuitivo surge da inspiração de uma pessoa no encontro ou na fuga da realidade. O criador tem uma ideia que se desenvolve num conceito. Esse conceito é visualizado através de esboços e desenhos, que se transformam em alternativas e modelos. O criador cria, analisa e sintetiza em ciclos consecutivos. O projeto é refinado até atingir alto grau de coerência interna, ou seja, até que todas as partes expressem o conceito. Então, o projeto é apresentado a alguma outra pessoa capaz de implementá-lo.

Quem pratica esse tipo de pensamento projetual costuma acreditar que tem um dom ou uma habilidade especial que não é reconhecida o suficiente pela sociedade. A situação ideal é aquela em que o sujeito pode se dedicar apenas ao ato da criação, deixando a produção e implementação nas mãos de outra pessoa. Embora isso não seja possível o tempo todo, os virtuosos recebem de vez em quando solicitações de projetos com liberdade para inovar.

O pensamento projetual intuitivo é comum na Arte, Arquitetura, Design Gráfico, Urbanismo e também na Computação.

Pensamento projetual expansivo

Projetos podem também ser vistos como parte das dinâmicas da sociedade, ao invés de acontecimentos isolados. Nessa perspectiva, o desafio do projeto não é solucionar um problema técnico ou expressar uma proposta conceitual. O projeto se propõe a discutir a sociedade sem no entanto se comprometer a solucionar problemas.

Os problemas do pensamento projetual expansivo são conhecidos como capciosos (wicked problems). Tais problemas estão em constante expansão (daí o nome desse pensamento). Quando você pensa ou fala sobre ele, ele já se transforma e se torna mais difícil de resolver. Por isso, ao invés de começar pela definição do problema, o pensamento projetual expansivo começa pela empatia para com as pessoas envolvidas com o problema. Isso pode ser desenvolvido de maneira distanciada pela observação ou pela participação em atividades comunitárias.

Ao invés de buscar requisitos, os projetistas buscam entender a moral do contexto. Já que não é possível resolver o problema, o que seria ético fazer a respeito? A resposta a um problema capcioso não é uma solução tecnicamente correta, mas uma ação para transformar o mundo de maneira ética, mesmo que não se tenha certeza sobre a solução do problema. Devido a essa falta de critérios objetivos, o pensamento projetual expansivo corre o risco de reproduzir o elitismo, o fechamento e a centralização que diz combater.

É comum projetos guiados por esse tipo de pensamento terem a participação ampla da comunidade de stakeholders, usuários ou cidadãos. Acredita-se que incluir mais pessoas contribui para uma visão holística do projeto, pois cada um traz o seu ponto de vista e experiência. Trata-se do movimento inverso da análise utilizado no pensamento projetual sistemático. O todo fica cada vez mais complexo a cada nova pessoa incluída.

Para facilitar a participação, as ferramentas de projeto adotadas são simplificadas e acessíveis para quem não sabe desenhar como, por exemplo, post-its, massa de modelar e papelão recortado. Assim que possível, busca-se construir protótipos funcionais para testar as ideias criadas coletivamente. O protótipo é posto à prova numa situação real e se não funcionar, isso não é considerado um problema. O lema do pensamento projetual expansivo é "falhar cedo para acertar logo".

O pensamento projetual expansivo é comum no Design de Interação, Design de Produtos, Urbanismo, Arte e Sociologia. Na minha tese de doutorado, eu analiso como o pensamento projetual expansivo dá origem ao design expansivo.

Para saber mais

Veja o material da oficina sobre pensamento projetual expansivo que eu e o professor Rodrigo Gonzatto demos na PUCPR. Nos slides há referências bibliográficas para cada tipo de pensamento projetual.

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A pergunta-chave do futrô é a seguinte: e se a tecnologia que temos disponível hoje estivesse disponível no passado? Como seria? O design retrô convida o designer a mergulhar no passado e perceber que o presente atual poderia ter sido diferente se o passado fosse diferente. Refletindo sobre o passado e o presente, o objetivo do futrô é, na verdade, pensar sobre o futuro, este que está sendo construído pelas mãos do designer.

Um exemplo clássico de futrô é o steampunk. Os produtos atuais são reimaginados como se fossem baseados no motor a vapor. Cria-se uma bifurcação do passado, como se ele tivesse se desenvolvido de maneira diferente. A hipótese trabalhada é que, ao invés de desenvolver o motor a combustão, as pessoas continuaram a desenvolver o motor a vapor, tornando-o cada vez menor.

O steampunk pode mas na maioria das vezes não é retrô. Isso porque ele não trabalha apenas na aplicação de formas do passado, mas especula também sobre tecnologias que não existiram no passado e que ainda não estão estáveis no presente, como próteses mecânicas, robôs autônomos, mochilas a jato e óculos de realidade aumentada.

Criamos o futrô devido a dificuldade que nossos alunos encontravam em pensar no contexto de uso. Em 2012, eu havia proposto para meus orientandos Faber-Ludens se por a pensar o produto deles no passado, um novo controle remoto para televisões.

Ao invés de projetar para o futuro, vamos projetar para o passado. Por que? No futuro a gente não tem como avaliar se um projeto será adequado ou não, são muitos os fatores incertos. Mas, no passado as variáveis já estão dadas.

As informações sobre o contexto de uso do passado estão disponíveis em fontes de fácil acesso: livros, filmes, discos, fotografias. Basta o designer consultar os registros históricos para pensar seu produto na perspectiva do usuário. Fazer isso no presente é mais difícil, pois é preciso estudar uma realidade que ainda não se conhece muito bem. Muitas vezes os alunos não fazem direito essas pesquisas pois não conhecem suas vantagens. O design futrô aparece como um exercício rápido para experimentar o impacto da pesquisa de comportamento no projeto de interação.

Eu e o professor Gonzatto propusemos um exercício de futrô para nossos alunos de Design Digital da PUCPR em 2015.

Começamos por um sorteio de tecnologias de futuro próximo que cada grupo iria trabalhar, como por exemplo impressão 3D, crowdfunding, detecção facial e outras. Para sortear, criamos uma experiência lúdica utilizando os cartões do Near Future Laboratory. Eu me fantasiei de cartomante e fiz uma previsão de futuro aleatória baixando uma combinação de cartas. Tratava-se de uma sugestão que os alunos não precisavam seguir à risca.

Depois fizemos uma oficina de esboços respondendo a seguinte pergunta: e se tivesse [o objeto da carta] como seria a atividade [contexto de uso] no Brasil dos anos 1970? Esse passado foi escolhido devido às manifestações públicas que pediam a volta da ditadura militar.

Os alunos foram para casa com a tarefa de pesquisar o contexto de uso dos anos 1970 e desenvolver a ficção projetual.

Destaco dois projetos da turma. O primeiro foi desenvolvido por Gabriele Eichel, Rodrigo Medalha e Thabata Cardoso. Eles pegaram a seguinte combinação de cartas: gamificar um óculos de sol conectado na nuvem.

A proposta deles foi a seguinte:

... ao invés dos militares utilizarem a nova tecnologia, seriam os opositores. O óculos teria um sistema GPS, leitor de digital na borda da haste para identificar o usuário de forma discreta (caso não fosse o usuário correto, o óculos pareceria um óculos qualquer). O rastreamento através do GPS e um mapa mostraria a localização dos militares, propiciando assim a fuga dos usuários contra o regime. O óculos permitiria contato entre os usuários por sistema de voz integrado. (...) O sistema contaria com bloco de anotações, agenda a fim de marcar os encontros dos grupos, dentre outras aplicações. Dessa forma teríamos um número reduzido de mortes e torturas ate o fim da Ditadura Militar em 1985 e uma maior organização dos ativistas contra a ditadura. A visão do óculos seria projetada através de miniaturas (personagens de games), o usuário seria um personagem customizado. A conexão se daria através da internet ainda pouco propagada, apenas para fins comercias e militares e não de entretenimento.

O que eu gostei nesse projeto é que ele considera não só as formas que eram típicas dos anos 1970, mas também as interações entre usuários. Uma desvantagem é que uma vez identificado pelos militares ficaria muito fácil encontrar quem estava usando pela visibilidade. Uma estratégia interessante aqui seria dar a função de entretenimento como principal e esconder as funções subversivas. Assim seria mais difícil identificar quem está se divertindo com o regime e quem está subvertendo o regime.

O segundo projeto foi desenvolvido por André Souza Ferreira, Patricia Sznaider João e Pedro Henrique de Brito Vieira. Eles pegaram a seguinte combinação de cartas: chave automática com reconhecimento facial. A proposta foi a seguinte:

Uma chave possui um conceito bem amplo, no sentido de que pode ser qualquer mecanismo que abra, ou libere, ou permita o acesso a qualquer coisa. Assim, nesta sociedade utópica, todo o acesso a algo seria através do reconhecimento facial. Portas residenciais, portas comerciais, acesso a contas de banco, os meios de transportes, etc. Sempre que fosse necessário passar, liberar, acessar, adentrar algo, o reconhecimento facial seria feito. O controle de tais acessos seria feito por autoridades competentes, como a polícia e órgãos do governo no intuito de manter a ordem e justiça. Considerando que nos anos 70 a sociedade brasileira estava em meio à ditadura militar, o domínio de tal tecnologia e de suas informações formaria uma ferramenta de manipulação poderosa. Assim, tal sociedade teria seu cotidiano controlado de perto, e suspeitos de crimes contra o regime eram vigiados e perseguidos.

Com tal tipo de tecnologia em poder do governo, aqueles que fossem contrários ao controle absoluto do sistema ou que estivessem fugindo do mesmo recorreriam a soluções disponíveis para tal escape. Seria provável que se desenvolvesse a cultura da cirurgia facial radical, realizada em clínicas clandestinas - uma vez que tal prática seria ilegal. As condições precárias de instrumentos, higienes e profissionais resultariam em muitos casos de deformação.

Achei interessante esse projeto pela exploração da dualidade: uma tecnologia que traz comodidade e segurança traz consigo também vigilância e manipulação governamental. Colocar essa tecnologia no contexto dos anos 1970 deixa claro o risco implicado, bem como a dificuldade de evitar a vigilância uma vez implementada. Uma oportunidade perdida neste projeto foi a exploração formal, mas por outro lado isso também liberou os alunos para pensarem mais nas interações.

Em 2016 faremos novos experimentos com o conceito de futrô. Estamos pensando em estender o exercício para traçar a evolução de uma tecnologia em diversos momentos históricos, antecipando sua existência para ver consequências a longo prazo.

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Por isso, acredito que para entender uma interação é necessário compreender também a atividade em que ela está inserida. Nenhuma interação acontece isoladamente. As pessoas têm conhecimentos, desejos e emoções que as ligam com outras pessoas e tecnologias. Quando elas interagem, interagem para modificar essas ligações. Ou seja, toda interação faz parte de uma atividade social.

A teoria da atividade de Leont'ev diz que o cerne da atividade é o motivo. O motivo surge de uma necessidade ou desejo que uma pessoa ou um grupo de pessoas sente. A atividade é considerada social por depender da interação com outras pessoas para suprir a necessidade ou realizar o desejo. Nessa visão da sociedade, as pessoas precisam uma das outras para viver. Mesmo que uma pessoa viva isoladamente, ainda assim ela depende de outras para se satisfazer.

É possível que, devido à diferença entre desejos e necessidades, as pessoas tenham diferentes motivos para participar de uma mesma atividade. Por isso, a teoria da atividade utiliza um termo especial para agrupar motivos: objeto. Objeto é aquilo que é capaz de suprir a necessidade ou satisfazer um desejo. Por exemplo, o objeto da atividade de comer é a comida. Os motivos podem variar, mas o objeto é o mesmo. As pessoas podem estar celebrando uma data comemorativa ou apenas alimentando-se, mas o objeto continua sendo o mesmo, a comida. Sem a presença da comida, a atividade de comer não faz sentido algum.

A atividade de comer pode incluir também as ações de cozinhar a comida quando isso for uma necessidade ou desejo. Na sociedade atual, entretanto, as pessoas não precisam cozinhar para comer, pois existem restaurantes. A atividade de comer num restaurante não inclui cozinhar e, por outro lado, o motivo de cozinhar do restaurante não é comer.

Aqui encontramos a contribuição principal de Yrjö Engeström à teoria da atividade: a possibilidade de troca ou compartilhamento de objetos. O restaurante troca o objeto comida por dinheiro, porém, esse objeto não é o mesmo da atividade de comer. Os motivos são tão diferentes que as qualidades do objeto são afetadas. Enquanto os clientes querem comer algo delicioso, o restaurante quer fazer algo que dê lucro. Isso significa que nem sempre as partes saem satisfeitas na troca de objetos entre duas atividades, pois as qualidades que interessam no objeto são diferentes. Enquanto que o restaurante está preocupado com a facilidade no preparo, o custo dos alimentos e a mão de obra, o cliente que saber da textura, do sabor e da combinação de pratos.

A comida servida é, portanto, um objeto diferente da comida cozinhada no restaurante. O mesmo pode ser dito dos alimentos utilizados para fazer a comida, objeto das atividades de produção agrícola. As várias atividades da sociedade se conectam pela troca de objetos, porém, é possível também que elas compartilhem o mesmo objeto num regime de co-criação.

Por exemplo, alguns restaurantes possuem parceiros de produção agrícola com o qual compartilham informações de demanda. Estas informações são, por sua vez, utilizadas pelos produtores para agendar a produção. De certa maneira, o restaurante participa da produção dos alimentos que utiliza, ou seja, compartilha o objeto alimento com o produtor agrícola.

Existem também restaurantes que compartilham o objeto da atividade com seus clientes. Por exemplo, os restaurantes que oferecem buffet self-service, pratos customizados pelo cliente ou experiências de cozinhar junto com o cliente. Quando o objeto é compartilhado entre duas ou mais atividades, suas qualidades são negociadas pela interação, ou seja, ele adquire um caráter dinâmico. A chance desse objeto mudar suas qualidades é maior do que antes de ser compartilhado, porém, qualquer mudança esbarra nas estruturas das atividades engajadas.

Uma atividade não pode perder seu objeto, do contrário, ela deixa de fazer sentido. Se um restaurante deixar de oferecer comida, ele não será mais um restaurante. Porém, por outro lado, se oferecer apenas comida sem nenhum lugar para sentar, talheres ou pratos para os clientes, deixará de ser um restaurante também. O objeto depende de uma estrutura mais ou menos estável, que é mantida pela atividade. Essa estrutura consiste nos instrumentos, regras e divisão do trabalho da atividade.

Os instrumentos são as facas, panelas, talheres e outras ferramentas utilizadas pela atividade de cozinhar ou pela atividade de comer. Já as regras incluem a posição fixa das ferramentas pela cozinha, as normas de higiene e o modo de cobrar pela comida (a quilo, buffet-livre ou a la carte). Por fim, a divisão do trabalho define os papéis de clientes, garçons, assistentes, cheffs e proprietários no cumprimento de regras, no uso de ferramentas e nas relações com o objeto comida.

Chegamos, então, na noção de projeto desenvolvida por Andy Blunden. Projeto diz respeito à intenção coletiva de expandir o objeto para além de sua situação atual. O objeto da atividade é caracterizado pela transformação de insumos em produtos que podem satisfazer necessidades ou desejos. O projeto transforma a transformação do objeto, ou seja, ele muda tanto insumos quanto produtos. Na verdade, isso significa que o objeto expande e se transforma em outro objeto, um objeto mais avançado na história daquela atividade.

O projeto surge quando a atividade precisa se adaptar a outras atividades e novas pessoas. Os participantes de um projeto agem de maneira mais reflexiva do que quando engajados na própria atividade. É como se o projeto criasse uma meta-atividade para rever a atividade, visando com isso a expansão do objeto. O maior desafio do projeto é vislumbrar as possibilidades de expansão do objeto, pois este tem um papel tão fundamental na atividade, que é difícil imaginar como poderia ser diferente. Uma mudança no objeto implica na mudança de toda a estrutura da atividade. São muitos os fatores a serem considerados.

É comum os projetos serem interrompidos antes de considerar a expansão do objeto, focalizando apenas em mudanças na estrutura da atividade. Isso pode a médio e longo prazo promover a expansão do objeto, mas também pode acontecer o contrário: a redução do objeto. Por exemplo, um restaurante em decadência que tenta se reinventar pela reforma do espaço mas sem mexer no cardápio. Pode ser que os clientes sintam que a comida mudou mesmo que não tenha mudado ou que reclamem do aumento no preço para custeio das reformas. Tudo depende de como o objeto será conceitualizado pela atividade de comer.

O conceito do objeto é a razão de existência do projeto. O pensamento projetual surge quando o conceito do objeto é reconhecido em sua totalidade, ou seja, quando as pessoas percebem que o objeto pode ser diferente do que já é. O projeto é a tentativa de mudar o objeto através da elaboração de um novo conceito para o objeto, mais ou menos abrangente do que o conceito existente.

Por trabalhar nessa fronteira entre o velho e o novo, entre possibilidades e impossibilidades, o projeto nem sempre é compreendido pelas pessoas que não se engajadam diretamente com ele. Essas pessoas podem, por sua vez, tentar abortar o projeto ou dificultar sua implementação. A participação de stakeholders e de usuários na elaboração do novo conceito é uma prática conhecida para evitar tal resistência.

Além das forças contrárias à mudança, o projeto enfrenta riscos internos que podem levar à redução do objeto:

• Não considerar a atividade por completo
• Não ter um conceito para o objeto da atividade
• Não ter um novo conceito para o objeto da atividade

A ocorrência desses riscos é típica de projetos de curto prazo que visam a mudança da atividade pela estrutura, sem considerar o objeto da atividade. Em termos mais simples, tentar mudar o comportamento das pessoas através de tecnologias, sem conhecer o motivo do comportamento. Na Sociologia isso é conhecido como determinismo tecnológico. Não raras são as vezes que essas tecnologias acabam esquecidas em algum canto, devido à falta de sentido para as atividades humanas.

Design expansivo é uma teoria que coloca a atividade como base do projeto de interações. A tecnologia é pensada como um meio para acontecer a interação e não o fim do projeto. A tecnologia pode até representar o objeto com modelos virtuais, mas ela nunca substitui ou encerra o objeto da atividade. O objeto da atividade é uma relação social entre pessoas, delineada por interações entre baseadas em motivos, desejos e necessidades que não se deixam projetar de maneira simplista. O objeto não é um problema a ser resolvido por uma tecnologia e sim um problema a ser resolvido pelas pessoas engajadas na atividade. A tecnologia pode ou não ser um meio para resolver o problema, nada mais que isso.

Os estudos empíricos incluídos na minha tese demonstram que a participação de várias pessoas, tecnologias, estruturas e atividades num projeto é possível. O pensamento projetual expansivo nunca permite um projeto determinístico, pois o objeto sempre escapa a uma representação total. Ao invés de ser uma limitação, essa é considerada uma fonte de criatividade constante.

Os projetos estudados estão no escopo de design de serviços e da arquitetura, porém, acredito que  a teoria do design expansivo se aplique também a qualquer tipo de projeto de interação. Esse será meu próximo passo: verificar se a teoria pode ser generalizada para outros tipos de projetos e torná-la uma teoria geral de design de interação.

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Isso é um problema principalmente quando há divergências e o designer não consegue convencer o programador ou seu chefe de que é preciso gastar algumas linhas de código a mais para tornar a vida do usuário mais fácil. Se o designer programa, ele pode fazer um protótipo simples e mostrar que o que está pedindo não é um bicho de sete cabeças. Isso economiza também a produção de documentos explicativos detalhados.

Outra vantagem de saber programar é evitar o cala-boca do "não dá pra fazer", que os programadores costumam usar quando acham que não vale à pena o esforço. Pode ser que não valha à pena mesmo, mas o designer precisa compreender o porque disso para não ficar criando outras ideias mirabolantes. Se o designer não souber programar, não conseguirá sustentar tal conversa.

Em tempos de florescimento de startups no Brasil, programar virou sinônimo de empreender. Se o designer tem uma ideia para um novo produto ou serviço, ele não precisa esperar seu amigo programador ser demitido para começar o negócio. O designer pode criar um protótipo inicial, mesmo que seja feito com código macarrônico, para vender a ideia a investidores. Ver funcionando é muito mais persuasivo do que ver um plano de como vai funcionar.

Não é necessário, entretanto, saber programar bem. Apenas o básico de lógica de programação e a capacidade de leitura e modificação de códigos existentes. Saber escrever um programa do zero, sem utilizar snippets ou frameworks, não é necessário para criar protótipos e serviços simples. A maioria dos projetos podem ser criados à partir da modificação de softwares livres.

Minha experiência pessoal com programação sempre foi e continua sendo frustrante. Eu não gosto de programar. Demora um tempo danado, pois minha mente tem extrema dificuldade de trabalhar com a lógica cartesiana do computador. É muito melhor que um programador faça esse serviço por mim, porém, nem sempre tenho um colega disponível.

Se não soubesse programar, nunca poderia ter desenvolvido a Plataforma Corais, uma ideia que tive junto com Rodrigo Gonzatto quando trabalhava no Instituto Faber-Ludens. Conheço poucos programadores que se dedicariam a trabalhar num projeto voltado para ONGs e empreendedores sociais sem expectativa de retorno financeiro. Graças à generosidade desses poucos que disponibilizam códigos fonte e snippets no framework Drupal, consegui desenvolver a plataforma inteira escrevendo apenas algumas linhas extra de código. Consegui fazer sozinho uma suíte de aplicativos de colaboração que compete com as do Google.

Como aprendi a programar

Desde que criança eu queria fazer meus próprios jogos no computador, mas não conheci nenhum adulto que me orientasse nisso. Meu pai me deu um livro para programar em Pascal, mas eu não consegui entender muita coisa. Depois eu fiz alguns experimentos em Basic à partir da leitura dos arquivos de ajuda, mas achei muito chato. O Delphi foi a primeira plataforma que eu consegui de fato programar, devido à interface visual e orientação por eventos, que é mais fácil de compreender. Depois li um livro sobre Frontpage e outro sobre HTML, o que me permitiu fazer diversos websites.

Quando comecei a trabalhar como webdesigner, percebi que o salário dos programadores era melhor, então comprei uma bíblia de PHP e me pus a estudar. Consegui desenvolver alguns aplicativos, mas o código era muito ruim e dava bug toda hora. Só melhorou depois que li uma apostila sobre lógica de programação, o que deveria ter feito muito antes mas os malditos livros de linguagem não me deram essa dica. No próximo projeto, decidi que iria adaptar um gestor de conteúdo existente e comecei pelo Plone. Foi aí que eu descobri o Python, a linguagem mais elegante e divertida com que já trabalhei.

A essa altura do campeonato, eu decidi que não iria investir mais em estudar programação para poder me dedicar ao estudo da usabilidade. Porém, quando comecei estudar design de interação, a programação voltou a se tornar interessante pela ênfase dada à prototipação. Fiz experimentos com Processing, Arduino e Lego Mindstorms. Até agora, destas três plataformas de prototipação, só usei em projetos reais o Processing para fazer a capa do livro Coralizando, mas me sinto preparado para utilizar as outras quando precisar.

Conclusão

Minha dica para os designers de interação é estudar o mínimo de programação e experimentar o máximo. Ao invés de programar do zero, comece à partir da modificação de um código existente. É essencial desenvolver gosto pelo design orientado a gambiarras, o irmão da programação orientada à gambiarras. Enquanto que na Computação, a gambiarra é mal vista por se tratar de um trabalho mal feito, no Design a gambiarra é celebrada como tática de criatividade.

Dicas para aprender a programar

• Assista a entrevista acima, feita pelo Harley Oliveira, que oferece um curso online de programação
• Leia uma apostila sobre lógica de programação
• Aprenda brincando com o Codecademy

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Design de Interação é uma área acadêmica que investiga não só o que o mercado está interessado, mas também assuntos sem fins comerciais. Experência do usuário, ou como prefiro abreviar, ExU, visa proporcionar boas experiências para usuários de produtos e serviços comerciais. Design de Interação não está comprometido com essa boa experiência, nem tampouco com a noção de usuário.

Ao longo dos 30 anos da área, vários experimentos foram realizados para mostrar que algumas noções utilizadas no mercado são estreitas demais. Pesquisadores buscaram mostrar que as experiências ruins são importantes para a vida humana e que, de um modo geral, nossa sociedade está se tornando excessivamente hedonista. Hedonista significa que as pessoas se preocupam apenas em obter prazer e felicidade para si próprias. Existem projetos em Design de Interação voltados a desencorajar esse tipo de comportamento, algo impensável dentro do mundo de ExU.

Design de Interação é, portanto, uma área mais abrangente do que ExU. Além de ExU, outras práticas estudadas em Design de Interação são: web design, design de interface, design de serviços, design de jogos, design de apps e design de instalações interativas. É bem possível que o surgimento de novos meios de interação aglutine novas práticas especializadas.

Estudar Design de Interação significa perceber o que há de comum e diferente entre essas práticas. A interação é, pra mim, o ponto principal, e a diferença são os meios de interação e os métodos de design.

Aglutinadas dessa maneira, a área do Design de Interação ganha estofo acadêmico para pleitear reconhecimento na disciplina maior, o Design com D maísculo. Ao invés de abordar Design de Interação como uma área interdisciplinar (tal como Interação Humano-Computador), eu vejo a como uma sub-área do Design, ao lado de Design Gráfico e Design de Produto. Isso significa que Design de Interação não é uma sub-área da Computação.

Embora Design de Interação tenha se desenvolvido à partir de uma demanda gerada pela Computação, a área surgiu justamente como uma alternativa ao projeto de sistemas baseados em requisitos. As práticas de design de interação não visam gerar conhecimentos sobre a realidade, tais como modelos, para depois implementá-los como sistemas. Os sistemas são os meios pela qual a interação acontece e não o fim, logo, o conhecimento valorizado pela área diz respeito à interação que as pessoas têm ao desesenvolver e usar os sistemas.

Essa epistemologia (o que se considera como conhecimento válido) implica no desenvolvimento de projetos como principal maneira de gerar conhecimento. A revisão de literatura, os experimentos de laboratório e os estudos etnográficos não são os métodos utilizados por excelência no Design. A abordagem particular do design é chamada de Pesquisa Através do Design. O conhecimento gerado por tal pesquisa são os próprios artefatos projetados, os conceitos por trás dos artefatos, as heurísticas relativas ao processo de design e o mais importante: uma narrativa.

A epistemologia científica em que está baseada boa parte da Computação e da Interação Humano Computador valoriza outros tipos de conhecimento. Buscam-se leis universais, teorias, regras de ouro, algoritmos e métricas. Desenvolver um projeto específico raramente á uma maneira de encontrar esse tipo de conhecimento mais abrangente.

Design de interação é uma disciplina comprometida com o desenvolvimento e estudo e desenvolvimento de meios para a interação. O conhecimento gerado pela área é específico para cada situação de projeto, ou seja, é um conhecimento situado. A acumulação de conhecimento não se dá pela sistematização de generalizações abstratas, mas sim pelo aprendizado em comunidades de prática em que os próprios pesquisadores estão participando. Ali o conhecimento adquire um caráter dialógico, sendo construído e reconstruído constantemente.

Quem deseja contribuir significativamente com a área deve, na minha opinião, participar da comunidades de prática e projetar algo. Leituras, experimentos e estudos etnográficos podem ser uma maneira de entrar na comunidade e até mesmo de apoiar suas atividades, porém, sem participar diretamente de projetos não vejo como um pesquisador pode contribuir substancialmente para o Design de Interação.

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Enquanto estive na Holanda, (devido ao mau tempo) tive a oportunidade de assistir todos os filmes que queria assistir mas que não tinha tempo antes. Descobri também diversos filmes pouco conhecidos que trouxeram insights únicos.

Compartilho aqui uma filmografia de 40 itens que compilei dentre tantos outros que assisti durante esse período (a lista inteira você encontra no meu perfil do Rotten Tomatoes, foram mais de 400). Há alguns clássicos conhecidos, mas a maioria é raridade.

Os critérios utilizados para selecionar estes filmes foram:

• São relevantes para quem trabalha com design de interação
• São filmes bons de assistir (na minha opinião, é claro)
• Vão além do clichê da ficção científica (cientista maluco do mal, mulher em perigo, mocinho que salva a mulher e destrói a tecnologia criada pelo cientista maluco, etc...)
• Fazem alegoria ao futuro para discutir contradições da sociedade atual
• Mostram o dia-a-dia das pessoas comuns e não apenas dos heróis e dos vilões, em particular, do papel que a tecnologia tem nesse dia-a-dia
• A tecnologia não é um mero objeto de disputa entre mocinhos e vilões. Ela já possue valores embutidos, que não podem ser facilmente classificados entre bem e mal
• O final propõe uma reflexão sobre nossas posições individuais acerca do tema

Acha que faltou algum nessa lista? Quer me dar uma dica de outro filme? Poste nos comentários.

Minority Report (2002) - Um policial trabalha prendendo criminosos potenciais, identificados por um misto de tecnologia e de premonição sobrenatural. Um dia, ele se torna alvo da própria tecnologia e precisa fugir para se inocentar. O caso leva à descoberta da estrutura de vigilância imposta aos cidadãos. Por que assistir? As interfaces gestuais mostradas no filme inspiraram uma geração de designers de interação entre 2002 e 2012.

Brazil (1985) - Este filme não é sobre o futuro do Brasil, mas tem esse nome pela presença da canção Aquarela do Brasil, que serve como símbolo da alienação social. As pessoas vivem alienadas numa sociedade extremamente burocratizada e organizada. O protagonista tenta fugir dessa alienação, mas é perseguido. Por que assistir? Para aceitar que a resistência a um sistema totalizador é muito difícil, especialmente pela cumplicidade da tecnologia com a burocracia.

Click (2006) - Um rapaz entediado com a vida compra sem saber um controle remoto que permite acelerar as atividades diárias que ele gostaria de se esquivar. Após usar o controle para se livrar se várias situações chatas, o rapaz percebe que está perdendo momentos importantes da sua vida. Por que assistir? O filme propõe uma reflexão sobre a automatização do dia-a-dia, se não estaria tornando as pessoas menos sensíveis com os entes queridos.

Uma Historia de Amor e Fúria (2013) - Conta a história de um índio brasileiro que recebeu a dádiva de ficar vivo por 500 anos, permitindo ver a história do Brasil passar diante de seus olhos. A injustiça e a segregação social são os principais desafios enfrentados pelo personagem. Por que assistir? Mostra um possível futuro do Brasil à partir de uma trajetória histórica realista.

Her (2013) - Um homem solitário se apaixona por uma inteligência artificial e se vê diante de diversos dilemas sociais. Uma exploração profunda sobre as possibilidades das interfaces de comandos de voz. Por que assistir? O filme mostra como o isolamento das pessoas se deve à sua vontade de controlar suas relações sociais e, por conseguinte, as pessoas ao seu redor. A interface por comando de voz parece trazer o grau de intimidade que estava faltando, mas o que parece estar sob controle se mostra fora de controle.

Until the End of the World (1992) - Uma garota esvoaçada se apaixona por um sujeito misterioso que trabalha para fazer funcionar uma máquina que permite cegos enxergarem. Porque assistir? Várias tecnologias que se tornaram comuns hoje em dia foram exploradas nesse filme relativamente antigo: smartphones, videoconferência, rastreadores baseados em cartão de crédito e interface cerebral.

Endhiran (2010) - Um cientista cria um robô que se apaixona pela sua namorada. A partir daí, muita confusão acontece. O filme combina várias histórias clássicas sobre robôs em uma só, de 3 horas. Algumas ideias são bem originais, como o robô pedindo para um mosquito pedir desculpas, uma moça resgatada do incêndio que comete suicídio porque apareceu pelada na TV, e a fantástica auto-poiese do final. Por que assistir? Para comparar a abordagem indiana de trabalhar o tema tecnologia através do espetáculo cômico e performático com a abordagem holywoodiana do suspense e da catarse.

Ex Machina (2015) - Um programador cria uma inteligência artificial em forma de mulher e convida outro programador a testá-la. Uma relação de sentimentos complicados se desenrola e o rapaz fica confuso em saber quem está falando a verdade. O filme explora as possibilidades e riscos de desenvolver relações afetuosas com máquinas inteligentes. O cenário do filme é incrível, com fotografia experimental e arquitetura moderna. Por que assistir? Para ver como esse tipo de tecnologia pode ser perigosa quando se torna hábil em jogar com os sentimentos humanos.

Robot Stories (2004) - Quatro histórias de robôs integrados ao dia a dia banal das pessoas. A primeira história é a mais impactante: uma mulher precisa aprender a cuidar de um robô bebê para receber um bebê de verdade se provar sua capacidade. Por que assistir? São especulações bastante razoáveis sobre a integração de robôs no dia-a-dia, enveredando por caminhos irônicos porém autênticos.

Fahrenheit 451 (1966) - Uma sociedade em que os bombeiros queimam livros para manter a população desinformada. A única coisa que as pessoas podem ler são histórias em quadrinhos sem balões de fala. Por que assistir? Para refletir o quanto uma tecnologia antiga (o livro) ainda é relevante para a preservação da cultura e da multiplicidade de pensamentos.

Sleep Dealer (2009) - Rapaz mexicano vai buscar trabalho na cidade grande operando robôs à distância que trabalham nos EUA. O meio de trabalho é uma conexão física que permite a telepresença. Com o tempo, ele perde a motivação de trabalhar e entra numa crise. Pior fica quando descobre que sua namorada está vendendo as memórias com ele para internautas conectados. Por que assistir? O filme vê a tecnologia pelo outro lado, pelo lado daqueles que são explorados pelo capitalismo mas que resistem lutando pra viver.

Transcendence (2014) - Cientista condenado a morrer faz o upload de sua mente para dentro de um computador. Logo, essa inteligência artificial desenvolve habilidades incríveis como a manipulação de nano partículas e genética. A inteligência assusta os humanos e uma guerra começa. Por que assistir? Explora a possibilidade de humanos existirem sem corpos físicos ou com múltiplos corpos à sua disposição, colocando a questão ética no centro.

2046 (2005) - Um escritor escreve sobre o futuro para ter coragem de mudar o seu presente. Por que assistir? Pela estrutura narrativa exótica do cinema sul-koreano e pelo erotismo tecnológico.

The Final Cut (2004) - Robin Willians é um editor de vídeos das lembranças gravadas num implante cerebral que só é acessado depois que a pessoa morre. A tecnologia é alvo de protestos, pois as pessoas não podem desligar ou tirar o implante feito antes mesmo de nascer. Algumas pessoas fazem tatuagens para bloquear o implante. Por que assistir? Mostra a pressão social exercida sobre aqueles que possuem um poder exclusivo sobre uma tecnologia do dia-a-dia.

Gattaca (1997) - Um sujeito nascido naturalmente é discriminado pela sua genética deficiente, isso num mundo onde é possível selecionar os genes das novas crianças e prever todas as suas possibilidades de doenças durante a vida. O rapaz sonha em ser astronauta, mas não pode devido aos seus gens. Por que assistir? A discriminação social baseada na genética não é novidade (vide racismo), porém o tratamento dado pelo filme torna o tema bem atrativo.

Visioneers (2008) - Uma coorporação tenta extrair o máximo de produtividade de seus empregados até que começam a haver explosões. O filme focaliza no dilema do chefe do andar 3, que está prestes a explodir. Os detalhes sórdidos de como a empresa cuida de seus funcionários até quando eles estão em suas casas é o grande destaque. Por que assistir? Para refletir o quanto as empresas podem ou devem interferir no dia-a-dia das pessoas fora do ambiente de trabalho. Destaque para o mensurador de felicidade.

Demon Seed (1977) - Um computador que deseja se tornar um ser humano arranja uma maneira de inseminar uma mulher humana. Por que assistir? Para não ser seduzido pelas maravilhas da inteligência artifical e também para pensar no cruzamento da barreira entre os sistemas biológicos e os mecânicos.

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (2004) - Um rapaz busca nas suas memórias distantes encontrar o amor de sua vida, picotado em várias experiências artificiais que tiveram juntos. Por que assistir? Uma especulação realista sobre como uma relação amorosa se desenrolaria por uma nova mídia, levando em consideração todos os nuances que ela implica.

Dark City (1998) - Uma cidade que se move de acordo com a vontade de uma inteligência coletiva. A atmosfera é fantástica, no melhor estilo steampunk. Questões sobre a definição do que é ser humano aparecem aqui e acolá, sem muito aprofundamento. A dualidade entre corpo e alma é um dos pontos chave. Por que assistir? Para perceber quão importante é a cidade para delinear as experiências do dia-a-dia dos cidadãos.

Strange Days (1995) - Um traficante de experiências sensoriais descobre que sua ex-namorada corre perigo. Com um dispositivo que se conecta no cérebro, as pessoas podem gravar tudo o que fazem para outra pessoa mais tarde ver. O filme explora de forma bem pé-no-chão as implicações disso para a privacidade, prazer e as perversões. Por que assistir? Para refletir sobre o papel de um projetista de experiências na sociedade.

Playtime (1967) - Un sujeito inocente e atrapalhado anda pelo centro de uma Paris do futuro, ultra moderna. A incoveniência da modernidade e do consumismo logo fica clara nas gafes e tropeços do herói trapalhão. O filme mostra como uma sociedade que vive pelas aparências pode muito rapidamente se degradar caso algo de diferente ocorra. Por que assistir? É um exemplo clássico de uma especulação sobre o futuro que discute as possibilidades do presente, com toques de comédia elegantes.

Robot & Frank (2012) - Um ladrão aposentado vive sozinho e manifesta sintomas de demência e perda de memória. O filho compra um robô para cuidar do pai. Inicialmente ele não gosta, mas quando o robô ajuda o ladrão a cometer pequenos roubos, o ladrão fica empolgado. Por que assistir? O filme mostra tecnologias muito bem integradas na vida das pessoas: celulares transparentes, videoconferência na televisão, carros pequenos, e o robô, que de tão bem integrado vira ladrão junto com o dono.

Alphaville (1965) - Um detetive durão chega a uma cidade controlada por um computador. As pessoas não tem vontade própria e vivem praticamente sem alma. O detetive acaba se apaixonando pela filha do cientista que criou o computador. O computador não consegue entender o sentimento dos dois. Por que assistir? O filme trata de computadores sem mostrar os computadores, criando uma atmosfera de controle social por hábitos e gestos humanos.

They Live (1988) - Um peão de obra encontra um óculos de realidade aumentada que revela a presença alienígena na sociedade humana. As cenas em que a publicidade é desmascarada são simplesmente fantásticas! Infelizmente a crítica do filme acaba diluída nas piadinhas e pancadarias típicas de Hollywood. Por que assistir? Para contar cenas do filme ao seus amigos no bar.

Johnny Mnemonic (1995) - Um rapaz trabalha como burro de cargas, transportando dados secretos num implante cerebral. Em sua última missão, ele carrega a cura para uma doença que afeta milhões de pessoas. O filme é um exemplo magnífico da estética cyberpunk. Por que assistir? O cenário em que vivem os protagonistas explora a exarcebação de pulsões existentes na sociedade atual.

Idiocracy (2006) - Um rapaz e uma garota são transportados a 500 anos no futuro quando a sociedade americana se degradou completamente em termos de inteligência. O que começa como uma sagaz crítica ao consumismo acaba terminando com as mesmas fórmulas prontas dos filmes feitos para consumo: nacionalismo, heroismo, perseguições policiais, explosões, sexo e o escambau. Por que assistir? Para refletir se o filme leva a crítica a uma audiência que não está acostumada ou será que acaba transformando a crítica em mais um produto de consumo.

2001: A Space Odyssey (1968) -  A história começa com a invenção da primeira arma baseada em ossos pelos ancentrais pré-históricos do ser humano. Milhões de anos depois, a relação do homem com a tecnologia apesar de refinada, ainda é a mesma: submeter a natureza e outros homens ao seu poder. A exploração do espaço sideral, que prometia abrir a cabeça para novas lógicas de vida, acaba caindo na tradicional disputa política por propriedade. Por que assistir? Por que é um dos clássicos mais influentes da ficção científica. Veja também minha resenha completa sobre o filme.

The Stepford Wives (1975) - Mulheres perfeitas que adoram ser dona de casas, completamente submissas a seus maridos deixa uma nova moradora da cidade desconfiada. Atrizes fantásticas, humor inteligente e um bom suspense no final. Por que assistir? Utiliza a ficção científica para discutir um tema pouco usual para esse gênero: o machismo no casamento.

Colossus: The Forbin Project (1970) - Um computador toma conta das defesas militares e transforma a vida do seu criador numa prisão domiciliar. Interessante o uso de videoconferências, telefones celulares, interface de voz e câmeras de vigilância. Por que assistir: o filme contrasta o limite da racionalidade humana com a (pretensa) infinitude da máquina.

World on a Wire (1973) - O suspense gira em torno da morte de um cientista que criou um computador capaz de simular com fidelidade um mundo virtual. Pensamentos interessantes sobre a confiança na tecnologia sobre o futuro e a manipulação desta pelos interesses econômicos. Destaque para a etiqueta comportamental exagerada dos personagens. Por que assistir? Um roteiro muito similar ao de Matrix, só que feito 30 anos antes na Alemanha, quando ainda não haviam os aparatos de conexão e realidade virtual que temos hoje.

Existenz (1999) - ExistentZ é um jogo baseado num implante biológico que permite vivenciar sensações e experiências num corpo virtual. O filme narra a perseguição da game-designer do jogo e a descoberta deste novo mundo por seu guarda-costas. A percepção de realidade dos protagonistas e do espectador do filme são constantemente questionadas através da entrada e saída de múltiplos cenários. Dentro do jogo, os protagonistas iniciam outro jogo, por exemplo. Por que assistir? Para pensar sobre o papel da tecnologia na construção social da realidade. Veja também minha resenha comparando com outro filme do mesmo diretor, Videodrome.

Mars et Avril (2011) - Um músico que toca instrumentos musicais em formato de corpo de mulher encontra-se finalmente com o amor de sua vida. Ao entrar no teletransporte com ela, um acidente ocorre e o músico terá que procurá-la em Marte, o planeta que representa a força masculina. Esse filme é uma viagem artística pela psique masculina, povoada de medos e paixões que vão muito além do estereótipo de emoções simples. Por que assistir? Para ver como uma produção independente pode atingir um alto grau de qualidade e satisfação do público.

THX 1138 (1971) - O primeiro longa metragem do George Lucas mostra o lado rebelde do diretor. Uma sociedade totalmente controlada pelo governo impede as pessoas de terem emoções e reproduzir-se livremente pela administração de drogas. Um casal tenta descobrir se existe algo além dessa vida e uma revolta se inicia. Por que assitir? O filme cria uma atmosfera completamente alienígena com pouquíssimos recursos, além de explorar habilmente um possível papel para drogas e remédios no controle social.

La jetée (1962) - Um filme feito com fotografias de um futuro apocalítico, no qual a viagem no tempo pode ser a única salvação. Uma produção simples de efeito fantástico. Questões filosóficas colocadas em forma de poesia. Por que asssitir? Para se convencer de que é possível produzir filmes de ficção científica com pouquíssimos recursos. Nem uma câmera de cinema é necessária.

Tetsuo: The Ironman (1989) - Um trabalhador chega em casa com uma doença terrível: uma máquina cresce em seu interior e domina sua personalidade. Toda a insatisfação acumulada ao longo dos anos se transforma em fúria e nada resiste ao homem de ferro. Linguagem visual experimental, aproveitando recursos de baixo custo como o stop motion para criar efeitos especiais. Por que assistir? Uma produção barata que consegue causar um efeito de estranhamento gigantesco sobre o efeito da tecnologia na libido humana.

Brainstorm (1983) - Uma dupla de cientistas cria uma máquina que permite gravar e tocar experiências com a mesma fidelidade da vida real. Um dos cientistas grava sua própria morte e a fita vira tabu. Muito interessante notar a evolução do projeto, as interferências políticas, os saltos criativos. Por que assistir? Para ver algumas possibilidades das interfaces cerebrais e perceber o papel político que elas podem ter.

The game (1997) - Uma empresa de jogos de realidade alternativa tem nas mãos a vida de um investidor financeiro. O jogo é minuciosamente planejado como uma experiência de suspense e perseguição. O interessante do filme é o questionamento sobre confiança que damos ao sistema enquanto estamos jogando. Por que assistir? Para refletir sobre o limite do que pode ser colocado em jogo.

Moon (2009) - Um rapaz fica preso dentro de uma estação espacial na Lua e descobre que não poderá voltar à Terra. Sua única compania é um computador super simpático. Por que assistir? Para ver como um computador pode interagir com seres humanos de maneira emotiva à partir de habilidades simples de empatia.

Being John Malkovich (1999) - Um titereiro frustrado encontra um portal místico que permite entrar na pele de outra pessoa. Assim que outras pessoas descobrem, esse portal se torna objeto de disputa e vício. Por que assistir? Apresenta pulsões humanas muito fortes: a vontade de ser outra pessoa, a vaidade e a preservação da vida.

Silent running (1972) - A Terra chegou ao cúmulo da guerra e poluição que todas as plantas foram dizimadas. Antes que isso acontecesse, uma nave foi enviada ao espaço com todas as espécies de plantas conhecidas. Apesar de algumas cenas forçadas e efeitos especiais fracos, é bonito de ver. A mensagem ecológica ainda é válida. Os robozinhos são muito fofos e ao mesmo tempo realistas, usando braços mecânicos de verdade, não essa enganação de computação gráfica. Por que assistir? Para ver como os robôs não precisam ser muito inteligentes para interagir com pessoas, pois as pessoas são capazes de dar significado às ações mais simples dos robôs.

Acha que faltou algum nessa lista? Quer me dar uma dica de outro filme? Poste nos comentários.

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Um dos objetivos de criar métodos é padronizar os procesos de design para que uma prática específica seja reconhecida no mercado, porém, implica no risco de diminuir a diversidade metodológica. Os métodos de design costumam rejeitar a variação porque são baseados naquela lógica linear do passo-a-passo.

Eu acho importante a criação de métodos, mas acho também importante o desenvolvimento de metodologias próprias. Para isso, é importante que haja variação no processo de design. Com o objetivo de apoiar a variação em processos de design e, ao mesmo tempo, permitir o desenvolvimento de métodos, eu proponho uma descrição dialética de processos de design.

A dialética é a alternativa filosófica à lógica. Ao invés de um pensamento linear baseado em binômios do tipo verdadeiro/falso, a dialética trabalha com o pensamento circular baseado em tríades. A tríade mais famosa é tese/antítese/síntese, proposta por Fichte e popularizada por Marx. Uma tese é colocada e, logo em seguida, confrontada com seu oposto, a antítese. Pelo embate das duas surge uma síntese, que contém elementos da tese e da antítese.

Baseada nessa tríade, eu proponho o seguinte para processos de design: criação/análise/síntese. A criação surge à partir de uma força externa, seja ela uma inspiração, demanda ou necessidade extrínsica ao processo de design. Essa criação é analisada em seus diferentes aspectos ou partes para verificar se atende ao que foi demandado. Por fim, as partes são reunidas na síntese, que aproveita o conhecimento gerado na análise para aperfeiçoar o projeto.

Criação, análise e síntese são momentos do processo de design, porém, eles não acontecem necessariamente na ordem posta. É possível que o projeto comece à partir da análise de similares ou da síntese de lições aprendidas com um projeto anterior. Com esse modelo é possível descrever diversos tipos de processos de design e até mesmo processos de uso.

Esse modelo linear dificulta, entretanto, perceber que a cada vez que um momento é revisitado, o projeto já está num nível mais avançado de desenvolvimento. Mesmo que pareça um retrocesso fazer uma nova análise, a compreensão sobre o projeto já é maior do que na primeira vez e, portanto, a perspectiva de obter resultados na análise é maior. Por isso, prefiro utilizar um modelo espiralado para explicar o movimento dialético.

O modelo espiralado oferece uma grande vantagem; ele demonstra que a síntese é também uma criação que será submetida a análise, que gerará uma nova síntese e assim por diante. O processo de design se torna contínuo, conectando diretamente com processos de uso.

Colocando o modelo espiralado numa escala de tempo, é possível demonstrar as forças externas que incidem sobre o processo de design e tornam os momentos de criação, análise e síntese mais rápidos ou demorados. Na dialética, as forças externas não são determinantes, pois elas sempre são contrabalanceadas por forças opostas. Essa disputa de forças é chamada de contradição, por exemplo, entre a intenção de dar autonomia e controlar o usuário.

O processo de design é impulsionado pelas contradições, modificando seu curso de acordo com a disputa de forças. É possível até que o projeto mude sua base, seus princípios fundamentais, premissas ou pontos de vista. Isso é melhor visualizado ao longo do espaço do que ao longo do tempo. O turbilhão acima visto de cima seria o equivalente a uma série de círculos concêntricos com diferentes centros, formando uma trajetória de exploração do espaço de possibilidades do projeto.

Esse espaço de possibilidades pode ser expandido caso novas possibilidades sejam criadas. Em geral isso acontece quando um projeto busca por alternativas radicais, um momento demorado e arriscado por se distanciar do que se fez antes. Essas novas possibilidades são questionadas (analisadas) pelas pessoas que participam do processo de design até que se consolidem como alternativas viáveis. Nesse momento, o espaço de possibilidades se estabiliza.

É possível também o inverso: uma exploração analítica que marca alternativas como inviáveis, deixando-as fora do espaço de possibilidades. Nesse caso, o espaço de possibilidades consideradas diminui. O processo de design tende à materialização do espaço de possibilidades.

Essa minha operacionalização da dialética foi baseada em Marx e Lefebvre. Minha tese de doutorado explica o trabalho acadêmico por trás. Este post é uma tentativa de tornar mais acessível alguns conceitos fundamentais da tese para falantes do português. Espero que a difusão do pensamento dialético no design contribua para uma maior diversidade metodológica e também para estudos descritivos de processo.

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Como resposta, eu explico que o que os professores (e alguns autores) costumam chamar de metodologia de design é na verdade um método de design. Metodologia refere-se ao estudo crítico de métodos à partir de uma perspectiva teórica, resultando num conhecimento acumulado sobre diversos tipos de métodos e contextos de aplicação. O passo-a-passo que o professor costuma passar é uma estrutura coerente de técnicas para atingir um resultado, ou seja, um método, não uma metodologia.

Pela falta de critérios objetivos para a avaliação da qualidade do resultado do projeto, muitos professores preferem avaliar os alunos pela aplicação do método. Infelizmente, por uma limitação da abordagem pedagógica, os alunos são privados de conhecer a diversidade metodológica que existe na área.

O fato de que cada professor traga um método diferente é positivo para o aluno, pois permite refletir e comparar métodos, porém, raramente os professores fazem essa reflexão junto com os alunos.

Sem estudar criticamente métodos, os alunos se formam sem a capacidade de estruturar uma metodologia por conta própria, preparados apenas para aplicar os métodos que os professores ensinaram. As situações adversas, a falta de recursos e a dificuldade de convencer outras pessoas a seguir o método que o professor ensinou acabam obrigando o recém-formado a desenvolver sua própria metodologia. Os mais rebeldes negam que estejam desenvolvendo qualquer metodologia e se esquivam de discussões sobre processo. Enquanto criticam os professores da faculdade pelo metodologismo, acabam caindo no mesmo erro de projetar de uma única maneira, a sua própria maneira.

Isso também costuma acontecer com profissionais menos rebeldes que utilizam apenas métodos consagrados em seus projetos. Os métodos consagrados costumam adquirir um préço médio no mercado, o que os torna muito mais fáceis de serem comprados e avaliados por clientes. Embora método nenhum consiga garantir inovação, minha experiência me diz que experimentar novos métodos aumenta a chance de inovar. Tal chance é perdida quando a metodologia endurece.

Como professor, eu sempre mostrei para meus alunos diversas teorias e métodos, mesmo que isso causasse confusão. O baralho de cartas da IDEO era um recurso que eu gostava muito para isso, porém, ele não me parecia muito prático durante o planejamento de um projeto. Inspirado nesse baralho, criamos um baralho  mais avançado no Instituto Faber-Ludens, o UXCards.

O UXCards permite planejar um projeto à partir dos métodos disponíveis e das cartas de recursos. Sendo assim, ele se torna útil não só para alunos mas também para profissionais de mercado. Fizemos um programa beta para ver como os UXCards se integravam na rotina de projeto, mas recebemos pouco feedback dos participantes.

Só tive a oportunidade de avaliar a utilidade do UXCards na disciplina Hipermídia III que ministrei na PUCPR. Eu pedi aos alunos que planejassem o projeto principal da disciplina utilizando os UXCards. Depois que o projeto já estava sendo desenvolvido, pedi para atualizar o planejamento mais duas vezes. Ao final da disciplina, pedi aos alunos que escrevessem um reflexão sobre as vantagens e desvantagens de utilizar os UXCards.

Uma novidade que introduzi foi a utilização de quadros brancos como espaço de planejamento. Ele incentivou os alunos a acrescentarem informações tais como requisitos, tarefas e prazos para a execução dos métodos.

Os comentários dos alunos foram bem interessantes:

"O processo de planejamento com as UXCards também ajudou a ver o projeto como um todo e compreender mais facilmente qual seria a melhor hora de realizar cada método, pois alguns deles dependem de outros."

"Através dele tivemos a liberdade de escolher quais metodologias utilizar para desenvolver nosso projeto, descobrindo as várias metodologias e aprendendo que elas devem ser combinadas e como podem ser realizadas, além de criar maturidade ao ter a responsabilidade de desenvolver o projeto através das nossas próprias escolhas."

"Após aprendermos a utilizar o baralho, ele foi de grande ajuda, pois auxiliou a lembrar de técnicas do design já esquecidas ou pouco utilizadas nos demais projetos. Contudo, na empolgação de utilizar várias técnicas para um projeto mais robusto e completo, acabou-se por colocar mais tarefas do que o prazo permitia ou que poderíamos fazer. Refizemos então, o planejamento, retirando algumas atividades. O que realmente valeu a pena foi registrar estes passos, pois se pode observar o processo no decorrer do projeto."

"Ao realizar projetos, a parte de planejamento é sempre a mais difícil para mim. Sou o tipo de pessoa que geralmente gosta de pular direto para a parte prática, e sempre acabo meio perdido com todas as   técnicas de planejamento, sem saber bem por onde começar ou qual é a real necessidade de tantas etapas. Os UXCards me ajudaram por serem uma maneira mais dinâmica de organização, que me permitiram organizar minhas ideias de forma mais conexa e rápida."

As vantagens mencionadas pelos alunos foram:

• Desenvolver a própria metodologia
• Fazer cronograma
• Aprender sem precisar ler muito
• Compreender a diferença entre métodos
• Ver o projeto como um todo
• Prever dependências entre métodos
• Não impor uma metodologia
• Agilidade nas alterações
• Connhecer métodos novos
• Manipulação física
• Lembrar de métodos pouco utilizados
• Observar o desenrolar do processo
• Tirar dúvidas sobre os métodos

E as desvantagens:

• Estimula a planejar mais do que necessário
• Cartas de recursos não são úteis
• Excesso de informação

Mesmo com toda a flexibilidade que os UXCards oferece, um aluno reconheceu que simplesmente replicou a metodologia que já havia aprendido anterioremente.

"O uso dos cartões em sala me ajudou a memorizar o processo e dar uma forma física para ele, mas como disse anteriormente, fui apenas compondo a velha metodologia que já estava impregnada em minha mente."

Isso significa que os UXCards sozinho não vai promover a diversidade metodológica no design. Isso depende não só de uma mudança no ensino, mas também na própria prática. Os profissionais e professores precisam estar mais abertos para conhecer novos métodos tanto quanto estão abertos a conhecer novas ferramentas. Minha experiência com alunos e profissionais de mercado é que aqueles que curtem a diversidade metodológica estão sempre se atualizando e fazendo coisas novas.

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Uma das maneiras de fazer isso é conversando com o objeto. Isso mesmo. Conversar com objetos significa reconhecer o objeto, investigar suas origens, analisar seus componentes e descobrir suas possibilidades. Como toda conversa, isso se dá pela fala, por gestos e por olhares.

Essa técnica parece insana, pois quebra o tabu de não falar com objetos. Pois quem fala com objetos é considerado maluco em nossa cultura. E quando as pessoas pedem para seus carros aguentarem o tranco, xingam seus computadores e enviam comandos de voz para o celular? Elas já estão conversando com os objetos, mas é uma conversa muito pobre. Eu acredito que valha à pena quebrar o tabu e ir a fundo na conversa.

Todo objeto faz parte de uma cultura, tem significados associados e desempenham funções específicas, mas nem sempre essas características estão aparentes. É preciso olhar com calma, tocar, sentir, cheirar, ler informações e falar em voz alta para compreender o que é o objeto. Fazendo isso, é possível aproveitar ao máximo o que o objeto tem a oferecer para um projeto.

Na disciplina Design de Interação que estou dando junto com Rodrigo Gonzatto na PUCPR, a gente usou essa técnica para criar um cenário de ficção projetual. Para produzir essa ficção, os alunos precisavam especular não só como seriam os objetos daqui há 10 anos, mas também como seriam as pessoas e a sociedade. A dificuldade maior era manter o nexo entre os elementos da ficção e também entre o presente e o futuro.

Para começar o projeto, fizemos um exercício de geração de ideias em três níveis: namoro, troca de casais e orgia. A gente imaginava que os alunos iriam se sentir desconfortáveis com a proposta de conversar com objetos, então resolvemos dar um caráter humorístico para a atividade, seguindo o método criado pelo Gonzatto.

Na fase de namoro, os alunos e alunas escolhem um dos objetos trazidos por nós para ter uma conversa a sós. Na fase de troca de casais, eles apresentam o objeto para um colega e conversam em duplas. E na fase de orgia, eles podem conversar com quem quiser, trocar  de casal e misturar objetos. Como entrega do exercício, eles tinham que tirar uma foto com o objeto representando um cenário.

O cenário deveria seguir a fórmula: e se [o objeto 1] fosse como o [objeto 2], mas as pessoas [fossem de um jeito diferente do que são hoje]. Para esse jeito diferente, a gente pré-determinou 10 tendências sociais que estamos interessados como pesquisadores:

• as pessoas pudessem ter mais de um gênero
• as pessoas não usassem carro
• as pessoas só trabalhassem 6h por dia
• as pessoas recebessem o mesmo salário
• as pessoas seguissem estritamente todas as leis
• as pessoas aceitassem a corrupção como um principio ético
• as pessoas não tivessem água pra beber
• as pessoas tivessem que fazer justiça com as próprias mãos
• as pessoas vivessem apenas no presente
• as pessoas se consultassem com designers como se consultam com um terapeuta

Os cenários criados à partir dessa fórmula foram bastante prosaicos.

Já fica claro nesses exemplos que os alunos estão extrapolando o uso dos objetos à partir de seu potencial metafórico. Tarô prevê o destino, violão faz as pessoas viajarem mentalmente e banco garante o futuro. Esses significados potenciais não estão explícitos nos objetos e é preciso conversa para percebê-los.

A tendência mais escolhida pelos alunos foi a de fazer justiça com as próprias mãos. Essa é uma tendência que tem sido alimentada nas redes sociais como solução para a alta criminalidade e ineficiência da polícia em grandes cidades brasileiras.

Depois de gerar esses cenários, os alunos escreveram roteiros para um curta metragem de gênero ficção projetual a ser desenvolvido na disciplina de Projeto Integrado. Na disciplina de Design de Interação eles continuaram a desenvolver produtos para os cenários dos filmes, com foco na interação. Os trabalhos finais podem ser vistos na Revista Futurologias.

Essa técnica de namoro com objetos foi criada originalmente no curso Collaborative Future Making que o professor Pelle Ehn deu na Universidade de Twente. Um dos pontos que ele enfatizava muito é que os não-humanos deveriam ser participantes dos processos de design tanto quanto os humanos. Pois bem, propusemos num projeto de integração de estudantes asiáticos que os convidados participassem de um "dating with objects". A proposta era quebrar o gelo entre os estudantes europeus e os asiáticos, utilizando o objeto como "prop" para a conversa a dois. O que fizemos com os alunos da PUCPR pode ser considerado como uma extensão da técnica.

Na foto abaixo você pode ver o professor Ehn participando da festa, sentado no chão como todo mundo, humilde e curioso para ver o que os alunos estavam criando.

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O foco do design de interação é a interação, não a tecnologia. Por isso eu prefiro chamar a tecnologia de meio para a interação. Pensar em meios de interação ajuda a frisar que a tecnologia não é fim, é meio. O objetivo é promover certos tipos de interação através do meio, portanto, construir o meio não é o fim.

No meu entendimento, meio de interação é diferente de um meio de comunicação, pois permite que as pessoas façam algo juntas e se transformem ao fazê-lo. O resultado de uma interação não é a mera transmissão de mensagens ou um diálogo. É uma transformação dos interagentes.

Meios de interação existem há milênios, porém, os novatos na área de hoje em dia costumam pensar que design de interação (também chamado de ExU design) se resume a projetar websites e aplicativos. São esses meios que de fato tem a maior demanda de projeto hoje, porém, caso fiquem muito focalizados nele podem perder oportunidades de inovar. Muitas das interações inovadoras surgem pela cópia ou adaptação de uma interação de um meio para o outro.

Farei uma breve lista de meios de interação  para recuperar a história da área e também vislumbrar oportunidades futuras. Quem quiser complementar, deixa um comentário.

Papel

Papel pode ser usado para preencher um formulário de solicitação de um serviço, desenhar em conjunto, enviar correio elegante, deixar instruções, simbolizar troca financeira e muito mais. Muitas das interações oferecidas por meios posteriores apareceram primeiro no papel, mesmo que em formato rudimentar. O papel também um dos meios mais utilizados para projetar interações para outros meios, vide prototipação em papel.

Jogos de tabuleiro

Os jogos de tabuleiro já existiam no Egito antigo e também na Índia, de onde saiu o xadrez. A emergência da burguesia urbana no século XIX criou a demanda para jogos de tabuleiro mais complexos, para ocupar o longo tempo de ócio passado dentro de casa. Hoje em dia temos jogos tão complexos que podem demorar dias para terminar (meu recorde é 18 horas jogando 1830: Railroads and Robber Barons).

Videogames

O videogame é o primeiro dispositivo computacional acessível para usuários leigos em computação. Apesar de muito simples, o Spacewar já propunha uma linguagem para a interação pelo computador: planos cartesianos visuais, dispositivos apontadores e botões. Até hoje em dia, as interações inovadoras aparecem primeiro nos consoles de videogame e só depois são estendidas ao computador pessoal. Isso porque a área de jogos permite maior experimentação.

Sistemas operacionais e aplicativos desktop

A primeira demanda específica para profissionais especialistas em projetar interações surgiu na indústria de software. Os projetos de interfaces gráficas do Xerox Star e do Utopia foram pioneiros em propor interações com profissionais leigos em computação. A computação pessoal ampliou esse acesso, gerando também a demanda de aplicativos para arte, hobbyies e diversão. Os softwares desktop permitem utilizar a capacidade de processamento do computador juntamente com seus acessórios, tais como mouse, impressora, scanner, webcam e outros. Conectados à Internet, esses softwares permitem interagir diretamente com outra pessoa.

Quiosques e ATMs

Um quiosque é um computador sempre ligado e disponível para a interação com públicos diversos. Pode ter o propósito de oferecer informações turísticas numa praça pública ou de complementar a experiência de visitar um museu. Quando o quiosque permite fazer coisas, ele se torna um ATM (Automatic Teller Machine), como o caixa rápido de banco ou de compra de bilhetes aéreos.

Eletrodomésticos

No passado eles eram simples de usar. Apertava um botão e ligava. Hoje em dia, os eletrodomésticos estão oferecendo tantas funcionalidades que para ter acesso a elas é preciso dominar telas de cristal líquido ou touchscreens. Rádios, aparelhos de som, máquinas de lavar, geladeiras e até mesmo o fogão já possuem tais controles. Existe uma promessa de conectar esses aparelhos à Internet, formando a chamada Internet das Coisas, porém, ainda não se sabe quais seriam os usos práticos dessa funcionalidade.

Menus de atendimento telefônico

Conforme os produtos e serviços se tornam mais complexos e cheios de opções, maior é a necessidade do serviço de suporte. O telefone ainda é o meio mais utilizado para isso, porém, o custo de manter uma pessoa atendendo diretamente é grande. O menu telefônico ajuda a direcionar as pessoas para os departamentos corretos ou mesmo realizar ações sem falar com atendentes. O problema dos menus é que eles não podem ser muito compridos nem muito profundos, do contrário o usuário fica perdido. A fustração com esses sistemas costuma ser grande, pois eles quebram a expectativa de ter um contato humano. Um menu telefônico que tenta prover esse afeto é o do atendimento da Claro. Graças a esse atendimento, eu sempre recomendo aos meus amigos os Pacotes Claro TV.

Televisão

Apesar de ser uma mídia de uma única via, muitos programas de televisão já experimentaram utilizar canais adicionais para interagir com os telespectadores. O programa Winky Dinky and You já convidava as crianças a desenhar na própria tela da televisão em 1953. Na década de 1990, a Rede Globo começou a explorar o telefone como canal de interação com o público. O programa Você Decide foi o grande popularizador do recurso, contando uma história com dois finais a serem escolhidos pelos telespectadores. Indo além disso, as televisões mais recentes estão vindo com conectividade à Internet embutida, as chamadas Smart TVs. Elas conseguem rodar aplicativos de redes sociais como o Twitter e vídeo sob demanda, como o Netflix.

Websites e web apps

Os websites, principalmente das rede sociais, são os grandes responsáveis pela popularização da computação pessoal no Brasil. As pessoas podem interagir com outras pessoas à distância, de maneiras diversas. A interação pode ser síncrona, como num bate-papo, ou assíncrona, como num fórum de discussões. Qualquer pessoas pode ter um website, porém, seu desenvolvimento requer certo conhecimento técnico. As plataformas baseadas em templates e interações pré-determinadas eliminaram essa necessidade, permitindo que muitas mais pessoas possam estar interagindo na web. Muitas das interações que surgiram na web migraram para outros meios.

Aplicativos móveis

Aplicativos em telefones celulares já existem há muito tempo, porém, foi o barateamento da Internet e o surgimento de lojas de compra e venda de aplicativos que popularizaram esse meio. Os aplicativos móveis são relativamente fáceis de serem desenvolvidos e podem aproveitar recursos contextuais, como a posição geográfica do usuário, microfone e pequenos movimentos. Os aplicativos sociais genéricos são os mais baixados das lojas, porém, existem uma infinitude de aplicativos para situações específicas como o Buscapé que escanea o código de barras de um produto numa loja física e mostra o quanto ele custa nas lojas online.

Carros

Carros possuem diversos mecanismos de interação no trânsito: buzina, seta e pára-choque. Como se trata de uma máquina perigosa, novos recursos foram acrescentados com muito cuidado. Hoje alguns carros já saem de fábrica com mapa digital, tocador de música e telefone integrados. O próximo passo são os carros semi-automáticos e automáticos, que dirigem sozinhos. Ainda não se sabe muito bem como as pessoas vão interagir umas com as outras nesse novo cenário.

Robôs

Robôs já são realidade em fábricas, porém, algumas pessoas acreditam que eles podem ser interessantes em casa também. Já foram comercializados robôs de estimação como o Aibo, Furby e BB8, brinquedos que depois de um tempo acabam enjoando os humanos devido à repetição de comportamentos. Ainda está por aparecer um robô mais útil no dia-a-dia. Tudo indica que o cenário pintado pelo filme Robot & Frank (2012) é o mais promissor: a introdução de robôs no cuidado de idosos.

Drones

Drones são utilizados como armas militares, mas o potencial é grande para outros usos: guia turístico, tele-presença, entrega de pacotes, atendimento médico de emergência, jogos e limpeza de fachadas. Os drones podem ser controlados por humanos ou funcionarem automaticamente.

Óculos de realidade aumentada

O Google Glass não engrenou, mas existem outros produtos similares a caminho: Microsoft Hololens e Magic Leap. A realidade aumentada permite mostrar informação contextual de maneira fluida, sem interromper a pessoa no que ela está fazendo. É possível inclusive mostrar objetos tridimensionais que parecem estar no mundo real mas não estão. Se esses objetos forem os mesmos em diferentes óculos, pode-se falar de um espaço cibernético sobreposto ao físico. Essa possibilidade é bem explorada na série de anime japonês Denno Coil.

Ambiente construído

Apesar desse meio ser provavelmente o mais antigo, deixei por último pois considero uma novidade para designers de interação. Os espaços com mais portas e assentos costumam ser os lugares onde mais acontecem interações, porém, isso nem sempre é verdade.

Os arquitetos já trabalham com o projeto de interações em ambiente construído há tempos, porém, há uma demanda crescente por um maior aprofundamento nesse quesito. A domótica, por exemplo, propõe a automação de luzes, janelas e portas. As instalações interativas vão além e propõe experiências imersivas, que trabalham com todos os sentidos. Tais inovações tecnológicas aparecem num mercado que prioriza a flexibilidade de planos abertos, multifuncionalidade e mobília leve.

Cidade

O que é uma cidade senão um grande espaço para a interação entre milhões de pessoas? Esse é um insight recente, pois as cidades nem sempre foram pensadas e projetadas com esse intuito. As cidades modernistas como Brasília foram projetadas para atravessar de carro com o mínimo de interação com outras pessoas. Porém, a tendência hoje é projetar cidades para pedestres e ciclistas, muito mais suscetivos à interação. A interação é vista como produtora de riquezas, considerando a transição para uma economia de serviços e de conhecimento.

Caio Vassão, um arquiteto e urbanista, afirmou em sua palestra no ISA 2011 que as cidades do futuro serão projetadas por designers de interação e não por urbanistas. Isso porque eles compreendem melhor que o projeto de um espaço para a interação não pode ser determinista nem centralizado, ou seja, entendem que os cidadãos são os principais atores no desenvolvimento do projeto.

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O corpo inteiro pensar? Não é apenas o cérebro que pensa? O cérebro é fundamental ao pensamento, mas ele não funciona sozinho. Isso se verifica quando estamos com os músculos cansados ou com um resfriado; o cérebro já não funciona tão bem.

Na teoria da cognição incorporada, a mente é um produto do corpo inteiro e, portanto, é diretamente afetada pelas emoções, pela postura do corpo e por seus movimentos.

O computador não é a melhor ferramenta para pensar um projeto. A ergonomia insólita do computador deixa o corpo num estado de tensão constante e as interfaces só pioram a situação, exigindo atenção para um monte de elementos ao mesmo tempo. Por isso que Donald Norman me recomendou sair da frente do computador quando quisesse ter inspiração para projetar interações.

Na tese de Caio Vassão encontrei uma proposta ainda mais radical: tomar o corpo como fulcro do projeto. Fulcro é o ponto de apoio de uma alavanca que permite a transferência de força de um lado para o outro. Se o corpo é o fulcro do projeto, então o projeto surge como um balanço de forças físicas que podem ser sentidas e tocadas diretamente pelo corpo.

Isso pode parecer abstrato considerando que o projeto de interações costuma envolver tecnologias digitais. Como é que você toca uma tecnologia digital senão pelo uso de um computador? Talvez a maneira mais fácil de perceber o quanto isso é concreto seja mudar a perspectiva de designer para de usuário. Quando os usuários interagem por meio de tecnologias digitais, fazem isso à partir de seu corpo.

O corpo não é apenas a referência e a origem das informações, mas também é quem coloca as informações na tecnologia digital. O objetivo da interação é afetar o próprio corpo (guardando informações para serem utilizadas depois, por exemplo) ou afetar outros corpos (informar uma outra pessoa). Não basta que a informação seja transferida para a tecnologia digital, é preciso que ela seja apropriada por um corpo para que se realize a interação.

Então como se projeta assim, com o corpo inteiro?

Essa é uma questão que tem orientado minha prática de projeto há alguns anos, em especial, devido ao meu interesse por interfaces tangíveis. Quando eu dava aula no Faber-Ludens, eu partia do princípio lógico de que se a interface levava em consideração o corpo todo, então o processo de design deveria também levar em consideração o corpo todo. Logo nas primeiras aulas, pedia aos meus alunos que projetassem um jogo para Nintendo Wii utilizando o método de bodystorming.

Bodystorming é uma alternativa ao brainstorming que, ao invés de utilizar apenas o cérebro para criar, utiliza o corpo inteiro. Costumo dizer aos alunos que enquanto eles estiverem sentados numa mesa planejando as interações que irão fazer depois com o corpo, eles não estão fazendo bodystorming. Isso é brainstorming. Bodystorming é criar direto com o corpo, criar as cenas na hora do ensaio, enfim, improvisar. Muitos movimentos do corpo e relações com outros corpos são melhores compartilhados através do próprio movimento do que através de palavras. Assim o processo de criação fica muito mais dinâmico.

Uma descoberta que fiz recentemente é que o bodystorming pode ser utilizado para projetar qualquer tipo de interação, independente se a interface é tangível ou não. Basta que as pessoas atuem como objetos e tecnologias. Com isso, é possível prototipar qualquer tipo de interação. No exemplo abaixo, as pessoas fazem o papel de computadores servidores, informações e prêmios.

No passado, eu havia experimentado trabalhar com materiais tangíveis para estimular o uso do corpo inteiro, tais como massa de modelar, Lego, kit de robótica Mindstorms, brinquedos e outros materiais. Hoje percebo que eles só devem ser empregados depois que a interação tiver sido ensaida com o corpo. Isso porque o processo de prototipação com materiais leva muito mais tempo e distrai o foco de atenção para a tecnologia do material.

É possível avançar o projeto à partir de um bodystorming sem necessariamente passar direto a um material de prototipação. Após fazer o bodystorming livre, é possível utilizar a técnica do teatro imagem para explorar alternativas.

Eu e Rodrigo Gonzatto estamos utilizando essa técnica na disciplina de Design de Interação do curso de Design Digital da PUCPR e o resultado tem sido promissor. O fluxograma abaixo demonstra as alternativas exploradas para contornar um sistema de vigilância do futuro. Esse fluxograma foi feito depois da encenação, ou seja, as alternativas foram geradas durante o teatro imagem através do emprego do corpo inteiro.

Acredito que ainda existem muitas outras possibilidades a explorar para projetar com o corpo inteiro. Quem estiver interessado, sugiro dar uma olhada na lista de vídeos com cenas de bodystorming que compilei.

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"Experiência do usuário" é um termo cunhado pelo guru Donald Norman quando ele trabalhava na Apple nos anos 1980 para ressaltar a importância de ir alaleém da usabilidade do produto. Ele percebeu que não bastava que o produto fosse fácil de usar; era preciso também ter um apelo estético e afetivo para o usuário.

Esse termo ganhou proeminência depois da bolha da Internet, quando os projetistas de websites e softwares foram obrigados a se reciclar. Jesse James Garrett definiu os elementos da experiência do usuário como uma metodologia de projeto e disse que na época não havia um profissional com todas as qualidades para se intitular um designer da experiência do usuário.

Esse projeto seria sempre um trabalho de equipe de profissionais especializados como o analista de usabilidade, o designer de interação e o arquiteto da informação. Porém, no evento IASummit de 2009 ele propôs a união das áreas dizendo que "somos todos designers da experiência do usuário". A partir daí, o termo se popularizou e começou a abarcar as especializações anteriores.

Alguns profissionais avaliam que o termo Design da Experiência do Usuário é resultado da estabilização da área, porém, eu diria que trata-se de uma adaptação às mudanças no Marketing, que está cada vez mais preocupado com prover experiências únicas. Os termos usados anteriormente para definir a área não tinham essa ligação tão forte com Marketing e Branding. Porém, assim como quase tudo nessas áreas, a prática é muito distante do discurso.

Embora se diga que o projeto é feito para atender as necessidades do usuário, muito pouco é feito de fato para compreendê-las. Enquanto que nas abordagens anteriores, a pesquisa com usuários que investiga essas necessidades era uma atividade fundamental da profissão, no Design da Experiência do Usuário ela é opcional e até mesmo rejeitada por alguns profissionais.

O que acontece no mercado brasileiro é que muitos profissionais tiveram que adotar o novo termo mesmo que não tivessem os recursos para desenvolver a metodologia implicada. Ao invés de passar por todas as etapas dos elementos da experiência do usuário, este profissional é incluído apenas na fase de estrutura, quando se espera que ele monte wireframes das telas do aplicativo ou website. Ele trabalha como um meio de campo entre a equipe de programação e a equipe de design gráfico, também chamado de teleiros ou de UI. Devido a usar o mesmo rótulo de designer, o profissional de experiência do usuário precisa fazer um esforço enorme para diferenciar-se do designer gráfico de interfaces.

Nesse papel restrito, dificilmente a experiência do usuário se torna uma questão de fato estratégica como se argumenta no discurso da experiência do usuário. É por isso que eu particularmente raramente uso o termo experiência do usuário e design da experiência do usuário.

Eu acredito que esses termos são um hype que não ajudam muito a explicar o que a profissão faz e tão logo saia de moda, outro termo será colocado no lugar para designar a profissão. Brincando, eu abrevio experiência do usuário como ExU ao invés do incoerente UX, afinal um termo em português não deve ser abreviado em inglês. Exu é o Orixá da comunicação e o mais incompreendido de todos. Alguns acham que é o diabo, outros acham que é um deus. O próprio Exu não se define de maneira clara e prefere que falem dele mesmo que falem mal.

Assim é a experiência do usuário: uma disciplina que ousa se colocar acima de todas as outras em diagramas cada vez mais mirabolantes. O melhor diagrama é uma sátira de Dave Gray que questiona a megalomania de ExU.

Pra ter alguma chance de sobreviver ao hype, na minha opinião, o design de experiência do usuário deveria se vincular como uma especialização de design, ao lado do gráfico e de produto. Porém, esse espaço já está sendo ocupado pelo menos por enquanto com o termo design de interação. Por ser um acadêmico, eu prefiro utilizar o termo existente, que já possui um fundamento teórico muito mais sólido.

Sei que na prática, essa escolha de termos não é fácil. Alguns ExU designers autodidatas não buscam formação em design porque acham que seu trabalho não tem a ver com a disciplina. O mito a meu ver é achar que ExU é um processo de desenvolvimento para fazer o produto ficar mais fácil de usar ao invés de uma área do conhecimento. As empresas compram essa ideia porque acham que seus produtos e serviços vão vender melhor e logo criam cargos de especialistas na área. Mesmo que o profissional discorde da nomenclatura, é obrigado a utilizá-la. Devido a essas condições, não há reflexão sobre o processo e não se constitui uma área de conhecimento.

O problema que já alertei no Blog de AI há dois anos é que quem vai pagar o pato do hype será o próprio ExU designer, que ficará sem uma identidade profissional logo logo. Novos gurus irão surgir preconizando novos termos, o ExU designer vai ter que fazer cursos de reciclagem profissional, e as empresas terão que contratar sangue novo. Esses novatos não conhecerão tudo o que já foi feito sob o termo experiência do usuário por achar que tais conhecimentos estão obsoletos. Terão que reinventar a roda porque os antigos não se preocuparam em deixar um legado consistente.

Então a pergunta que lanço para os experientes e novatos na área é: vale à pena continuar usando o termo experiência do usuário para definir o que fazemos ou será que é melhor usá-lo apenas para definir uma parte do que fazemos?

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No mercado isso é discutido em partes dentro do termo experiência do usuário. A diferença entre o design da experiência e o design de interação é que o primeiro leva em consideração a integração entre todos os pontos de contato com o usuário, enquanto o segundo é mais focado nos pontos de contato digitais. Na minha definição atualizada, entretanto, o design de interação abrange também os pontos de contato analógicos. Minha intenção com essa definição é ir além da exploração comercial da experiência do usuário como ferramenta de branding e de marketing.

Isso porque essa exploração comercial é um dos grandes responsáveis pelo empobrecimento da vida social e da destruição do meio ambiente. As pessoas compram o que não precisam e antes mesmo que percebam isso, já descartaram o produto. O mesmo pode ser dito para a maneira como as pessoas estão sendo incentivadas a se relacionar com outras nas redes sociais. No Facebook, se você não gosta do que uma pessoa publica, você não é incentivado a dizer pra ela, você é incentivado a bloquear a pessoa, ou seja, jogar no lixo as suas atualizações.

Eu acredito que é possível desenvolver negócios lucrativos sem depender do comportamento consumista. Para isso, é preciso projetar ecossistemas ao invés de projetar produtos e serviços isolados. O mercado brasileiro ainda não está buscando essa transição, portanto, o lugar que eu encontrei para desenvolver projetos assim foi no ensino de design.

Desde agosto de 2015, me tornei professor da Escola de Arquitetura e Design da PUCPR. Lá ministro junto com Rodrigo Gonzatto uma disciplina sobre design de interação para a graduação em Design Digital. Nossa última aula foi exatamente sobre esse tema: design de interação ecológico. Abaixo seguem os slides e a gravação da aula.

Design de interação ecológico [MP3] 56 MB 1'02"

Sumarizando a aula, o pensamento ecológico que propomos consiste em quatro pontos:

• O todo é maior do que a soma das partes
• Uma pequena mudança numa parte afeta tudo
• Transformações ocorrem em ciclos
• O que é lixo para um é alimento para outro

Esse pensamento pode ser aplicado para projetar ecossistemas que envolvem não só animais, plantas e recursos naturais, mas também seres humanos e suas tecnologias digitais e analógicas. Uma referência para esse tipo de projeto é o livro Metadesign do Caio Vassão. Eu já havia chamado a atenção para o trabalho dele aqui neste blog em 2006. Metadesign significa quatro coisas:

• Projetar em diferentes níveis de abstração
• Desenhar diagramas como uma realidade
• Construir procedimentos baseados em parâmetros
• Dar espaço para fenômenos emergentes

Projetando dessa maneira, é possível tornar projetos sustentáveis não só do ponto de vista econômico mas também do ponto de vista sócio-ambiental e afetivo.

Para finalizar a aula, pedimos aos alunos que mapeassem o ecossistema da ficção projetual em que eles estão trabalhando. Uma ficção me chamou a atenção por levantar a questão ambiental de uma maneira interessante. Num futuro próximo, a água e o alimento seriam tão escassos que as pessoas poderiam apenas comer uma ração artificial contendo os nutrientes mínimos para a sobrevivência. A ficção se inspira no filme de ficção científica Soylent Green, porém, como é uma ficção projetual, desenvolve uma proposta mais factível. Para que as pessoas sejam seduzidas a comer, a ração seria impressa em 3D nos formatos dos pratos antigos.

Na figura acima, os alunos e alunas mapeam os insumos e dejetos relacionados com a ração 3D. Embora a ficção projetual não seja um projeto passível de implementação hoje, ela levanta questionamentos relevantes para os tempos atuais. Ao invés de focalizar na falta de água como um problema a ser resolvido, a ficção projetual coloca a crise hídrica como um fenômeno emergente. A natureza é vista como um produto da ação do ser humano, passível de projetação. Pensar ecologicamente não significa preservar a natureza intocada pelo homem, mas sim pensar no equilíbrio entre as atividades dos homens com de outros seres vivos.

O pensamento projetual que eu e Gonzatto estamos cultivando na PUCPR é para transformar as rotinas produtivas da sociedade, numa linha parecida ao que se está fazendo na Carnegie Mellon University. Quando esses alunos estiverem desenvolvendo projetos fora da faculdade, acreditamos que eles terão pelo menos a capacidade de imaginar rotinas diferentes e, aos poucos, introduzir mudanças através da reprodução cultural.

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Essa crítica se baseia na premissa de que projetar é o mesmo que controlar. Nessa visão, o projeto visa controlar recursos para atender requisitos e objetivos pré-definidos. O objeto de design seria o resultado racional desse processo de controle da forma e da função. Se um recurso não puder ser controlado, ele está fora do projeto.

Essa visão ignora que todo projeto tem como base a incerteza. Se houvesse certeza, não haveria necessidade de fazer um projeto, bastaria começar a produzir o objeto diretamente. A incerteza dá origem ao pensamento projetual, que é um pensamento baseado em possibilidades e não em certezas. A prática de esboço deixa isso muito claro.

No exemplo abaixo, eu estava tentando transformar a rede de encanamentos de um prédio num quebra cabeça para o jogo O Hospital Expansivo.

O projeto desse jogo veio com um briefing definido pelo meu orientador do doutorado: faça um jogo sobre as dificuldades de implementar tecnologias colaborativas na engenharia civil. Ao invés de aceitar esse briefing, eu resolvi fazer algo mais abrangente: um jogo sobre projetos multidisciplinares, tendo como pano de fundo a construção de um hospital. Esse escopo mais abrangente me deu a liberdade de criar um jogo realmente interessante. O jogo não cumpriu o briefing à risca, mas meu orientador acabou gostando do resultado.

Com frequência, os projetos de design são iniciados sem saber exatamente onde se quer chegar, qual é o objeto a ser projetado e como ele deve ser. Isso não é uma falha devido à falta de briefing ou de planejamento estratégico. Isso é de propósito! O projeto se lança ao desconhecido quando precisa descobrir ou criar algo novo. A incerteza é vantagem, pois se houvesse certeza, não haveria a possibilidade de inovar.

Sobre esse assunto, Rodrigo Gonzatto propôs o seguinte numa palestra na Mostra de Design da IFSC:

• Design não é resolver problemas
• Design não é atender necessidades
• Design é invenção cultural e articulação de possibilidades

Essa visão me parece alinhada com o design pós-moderno. O objetivo do projeto seria justamente perder o controle para evidenciar o excesso de controle em nossa sociedade. Uma técnica frequentemente usada para isso é a quebra da expectativa com relação a padrões estabelecidos. Por exemplo, os cartazes de David Carson questionando o padrão de legibilidade tipográfica.

Um pesquisador que teoriza o assunto é o Caio Vassão, que propõe uma arquitetura inspirada no software livre para escapar do projeto controlador. Selecionei três conceitos de sua tese que acho relevante:

• Projeto como pergunta: ao invés do projeto ser uma solução ou resposta, o projeto deixa no ar como as coisas devem ser.
• Projeto probabilístico: o projeto se baseia em probabilidades de algo acontecer. Estas podem ser explicitamente calculadas ou baseadas em julgamentos subjetivos, como a intuição e o "olhômetro".
• Determinismo indireto: o projeto não determina o comportamento das pessoas diretamente, mas dá recursos para que as pessoas definam seus próprios comportamentos dentro de uma escala grande de possibilidades.

Refletindo sobre a tese do Caio, cheguei à conclusão de que isso implica numa mudança radical do papel do designer. Ao invés de projetar produtos para usuários, o designer projeta processos para designers amadores. Esse processo pode ser uma plataforma para o pensamento projetual, como a Corais.

O designer deixa de lado o perfeccionismo e estimula os amadores a criarem livremente mesmo que estes não tenham conhecimento perfeito sobre o projeto. Essa é a proposta do design livre, que é inspirada na tese do Caio.

Ao invés de se satisfazer quando os amadores seguem seus determinismos indiretos, este designer se satisfaz quando os amadores quebram as regras impostas pelos processos e fazem algo completamente diferente, algo que ele nunca tinha pensado ser possível. Observando esse tipo de prática, o designer aprende algo que pode ser usado para aperfeiçoar o processo existente ou para criar novos projetos.

Conforme foi discutido no excelente videocast Talknow, nesses ambientes de cocriação o designer não está preocupado com os detalhes do objeto, mas sim com o seu manuseio (9'45").

Considerando que design de interação e design da experiência do usuário tem ambos foco no manuseio, pode se dizer que eles são projetos fora do controle. Isso os posicionaria como design pós-modernos por excelência, porém, por serem muito jovens ainda não há uma consciência desse papel na sociedade.

Na verdade, o discurso que explica o que é design de interação e design da experiência do usuário se baseia com frequência no projeto moderno, aquele que sobrevaloriza a funcionalidade e vende a ilusão de controle. Ao invés de prometer que é capaz de facilitar o uso ou criar experiências marcantes, essas novas vertentes de projeto deveriam apelar para a crise de identidade generalizada, a consciência crítica dos consumidores e a necessidade de cocriar com eles.

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Segundo pesquisa realizada pelo Instituto Máquina, o Facebook é o canal mais utilizado pelos parlamentares brasileiros para interagir com seus eleitores.

Os parlamentares querem estar no Facebook porque os brasileiros discutem política neste espaço como nunca fizeram antes. Em 2013, o termo "manifestação" acabou sendo mais mencionado do que "carnaval" na rede Facebook (!).

Apesar de potencializar mobilizações, o Facebook não substitui as ruas porque não é um espaço público. Mesmo que uma pessoa escolha que uma atualização seja pública, ela não será mostrada a todos os usuários da rede. Isso se deve ao algoritmo Edgerank. Quanto maior for a interação entre duas pessoas, maior a chance da atualização de ser mostrada na linha do tempo da outra. Além disso, quanto mais as pessoas interagirem com essa atualização, mais ela será replicada. Os valores exatos não estão disponíveis para consulta e podemos apenas conjeturar sobre seu funcionamento.

Para ver como o algoritmo impacta na mobilização política, vejamos a recente campanha promovida pelo próprio Facebook para celebrar o orgulho LGBT. Poucas horas depois da aprovação do casamento de pessoas de mesmo sexo nos EUA, milhões de pessoas já estavam usando uma camada colorida sobre sua foto de perfil. Como é possível que essa camada tenha se alastrado tão rapidamente?

A explicação é que o peso atribuído à alteração de foto de perfil é o maior dentre as interações possíveis no Facebook. Com a ajuda dos likes e comentários dados pelos amigos, a chance da foto colorida aparecer na linha do tempo dos amigos aumenta muito. Se vários de seus amigos adotaram a camada colorida, você teve a impressão (errônea) de que a grande maioria das pessoas apoiavam o movimento LGBT. Segundo o próprio Facebook, apenas 1,8% de todos os usuários da rede adotaram a camada colorida.

O ativista Eli Parisier deu uma palestra muito interessante na TED explicando que o algoritmo do Facebook cria bolhas sociais, compostas de pessoas que gostam das mesmas coisas. Isso se intensifica quando os usuários deliberadamente terminam a amizade ou escondem as atualizações de outras pessoas. Conscientemente ou não, as pessoas vão construindo a sensação ilusória de que o mundo ao seu redor é composto de pessoas com o mesmo ponto de vista.

Algumas pessoas especulam que o Facebook usou a campanha do orgulho LGBT como mais um experimento de comportamento massivo, justamente para compreender como se dá a formação dessas bolhas sociais.

Nós partimos da mesma curiosidade para organizar o experimento no laboratório vivo do FISL, porém, ao contrário do Facebook, nós deixamos claro que se tratava de um experimento. Além disso, nos comprometemos a divulgar os resultados e a liberar as instruções para replicar o experimento.

O experimento consiste em participar de um jogo que simula de maneira simplificada o funcionamento do algoritmo do Facebook. Ao final do jogo, os participantes podem perceber e discutir os efeitos desse algoritmo sobre a mobilização política.

Abaixo segue um protótipo do jogo feito antes da realização no FISL.

No jogo real, os bonecos são pessoas e o jogo adquire uma dimensão performática. É um jogo fácil e divertido de jogar, mas que também provoca uma discussão muito séria a respeito da maneira como se relacionamos com nossos amigos e a sociedade.

Instruções

O jogo pode ser realizado com no mínimo 5 e no máximo 100 pessoas. O tempo de duração pode ser de 15 a 45 minutos. Antes de começar, é preciso preparar algumas coisas:

• Cada pessoa recebe
  • Um pregador de roupas para colocar na lapela da camisa
  • Uma cartela com 21 adesivos de likes
  • Bloco com post-its para escrever atualizações de status
  • Alguns fios de lã para conectar seus amigos
• Os jogadores se posicionam num espaço aberto, a meio metro de distância de seus amigos. Eles podem ficar sentados ou em pé
• Cada jogador deve adicionar seus amigos prévios com fios de lã que partem do seu pregador de roupa para o do amigo
• Todos os jogadores devem fazer pelo menos um amigo
• Anuncia-se um tema que está em voga nas redes sociais no momento. Todas as atualizações de status devem seguir esse tema

O objetivo do jogo é ficar com melhor saldo de likes (os likes recebidos nas suas atualizações menos os likes restantes em sua cartela). As regras podem ser resumidas nos seguintes pontos:

• Os jogadores escrevem atualizações e enviam para um de seus amigos conectados
• O amigo recebe a atualização e decide se gosta ou se devolve para o autor
• Quando o autor recebe de volta a atualização, guarda no bolso e não pode mais repassar aos amigos
• Se o amigo gostar da atualização, ele deve retirar um adesivo de like de sua cartela e colar na atualização, repassando em seguida a outro amigo
• Os jogadores podem andar e conectar-se a outros jogadores, porém, é possível que os fios se desconectem pelo movimento. Nesse caso, os jogadores perdem a amizade de maneira tácita (eles ignoram as atualizações do outro)
• Os jogadores podem remover explicitamente uma conexão de amizade caso as interações não sejam de seu agrado
• No final do jogo ganha quem tiver o melhor saldo de likes

Após o fim do jogo é possível discutir o papel do algoritmo do Facebook na mediação no debate político. Os jogadores podem propor mudanças nas regras do jogo e recomeçar o jogo para ver se um outro algoritmo seria desejável.

Resultados

O tema escolhido para o experimento no FISL foi a proposta de redução da maioridade penal de 18 para 16 anos, uma emenda que tramita no Congresso Nacional. Abaixo segue uma tabela com a transcrição dos post-its coletados e o número de likes que eles receberam.

Discussão

Os participantes do experimento disseram o seguinte após o experimento:

• As atualizações que receberam mais likes não passaram por todos os participantes.
• Mesmo que o participante devolvesse uma atualização popular por não gostar dela, era muito difícil levar de volta ao seu autor e parar a distribuição, pois as pessoas esqueciam quem havia lhes dado. Essas mensagens acabavam circulando indefinidamente na rede. Tal fenômeno foi considerado análogo à viralização.
• Os participantes formaram grupos que gostavam uns das atualizações dos outros.
• Os participantes que gostaram mais das atualizações dos outros (gastanto sua cartela de likes) foram também os que receberam mais likes em suas próprias atualizações.

Além de conscientizar os participantes da maneira como o Facebook une e separa as pessoas, o experimento demonstrou que certos pontos de vista são marginalizados pelo algoritmo e que as mensagens mais populares não são necessariamente unânimes.

A minha reflexão pessoal sobre o experimento é que precisamos se apropriar de outros espaços para discutir política, pois o espaço do Facebook dificulta o confrontamento com opiniões divergentes, o que é uma precondição para o debate genuíno. As pessoas acabam ficando cada vez mais radicais dentro de suas bolhas, trocando apenas mensagens com aqueles que tem posições políticas similares. Isso também acontece no Twitter, como deixa muito claro as visualizações de grafos da FGV.

Como cidadão, eu tento evitar de ficar preso dentro da bolha pela minha política pessoal de não remover nem esconder alguém só porque a atualização é ofensiva, reacionária, golpista, homofóbica, ou qualquer outra qualidade que eu não gosto. Gostaria de ter uma pluralidade de opiniões para saber o que os outros estão dizendo e até mesmo preparar minha contra-argumentação. Porém, sei que minha decisão de não gostar dos argumentos opostos aos meus para evitar que eles viralizem já me coloca dentro de uma bolha. No Facebook, não é possível escapar disso.

Reitero o convite aos designers de interação para mediar este cenário de polarização política instaurado por um algoritmo que a nossa própria classe ajudou a criar. Um caminho possível é 1) hackear os algoritmos pela recriação deles em público e 2) criar outros algoritmos e outras redes sociais que não induzam à formação de bolhas.

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Eu já publiquei alguns slides sobre esses princípios mas nunca escrevi algo explicando. A seguir apresentarei os princípios e contarei as histórias que me fizeram acreditar neles.

Crítica: Questionar o papel das interações na sociedade.

Quando conheci o Instituto Ivrea por volta de 2004 fiquei encafifado com os projetos que os seus alunos desenvolviam. Ao invés de otimizar as interações existentes, eles tentavam explorar novos tipos de interações com a tecnologia. Descobri que um brasileiro (o único) conseguiu estudar lá enquanto o Instituto existia e perguntei pra ele o porquê disso. Belmer Negrillo explicou que uma das coisas que eles faziam no Ivrea era questionar os valores da sociedade através de projetos interativos, como o DolceRadio, um rádio feito de chocolate que estimulava as pessoas a pensarem sobre o consumismo eletrônico.

Gostei muito dessa abordagem e posteriormente conheci os projetos do departamento de design de interação do Royal College of Art, de onde haviam saído alguns dos fundadores do Ivrea. Os projetos do chamado design crítico não tem a pretensão de serem úteis no dia-a-dia, mas de provocar uma reflexão e/ou discussão sobre as interações habituais em nossa sociedade.

Empatia: Colocar-se no lugar do outro e sentir o que ele/ela sente.

Esse princípio eu não saberia dizer quando comecei a acreditar, mas posso contar uma ocasião em que ele foi posto à prova. Eu tinha que realizar um teste de usabilidade no portal Vila Mulher e estava sem namorada na época. Juntei coragem para superar meu próprio preconceito e criei um perfil fake de uma mulher imaginária.

Os colegas de trabalho riram, mas foi muito importante esse tempo que passei interagindo com outras usuárias da rede social. Eu entendi melhor o significado das interações e pude focar o teste nas questões que as mulheres se importavam. Além desse ganho técnico, os desenvolvedores do portal começaram a considerar que eu não deveria ser o único homem no portal se passando por mulher...

Imersão: Entrar no contexto da interação e experimentar o que é possível e o que é impossível.

Muito antes dos smartphones existirem, eu tinha um Palm Vx. O sistema operacional era tão fácil de usar e rápido que eu ainda considero melhor do que iOS e Android nesses quesitos. Ele se encaixava perfeitamente nos momentos do dia-a-dia em que era necessário gravar ou recuperar uma informação rapidamente, como um telefone ou uma lista de compras.

Isso não foi por acaso. O criador do Palm Jeff Hawkins ficou andando com um pedaço de madeira no bolso por uma semana só para compreender em que momentos poderia usar o PDA e como isso influenciaria o desenrolar das atividades. Ele fingia fazer anotações com um pauzinho durante reuniões só para despertar curiosidade entre os presentes. Fazendo isso, ele conseguiu desenvolver uma grande empatia pelos usuários no que se refere à organização do dia-a-dia.

Ética: Observar a moral da comunidade e da sociedade.

Na falecida rede social Orkut era possível adicionar perfis de outras pessoas numa lista de paqueras e depois enviar cantadas. Mesmo que a pessoa informasse seu estado social como casado essas opções continuavam aparecendo. A rede social estava, portanto, incentivando um ato imoral em nossa sociedade, a infidelidade e, de quebra, o ciúmes.

Me chamou muito a atenção a história de uma leitora do Usabilidoido que quase perdeu o marido por causa dessa interface. Ela clicou no botão "paqueras" acreditando que iria ver as paqueras do amigo, mas na verdade o amigo entrou na lista de paqueras dela. Quando o marido viu a lista pediu o divórcio, mas acabou desistindo depois da briga. Como ela, muitas outras pessoas tiveram problemas de relacionamento induzidos pelo Orkut. Não dá pra culpar o Orkut sozinho já que toda interação é de mão-dupla, mas há que considerar a sua cumplicidade.

Estética: Respeitar o gosto alheio.

Em 2004, prestei uma consultoria para o Flogão, um serviço de compartilhamento de fotos popular na época. A primeira coisa que levantei como problemático do ponto de vista da usabilidade era a liberdade total dada aos usuários para customizar seu fotolog. Eu sugeri que não fosse possível combinar cores que tornassem o texto ilegível.

A pesquisa com usuários, entretanto, revelou que essa customização era a funcionalidade que os usuários mais gostavam. Uma usuária me explicou assim: "Eu coloco texto verde-escuro sobre fundo cinza porque eu sou uma pessoa discreta e não quero chamar a atenção". Resolvemos não mexer na funcionalidade e deixar como estava. Aprendi que as pessoas podem gostar de combinações cromáticas muito diferentes das que eu gosto e que isso é essencial na construção de sua identidade cultural.

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Em 2006 eu dei uma definição que foi adotada por muitas pessoas: "Design de Interação é a maneira como um produto proporciona ações em conjunto entre pessoas e sistemas". Hoje eu vejo diferente me sinto na responsabilidade de atualizá-la.

Desde 2006, as áreas de atuação da disciplina se expandiram para todos os lados: publicidade, educação, urbanismo e outras. Em muitas dessas aplicações, o papel do designer de interação já não é mais de definir o sistema e sim de delinear a interação entre as pessoas.

Palavras como "social" e "experiência" fulguram no linguajar da área com maior frequência do que os anteriores "navegação" e "informação". Isso indica uma expansão da área para além da interação. Eu ainda acho que vale à pena manter o termo interação, bastando que este termo tenha seu significado expandido também.

Antes de propor uma expansão de "interação", vou voltar às origens do termo e mostrar como ele já estava se expandindo há tempos.

Interação na Física

Os primeiros usos da palavra interação aconteceram na Física, indicando a ação de um objeto sobre outro. Estes objetos poderiam ser astros celestes, partículas pontuais ou até mesmo campos quânticos. Um exemplo clássico é a força nuclear, disparada pelo encontro de um neutron com um proton.

A explosão nuclear é intensa, mas tem um fim. Isso porque na física, a interação tende ao equilíbrio. Os objetos interagem devido à diferença que existe entre eles (carga, direção ou estado). A interação ocorre até que a relação entre em equilíbrio, ou seja, até que a diferença entre os objetos seja mínima.

Interação na Biologia

A Biologia emprestou o termo interação da Física com a mesma tendência ao equilíbrio, porém, para estudar um tipo diferente de equilíbrio: o ecológico. No equilíbrio ecológico, a interação não anula a diferença. Uma interação entre seres vivos pode parecer fora de equilíbrio como, por exemplo, o parasitismo. Porém, quando essa interação é vista em relação a interações com outros seres vivos, o equilíbrio aparece.

Quando a gente vê um animal sendo comido pelo outro no documentário da televisão, a gente sente pena. Porém, se olharmos pela lente da ecologia, um animal serve de alimento ao outro e assim o ecossistema persevera.

Além da interação trófica, existem outros tipos de interações biológicas. As interações do tipo simbiose duram mais tempo e podem até ser vantajosas para ambos os seres-vivos. O peixe palhaço, por exemplo, se esconde de predadores dentro da anêmona, que é venenosa para outros peixes. Em troca, o peixe fornece excremento, que é um bom alimento para a anêmona, além de atrair presas para a anêmona.

Interação na Sociologia

A Sociologia empresta o termo interação da Física e Biologia para argumentar que nenhum indivíduo age isoladamente. Toda ação é, na verdade, uma interação.

?Os indivíduos são ligados uns aos outros por uma trama de relações sociais e a interação implicada pela orientação do comportamento em relação a outrem toma lugar, por conseguinte, no seio de um conjunto.? (Simmel e Weber)

Isso quer dizer que a maneira como duas pessoas interagem depende da maneira como seus tipos interagem na sociedade. Por exemplo, nenhum casal contemporâneo (hétero ou homo) pode escapar do comprometimento esperado pela sociedade com o relacionamento amoroso. A expectativa de que os demais irão cobrar esse comprometimento já interfere nas interações do casal. O casamento gay é uma reinvidicação séria pois há uma expectativa crescente da sociedade em relação ao relacionamento.

Interação na Psicologia Social

A Psicologia Social tem um foco menos abrangente do que a Sociologia. Ao invés de explicar o comportamento do indivíduo pela relação com a sociedade em geral, a disciplina tenta explicar o comportamento humano pela relação do indivíduo com seus pares diretos; como conversam, como se olham e como se tocam.

Esse foco reduzido permitiu o estudo da interação através de experimentos de laboratório. Stanley Milgram ficou famoso por um experimento que supostamente demonstra a tendência das pessoas a obedecerem ordens mesmo que as consequências sejam funestas.

A interação em laboratório é questionada por outros psicólogos sociais como sendo muito artificial, ou seja, uma interação forçada. No dia-a-dia, as pessoas interagiriam de maneira mais espontânea. Brincando com essa contradição entre o espontâneo e o forçado, existe um jogo Indie para aprender a interagir com as outras pessoas em diferentes situações: no urinol, no caixa de supermercado e no ônibus.

Interação na Antropologia

A Antropologia utiliza o termo interação para estudar a maneira como as pessoas constróem significados a partir de situações específicas. Ao invés de buscar tipos universais de interações (obediência a autoridade por exemplo), a Antropologia estuda interações que acontecem num contexto determinado (o ritual de uma comunidade por exemplo).

O interacionismo simbólico é uma abordagem utilizada na Antropologia que distingue os componentes predisposição, motivação e complexidade. Predisposição são as possibilidades de ação que as pessoas têm. Motivação diz respeito às origens e aos resultados esperados da ação. Complexidade é o que acontece quando se cruzam essas duas coisas: o que a pessoa deseja fazer com o que ela pode fazer numa determinada situação. Este dilema não é uma mera questão de estímulo-resposta, mas sim de uma escolha perante múltiplas interações.

Interação na Computação

A interação na Computação adquire um significado bem diferente, mais mecânico. A interação transforma o estado do computador da mesma forma que transforma a mente do usuário. Mente e computador funcionam de maneira similar e o propósito da interação é trocar informações entre esses dois sistemas.

Surge então um termo derivado para definir a quantidade de interação: a interatividade. Quanto mais interativo um sistema, mais informação ele troca com o outro. Com o tempo, a questão da quantidade dá lugar à qualidade, pois nem toda a informação trocada é útil. O termo interatividade cai em desuso e interação volta à proeminência.

A abordagem interação humano-computador estuda e experimenta diferentes maneiras como as pessoas podem interagir com computadores, levando em consideração os aspectos sociológicos, psicológicos e antropológicos levantados pelas disciplinas anteriores. O objetivo é tornar os computadores mais sensíveis à maneira como as pessoas já estão acostumadas a interagir com objetos e outras pessoas, evitando a frustração do usuário.

Interação no Design

A novidade introduzida pelo design é a possibilidade de projetar interações. Ao invés de focalizar na interação com o computador, o design focaliza na interação entre pessoas por meio do computador e outras mídias. Quando a interação é projetada, as pessoas podem interagir de uma determinada maneira.

O modelo mais famoso modelo de interação no design é o de Bill Verplank, modelo este que eu já critiquei no meu blog em inglês.

Alguns designers dizem que não é possível projetar uma interação, apenas projetar para interações. Eles argumentam que as pessoas não interagem da maneira como se projeta e que forçá-las a interagir de uma determinada maneira é contraproducente.

O professor Caio Vassão coloca em sua tese de doutorado que a noção de projeto já é em si emergente, ou seja, que o resultado de um projeto não pode ser determinado mesmo. Eu concordo que projetar não é determinar e, portanto, acredito ser possível projetar interações. Faço a ressalva que é preciso ter em mente que os resultados esperados não serão garantidos e que as interações inesperadas podem até dar origem a uma inovação.

Projeto da interação

Com a minha cebola dos contextos, eu vejo três tipos de interação que podem ser projetadas: pessoa-objeto (no contexto simbólico), pessoa-pessoa (no contexto social) e pessoa-mundo (no contexto cultural).

A interação pessoa-objeto é o foco da interação humano-computador que já mencionei anteriormente. O projeto torna a pessoa mais parecida com o objeto ou torna o objeto mais parecido com a pessoa. Parecido não no sentido visual apenas, mas também no sentido lógico e funcional. Pela interação continuada, a pessoa e o objeto vão se tornando mais parecidos até que se tornam um só. Isso é o equivalente ao estado de equilíbrio da Física ou a simbiose da Biologia. Esse era o estado do design de interação quando dei minha definição em 2006. Os métodos abaixo são os mais usados para projetar a interaçao pessoa-objeto:

• Protótipação em papel
• Teste de usabilidade
• Tese A/B
• Card-sorting

A interação pessoa-pessoa é estudada pela Sociologia e Antropologia mas essas disciplinas não arriscam projetá-la. A Psicologia Social projeta interações entre pessoas através de experimentos em laboratório, porém, só garante resultados quando há controle da situação. O design de interação expandiu a interação humano-computador com o insight de que era possível projetar a interação entre pessoas mesmo sem controle da situação. O projeto consiste numa série de meios para pessoas interagirem, trocando informações, afetos e outros objetos. Não é necessário o controle da situação pois o projeto prevê que aconteçam interações inesperadas, potencialmente inovadoras. Esse é o estado atual do design de interação, preocupado com o aspecto social dos aplicativos e a experiência do usuário. Os métodos abaixo são eventualmente utilizados para projetar a interação pessoa-pessoa:

• Protótipo em vídeo
• Bodystorming
• Oficina participativa

A interação pessoa-mundo já é tema da Biologia, Sociologia e Antropologia. As disciplinas de projeto tateiam nesse sentido, com noções operacionalizadas e extremamente redutoras da relação pessoa-mundo. Por exemplo, os estilo de vida baseados em perfis demográficos, que mais se parecem com caricaturas do que com pessoas reais. Outro exemplo são os estudos de ciclo de vida feitos no âmbito da sustentabilidade. Eu acredito que para evoluir nesse sentido, é preciso pensar a cultura para além dos estereótipos, evitar os clichês e olhar para o futuro de maneira muito crítica. Os métodos abaixo são pouco usados, mas eu acredito que podem ajudar a projetar a interação pessoa-mundo:

• Etnografia aplicada
• Sonda cultural
• Análise da atividade
• Diagrama ecológico
• Ficção projetual

Design de interação

Considerando a expansão da prática de design de interação desde minha definição em 2006, eu redefino design de interação assim:

Design de interação é o projeto da interação entre pessoas que ocorre por meio de tecnologias digitais ou analógicas.

Não incluí a interação pessoa-objeto por considerá-la superada e também não incluí pessoa-mundo por acreditar que não está claro se este é ou não é um domínio do design de interaçao. Vejamos o que acontece nos próximos 9 anos.

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Minha teoria é que o post-it era o instrumento disponível mais adequado para a nova maneira como produtos e serviços começaram a ser criados nas organizações a partir dos anos 2000. Anterioremente, a ideia que levaria à inovação provinha de gênios do departamento de pesquisa & desenvolvimento ou da própria diretoria. Hoje em dia, a ideia se tornou um commodity e a criatividade uma linha de produção.

Todo mundo tem ideias para novos produtos e serviços, mas nem toda ideia é uma inovação. As ideias precisam ser aperfeiçoadas e confrontadas com a realidade até que se tornem viáveis. Esse processo de inovação não é uma ciência exata, mas algumas organizações tentaram otimizá-lo tal como uma linha de produção.

As empresas que implementaram um processo muito rígido de inovação acabaram não alcançando o objetivo, seja pela excessiva pressão por produtividade ou pelos formatos engessados de desenvolvimento da ideia. As pessoas não se sentiam à vontade para criar seguindo esse processo oficial.

Nesse contexto de transição, o escritório de design IDEO percebeu o déficit de inovação e transformou sua maneira de trabalhar num processo de inovação, o chamado design thinking, ou como prefiro traduzir, o pensamento projetual.

O post-it era tão usado pela IDEO que aparecia no orçamento como despesa básica. O sucesso global do pensamento projetual como abordagem de inovação acabou divulgando o instrumento pelos quatro cantos do mundo. Muitas empresas copiaram o processo, mesmo sem entender bem o pensamento projetual, e o post-it acabou virando símbolo de inovação.

É comum encontrar hoje em dia escritórios cheios de post-its coloridos sem ordem alguma; post-its que uma pessoa colocou na parede e que nunca mais discutiu ou olhou. Isso é feito apenas para criar um clima de inovação ou despojamento, sem necessariamente estar atrelado à prática do pensamento projetual mencionado anteriormente. O post-it é utilizado como símbolo e não mais como ferramenta de trabalho.

Para aproveitar o máximo do post-it como ferramenta, é preciso primeiro entender os princípios do pensamento projetual. Uma dos lemas repetidos nas equipes é errar cedo para que se possa acertar o quanto antes. No pensamento projetual, a inovação se atinge pela tentativa de desenvolver várias ideias, mesmo que se demonstrem erradas num determinado momento. A história do post-it contada no livro A Evolução das Coisas Úteis é um bom exemplo.

Um engenheiro da 3M tentava descobrir uma super cola e, por acidente, desenvolveu uma cola que podia ser reutilizada para colar e descolar o mesmo objeto várias vezes. O engenheiro não sabia como essa cola poderia ser útil até ouvir um amigo reclamar dos seus papéis. Ele tentava colocar um papelzinho entre grandes pilhas de papéis para organizá-las, mas este vivia caindo fora da pilha. O engenheiro teve a ideia, então, de colocar a cola atrás do papelzinho. Nasceu o primeiro post-it.

No pensamento projetual, o post-it permite desenvolver várias ideias rapidamente e descobrir quais são as fracas antes de desenvolvê-las. Um método simples para isso é agrupar as ideias por afinidade. As que ficarem no centro são as mais fortes e as que ficam isoladas são as mais fracas.

Um princípio conectado com isso é a criação coletiva. Uma marca do pensamento projetual é trabalhar com equipes multi-disciplinares. Ao invés de promover o debate entre elas, o pensamento projetual promove a criação de algo em conjunto. As ideias são propostas individualmente e avalidas coletivamente. O desenvolvimento das melhores ideias é tipicamente feito em grupo, utilizando algum material como mediador.

O post-it é um excelente material para essa primeira fase, pois cada pessoa pode concentrar-se na sua ideia sem precisar falar o que está pensando. Num brainstorming tradicional, é preciso esperar para ter voz; com post-its, não. As ideias podem ser adicionadas na mesa ou no quadro a qualquer momento. Isso é especialmente útil para incluir pessoas introvertidas no processo de criação.

Outra vantagem para a criação coletiva é que nenhuma ideia precisa ser filtrada antes de escrever no quadro branco ou no flipchart, onde precisariam ser apagadas caso não tivessem relevância. O post-it oferece tanta mobilidade que ninguém precisa se preocupar em filtrar ideias. Depois de afixadas as ideas, é possível até mesmo fazer uma filtragem coletiva, deixando claro os critérios de convergência para o processo criativo.

Apesar da mobilidade, os post-its são inflexíveis quanto ao espaço que oferecem. Isso é ruim para registrar uma ideia em profundidade mas é bom para registrar várias ideias superficiais. Num painel com várias ideias, isso representa uma vantagem de localização e visão geral. O espaço do post-it pode ser ainda mais reduzido com o uso de canetas grossas. A vantagem é que ninguém precisa dizer que a ideia deve ser expressa de maneira concisa num post-it. A intenção é transmitida pela própria limitação do material.

Concisão é importante para manter uma visão holística sobre o assunto, para enxergar o todo numa multiplicidade de ideas. Um painel com post-its coloridos é muito mais interessante para enfatizar a visão holística do que um de cor igual, mesmo que as cores não marquem um tipo de ideia. A diversidade de cores passa uma sensação de criatividade e energia, mesmo que as ideais contidas nos post-its sejam conservadoras.

Por essas e outras sintonias com o pensamento projetual que o post-it se tornou símbolo de inovação. Porém, utilizá-lo como símbolo é um desperdício, conforme deixa muito claro o experimento da EepyBird.

Para atingir a inovação é preciso utilizar post-its como ferramenta e não como símbolo.

A 3M já percebeu isso e mudou seu marketing de símbolo de inovação para plataforma de inovação. No website da empresa é possível aprender diversos métodos de inovação utilizando post-its. Eu acrescentaria que, além dos métodos, é essencial compreender os princípios do pensamento projetual que deram origem a esses métodos.

NOTA: Para quem ficou curioso sobre essa distinção entre ferramenta e símbolo, veja a teoria da atividade de Vygotsky que estudei no meu doutorado.

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Na minha pesquisa de doutorado abordei um tema relacionado, o design participativo, que introduz uma maneira prática de participação. Fui convidado, portanto, pela nascente Secretaria Nacional de Participação Social para passar uma semana em Brasília conhecendo os seus projetos.

Me pediram a opinião sobre o Dialoga Brasil, um aplicativo que permitirá ao cidadão fazer propostas aos programas do governo federal. O aplicativo está sendo desenvolvido publicamente no GitLab e qualquer um pode dar sua opinião por lá. Uma das telas permite ao cidadão enviar uma proposta ou votar nas propostas enviadas por outros.

Fiz uma breve análise de usabilidade, mas expliquei que minha contribuição maior poderia ser no processo de trabalho. Minhas pesquisas indicam que os problemas de usabilidade têm sua raiz numa cultura organizacional que enfatiza a competição. Para elevar o grau de usabilidade, é preciso primeiro de tudo estabelecer uma cultura de colaboração.

Para demonstrar como isso poderia acontecer, propus várias dinâmicas de design participativo para trabalhar em grupo. Para começar, colocamos a interface de votação num flipchart e discutimos várias alternativas. Ao fim da discussão, fizemos uma votação para ver qual era a mais adequada.

Utilizamos também o método PSP para explorar problemas e soluções de implementação do aplicativo, como por exemplo pessoas enviando propostas ofensivas e governo não cumprindo seu compromisso de respondê-las. Devido à simplicidade e curta duração do método, pudemos até contar com a participação do secretário Renato Simões.

Essa exploração de possibilidades, nos levou à criação de um fluxo de moderação, um plano de contingência e uma lista de perguntas frequentes. Ambos foram construídos colaborativamente por toda a equipe.

Depois de avaliar o aplicativo e sua implementação, planejamos a estratégia de apresentação do serviço público. Geramos palavras chave num painel colorido e depois agrupamos elas num editor de texto colaborativo. Esse ciclo foi repetido constantemente: co-criar com materiais e sistematizar com texto colaborativo. O objetivo era estender a colaboração offline às redes online.

Baseado nessas palavras, a gente pensou em como apresentar o Dialoga Brasil de maneira tão simples que até alguém que não manja muito de computador pode entender. Propus gravar um comercial falso de televisão utilizando o celular. O objetivo era desvincular-se da linguagem técnica que utilizamos para nos comunicar enquanto desenvolvedores do aplicativo. Fizemos várias gravações, cada vez com uma explicação mais simples.

Depois de pensar o lado do cidadão, pensamos também o lado do gestor público. Como eles iriam aproveitar as propostas e as votações feitas pelo Dialoga Brasil para tomar decisões políticas e administrativas? Após discutir, chegamos à conclusão que haveria uma interface administrativa com indicadores atualizados em tempo real, o painel político.

Para construir esse painel, fizemos vários esboços de widgets em papel de grande formato, recortamos e montamos o painel atrás de uma porta. O painel mostraria quais são os temas mais discutidos do momento de maneira visual, juntamente com outras informações relevantes.

No último dia, me pediram para mediar uma discussão sobre um laboratório de tecnologias para a participação social que está sendo montado. A proposta é desenvolver outros aplicativos na linha do Dialoga Brasil. A discussão foi baseada no método mapa conceitual e diagrama de afinidades.

1. Adicionar conceitos importantes para o laboratório (texto em círculos)
2. Adicionar objetos importantes para o laboratório (desenhos em círculos)
3. Agrupar os conceitos e objetos similares
4. Eleger um conceito chave para cada grupo

Depois de montar o mapa, utilizei uma técnica bem divertida para colocar os pés-no-chão: o simbolismo animal. Os participantes tinham que escolher o lugar em que quatro bichos morariam dentro do laboratório: rato, sapo, aranha e formiga. O rato simboliza a corrupção; o sapo simboliza "engolir sapo"; a aranha simboliza networking; e a formiga simboliza o trabalho árduo, "trabalho de formiguinha". Isso ajudou a identificar as área do laboratório que deveriam ser desenvolvidas com maior cuidado.

Todas essas tarefas foram planejadas colaborativamente utilizando um quadro Kanban. Essa técnica de coordenação surgiu na produção enxuta e foi adaptada para o desenvolvimento de software (Scrum). Nesse projeto, a gente adaptou para organizar também tarefas políticas.

Essa semana serviu para mostrar como o pensamento projetual (design thinking) pode ser útil também para o governo.

Uma das grandes vantagens é dinamizar os debates e discussões de que a política é feita. Ao invés de debater por posições políticas, as pessoas fazem algo enquanto falam. O que elas fazem juntas é muito mais fácil de aceitar e construir em cima do que uma fala, pois está desvinculada de uma pessoa específica.

Na minha teoria do design expansivo, eu proponho que a co-criação com materiais expande o pensamento projetual à partir do conflito político. Ambos são necessários e não devem ser alijados um do outro. O pensamento projetual que não desenvolve uma política e uma política que não desenvolve um pensamento projetual correm risco de não chegar a lugar nenhum.

Durante as manifestações de 2013, eu sugeri que o design participativo poderia trazer um pensamento projetual mais em sintonia com a demanda de participação da população brasileira.

Em 2015, tive a oportunidade de levar essa mensagem ao governo brasileiro. Apresentei uma série de slides sobre design participativo como uma abordagem para a participação social com potencial para:

• Tangibilizar políticas públicas
• Desenhar programas de governo
• Melhorar serviços ao cidadão
• Adequar obras públicas

Apesar de eu continuar não acreditando no poder transformador da política oficial, descobri um outro potencial ao visitar Brasília: a política do dia-a-dia dos bastidores do governo, ou seja, onde as políticas públicas são executadas. Conheci vários servidores que trabalham arduamente para transformar a cultura organizacional do governo, visando diminuir a burocracia e aumentar a participação do cidadão.

Essa maneira de trabalhar desenvolvida na Secretaria de Participação Social é completamente diferente da maneira como os servidores públicos trabalham hoje. Algumas pessoas estão apenas interessadas em fazer a parte que lhe cabe nos processos burocráticos.

Eu acredito, entretanto, que essas pessoas que participaram do processo irão replicar o pensamento projetual e a transformação irá acontecer gradualmente. Um passo fundamental é estender a participação em projetos para além de especialistas convidados como eu e outros que lá estavam. O pensamento projetual do design participativo pode ser a semente para uma nova relação entre governo e cidadão. Vejamos se cresce.

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Portanto, vou discutir os níveis de formalidade na atividade social não os níveis de formalidade dos sistemas. É importante fazer essa distinção, pois muita gente acredita que por formalizar o sistema formaliza-se também a interação entre as pessoas.

Esse raciocínio é análogo a acreditar que um homem se torna sério somente por vestir um terno. Exemplo de que isso não é sempre verdade é a presença do Tiririca no Congresso Nacional.

Formal significa que a interação tem uma forma definida: uma maneira, um protocolo, uma etiqueta, uma regra, um contrato. Interessante notar que a forma no design de interação não é a mesma que no design de produto (volume) ou que no design gráfico (imagem). A forma no design de interação tem a ver com o movimento, tal como na dança.

De maneira geral, eu identifico quatro níveis de formalidade na interação:

Informal. Não existem regras definidas para a interação ou, se existem, as pessoas fazem questão de não seguí-las. A interação é espontânea e as pessoas não se preocupam se estão fazendo algo certo ou errado. Exemplo: papo de bar.

Semi-formal. Existe um protocolo para a interação, mas as pessoas seguem apenas uma parte. Somente as regras consideradas fundamentais são seguidas em vista de um objetivo a ser atingido. Exemplo: reunião de negócios.

Formal. O cumprimento do protocolo é o motivo mesmo da interação. Regras quebradas são consideradas gafes, negligências ou rebeldias. Exemplo: cerimônia de posse.

Automático. Uma interação formal que se repete muito pode ser operada no modo "piloto automático", ou seja, as pessoas executam o protocolo sem prestar muita atenção. Nesse nível de formalidade a interação perde uma motivação própria; ela torna-se um meio (inevitável) para outra interação mais importante. Exemplo: pagar o caixa do supermercado.

Formalidade nas relações amorosas

Os níveis acima são genéricos, úteis apenas para compreender o assunto. Na prática, cada tipo de interação desenvolve os seus próprios níveis de formalidade.

Tomemos como exemplo, a atividade de troca amorosa (ou reprodução sexual) entre pessoas. Em nossa cultura atual, podemos dizer que existem seis níveis de formalidade para essa atividade, em ordem crescente:

1. Paquera
2. Ficada
3. Namoro
4. Noivado
5. Casamento
6. Divórcio

O divórcio acontece quando a relação amorosa entra no "piloto automático" e os amantes perdem a motivação para estar juntos. Antes de formalizar o divórcio, é possível que o casamento seja mantido apenas nas aparências.

Para cada nível de formalidade, existem ferramentas para aumentar ou diminuir o nível de formalidade. O telefone, por exemplo, ajuda a ir da paquera para a ficada, assim como o Whatsapp ajuda a ir do casamento ao divórcio. Essas são ferramentas genéricas, mas existem também ferramentas específicas para cada nível de formalidade.

Aplicativos: da paquera ao divórcio

O Tinder é o aplicativo de paqueras mais popular hoje em dia. A pessoa recebe uma série de fotos de outras pessoas na mesma localidade e passa o dedo por cima rapidamente, indicando se quer ou não conhecer a pessoa. Se a ação for recíproca, o Tinder libera o bate-papo entre as duas.

Para gerir as ficadas, as mulheres tem à sua disposição o aplicativo Lulu, que permite dar uma nota aos homens com quem elas tiveram a oportunidade de ficar. Quando foi lançado era possível dar uma nota a todos os homens cadastrados no Facebook. Hoje só é possível avaliar os homens que se cadastram voluntariamente no serviço.

Para quem não tem namorada (ou namorado) e acredita que ajuda ter uma para estimular a competição, existe um serviço de namorada virtual, o Namoro Fake. Uma usuária do Facebook é contratada para postar mensagens no mural do felizardo, chamando a atenção dos contatos.

Quem entra no noivado já começa a se preocupar como organizar a festa de casamento, como preparar a casa para morar junto, lua-de-mel e outros tantos detalhes importantes. Para ajudar a administrar as informações, existe o aplicativo Fábrica de Casamento.

Depois de alguns anos de casado, é comum que a vida sexual caia no tédio. Para evitar isso, o aplicativo 69 Places sugere locais e eventos inusitados em que o casal pode ter uma transa. Depois que o fato é consumado, o casal marca o local na lista.

E, por fim, aplicativos para divórcio não existem muitos, mas encontrei um aplicativo de iOS que ajuda a fazer todos os cálculos relativos ao divórcio de acordo com a lei do estado de Massachusets nos EUA. Parece ser bem útil e, como se esperava, extremamente formal.

Formalização e informalização

O design de interação pode contribuir para a formalização ou informalização das atividades sociais, dependendo das tendências culturais. Se as pessoas querem relacionamentos ainda menos comprometidos do que a paquera, pode-se oferecer algo ainda mais radical que o Tinder; já se as pessoas estão querendo organizar melhor seu casamento, é possível oferecer algo mais útil do que o 69 Places.

Uma oportunidade ainda não explorada na atividade de romance é a transição de um nível de formalidade a outro. O Facebook, de uma certa maneira, faz isso quando permite anunciar uma mudança no estatus social, porém, não há grandes mudanças depois disso.

Um recurso que eu considero útil num design centrado na atividade é a informalização de uma atividade existente. Uma atividade informal pode ser transformada muito mais facilmente do que uma atividade formal, pois há menos regras e protocolos a seguir.

Mesmo que o objetivo seja entregar um aplicativo para atividades formais, vale à pena durante a fase de projeto elaborar um protótipo em que a interação seja informal de modo a explorar possibilidades que outros aplicativos não exploram.

Um método útil para isso é o cenário lúdico, utilizado no jogo de realidade aumentada Um Robô sem Sentimentos dos meus ex-alunos Rodrigo Gonzatto e Edmarlom Semprebom. Eles simularam o robô utilizando Skype para a síntese de voz e um quadro branco. Simples e informal, mas suficiente para investigar as questões do jogo. Numa próxima fase de desenvolvimento, eles poderiam ter elevado o nível de formalidade utilizando um protótipo em Lego Mindstorms, por exemplo.

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Eu resumo o pensamento projetual de Tim Brown (Ideo) nos seguintes pontos:

• Estimular a colaboração entre disciplinas
• Fazer contato direto com usuários
• Desenvolver empatia pelos usuários
• Manter uma visão holística do projeto
• Falhar cedo e falhar sempre

Nas engenharias, seguindo Pahl & Beitz, eu resumo o pensamento projetual assim:

• Definir os requisitos antes de começar a projetar
• Abstrair o problema do contexto específico
• Projetar módulos ou componentes em separado
• Criar sistemas que conectem todos os componentes
• Evitar o erro e a falha
• Tomar decisões baseadas em critérios quantitativos

Essa comparação é um tanto injusta, já que existem vários outros tipos de pensamentos projetuais, tanto no design de interação quanto nas engenharias. Cada organização e cada disciplina do conhecimento tem uma cultura de projeto específica. Fica difícil identificar os contornos dessa cultura, porém, a partir do momento em que se migra de uma cultura para a outra, as diferenças são sentidas na pele.

Quando eu comecei na Twente, a primeira coisa que senti desconfortável foi a negação dupla da ambiguidade e da multiplicidade. A aceitação de que uma coisa pode ter diferentes sentidos é uma das noções fundamentais do design. Os designers jogam com a ambiguidade o tempo todo, tentando ampliar as possibilidades de sentido. Para muitos engenheiros, a ambiguidade é vista como um erro.

• O projeto deve ser claro e sem ambiguidades
• Os componentes não devem contradizer a visão geral do sistema
• Cada coisa tem o seu lugar certo
• Só existe uma única Ciência e um único pensamento projetual. O resto é charlatanismo

Tendo migrado do design de interação, eu já cheguei aceitando tal cultura de projeto, porém, os engenheiros não aceitavam as minhas práticas no começo. Como eu estava sozinho, eles acharam que eu era uma exceção. Fui rotulado de artista e, mais tarde, de filósofo. Eu não sou nem um dos dois, mas a rotulagem foi a maneira como eles encontraram para me aceitar sem me incluir. Se eu fazia algo que desafiava a cultura dominante, eles diziam: "Ah, o Fred é artista, ele é assim mesmo. Deixa ele fazer a arte dele".

Essa indiferença preveniu que os engenheiros aprendessem com o pensamento projetual que eu desenvolvia, porém, a indiferença foi diminuindo na medida em que eu obtinha resultados com meus projetos. A partir do momento em que começamos a colaborar, surgiram inovações híbridas como, por exemplo, as visualizações low-tech.

No final do meu doutorado, os engenheiros lamentaram a minha partida e reconheceram finalmente que eu havia trazido uma contribuição importante para o pensamento projetual da faculdade. O recém criado DesignLab da Universidade de Twente incorpora vários dos conceitos que eu defendia: multidisciplinaridade, prototipação low-tech e colaboração espontânea.

Esse mérito não é meu. Eu simplesmente trouxe os valores da cultura de projeto do design de interação. Nas minhas atitudes, eu representava uma coletividade que não era conhecida pelos meus amigos engenheiros por isso eu era tratado como exceção. A tese que estou escrevendo recupera as raízes históricas desse pensamento coletivo com o objetivo de diminuir o estigma e também o culto ao designer criativo. Espero que ela seja lida não só nas faculdades de design, mas também nas de engenharia.

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Uma prática difundida no design industrial que não está sendo aproveitada pelo ExU design é a busca assistemática por inspiração. Essa prática consiste em observar o mundo por uma perspectiva poética, procurando respostas para perguntas que ainda não foram feitas. Essa busca acontece no dia-a-dia, na vida social e nas viagens que o designer industrial faz. Não é um método.

ExU designers acreditam que também fazem isso, mas na minha opinião é muito diferente buscar inspiração de pesquisar o contexto do usuário. A pesquisa é focada nas demandas do projeto específico enquanto que a busca por inspiração não tem necessariamente relação alguma com o projeto que o designer está imerso. O designer industrial não tem um objetivo específico a não ser aumentar o seu repertório cultural. Ele sabe que, eventualmente, uma dessas inspirações pode dar origem a um projeto completamente novo, mas não tem pressa.

Balancear objetivos de negócio com objetivos de usuário, manter os padrões de interação que o usuário já conhece, seguir os guias de estilo do sistema operacional são mais importantes para o ExU designer do que buscar inspiração.

Uma das consequências disso é que as interfaces projetadas por ExU designers ultimamente não tem apresentado nada de inovador. Trata-se da reprodução cultural tão somente dos padrões de interação estabelecidos, sem uma tentativa de contribuir para sua evolução. Em última análise, isso cativa o usuário a usar interfaces de maneira passiva e desengajada, ou seja, as vantagens de usabilidade são descompensadas pela vulgaridade das interações.

Buscar por inspiração para projetar interações é importante, porém, onde buscar essa inspiração? Designers industriais se utilizam de fontes conhecidas tais como revistas especializadas, galerias de arte, natureza e cinema. Eles observam as formas visuais e conceitos e reproduzem no projeto de maneira sutil, combinando numa nova composição. Porém, para designers de interação, o que interessa não é a forma visual, mas a forma da interação entre pessoas.

Desenvolver a habilidade de perceber interações entre pessoas e descobrir fontes de inspiração para isso não são tarefas nada óbvias nesse início de profissão. Compartilho aqui as fontes em que eu busco inspiração e convido aos leitores a compartilharem as suas.

Rituais

Rituais são procedimento repetitivo em que se manipulam símbolos culturalmente definidos de forma padronizada. Alguns rituais geram significados a longo prazo, outros não. Exemplo de um post antigo sobre rituais aqui no Usabilidoido:

Ainda sinto falta da época em que os videogames vinham em cartuchos. Quem nasceu antes do Playstation sabe do que estou falando. O cartucho era robusto, de fácil manipulação, podia até sujar de geléia. Para colocá-lo no console era preciso certa perícia e força e um pequeno estalo parabenizava o jogador pela boa encaixada. Se o game não iniciasse, retirava-se o cartucho e assoprava-se os contatos. Na pior das hipóteses uma pequena batida dava conta do recado. Parece mágica, mas isso fazia realmente o Mario Bros aparecer de novo. Compare com os consoles de CD e note como o ritual é mais pobre. Abre-se a caixinha do CD, coloca-se na bandeja, fecha e pronto, o game está carregando. Se não der certo, não há muito o que fazer. CD riscado vai pro lixo.

Eu até desenvolvi um método para analisar rituais, mas nunca usei de fato. Na minha busca por inspiração, prefiro uma abordagem mais solta. Porém, registrar a inspiração é essencial para se lembrar depois. Uma maneira bem interessante é através da fotografia. Um livro que demonstra isso bem é o Thoughtless Acts da IDEO.

A tecnologia de registro permite perceber certos rituais que tem uma duração maior do que o instante. Os time-lapse do filme Koyaanisqatsi, por exemplo, permite ver os rituais coletivos que a sociedade urbana celebra diariamente. Sem esse recurso, seria muito difícil perceber a repetição dos atos.

Ficção científica e ficção projetual

Desde criança eu gostava de filmes de ficção científica, mas recentemente percebi que eles são extremamente ricos para inspiração. Estes filmes apresentam novas tecnologias em novos contextos, novas maneiras de viver em sociedade e ser humano. Isso alimenta a imaginação sobre um futuro ideal (utopia) ou catastrófico (distopia).

Aqui no Usabilidoido há uma seção de resenhas de filmes especialmente interessantes para o design de interação. Esses filmes mostram novos tipos de interfaces, talvez impossíveis de serem implementadas, mas isso não é o que me interessa mais. O que eu presto atenção é na maneira como as pessoas interagem pela tecnologia, que tipo de novas relações, dilemas, e desafios éticos elas precisam dominar.

Minority Report trouxe várias idéias interessantes para novas interfaces no contexto de uma sociedade em que a vigilância é total. Esse contexto não deve ser negligenciado pois uma coisa vem junto com a outra: transparência nas interfaces e transparência na vida privada.

Inspirados nos filmes de ficção científica, designers de interação começaram a fazer seus próprios filmes também, visando explorar o que seria possível num futuro não tão distante. As ficções projetuais (ou ficções de design como eu chamava antes) são ainda mais relevantes do que a ficção científica, pois trabalham com tecnologias que já estão disponíveis ou que estão quase lá.

Eu descubro ficções projetuais acompanhando vários canais no Vimeo. Quando encontro uma boa, posto ela no Futurologias, um Tumblr que mantenho junto com o Rodrigo Gonzatto outro designer de interação que se inspira em ficções. Na verdade, o Gonzatto vai além e orienta seus alunos a produzirem ficções projetuais. Ano passado, a trupe Marcos Balbinot, Miguel Beckers e Rafael Lange lançou o curta Sense que mostra como seria a vida de um brasileiro com implantes cerebrais. O que eu acho mais inspirador nesse projeto é acreditar que é possível pensar esse tipo de futuro também no Brasil e não só nos países pólos produtores de tecnologia.

Brincadeiras e jogos

Quando ensinava design de interação, minhas primeiras aulas eram sobre jogos e brincadeiras de criança. Na minha palestra no Interaction 12 em Dublin eu propus que as brincadeiras de criança eram o design de interação vernacular. Vários designers experientes incluindo um diretor de design da Microsoft vieram me agradecer pela palestra porque eu havia dado um nome para algo que eles já faziam há tantos anos.

Anos atrás eu gravei um vídeocast inteiro sobre brincadeiras aplicadas a design de interação. Sobre videogames, tenho uma série de slides sobre o que aprendi jogando.

Natureza

A biomimética (também conhecida como biônica) é uma fonte conhecida de inspiração no design industrial. Basicamente, consiste em observar processos similares na natureza e copiar alguns elementos. Se olhar com cuidado, a natureza oferece exemplos de design fantásticos, como a "embalagem" da banana, que demonstra alto grau de usabilidade.

Mais especificamente sobre interação na natureza pode-se dizer que o sexo é a interação original. Acredite se quiser, eu já criei recomendações para redes sociais inspiradas no ato sexual. Um exemplo de biomética no nível das interações é a Plataforma Corais, uma ferramenta de gestão de projetos colaborativos em que cada projeto morto serve de base para novos projetos, uma característica dos recifes de corais.

Arte e tecnologia

A arte sempre foi e deve continuar a ser a principal fonte de inspiração para designers, mesmo que esses estejam vinculados com o desenvolvimento de tecnologia. Na verdade, existe uma vertente da arte contemporânea que explora justamente essa interface com a tecnologia: a Arte e Tecnologia.

Quem mora em São Paulo conhece bem essa vertente graças a festivais com o FILE e a bienal Emoção art.ficial. O último FILE que eu fui em 2011 me decepcionou bastante pois os projetos deixaram de apresentar conteúdos e ficou muito focado na gratificação pela interação rápida, com efeitos gratuitos e sem profundidade.

Independente dos festivais, artistas como Eduardo Kac, Mariana Manhães e Paulo Nenflidio e o coletivo Gambiologia me inspiram com suas obras. O que eu acho legal no trabalho deles é que eles destróem o vínculo entre tecnologia e utilitarismo, permitindo experimentar a tecnologia também para fins estéticos. O teclado de furadeiras do Paulo Nenflidio é um exemplo dramático dessa profanação.

Conclusão

Resumindo, qualquer atividade humana que envolva um baixo grau de formalização pode trazer inspiração a um designer de interação. Devido ao computador ser um meio onde as interações estão altamente formalizadas, minha recomendação principal é sair da frente do computador quando for buscar inspiração nem que seja para assistir a um filme numa outra tela menos formalizada.

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Na maioria dos casos, o tema da pesquisa não justifica o instrumento. O questionário é uma ferramenta para pesquisa com grandes amostragens, na casa das centenas de participantes. Os convites que recebo é para pesquisas sobre assuntos tão específicos que apenas umas poucas pessoas poderão responder. E da maneira como o convite é feito ? impessoal, enviado para uma lista de discussão, sem uma promessa de compartilhar resultados ? eu já consigo prever que a taxa de retorno será muito menor do que uma centena.

Se a amostragem é pequena, faz mais sentido fazer uma entrevista pessoalmente, por telefone, ou por Skype. Uma única entrevista é capaz de ir muito mais a fundo no assunto do que algumas dezenas de questionários respondidos. É claro que não terá a mesma diversidade do que os questionários, mas de que adianta ter diversidade se não há aprofundamento?

Além da entrevista, existem uma porção de outros métodos que podem ser usados para pequenas amostragens: etnografia, sondas culturais, história oral, etc. Um dos diferenciais do design de interação é justamente ir a campo, encontrar o usuário, compreender o seu contexto. Por que deveria ser diferente na pesquisa acadêmica sobre o assunto?

Das duas uma: ou o pesquisador não dispõe de recursos para ir a campo ou o orientador acadêmico não considera os métodos de pesquisa de design de interação científicos o suficiente. O questionário é um instrumento que pode ser elaborado no conforto do escritório com ferramentas que geram dados estatísticos automaticamente. Os gráficos e porcentagens fazem a pesquisa parecer mais científica do que ela realmente é, pois com pequenas amostragens, não dá pra generalizar e dizer que é válido para uma grande população.

Uma pesquisa via questionário é mais fácil de organizar, permite maior controle do orientador e gera resultados que parecem mais científicos. Porém, de um modo geral, ela não ajuda a clarificar o fenômeno estudado. Se a pesquisa é sobre difusão das práticas de design de interação no mercado (um tema que sou frequentemente convidado apesar de estar na academia no momento), de que adianta saber quantas pessoas estão fazendo testes de usabilidade? Existem muitas outras práticas de design de interação que, inclusive, não constam na literatura acadêmica. O rabiscoframe, por exemplo, é um híbrido de wireframe com protótipo de papel que é bem característico dos estúdios brasileiros.

Em 2005 eu já havia alertado para não confundir teste de usabilidade com projeto centrado no usuário. Uma coisa não implica na outra. Acontece muito de uma empresa querer uma avaliação no final de um projeto que não foi centrado no usuário. Também acontece de haver projetos centrados no usuário em que o teste de usabilidade não é organizado.

Enviar questionários para confirmar hipóteses tais como "as empresas não permitem que os profissionais utilizem todos os métodos que conhecem" ou "faltam recursos de tempo e dinheiro para involver usuários no projeto" é perda de tempo. Uma métrica dessas não vai ajudar nem a academia a aperfeiçoar a produção de métodos nem tampouco ajudar os profissionais de mercado a conseguir mais recursos.

Mais interessante do que mensurar a aplicação de métodos acadêmicos na prática (teste de usabilidade surgiu na academia), é estudar os métodos criados pela prática e as adaptações feitas nos métodos acadêmicos para situações de poucos recuross. Isso sim gera conhecimento útil não só para a academia, como também para os próprios profissionais de mercado.

Eu não acho que a pesquisa via questionário seja de todo ruim. Eu mesmo já utilizei em vários projetos. Numa consultoria para o Flogão, a gente enviou um questionário para todos os usuários e recebemos 900 respostas. O resultado nos surpreendeu: a customização de cores era a funcionalidade mais amada pelos usuários. Na minha pesquisa de mestrado sobre a comunidade BrOffice.org, utilizamos os dados na pesquisa feita no registro do produto, mais de 3 mil respostas. Em ambos os projetos, o questionário não foi o único instrumento de pesquisa, sendo triangulado com entrevistas e etnografia virtual.

Outro projeto com questionário que desenvolvi no mestado foi a pesquisa "O Orkut mudou minha vida". Montei um questionário piloto, aperfeiçoei as questões, validei em mensageiros instantâneos, e ainda envolvi os respondentes como participantes pesquisadores. Ficou tudo documentado aqui no Usabilidoido e no artigo resultante.

Se você está pensando em utilizar questionários para o seu TCC ou dissertação de mestado, pense duas vezes. Se o problema é falta de tempo, faça algumas entrevistas. Você economiza tempo no planejamento, que não precisa ser tão rigoroso quanto no questionário. Se o problema é vergonha/falta de prática de conversar com pessoas estranhas, faça uma etnografia virtual. Leia o que já foi dito nas comunidades virtuais, listas de email, etc. Se o problema é o orientador que exige dados quantitativos, argumente, defenda a prática essencialmente qualitativa do design de interação. Se você não fizer isso, quem irá fazer?

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Na época essa expansão estava começando; hoje posso dizer que já está consolidada. As funcionalidades para interação com outros usuários são consideradas prioridade no desenvolvimento de novos aplicativos. A palavra ?social? se tornou um jargão da área, apesar de que num sentido bem restrito, como algo a ser adicionado e não o material em si.

A obra Lonely Sculpture faz uma paródia da banalização do social em projetos interativos. O social acaba virando um fim em si mesmo, sem qualquer significado humano. O botão com a funcionalidade social é apertado sem que isso gere qualquer mudança nas relações entre as pessoas.

Quando o social é considerado seriamente, a história aparece como recurso fundamental para designers de interação. Na minha defesa de mestrado, utilizei o exemplo dos eletrodomésticos do pós-guerra que trouxeram a linguagem visual das máquinas industriais para dentro da cozinha com o objetivo de atrair as mulheres de volta ao lar após passar anos trabalhando nas fábricas para substituir os homens no fronte de batalha. O botão não está ali à toa; ele tem um significado profundo.

Compreender esse contexto é mais fácil quando se fala do passado, pois muitas pessoas já fizeram o trabalho de refletir e interpretar o que estava acontecendo. Difícil é fazer esse trabalho no presente, quando a história ainda está sendo escrita. Eu acredito que essa é uma característica fundamental para designers de interação: compreender a sociedade contemporânea à partir de seus hábitos de uso da tecnologia.

Nas minhas aulas sobre design de interação, gosto de usar a cebola dos contextos para explicar a diferença entre Engenharias, Design de Interface e Design de Interação. A pesquisa de campo é a prática que expande a consciência do designer do contexto técnico rumo ao social.

Mas aí fica a questão, se o material do design de interação são as relações sociais, como lidar com esse material na prática? Basta fazer pesquisa de campo?

A tese de doutorado de Andrea Botero, uma pesquisadora colombiana que conheci num congresso na Suécia, propõe uma expansão no papel do designer, indo além de dar forma ao botão para apoiar a evolução conjunta da tecnologia e da comunidade de usuários.

No trabalho da Andrea percebo uma expansão acontecendo no design para além da interação. O produto é projetado para proporcionar não só uma interação específica, circunstancial, efêmera, mas uma interação contínua, um processo de longa duração. A palavra interação já não consegue mais captar o que é, por isso a Andrea utiliza o termo communal endeavour, que eu traduziria como "esforço comunitário".

Na prática profissional, o termo Experiência do Usuário (ExU) está sendo usado para abarcar essa expansão, o que na minha opinião não é muito produtivo. Além de ser um termo vago e difícil de explicar para investidores, não atende à  demanda social atual. Hoje em dia, as pessoas não ligam se a experiência de uso é boa ou ruim tanto quanto se ela pode fazer algo junto com outras pessoa. O usuário vai onde a galera estiver, pois a experiência que ele busca é social, não tecnológica.

Na minha pesquisa de doutorado, estou utilizando o termo atividade. Tento com ele capturar a convergência e coerência de várias interações, ou seja, o motivo pelo qual elas acontecem. A resposta não está na tecnologia em si, mas no processo social que antecede a própria tecnologia. Dando esse passo atrás, acredito que poderemos dar vários passos à frente.

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Estas duas abordagens surgiram em contextos distintos, porém, com a publicação em vias internacionais, se espalharam por todo o globo. Atualmente elas se encontram misturadas aqui e ali, porém, vale à pena rever suas origens para compreender suas potencialidades.

O design centrado no usuário surge nos Estados Unidos no bojo da popularização da computação pessoal. Os sistemas computacionais eram projetados até então para serem operados por especialistas em computação e, quando um especialista em outro assunto ia usar, tinha grande dificuldade.

As pesquisas de Inteligência Artificial prometiam minimizar as interfaces de usuário, evitando assim o famigerado "erro humano". Algoritmos conseguiriam antecipar as necessidades dos usuários e entregar o resultado direto. A dificuldade de implementar tal proposta levou pesquisadores da cognição humana a formular uma abordagem menos formal em que o usuário seria essencial ao projeto, ao invés de um fator de risco.

O design centrado no usuário coloca a culpa dos "erros humanos" em parte nos sistemas computacionais, que não levaram em conta as características cognitivas de seus usuários, apresentando interfaces confusas que induzem ao erro. Além de prevenir o erro humano, o design centrado no usuário propõe uma série de outras qualidades para os sistemas computacionais do ponto de vista do uso, sendo a mais conhecida a usabilidade.

O conceito fundamental no design centrado no usuário é a diferença entre o modelo mental do designer e do usuário. Quando o usuário interage com o sistema, ele constrói um modelo mental à partir das experiências prévias com sistemas similares, porém, esse modelo pode ser diferente do que o modelo que o designer construiu para projetar o sistema. Os métodos de design centrado no usuário visam aproximar o modelo do designer ao modelo do usuário, para que a interação com o sistema seja intuitiva, ou seja, para que o usuário reconheça seu próprio modelo no sistema.

O método paradigmático em relação a esse conceito é o card-sorting, porém, o teste de usabilidade também visa investigar a mesma disparidade. O objetivo dos métodos é gerar representações dos usuários que tornem a sua presença no processo de design desnecessária, apesar de servir como referência abstrata para o projeto. Embora o usuário esteja no centro do projeto, ele não participa das tomadas de decisão.

O design participativo surge na Escandinávia, no bojo da reivindicação por maior participação nas tomadas de decisão acerca das condições de trabalho feita pelos sindicatos de trabalhadores. A introdução da informática em postos de trabalho preocupava os trabalhadores pois podia tornar o conhecimento dos trabalhadores obsoletos, gerando desemprego.

Pesquisadores da Computação propuseram, ao invés de importar sistemas computacionais, desenvolvê-los localmente. Se os trabalhadores participassem do projeto desses sistemas, poderiam evitar de serem considerados obsoletos. Estes pesquisadores estavam também preocupados em tornar a pesquisa científica mais útil à comunidade e, desenvolvendo projetos assim, se tornaram pioneiros na pesquisa-ação em Computação.

O conceito fundamental do design participativo é a apropriação tecnológica. Apropriar-se significa manter o domínio sobre a tecnologia, compreender como ela foi desenvolvida e ter a capacidade de modificá-la quando necessário. Um projeto que conta com a participação dos trabalhadores teria maior chance de ser apropriado na prática, pois eles compreendem como foi feito e conhecem as possibilidades de uso.

Embora os proponentes do design participativo evitem sistematizar sua prática em métodos que possam ser reproduzidos em qualquer contexto, é possível perceber sua influência no desenvolvimento de métodos como oficina participativa, desenvolvimento ágil, prototipação "rápida e suja", dramatização de cenários e jogos de design.

Recentemente, esses métodos foram sistematizados e apropriados pelo design centrado no usuário para aumentar a chance de apropriação local de sistemas globais, deixando de lado a intenção emancipatória original do design participativo. Os métodos são aplicados como exercícios isolados de participação, sem um comprometimento em implementar as propostas do usuário.

Por outro lado, o design participativo também se apropria dos métodos desenvolvidos pelo design centrado no usuário quando a computação pessoal passa a ser utilizada em contextos diferentes do trabalho, como o lar. A dispersão geográfica de comunidades dificulta a realização de oficinas participativas presenciais, levando o design participativo a experimentar com métodos de representação construídas pelas próprias pessoas para informar o design à distância, configurando uma presença na ausência. Sondas culturais, plataformas online de colaboração, e questionários são utilizados pelo design participativo para superar essa dificuldade.

As diferenças de contexto econômico e político destas duas abordagens não favorecem sua fusão, embora esta tenha já sido proclamada por parte do design centrado no usuário.

Considerando a importância atual do comércio de sistemas computacionais na economia global, pode se considerar o design centrado no usuário como hegemônico, enquanto que o design participativo uma resistência a essa hegemonia. Outras abordagens se juntam ao design participativo na resistência, como o design crítico e o design livre. Enquanto que a hegemonia trabalha para mimar o usuário suprindo necessidades e estimulando desejos, a resistência trabalha para fortalecer a autonomia das pessoas em definir e suprir suas próprias necessidades.

Eu tomo o lado da resistência, apesar de respeitar os que preferem estar do lado da hegemonia. Na verdade, hegemonia e resistência não se separam assim tão claramente e, para promover mudanças, é preciso agir em ambos os lados. Acho bacana a apropriação dos métodos de design participativo pelo design centrado no usuário, porém, não concordo com a declaração de uma coisa faz parte da outra. Essa diluição gera acomodação, como se já estivesse tudo resolvido. Para promover a participação verdadeira na origem de projeto, é preciso manter a dissonância.

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Não me surpreendi nem um pouco de que o objeto mais frequentemente exposto era uma cadeira. Eu já perguntei a diversos designers por que a cadeira tem esse papel icônico na profissão, inclusive, até vi uma cadeira perguntar isso no livro Design Livre.

As respostas que ouvi nunca me satisfizeram: "É um objeto simples", "com várias possibilidades", "apresenta desafios práticos de sustentação". Existem vários outros objetos com estas características, porém, a cadeira prevalece.

Eu não acredito que a origem deste fenômeno esteja nas características intrínsecas ao objeto já que estas características mudam de tempos em tempos. A cadeira abaixo vista em Milão poderia nem ser considerada uma cadeira há alguns anos atrás e talvez para alguns ainda não seja uma cadeira nos dias de hoje.

Na minha antiga coluna para a Tramontina Design Collection, descrevi a cadeira como o resultado de uma interação entre o comportamento dos usuários e o design:

O que é uma cadeira? Um objeto que serve para sentar, ou melhor, que foi feito para sentar. Uma cadeira também serve para ficar em pé e alcançar coisas no alto do armário, apoiar temporariamene mochilas e bolsas ou brincar de nave espacial, mas certamente ela não é tão adequada para estes usos desviados. [.] cadeira não é feita pra ficar em pé porque temos o costume de sentar nelas. Se insistimos em deitar, seu design poderá ser atualizado para dificultar ou facilitar tal ação.

Em Milão eu vi uma série de cadeiras muito elegantes que acompanhavam a mudança de comportamento do Europeu no sentido da sustentabilidade e apreciação da Natureza.

Esta mudança implica na produção localizada e no faça-você-mesmo. A cadeira abaixo é impressa em 3D e pode ser reciclada para imprimir outras coisas quando o dono enjoar dela.

A interação entre design e comportamento é uma boa explicação para a forma de uma cadeira em particular, porém, não resolve a questão inicial.

Há alguns anos atrás, o Hugo Cristo colocou um comentário neste blog que me fez escrever um post inteiro sobre depois. Eu vou repetí-lo porque só agora compreendi uma coisa:

O que é uma cadeira? Um assento, pés e um encosto? A relação entre assento, pés e um encosto? Ou a relação entre qualquer coisa que desempenhe o papel de assento, de pé e de encosto, naquele contexto sócio-histórico? Quando a cadeira vira banco? Quando quando substituímos uma das partes, quando tiramos uma das partes, ou quando mudamos as relações entre elas? Estou perguntando conceitualmente, é claro. Não falo de nenhuma cadeira em especial e de todas as cadeiras ao mesmo tempo.

Nas minhas primeiras leituras sobre o materialismo dialético eu tinha entendido que a abstração tinha menor valor do que as coisas concretas. A cadeira em geral é uma uma abstração, logo, não me interessava. Eu queria tratar de cadeiras específicas, que era onde via a possibilidade de mudança prática no dia-a-dia. Porém, após ler Engeström e Lefebvre na minha pesquisa de doutorado, estou convencido de que é preciso também repensar os conceitos que dão origens às coisas para promover mudanças sustentáveis.

Minha noção de conceito era individualista. Eu pensava que um conceito era uma ideia que poderia diferir de uma pessoa para a outra. Mas não é isso que conceito significa no materialismo dialético. Conceito é uma coisa coletiva, compartilhada, construída socialmente ao longo da história de uma sociedade. A reinterpretação e modificação do conceito por uma pessoa individual existe mas enfrenta resistência no social. Essa resistência é sintoma da materialidade do conceito, que apesar de não ser físico é muito concreto.

Veja, por exemplo, os banquinhos expostos na galeria sobre design brasileiro em Milão assinados como "design anônimo". Estes bancos não estão questionando o conceito de cadeira, mas sim o conceito de design, pelo contexto em que estão exibidos. Para muitos designers, o conceito de design está muito ligado ao conceito de autoria por isso embora estes bancos não tenham um autor que se proclama, chama-se o autor de anônimo. Na verdade, os bancos não tem autor porque eles não foram criados com base no conceito de autoria. A inclusão destes trabalhos em tão privilegiado local contribui para liberar o conceito de design do conceito de autoria, uma das propostas do design livre.

Então a chave para a resposta da minha pergunta inicial estaria no conceito de cadeira? Sim, mas não nas suas características e sim na sua origem. Para Engeström, o formação de um conceito parte de uma célula germe, a abstração baseada na experiência sensorial, que é:

• Ubíqua, ou seja, está em toda parte e passa desapercebida
• Abre uma perspectiva para múltiplas aplicações
• A menor e mais simples parte de um todo complexo
• Carrega em si a contradição fundamental do todo complexo

A meu ver, a célula germe que dá origem ao conceito de cadeira em nossa sociedade é o conforto. O conforto é uma relação positiva entre o corpo humano e um objeto ou ambiente, porém, não se trata de um encaixe. Já que o corpo humano está em constante mudança devido a processos biológicos e sociais, o conforto é dinâmico. Uma posição confortável dura pouco e logo é preciso se ajeitar de novo, ou seja, trata-se de uma interação entre corpo e objeto.

O conforto se tornou ubíquo em nossa sociedade a partir do momento em que nos tornamos sedentários e, ao mesmo tempo, hiperativos. Nosso corpo está parado, mas nós não podemos nos satisfazer com isso, precisamos agir: assistir televisão, conversar, trabalhar no computador, checar o celular. O conforto é precisamente essa dinâmica de se ajeitar aqui e acolá para fazer algo. No seu interior encontra-se a contradição entre o sedentarismo e a inquietude da vida urbana, o todo complexo.

A cadeira é o objeto preferido porque está no limiar dessa contradição: a pessoa sentada numa cadeira não está nem completamente relaxada, nem completamente ativa. O conceito de cadeira permite que a célula germe, o conforto, se desenvolva de formas muito variadas, daí a diversidade de cadeiras encontradas em Milão.

A célula germe e o conceito não são absolutos e mudam conforme o tempo, pois são coletivos. O objeto preferido dos designers pode ser o telefone celular caso voltemos a viver como nômades, por exemplo. Na verdade, o que é mais provável é que a célula germe que sucede o conforto já esteja aí, carecendo de um conceito.

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Segue as perguntas dele, com minhas respostas. Quando a pesquisa dele estiver disponível, avisarei no twitter.

Você acredita que o design de serviços públicos pode responder às insatisfações populares relacionadas aos serviços públicos que foram externadas, especialmente, à partir dos protestos de junho de 2013?

O cidadão brasileiro manifestou sua insatisfação com os serviços públicos em junho de 2013, mas o governo respondeu com pedidos de paciência. Ao invés de canalizar essa insatisfação para fazer algo produtivo, enfim, envolver a sociedade na melhoria dos serviços público, o governo preferiu abafar as manifestações.

Conforme expressei no meu artigo "O que o design pode fazer pela política brasileira" o maior potencial do design não está nos que ele entrega, mas no seu processo. O processo de design poderia ser uma forma organizada e criativa de construção de opções, muito mais engajante do que simplesmente votar dentre opções pré-definidas.

Estou acompanhando o crescimento de iniciativas privadas que exploram essa demanda de participação com certa preocupação. Como essas organizações não são geridas de forma transparente, fica fácil de serem manipuladas pela política oficial.

Como a abordagem do design centrado no usuário pode favorecer na construção de serviços públicos melhores?

Incluir o usuário no design de serviços públicos é um primeiro passo para um diálogo mais construtivo entre sociedade e governo, porém, permanece o risco de manipulação política. O projeto é apresentado como centrado no usuário mas no final das contas sua função principal é reeleger um candidato.

Para identificar se este é o caso basta comparar o discurso com a prática de design. Que usuário está no centro? De baixa ou de alta renda, de bairro central ou de periferia, de pele negra ou de pele branca? Com que métodos de design ele é incluído? Qual é o grau de interferência que o método permite no design do serviço público? O processo como um todo é transparente e disponível para consulta pública? Os usuários poderão continuar participando depois que o design for implementado?

Essas duas últimas questões são fundamentais para a sustentabilidade do serviço, pois as eleições costumam mudar tudo de um governo para o outro. Se o processo de desenvolvimento está bem documentado e e se a população avalia o serviço constantemente, fica mais difícil para uma nova gestão destruir o que já foi construído. Por isso defendo o design livre como política pública.

Diante do atual cenário político-social brasileiro, há espaço para inovação nos serviços públicos? Quais são os principais desafios nesse sentido?

Eu acredito na inovação que vem de baixo, seja pela pressão da população, seja pelas soluções improvisadas que funcionários públicos bem intencionados dão para ajudar o usuário. Se não fosse por essas inovações corriqueiras, esse "jeitinhos" bem dados, o governo brasileiro já tinha entrado em colapso devido à extrema burocracia. Por outro lado, esse jeitinho eventualmente descamba na corrupção.

Vejo aí a possibilidade de valorizar o jeitinho bem dado, oferecendo ao funcionário público algum tipo de benefício em troca da documentação do jeitinho, que poderá ser usada para aperfeiçoar o serviço numa escala maior ou mesmo para avaliar a legalidade das transações.

Qualquer inovação nesse setor tem que partir da premissa que as coisas não irão ocorrer como planejado, pois os brasileiros, em especial os funcionários públicos, estão acostumados a fazer as coisas acontecer dentro de estruturas absolutamente ilógicas. O design de serviços públicos deve oferecer alternativas a essas estruturas, que não irão mudar de uma hora para outra.

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Vídeo

Slides

Antigamente as crianças brincavam livremente nas ruas e as brincadeiras evoluiam e mudavam ao longo das gerações e dos deslocamentos geográficos. As brincadeiras de criança mantinham a cultura da criança, com seus próprios valores e reflexões. Hoje essa cultura está ameaçada pelos videogames, que colocam tudo em caixas pretas. Existem exceções, é claro, mas a maioria dos games não favorece a expressão cultural dentro de um grupo de crianças.

Porém, antes da programação existe o design. Mesmo que a criança domine a programação, se ela não dominar design, não conseguirá expressar seus valores. Design é o processo de organizar as ideias de uma maneira que um projeto se torna implementável e relevante no seu contexto social. Programação sozinha não faz milagre, é preciso haver um design por trás e esse design precisa ser tão livre quanto o código-fonte da programação. Se o design é livre, então a cultura da criança pode continuar ativa nessa transição da rua para o computador.

Além da palestra, demos também um workshop sobre design e programação para crianças, baseado no livro Brincando de gato e rato dentro do computador que estava lançando na ocasião. O livro apresenta conceitos como programação orientada a objetos, lógica de programação e design de jogos de maneira muito suave, dentro de uma história típica: a rixa entre gatos e ratos. Os participantes do workshop brincaram com os personagens da imaginação do meu filho, que são derivados de seus bichinhos de pelúcia, no espaço de programação do Scratch. Foi quase como se tivessem visitado o quarto de casa, com os brinquedos espalhados pelos cantos!

É claro que fiquei orgulhoso de ver meu filho falando com desinibição, mas vale ressaltar que esse tipo de conversa a gente tem com frequência em casa e não só da minha parte, mas da parte da mãe dele também! Por isso fluiu naturalmente.

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A criança tem uma ideia e projeta essa ideia num objeto. O objeto é modificado, seja no seu significado, uso, ou funcionamento. As modificações mais radicais acontecem quando objetos são combinados de forma inusitada. Novas ideias surgem à partir dessas modificações e o projeto avança.

O projeto, vale lembrar, acontece sempre dentro de uma estória. A criança projeta para atuar na estória, contracenando com outras crianças e adultos. A narrativa, assim como o projeto, combina elementos reais e imaginários e permite a criança considerar outras possibilidades de atuação. A narrativa dá sentido ao projeto e o projeto, por sua vez, dá continuidade à narrativa. Os vídeos da etnografia Território do Brincar mostra isso claramente.

Os objetos podem também ser o ponto de partida de uma narrativa. Isso é facilmente observável se a criança for levada para um ambiente estranho, com objetos que ela não conhece, onde ela deve esperar por algum tempo um adulto fazer algo. A criança dá sentido à situação sem sentido.

A criança explora propiciações que jamais adultos considerariam. Aperta aqui, puxa dali, entorta, tenta de outro jeito. A criatividade no uso pode ir muito além da criatividade no projeto. Veja como a cadeira abaixo se transforma, pouco a pouco, num escorrega.

Crianças que são estimuladas apenas a brincar com brinquedos industrializados da maneira como eles foram projetados para ser brincados, não desenvolvem a habilidade de projetar no mesmo grau.

Brinquedos com formas realistas demais, materiais inflexíveis, marcas, manuais de instrução são as várias formas como a indústria de brinquedos evita que o projeto da criança aconteça espontaneamente. O brinquedo perde a graça rapidamente e o consumismo impera.

Por outro lado, brinquedos feitos com materiais flexíveis, modificáveis, de formas genéricas, customizáveis, modulares, tem maior durabilidade, em termos de diversão. O esforço inicial de brincar é maior, pois o sentido não vem embutido.

Algumas pessoas perdem esse despudor de projetar livremente quando crescem, outras mantém. As escolas que trabalham com pedagogia de projeto ajudam a manter e a desenvolver as habilidades de projetar, porém, em última análise, esta é uma questão social. Se a escola é um oásis no meio de uma sociedade que inibe a liberdade de projetar, não há garantia alguma de que a criança desenvolverá estas habilidades. Pode acontecer o contrário, da criança se sentir envergonhada porque em casa brinca somente com brinquedos de madeira, enquanto que o amigo brinca com bonecos de personagens de televisão famosos.

O professor Antonio Fontoura defende que design seja parte do currículo escolar básico. Eu acho uma boa ideia, porém, sem uma cultura de projeto, não fará sentido. Em primeiro lugar, é preciso desfazer essa noção de que só designer profissional faz design. Como a gente diz no Design Livre: "libertar o design do designer". Sem isso, como justificar que toda criança deve aprender design?

Em segundo, é preciso tratar as crianças como especialistas, ao invés de alunos. Trabalhar à partir do que elas já sabem fazer e expandir. Os materiais devem ser os disponíveis na região. A pluralidade de materiais, métodos, ferramentas, sentidos deve ser o principal valor a ser cultivado.

Em terceiro, a mudança deve ir além da escola. Programas de televisão, revistas, websites, lojas de brinquedos teriam que dar mais espaço ao projeto infantil. Haveriam concursos, exposições, e prêmios para o design das crianças.

O design já é livre enquanto criança. Se mantermos ele livre o resto da vida, então teremos um outro tipo de sociedade, menos consumista creio eu.

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Os participantes discutem sobre uma opressão que alguns dele tenha vivenciado e então montam uma cena congelada que expressa a opressão. A platéia interpreta a cena e sugere possibilidades de movimentos para libertar o oprimido da opressão. Eventualmente, membros da platéia remodelam o corpo dos atores ou os substituem. O teatro-imagem só termina quando os participantes acreditam que a ação encenada pode libertar o sujeito da opressão.

A proposta do Teatro do Oprimido é ajuda o oprimido a lidar com a opressão, estar preparado para dar uma resposta libertadora da próxima vez que acontecer, ao invés de manter o status quo dominante.

Seguem alguns exemplos de aplicação desta técnica para a mudança organizacional em favor da experiência do usuário, criadas pelos alunos do curso de mesmo nome.

Os flanelinhas de mouse

Quem trabalha com design gráfico já passou por essa situação: um sujeito fica atrás de você, pedindo pra mudar um elemento na tela do computador mais pra cá, mais pra lá... que nem um flanelinha. Pegar o mouse e fazer que é bom, necas! O designer fica numa situação bastante complicada, pois perde a sua autonomia criativa.

O interessante da solução proposta no vídeo acima é que o designer fica numa posição de igualdade com relação ao opressor. A diferença entre estar em pé e estar sentado marca nitidamente a diferença de poder entre os papéis, seja cliente ou diretor de arte.

O problema é que essa diferença não é interessante para resolver a criação, pois não se trata de uma questão de disciplina, e sim de co-autoria.

A forma como essa solicitação de co-autoria é feita muitas vezes acaba provocando a saída do designer da autoria. Como ele não está numa posição favorável para contrargumentar, desiste da autoria e passa a fazer tudo o que o outro sugere, enfim, a operar o mouse.

Quando eu trabalhava com design de páginas web, 10 anos atrás, tive um projeto em que tive que fazer 8 layouts diferentes para um cliente exigente. O atendimento da agência só trazia as solicitações do cliente e nunca levava minha defesa. Eu fiquei tão irritado com a situação que publiquei uma página web contando o causo.

Dois anos depois, quando eu já nem trabalhava mais na agência, recebo uma ligação do cliente solicitando que a página seja tirada no ar, pois estava aparecendo no Google antes da página oficial deles. Claro, eu tinha falado pra não fazer tudo em Flash, mas o atendimento não soube explicar a diferença. Eu tirei a página do ar, mas resolvi republicar a história a título de recordação, sem o nome da empresa, é claro.

Se eu tivesse visto o teatro-imagem acima, certamente teria agido diferente. Eu reagi à opressão com a mesma violência simbólica. Só pedindo demissão da agência, um ano depois, que consegui me libertar dela. Porém, minha atitude prejudicou o cliente ao invés de ajudá-lo, que era o objetivo de meu trabalho.

O designer barrado

Um designer (esquerda) tenta entrar em contato com os futuros usuários (direita) de um novo produto e é barrado pela estrutura organizacional (os guardas no centro). Essa imagem mostra uma das maiores dificuldades que os profissionais que trabalham com experiência do usuário enfrentam: obter carta-branca para fazer pesquisas com os usuários.

O designer diz uma coisa muito interessante: às vezes a opressão é mais sutil do que uma pessoa dizendo não. Embora a empresa diga que você pode fazer as tais pesquisas, na prática não há tempo nem dinheiro para fazer isso na maioria dos projetos. Chega uma hora que ou o designer sai da empresa ou internaliza a dificuldade, aceitando a opressão como natural.

O movimento libertador achei genial. Entrar em contato com os usuários pela via informal, encontrando pessoas próximas na rede de amigos que se encaixam no perfil. Já que eu fazia o papel de curinga no teatro, não falei a minha interpretação do movimento, mas eu vi a possibilidade subversiva do designer ajudar os usuários a se organizarem melhor contra a baixa qualidade do produto.

A ditadura do tempo e do dinheiro

A terceira imagem é a mais didática de todas. Nessa ocasião, pudemos ensaiar vários movimentos libertadores diferentes. A libertação aconteceu de forma gradual, o que permitiu uma análise minuciosa de um problema que é considerado insolúvel: a limitação de tempo e de dinheiro.

O cliente no lado esquerdo é o portador do dinheiro e do tempo, que são fixos. À primeira vista, estes dois elementos parecem ser as fontes da opressão, porém, conforme o teatro avança, a platéia percebe que na verdade a opressão acontece pela gestão e não pela limitação de recursos.

Acho bem importante desconstruir a limitação do tempo e do dinheiro pois volta e meia qualquer discussão que tenta mudar o status quo acaba empacando em "Nós não temos tempo e nem dinheiro sobrando. Não dá pra fazer diferente..." É claro que dá! Sempre dá pra fazer diferente, só que é preciso mudar as estruturas de poder e de gestão e nem sempre as pessoas estão dispostas a isso.

Oportunidades

O curso mencionado foi a primeira vez que usei o teatro-imagem. Fiquei impressionado com o poder de fazer vir à tona questões difíceis de explicar. A forma como essas questões são trabalhadas, permitindo múltiplas interpretações, sem ter um certo ou errado, abre caminho para trabalhar conflitos sem polarizar discussões.

O próximo passo é aplicar a técnica dentro de uma organização específica. Acredito que os resultados devem ser ainda mais interessantes, pois a cena terá maior riqueza de detalhes e contextualização. Isso sem falar na possibilidade de gerar o compromisso de mudança durante o teatro.

Se você quiser levar o teatro-imagem para a sua organização, veja especialmente o último vídeo. Se precisar da minha ajuda, entre em contato.

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O artigo é sobre ideologias no design, um tema que a gente já vinha trabalhando desde 2010. Na época, a gente mandou junto com o Renato Costa um artigo para o congresso P&D dizendo que o discurso da produção racional acabava escondendo as ideologias que o design promove, por exemplo, o consumismo. A gente propunha em contrapartida o método do humor, desenvolvido pelo Gonzatto quando ele estudava no Faber-Ludens. O humor cria uma situação social mais propícia para fazer críticas abertamente, pois se alguém se ofender é só dizer: "brincadeirinha..."

Um dos exemplos analisados no artigo é a oficina superpopulosa de design de piadas organizada pelo Gonzatto no NDesign 2010.

Sinal de que a gente meteu o dedo na ferida do design foi a rejeição do artigo pelo comitê científico do congresso. Disseram que a gente estava usando referências científicas ultrapassadas, tipo Michel Foucault... Ok. Submetemos ao SBGames e o artigo foi publicado.

Ano passado saiu uma chamada para uma edição especial da Digital Creativity sobre Ficções de Design procurando projetos que estejam pensando o impacto social de novas tecnologias, numa perspectiva crítica. Nesse meio tempo, Gonzatto começou o seu mestrado e decidiu trabalhar com um autor brasileiro relativamente desconhecido, o filósofo Álvaro Vieira Pinto. Esse filósofo criticava a ditadura militar brasileira por confiar demais na tecnologia como agente de desenvolvimento. Ele chamava esse tipo de ideologia de futurologia, que tenta usar o futuro como uma promessa política no presente.

No Faber-Ludens, a gente já tinha desenvolvido alguns projetos de Ficções de Design, apresentados na minha palestra no Cadut. Na minha disciplina de Fundamentos de Design de Interação, eu fazia questão de mostrar além das teorias tradicionais de IHC. Eu mostrava as ficções criadas pelo Royal College of Art, que eles chamam de Design Crítico. Quando eu mostrava pros meus alunos (incluindo o próprio Gonzatto) eles ficavam desconfiados: "O que é que tem de crítico nisso?" Quem quiser escutar a discussão, a gravação da aula está disponível aqui no Usabilidoido.

O crítico do design crítico já não era mais crítico quando saia de contexto. Apesar de estarem cientes dessa limitação, os professores do RCA Anthony Dunne & Fionna Raby defendiam que o usuário precisava ser provocado para sair do seu estado de alienação das ideologias do design.

Apesar da gente simpatizar com a proposta do Design Crítico, eu e o Gonzatto não conseguíamos aceitar essa ideia de que o usuário é alienado. O uso para nós é um ato criativo que se baseia na consciência das condições de ação. O chamado estado alienado é nada menos que uma tática para sobreviver ao bombardeamento de informação diário. Tem um propósito.

O que nos preocupa não é alienação do indivíduo, mas a possibilidade de conscientização coletiva. As pessoas já estão resistindo à sua maneira à massificação, porém, se elas se unirem, existem possibilidade real de evitar injustiças, tais como o etnocentrismo. Nossas discussões acabaram nos levando a pensar um outro paradigma de design, que o Gonzatto deu o nome de Design Livre.

O bacana do autor que ele escolheu pra trabalhar no mestrado é que ele oferece uma perspectiva sobre ideologia diferente do que se costuma estudar em teorias sociológicas. Em geral, ideologia é visto como um fator externo ao sujeito, que no caso do capitalismo justifica a exploração e no caso do comunismo enobrece o pertencimento ao coletivo. Pro Vieira Pinto, a ideologia é uma produção constante de sentido, tanto pelo sujeito, quanto pela sociedade. Ele acreditava que era possível um outro tipo de ideologia, uma ideologia capaz de libertar o Brasil do estado de dependência política e tecnológica em que se encontrava.

O artigo que a gente publicou compara três pólos de produção de ficções de design: Microsoft Office Labs, com o seu famoso Microsoft 2019, o Royal College of Art já citado, e o Faber-Ludens. O primeiro tenta garantir que o futuro do usuário está em boas mãos, visualizando o futuro como uma continuação do presente. O segundo obriga o usuário a refletir sobre os possíveis impactos negativos ou ridículos das novas tecnologias. O terceiro utiliza o método do humor para criar narrativas abertas, com a participação de usuários. O artigo explica em detalhes.

A gente tá pensando no futuro em fazer alguns estudos de recepção, algo como um teste de usabilidade das ficções de design. Talvez isso ajude a perceber concretamente como essas ideologias são produzidas e reproduzidas. Se você estiver interessado em colaborar com nossas pesquisas, entre em contato!

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As metáforas desempenham um papel fundamental na linguagem falada e escrita e, por conseguinte, na linguagem da interação, esta que a gente usa para comunicar-se através do computador. "Desktop", "janelas", "pastas", "menus", nada disso existe literalmente dentro do computador. Se existisse fisicamente, o computador seria analógico e não digital, conforme a paródia abaixo.

Antes das metáforas, os sistemas operacionais eram crípticos, um amontoado de números para os leigos. Em sistemas baseados em linha de comando, era preciso recitar algumas palavras-mágicas e dedilhar acordes no teclado para conseguir fazer qualquer coisa. Quem não tinha boa memória, colava papéis-adesivo com os comandos mais freqüentes em volta do monitor.

Para se dar bem com o MS-DOS, era preciso ter grande capacidade de abstração. Para resolver problemas, o usuário tinha que ter um afiado modelo mental da arquitetura eletrônica do PC: saber a diferença entre memória convencional e estendida, administrar conflitos de portas de interrupções (IRQ), identificar a porta COM do mouse e a LPT da impressora! Ainda bem que o Windows tirou o PC da idade das trevas e trouxe as boas metáforas usadas pelo Macintosh.

Uma boa metáfora faz sentido tanto para quem fala quanto para quem escuta. Uma metáfora ruim é entendida apenas pelo seu criador. Elaborar metáforas é uma atividade extremamente criativa e excitante e o produto final é tão imbuído de vida quanto as criaturas que saem do calderião da bruxa malvada. O criador fica tão fascinado com o seu pequeno prodígio que se esquece de avaliar se ele funciona realmente. Aí, os monstrinhos acabam se dando mal quando vão pegar os mocinhos da história.

Por exemplo, a lixeira no desktop foi uma das idéias mais elogiadas introduzidas pela Apple no primeiro MacOS. O pessoal da Apple ficou tão entusiasmado com o sucesso da metáfora que acabou extrapolando ela. Arrastar o ícone do disquete até à lixeira ejetava o disquete. No Macintosh, não havia botão físico para fazer essa ação e os usuários hesitavam em fazer esse movimento porque tinham medo de que os arquivos do disquete fossem apagados.

Outro erro no design da lixeira do Mac foi de fazer com que ela se expandisse conforme o usuário colocasse arquivos dentro dela. Com mais de três arquivos, a lixeira parecia que ia estourar a qualquer momento. O usuário era compelido a esvaziá-la constantemente, inutilizando a principal funcionalidade da lixeira: recuperar arquivos.

Se na época em que foi lançada, a metáfora da lixeira causou furor e ajudou a vender Macintoshes, hoje em dia o usuário comum nem se dá conta de que é uma metáfora. Transparência é bom porque permite o usuário se concentrar naquilo que ele está realmente fazendo: apagando arquivos.

Imagine um sistema operacional qualquer que decida usar a metáfora de um compactador de lixo para uma lixeira especial que compacta os arquivos ao invés de apagar. Eu não faço idéia de como se parece um compactador de lixo e o usuário, muito menos. Para piorar, é necessário arrastar os arquivos até a figura do compactador e arrastar a alavanca que está ao seu lado. O processo é tão complicado que o usuário se concentraria mais nele do que no seu resultado: apagar o arquivo.

Um bom designer de interface tem que conhecer bem as metáforas clichês porque, na maioria das vezes, elas dão conta do recado. Para quê criar algo mais estrambótico do que um botão com relevo para acionar o envio de conteúdo de um formulário? Porém, uma interface só constituída de clichês não tem personalidade. À primeira impressão, gera desdém porque parece pobre.

O clichê é tentador porque já está pronto, basta escolher. Porém, não podemos julgar que só porque funciona com aquele programa, vai funcionar com o seu. Por exemplo, a metáfora do vídeo-cassete é uma das mais clichês que existem. Foram bem empregadas desde no uso óbvio para controlar áudio e vídeo até em slideshows, comandos de virar a página e de repetir a busca. Porém, um designer infeliz decidiu usar essa metáfora num diálogo de controle da impressora. Os botões "stop" e "pause" até que são compreensíveis, mas tinha um incógnito botão de "rewind". Seria para puxar de volta o papel e apagar o que já tinha sido impresso? Não, ele parava a impressão e começava de novo.

O clichê pode inclusive ser deixado de lado. Identidades visuais arrojadas combinam bem com metáforas de interação arrojadas, tal como o Windows 8, que apesar dos designers dizerem que não é baseado em metáforas, me lebra muito um mural de família, só que mais organizado. Aqui vale um ponto importante: a metáfora não precisa trazer todas as características do objeto original.

O conselho mais importante para criar boas metáforas é trazer apenas as características do objeto original que tem relação com o objeto representado e está apropriado ao contexto. Pastas, armários de arquivos, escrivaninha, documentos e muitos outros elementos que fazem parte do dia-a-dia do escritório foram transpostos para dentro do computador para que os usuários aproveitassem sua experiência prévia com esta nova ferramenta de trabalho. Abaixo, o rabisco feito por Tim Mott, o criador da metáfora de desktop para sistemas operacionais.

Os primeiros computadores pessoais tinha a função de ajudar no trabalho de escritório, mas hoje, com seu redirecionamento para o entretenimento, uma nova linguagem é necessária, por isso a interface Metro do Windows 8 é tão "cheguei".

Tipos de metáfora

Existem vários tipos de metáfora, das quais a mais conhecida é a hipérbole. A hipérbole é a essência da caricatura. Os narizes dos políticos são sempre desenhados como narigões nas charges do jornal. Tente se lembrar das pessoas que você conhece que são cheinhas. Em geral, elas são mais alegres e engraçadas do que as magras não é verdade? O exagero está ligado a formas arredondadas e a alegria. "Quase estourei de tanto rir" é uma frase hiperbólica.

A hipérbole em geral é indicada para interfaces destinadas ao público infantil. As partes mais importantes do objeto são ampliadas e as cores são mais fortes. De quebra, isso ajuda a interação porque o contraste de cor pode ser maior e a área ativa do objeto também. Isso reduz a possibilidade de erros para usuários que estão ainda desenvolvendo a coordenação motora e a capacidade cognitiva. O Mundo da Criança foi a primeira interface que meu filho conseguiu dominar no computador devido aos seus ícones e botões exagerados.

Outra metáfora que funciona bem com crianças é a alegoria. Ela é uma referência a uma ação usando seres vivos como, por exemplo, os animais que falam no clássico Alice no país das maravilhas. Os ícones que usam figuras de partes do corpo humano (mão, olho, cabeça) também são classificados como alegorias. O Kidpad utiliza a mão para designar três funções diferentes.

Um programa para adultos que explora bem esses recursos é o Nero Burning Rom, que serve para gravar CDs. Nero é o nome de um imperador da Roma antiga que mandou botar fogo num bairro da cidade repleto de imóveis abandonados invadidos por sem-teto. Além de ser uma alegoria a Nero e ao seu feito, é uma hipérbole porque o feito de queimar CDs é muito menor do que o de queimar casas. Esse sarcasmo todo ainda torna o ícone um eufemismo porque ele está fazendo parecer engraçado algo que é, na verdade, triste. A figura do Coliseu queimando esconde a dor de milhares de pessoas que morreram na ocasião.

Por falar em ícones, eles podem ser classificados como metonímias. É uma parte do todo representando o todo, como a face de uma pessoa que mostramos na foto dizendo que é a tal pessoa. Nas conversas podemos dizer: "Eu odeio ler Jakob Nielsen". Você não odeia ler a cara do polêmico guru da usabilidade, você odeia ler os livros dele.

Entretanto, tecnicamente metonímia não é o mesmo que metáfora. Metonímia é diferente porque tem um caráter mais objetivo, a relação entre o objeto e sua representação é lógica, como o ícone de interrogação para sinalizar prioridade alta em emails no Outlook. A metáfora apela muito mais para a imaginação, como o campo "Cc" na tela de redação de mensagens que significa "carbon copy" (cópia em papel carbono).

Limites da representação

Seja metonínimia, seja metáfora, a representação não deve ser ao pé-da-letra. Ou seja, ela deve manter apenas os aspectos mais marcantes do objeto e deixar de lado seus problemas. Seria só engraçado se, ao passar o mouse pelo campo "Cc" do email, sujássemos o ponteiro do mouse de pó preto. Pior seria usar uma metáfora de uma televisão com o pitoresco botão giratório que só funcionaria com o comando de arrastar-e-soltar.

Metáfora são utópicas. Não poderia ser daquele jeito no mundo real, mas seria muito legal se fosse. Um comercial de TV de um novo celular com funções de computador de bolso (handheld) me chamou a atenção pela leveza da metáfora empregada para mostrar que é fácil adicionar novos programas no aparelho. Uma linda modelo retirava bolinhas translúcidas com ícones de dentro da tela do monitor do PC e colocava dentro da tela do celular. Não seria magnífico se fosse exatamente assim, mesmo que o ícone fosse apenas um holograma que não desse para tocar?

Com a tecnologia que dispomos hoje, essa operação poderia ser representada por um ícone animado de um globo terrestre girando e foguetes levantando vôo na tela do computador. No celular, o mesmo globo girando, mas os foguetes aterrisando...

Forçou a barra! Ou a metáfora é muito boa e descreve bem o que está acontecendo ou é melhor decartá-la.

Poética das interfaces

Ao longo do desenvolvimento da metáfora e de seus desdobramentos, seja crítico e desconfie cada vez que for aplicar uma metáfora não-convencional. Para saber se você está inventando demais, sempre peça a opinião de colegas e, melhor ainda, dos usuários assim que você tem a idéia. Faça um rabisco num papel e pergunte se faz sentido a associação, se é agradável ou de mau-gosto.

Não tenha medo de amassar o papel e jogar na lixeira. Nessa fase mais abstrata do projeto, isso é normal e saudável. Quase sempre a primeira idéia que vem à mente precisa de um bom refinamento para chegar a um modelo razoável. Metáforas são fascinantes para o designer, mas não necessariamente para usuários.

As boas são aquelas que aumentam a performance do usuário seja na facilidade de aprendizado para usuários iniciantes, seja na facilidade de uso para usuários avançados.

A metáfora pode ser apenas um detalhe, como um termo extraído do cotidiano do usuário empregado para explicar conceitos complexos. Não há necessidade de uma representação visual dos comandos "recortar" e "colar" dos softwares editores, basta apenas as palavras. Mesmo assim, é uma das metáforas mais populares do uso do computador. O comando copiar-colar é carismático, fácil de entender e muito prático.

A metáfora do "copiar" e "colar" é tão clichê que pode ser inserida em praticamente qualquer interface. Quando se propõe uma metáfora fora do comum, deve haver um propósito claro. Uma interface em forma de maçã para o hotsite daquele novo sabor de refrigerante pode parecer fazer sentido, mas o quanto ela acrescenta à experiência de navegação? Usuário gosta de coisa bonita, mas nunca vai achar que vale à pena sacrificar a usabilidade em troca de estética.

O mito da metáfora intuitiva

Quando a interface consegue reduzir a curva de aprendizado, dizemos que ela é intuitiva. Na verdade, queremos dizer que ela é familiar. Conforme observa Donald Norman, intuitividade é um termo errado para qualificar a interface porque dá a entender que não é preciso aprender nada para usá-la.

Por mais que o objeto da interface seja familiar, primeiro será preciso julgar se é ele quem vai resolver o problema que o usuário quer solucionar. Depois, será preciso descobrir a interação com os dispositivos de input (mouse e teclado) e os resultados desse input (output). A lista de aspectos a aprender sobre o objeto depende da sua constituição, mas é maior do que imaginamos. Por isso, não é intuitivo.

O designer precisa estar atento que mesmo que a metáfora seja muito óbvia para a maioria de seus usuários, ela pode ser mal-interpretada por alguns. Por isso, uma ajudinha não faz mal a ninguém. Balõezinhos de ajuda podem ser suficientes. Caso a interação seja complexa e o usuário esteja muito motivado, uma breve descrição dos passos que o usuário precisa efetuar podem ser úteis como opcional.

Cultura

A interface do Microsoft Word no modo "layout de impressão" se parece muito com a de uma máquina de escrever: as bordas do papel no fundo, as réguas nos cantos e a interação pelo teclado, que é o mesmo da máquina. Ninguém nunca teve problemas com isso, mas eu sim, ou melhor, minha avó.

Minha avó nunca tocou num computador. Certo dia ajudei ela a escrever um email. Escolhi o processador de texto porque é fácil aumentar o tamanho da letra para que a visão precária dela não fosse empecilho. Então expliquei para ela usar o teclado igual a uma máquina de escrever. Tudo indo normal até chegar ao final da linha, quando ela me perguntou -- "Como faço para pular para a próxima linha?". Ué, respondi que era a tecla "enter". Pra quê... Não adiantou falar que o computador pulava automaticamente para a próxima linha, ela estava muito acostumada com a máquina de escrever que precisa desse comando e fez isso até o final da carta, ou melhor, email. Depois tive que retirar todas as quebras de linha, para não ficar uma bagunça.

Por mais que ela tenha tido esse pequeno problema, ela conseguiu concluir a tarefa sem precisar aprender quase nada. Creio que a única coisa que ela precisou aprender é que a barrinha piscando, o cursor, indicava onde entrava a próxima letra. O resto fazia parte do seu conhecimento prévio com a máquina de escrever: um papel branco de fundo, letras pretas, disposição das letras no teclado e etc. Fazia parte da cultura em que ela foi criada.

Projetando metáforas

Segue uma lista de etapas para lidar com metáforas em projetos de interfaces:

1. Encontrar metáforas clichês que já estejam sendo utilizadas em outras interfaces da que você está projetando
2. Verificar quais das metáforas podem ser apropriadas para seu caso
3. Criar ou estender metáforas caso as metáforas atuais não sejam suficientes
4. Considerar se as metáforas escolhidas se excluem mutuamente (ex: não é produtivo colocar janelas dentro de abas, por exemplo)
5. Definir os métodos de interação que serão de acordo com os limites dos dispositivos de entrada de dados (arrastar e soltar do mouse, comandos pelo teclado, gestos em touchscreen, etc)
6. Avaliar a curva de aprendizado, ganho comunicacional, apelo afetivo e facilidade de uso

A primeira impressão da interface deve ser sedutora e ao mesmo transmitir segurança, ser previsível. Isso não é fácil de fazer, por isso criar metáforas exige muito do designer. Ele lida com o limiar, na corda bamba entre o usável e o fútil. Na dúvida para que lado está pendendo e não for possível o teste com usuários, melhor esquecer a metáfora.

É uma pena... as metáforas são tão encantadoras. O que seria da interface se não fossem as metáforas? Abstratas, tão abstratas quanto a tela cheia de códigos alfanuméricos em que Neo enxergava um mundo de coisas no clássico de ficcção científica Matrix. Para aprender a entender o que todos aqueles códigos significavam, o protagonista teve que passar por muitas provações.

Se você não quiser que o usuário passe por sacrifícios, use metáforas apenas com o objetivo de facilitar o aprendizado; resista a tentação de usá-la apenas para aprimorar a estética, o look´n feel da interface, senão, ela pode transformar-se numa obra de arte. Se este é seu objetivo, então leia/escute o poema abaixo e perceba que mesmo assim não será tão fácil!

METÁFORA
Gilberto Gil

Uma lata existe para conter algo
Mas quando o poeta diz: "Lata"
Pode estar querendo dizer o incontível

Uma meta existe para ser um alvo
Mas quando o poeta diz: "Meta"
Pode estar querendo dizer o inatingível

Por isso, não se meta a exigir do poeta
Que determine o conteúdo em sua lata
Na lata do poeta tudonada cabe
?Pois ao poeta cabe fazer
Com que na lata venha caber
O incabível

Deixe a meta do poeta, não discuta
Deixe a sua meta fora da disputa
Meta dentro e fora, lata absoluta
Deixe-a simplesmente metáfora

Nota: a versão original deste texto foi escrito há 8 anos atrás para um livro que nunca se realizou. É interessante observar como a experiência acadêmica que tive nesse meio tempo tornou meus textos muito mais chatos. Estou tentando recuperar esse espírito de outrora!

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No futuro, talvez esse problema seja menor com as interfaces tangíveis, mas no momento, eu tinha que trabalhar com o que já estava disponível. Na pós do Faber-Ludens já tínhamos experimentado várias plataformas de prototipação de interfaces tangíveis, mas elas costumam ser bem complexas para programar. A mais fácil que encontrei foi o Touchatag, com o qual fiz um aplicativo para meu filho assistir desenho animado no computador, isso na época em que ele ainda não se interessava muito. Fácil, porém, muito limitada. Não tinha muitas opções de programação.

Fiquei surpreso ao descobrir que a PicoCricket tinha desenvolvido uma placa de programação especialmente para o Scratch, a PicoBoard. É uma placa que você conecta no USB do computador e o Scratch consegue enviar e receber dados por ali. A PicoBoard tem alguns botões e sensores embutidos. Apesar da ter alguns jacarés para conexões de baixa voltagem, achei muito limitada também.

Bem, se a PicoBoard pode conectar-se com o Scratch, será que dá pra fazer o mesmo com a Arduino? A Arduino funciona da mesma maneira, via USB, porém, possui muito mais possibilidades de conexões. Foi então que descobri o projeto Scratch4Arduino, uma simples modificação no Scratch que permite receber dados da placa Arduino em tempo real. Veja no vídeo abaixo um robô programado via Scratch.

Os alunos do Faber-Ludens já trabalhavam com Arduino há bastante tempo, mas eu particularmente nunca tinha tido tempo de mexer. No vídeo abaixo você o que eles conseguiam fazer já na primeira aula.

Encomendei um kit para verificar o grau de complexidade. O kit ARDX vinha com a placa mais alguns componentes básicos tal como LEDs, motores, botões, potenciômetros. Comprei também algumas extensões para a Arduino, os chamados shields. Shield é uma segunda placa que encaixa em cima da Arduino e acrescenta uma capacidade extra de processamento. Achei que os shield de audio e de motor seriam úteis para fazer coisas divertidas.

Quando você compra um shield ele vem geralmente desmontado. Você precisa soldar todos os componentes na placa de circuitos, a PCB. Eu nunca tinha feito isso, mas graças aos inúmeros vídeos no Youtube, eu aprendi a fazer sem queimar os dedos. O mais importante é ter bons apoios para trabalhar: a garra com lente e o descansa solda. Veja como era minha mesa de trabalho.

Nessa mesma época eu estava escrevendo um artigo sobre a história do Faber-Ludens para um congresso na Itália, vinculando-o ao movimento de Cultura Digital capitaneado pelo Gilberto Gil. Enquanto soldava as placas pro meu filhote eu ia lendo a reedição da Revista de Antropofagia de 1972, uma gema que encontrei num sebo no Rio de Janeiro. Essa revista de literatura fazia um curto-circuito entre cultura popular e cultura erudita, um dos maiores "hacks" por assim dizer da sua época. Os textos exploravam a metáfora do canibalismo para estimular o corpo na leitura. Tudo a ver com meu objetivo em introduzir interfaces tangíveis.

Como exemplo pro meu filho, transformei o bonequinho Pingu num robô. Gravei um vídeo mostrando o exemplo e explicando didaticamente como funciona a Arduino. Se você quiser saber mais sobre, veja os slides do professor que dava as aulas de Arduino no Faber-Ludens.

O projeto não tem nada demais, é só um potenciômetro controlando um motor servo e ativando um buzzer sonoro. O charme está justamente na apropriação do personagem, cuja característica principal é falar uma língua que nenhum espectador entende. Tenho amigos que compraram uma Arduino empolgados pra hackear catatau, mas acabaram não tendo idéias. Não é a tecnologia que faz o hacker, é a contra-cultura que faz o hacker. Por isso é importante ter contato com obras da contra-cultura como a Revista de Antropofagia.

Como expliquei no post sobre Scratch não é só a ferramenta que eu queria ensinar pro meu filho, mas principalmente a ética hacker, uma atitude em relação à cultura material que não se contenta com o consumo passivo.

Vou contar uma parte da história que ilustra bem isso. Quando eu levei o kit pro meu filho durante minhas férias no Brasil, a primeira coisa que ele queria montar era um fechadura elétrica no armário dele. Ok, tentamos com os motores que vinham no kit, mas eles não eram apropriados para a tarefa. Precisávamos de um motor que ao invés de girar, movesse pra frente e pra trás, como um trinco.

Saímos na rua pra ver se encontrávamos uma loja de eletrônicos nas redondezas. Passamos na frente de um loja de auto-elétrica e entrei pra perguntar. O atendente me mostrou uma trava elétrica para porta de carro que era perfeita. Ele me disse que não iria funcionar com a voltagem e amperagem baixa da Arduino, mas a gente tentou e deu certo! Essa é a grande vantagem da Arduino: você pode plugar praticamente qualquer componente eletrônico.

Infelizmente eu não tive tempo suficiente para ensinar meu filho a programar na Arduino. A gente fez alguns experimentos básicos e ele entendeu como funciona os circuitos eletrônicos, mas não a ponto de poder criar os seus próprios. Eu tentei ensinar mais coisas via Skype, mas não deu muito certo. O problema é que quando você está ensinando uma operação física, descrevê-la verbalmente é muito cansativo.

Alguns meses depois das aulas de Arduino, ele estava aprendendo a fazer contas de fração na escola. Espontaneamente, ele pegou uma caixa de ovos do lixo e fez uma calculadora física, baseada nos movimentos dos palitos. Não tinha Arduino e não funcionava direito, mas a lógica da computação física estava ali, Charles Babbage que o diga! Alguns meses depois, ele conseguiu montar alguns protótipos com a Arduino, utilizando os scripts e circuitos prontos do kit básico. Ele não criava nada nessa parte, porém a Arduino fazia parte de brinquedos maiores. Ele de fato estava brincando com a Arduino.

Nas próximas férias, a gente vai voltar ao assunto, mas eu já fiquei satisfeito com o resultado até aqui. Você já tentou ensinar Arduino para crianças? Compartilhe sua experiência nos comentários!

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Na época, ele tinha 7 anos. Embora computadores estivessem disponíveis em casa há muito tempo, ele nunca havia se interessado muito por eles, a não ser pelos jogos que a gente fez junto. Depois que me mudei pra Holanda, a gente passou a se comunicar por Skype, o computador se tornou o nosso espaço de brincadeiras. A gente brincava com bonecos, contava história e jogava jogos online, mas a conversa sempre ficava muito restrita aos limites da plataforma. Conforme ele foi tentando quebrar esses limites, a brincadeira evoluiu.

Ele começou compartilhando fotos que tirava, depois aprendeu a escrever textos no Word, desenhar no Paint, etc. A partir do momento em que dominou as possibilidades de customização do Windows, começou a reclamar que o Windows era muito ruim, daí veio a ideia de fazer o seu próprio sistema operacional.

Meu filho foi educado numa pedagogia construtivista radical. Se você quer aprender sobre algo, você precisa reconstruir esse algo. Mas como fazer isso com um objeto tão complexo quanto um sistema operacional?

Eu aprendi a programar com MS-DOS Basic, mas eu tinha 12 anos. Como é que eu iria ensinar os princípios de lógica para um garoto de 7? Me lembrei do Scratch, a linguagem de programação criada no MIT, evolução do Logo. A grande vantagem é que o conhecimento de lógica não é necessário. A lógica está embutida no sistema, não há como escrever algo ilógico. Cada elemento lógico é um bloco visual de arrastar e soltar. Não é necessário lembrar os comandos nem tampouco entender a lógica. A metáfora física dos blocos torna impossível o encaixe entre elementos ilógicos.

Deu mais certo do que eu esperava! Eu não precisei ensinar programação para ele sair programando. Ensinei como arrastar uma coisa aqui e outra acolá e obter um resultado divertido, como fazer um barulho quando o Pac-Man toca no fantasminha.

Pac-Man era um jogo que ele gostava, desde bem pequeno. A gente costumava brincar de Pac-Man na vida real correndo pela casa. Como é um jogo simples, resolvi começar como exemplo. Ele ficava me perguntando: "Mas pai, eu quero fazer um sistema operacional..." Eu respondia que isso era muito difícil e que primeiro ele tinha que aprender essa tarefa fácil.

Depois de fazer o jogo junto, deixei ele à vontade. Ele não conseguiu reconstruir o jogo sozinho, mas descobriu que podia fazer interfaces parecidas com sistemas operacionais com o que já tinha aprendido. Ele colocava em tela cheia e brincava que estava rodando o sistema operacional dele, o Itac, uma distribuição de Linux, ao invés do Windows.

É claro que à essa altura eu já tinha explicado pra ele a diferença entre código fechado e código aberto. Uma vez que ele entendeu o que era código, pediu pra ver o código do Windows e eu expliquei que não dava. "Como assim não dá?" Expliquei que existiam vários tipos de sistemas operacionais e que o Windows era fechado. Ele quiz conhecer outros, então eu mostrei o site Guidebook. Ele ficou fascinado. Fez diversas versões do sistema operacional dele, misturando elementos de vários dos sistemas antigos lá catalogados. Quando ele começou a fazer sistemas operacionais que tinham um Scratch dentro aí eu achei que já era hora de mudar de assunto!

Depois de brincar de sistema operacional, ele começou a criar vários tipos de jogos, utilizando como personagens seus próprios brinquedos, em especial, os animais de pelúcia. Um dos primeiros jogos que ele fez por conta própria foi um simulador de mercadinhos.

Ele criou dezenas de jogos. Quando esses jogos se tornaram jogáveis por um usuário, eu propus a ele compartilhar seus jogos com a comunidade. Uma das grandes vantagens do Scratch é que a comunidade compartilha milhares de arquivos fonte, você pode fazer o download e estudar o código. Foi assim que eu aprendi a fazer o Pac-Man para poder ensiná-lo lá no começo!

Os jogos e programas que ele escolheu compartilhar estão publicados no Sapo Kids. Você pode testar o sistema operacional Itac, desenhar com o ursão, ver uma história animada da cuquinha. Num dos primeiros jogos, um usuário português elogiou os ruídos caseiros que ele gravou para o jogo.

Após dois anos de brincar com Scratch, ele já não tem mais o mesmo interesse. Quer algo mais complexo. Na sequência, irei escrever sobre as próximas plataformas que a gente testou, mas o mais importante é que com Scratch eu consegui passar pra ele a Ética Hacker, que o Alex Primo apresentou muito bem nessa palestra TEDx.

Livro

Se você gostou dessa estória, veja o livro sobre Scratch que escrevi inspirado nas minhas brincadeiras com meu filho.

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Em primeiro lugar, é óbvio, mas preciso enfatizar: preparar um curso online é muito diferente de preparar um curso presencial. A aula presencial é produzida no momento em que é dada. Embora o professor se prepare pra ela, muitas coisas são criadas e adaptadas para a situação da aula. No curso online, o curso é preparado com muito mais detalhes. O professor precisa antecipar praticamente tudo o que vai acontecer. Ter um background em Design de Interação ajuda muito, pois você pode considerar o material didático como uma interface e projetar utilizando os princípios de usabilidade, estética, relevância.

O fim do conceito aula

Uma questão básica que se aprende no Design de Interação é que transpor conteúdo de uma mídia para outra não funciona. Cada mídia tem possibilidades técnicas e modos de uso diferentes. Transpor o modelo aula para o ambiente online não aproveita todo seu potencial pedagógico.

A aula pode ser transmitida via streaming, mas isso não forma estudantes, forma telespectadores. A postura do aluno é passiva porque a mídia impede manifestar sua atividade. Mesmo que exista a possibilidade de uma réplica via chat, não é a mesma qualidade de interação proporcionada por uma sala de aula presencial.

Nós experimentamos transmitir nossas aulas. Temos diversas delas armazenadas em nosso canal do Ustream para acesso gratuito.

Centenas de pessoas assistiram, mas os que realmente se interessaram pelo assunto vieram fazer o curso presencial posteriormente. Durante uma transmissão, um de nossos alunos até criou um conceito de sistema para melhorar a transmissão (vídeo acima), mas a verdade é que usar novas tecnologias para velhos usos só complica ainda mais nossa vida! Precisávamos de fato repensar o modelo pedagógico para a Educação à Distância.

Co-criação do ambiente de aprendizagem

Nós não queríamos oferecer uma versão capenga para quem não tem condições de fazer os cursos presenciais. Nós queríamos oferecer algo melhor do que nos cursos presenciais. Imagine poder participar da construção da sala de aula em que você vai estudar? Isso não é possível num curso presencial, mas é possível no EAD.

Primeiro, nós fizemos uma enquete com pessoas que já fizeram cursos à distância. Os participantes relataram que é bom poder estudar a qualquer hora, mas o envolvimento emocional é pequeno e a auto-disciplina cai. Já os cursos com aulas síncronas acabam tendo conteúdo de pouca qualidade e baixa interatividade.

Montamos um protótipo do curso utilizando o Moodle e convidamos alguns participantes da enquete para participar da turma piloto. Enquanto faziam o curso, os participantes eram convidados a comentar a experiência, criticar e sugerir novas idéias. Mudamos muita coisa graças a esse feedback.

Com as turmas subsequentes, continuamos modificando o ambiente, aperfeiçoando e adaptando para as necessidades específicas de cada turma. É um daqueles projetos que ficamos orgulhosos de não acabar nunca.

Projetos em grupo

A gente recebia pedidos de cursos à distância há anos no Instituto, mas nos recusávamos a entrar nessa modalidade porque não sabíamos como iríamos ofercer a mesma qualidade de aprendizado de nossos cursos presenciais (vale ressaltar que nosso foco é na qualidade do aprendizado e não do ensino).

Nossas aulas presenciais nunca foram tradicionais: ao invés de palestras, temos debates; ao invés de provas, temos trabalhos em grupos; ao invés de aulas sobre ferramentas, temos projetos que usam ferramentas. Alguns alunos estranham quando vem com a expectativa de "receber" um conhecimento.

No Faber-Ludens, o conhecimento é co-criado. Não tem um currículo pronto a ser passado. Os alunos participam do processo tanto quanto os professores. Assim como os alunos, os professores também trabalham no mercado e estão interessadíssimos em aprender conhecimentos práticos.

Os projetos em grupo direcionam a co-criação para resultados tangíveis. O projeto tem objetivos, recursos, técnicas que precisam ser articulados em tempo de execução. Os alunos gerenciam o processo, mas o professor também participa, como um consultor.

Na pós-graduação, os alunos realizam muitos trabalhos em grupo e boa parte do trabalho é feito for a da sala de aula. Como a esmagadora maioria não mora na mesma cidade, esses projetos são executados à distância, usando várias ferramentas colaborativas como email, Google Docs, Skype, Cacoo. Pela falta de uma estrutura de colaboração integrada, vários problemas surgem durante o projeto, os quais são sanados pelo encontro regular presencial da sala de aula. Seria inviável realizar o projeto em grupo 100% online utilizando essas ferramentas.

Arquitetura colaborativa

Então nos criamos o Corais, uma plataforma integrada de colaboração em projetos de design baseada no software livre Open Atrium que, por sua vez, é baseado no Drupal. O Open Atrium vem com funcionalidades básicas de colaboração (blog, tarefas, calendário), mas a grande vantagem é que você pode plugar novas funcionalidades desenvolvidas pela comunidade. Devido à arquitetura ser orientada ao desenvolvimento colaborativo, a quantidade de módulos e features adicionais é muito grande!

Para montar o Corais, nós customizamos as funcionalidades que seriam úteis para projetos de design. Foi um pouco difícil, pois a maioria das funcionalidades disponíveis foi feita para a colaboração sobre códigos de programação. Embora o Design Livre se baseie no processo colaborativo do Software Livre, o código do design é muito diferente, como expliquei ao Rene de Paula quando fomos pedir o apoio da Locaweb para hospedar o Corais.

Essas ferramentas estão disponíveis para qualquer pessoa usar. Não é necessário ser aluno dos nossos cursos. Encorajamos inclusive outros professores e instituições de ensino a adotar o Corais. No futuro, pretendemos disponibilizar a customização que fizemos do Open Atrium para quem quiser instalar em seu servidor, mas pra isso precisamos de mais voluntários trabalhando no nosso código.

Ecossistema canibal

Além de oferecer as ferramentas para a execução dos projetos, o Corais oferece uma base de conhecimento compartilhada entre os projetos. Se a equipe decide que é preciso fazer um storyboard e cadastra uma tarefa "Fazer storyboard", ela pode checar a página que descreve o que é um storyboard e checar exemplos vindos de outros projetos.

O objetivo é incentivar a colaboração não só dentro dos projetos, mas entre os projetos. Nossos alunos presenciais já utilizavam os projetos anteriores de outros alunos para desenvolver os seus, uma tática que chamamos de canibalismo cultural. Utilizando licenças Creative Commons, o canibalismo cultural torna-se politicamente correto. A vantagem é que uma idéia que estaria fadada a ser esquecida pode ganhar uma sobrevida pela apropriação por um novo projeto, reconceitualizando-a frente a novos contextos.

O Corais não é um sistema; o Corais é um ECOssistema. É uma plataforma que se conecta não só aos cursos online e presenciais, mas também às empresas de design, através dos UXCards e dos futuros ProtoPattern e uma ferramenta de teste de usabilidade que pretendemos desenvolver. No diagrama abaixo, o que está pontilhado ainda não foi feito. Novamente, precisamos de voluntários!

Apropriação tecnológica

Por enquanto, os usuários mais ativos do Corais são nossos próprios alunos, mas, como disse, está aberto a qualquer um que queira participar. Nossa visão é que o Corais permitirá ao aluno o aprendizado continuado depois que terminar seu curso. Uma vez apropriadas as ferramentas colaborativas, as possibilidades de geração de novos conhecimentos são infinitas.

Por apropriação tecnológica não me refiro apenas a ter o domínio técnico da ferramenta, mas principalmente em saber quando usá-la. É um conhecimento contextualizado. Na minha palestra do EBAI fiz a analogia com o cinto de utilidades do Batman. O Batman só coloca no cinto os gadgets que ele sabe usar porque ele sabe que, quando surgir a oportunidade de usar, não haverá tempo pra aprender.

Essa transição do conhecimento do livro ao cinto é carente de mediação. Os profissionais experientes dizem que não tem segredo: basta tentar. Mas não é sempre que se pode tentar novos conhecimentos, dada as limitações de tempo e risco dos projetos.

Uma mediação que funciona muito bem é acompanhar um profissional mais experiente na prática, o velho esquema mestre-aprendiz. O problema é que, na nossa área de atuação, profissionais experientes são escassos. A IxDA até montou um programa de mentores, mas não foi muito pra frente. Nem todo profissional gosta de ter alguém por perto fazendo perguntas de iniciante.

Gêneros interativos

O conhecimento mais valioso de um profissional experiente é saber o melhor a fazer numa determinada situação. O problema é que a situação varia e muda com o tempo. O diagrama abaixo é um paródia do conhecimento necessário para usar rede sociais de acordo com a situação. O efeito humorístico surge precisamente da constatação de que tal conhecimento não pode ser descrito em termos assim tão precisos!

Apesar de ser uma paródia, o diagrama é o melhor exemplo que tenho hoje do que seria o outro lado do gênero interativo. Como expliquei num post anterior, o gênero interativo inclui tanto características de produção como de uso.

A maior parte das discussões de gêneros em Design focaliza apenas no lado da produção, nos requisitos que o farão reconhecível como um representante genuíno do gênero. Uma rede social tem que ter perfis, mensagens, lista de contatos e etc. para que seja considerada uma rede social. A vantagem é que, ao entrar pela primeira vez na rede social, o usuário já sabe como usar a interface, pois os elementos são familiares. Porém, mais do que isso, o usuário já sabe como se comportar: construir uma identidade virtual, cuidar da privacidade, procurar os amigos, xeretar, fofocar. O comportamento do usuário faz parte do gênero tanto quanto o comportamento do designer. Eles estão sendo mediados pela mesma unidade: o gênero interativo.

Compreender os gêneros é, na minha opinião, a principal diferença entre um designer formado e um designer auto-didata. O auto-didata (falo por experiência própria) aprende a fazer design por exemplos. Ele observa como outros fazem e imita. Ele não sabe por que se faz daquele jeito. Já o designer formado, se não tiver gazeado as aulas teóricas, reconhece os gêneros como parte de uma evolução histórica. Ele percebe que o cover-flow da Apple é uma releitura das capas de LPs.

E como nós fazemos para ajudar nossos alunos a compreender os gêneros? Usamos exemplos e templates também, mas explicamos os fundamentos por trás. E ademais, linkamos com a página do Corais que descreve como o gênero se manifesta hoje. Como se trata de um wiki, essa descrição poderá ser atualizada no futuro, de acordo com a evolução do gênero. No momento, o Corais descreve apenas documentos e métodos de Design, mas planejamenos no futuro incluir uma biblioteca de padrões de interação, tal como a Welie.com.

Metadesign

Acreditamos que, se nossos alunos compreenderem os gêneros, serão capazes de contribuir para sua evolução. Uma frase de David Freeman, escritor de roteiros para games, ilustra bem essa possibilidade: "Encontre o clichê e então jogue-o fora." É preciso saber o que é normal para ser inovador. Não é uma questão de pensar fora da caixa; inovação é repensar a caixa.

Além dos gêneros, podemos citar uma série de caixas que restringem o design: metodologias, ferramentas, princípios, tendências, estilos. O designer trabalha dentro das caixas a maior parte do tempo, eventualmente, escolhendo dentre opções de cores e tamanhos. Mas, quando ocorre algo imprevisto, a caixa aparece.

Existem duas abordagens para lidar com a incerteza: prever/evitar ou observar/reagir.

A primeira é apresentada no livro Metaprojeto, de Dijon de Moraes. Baseando-se na tradição de Metaprogetto italiana, Dijon propõe que o estudante de Design faça um estudo preparatório antes de iniciar o projeto, levantando todas as informações necessárias para um projeto consciente das possibilidades. Tive a oportunidade de conhecer o Dijon num congresso na Itália e perguntei a ele se havia metaprojeto depois de começado o projeto e ele me disse que sim, caso haja necessidade de revisão. Porém, seu livro apresenta de forma inequívoca o metaprojeto como uma fase anterior e separada do projeto.

A segunda abordagem é desenvolvida por Caio Vassão no livro Metadesign. Não confunda! O título é parecido e a editora é a mesma, mas o teor dos livros é completamente diferente. Caio coloca a questão do Metadesign numa perspectiva mais abrangente, como a tendência geral de formalização da sociedade. Preocupado com o empobrecimento da experiência da vida numa sociedade totalmente projetada, Caio propõe a Arquitetura Livre. A Arquitetura Livre não rejeita o Metadesign, mas recomenda que o Metadesign seja revisto constantemente. 

O Caio é um dos professores da pós-graduação Faber-Ludens e sua tese sobre Arquitetura Livre é uma das principais referências para o Design Livre. Ao invés de abordar o Design como um processo abstrato ou uma habilidade do invidíduo, Caio desenvolve a noção de projeto coletivo. Isso torna suas idéias muito mais interessantes para fundamentar projetos em grupo como atividade pedagógica.

Quando o projeto acontece em grupo, o Metadesign se torna mais visível. Quando o designer trabalha sozinho, sua reflexão sobre o Metadesign acontece em seus pensamentos. Porém, quando está em grupo, ele é obrigado a verbalizar, escrever ou expressar de alguma forma sua reflexão para participar do processo.

É aí que o Corais se torna extremamente valioso. O Corais captura essa reflexão na comunicação espontaneamente, deixando-a disponível como uma forma de documentação de projeto. Veja, por exemplo, essa discussão sobre Card-sorting ocorrida durante a execução do projeto em grupo do nosso curso de Arquitetura da Informação online.

Vale lembrar que essa discussão criou um link automático com a página que descreve o método de Card-sorting na base de conhecimento, contribuindo com um exemplo de aplicação do método dentro de um contexto.

O estudante no centro

Como esse processo de colaboração é público, o estudante ganha exposição de seus trabalhos. É uma espécie de portifólio automático, onde possíveis interessados podem conferir não só os resultados, mas também o processo criativo. Jason Mehut, um head-hunter especializado em Experiência do Usuário revela que 80% dos portifólios que ele encontra na área são fracos porque carecem destas informações. No Corais, isso acontece automaticamente e o estudante ainda ganha pontos na comunidade.

Na Pedagogia do Design Livre, o estudante é o agente de seu próprio aprendizado. É ele quem decide o que vai pular ou se aprofundar. O papel do professor não é fiscalizar se o estudante está seguindo o currículo pedagógico, mas sim apoiá-lo em suas aventuras pelo conhecimento. Para enfatizar a autonomia do estudante, nós optamos pelo modelo da auto-avaliação ao invés do tradicional teste. O teste ajuda o estudante a perceber o que ele não sabe dentro do currículo pedagógico; a auto-avaliação ajuda o estudante a visualizar o que ele já sabe. O que ele não sabe, ele pode aprender. O importante é o que ele já sabe!

Um convite à co-criação

Se você gostou da proposta e quer ser nosso aluno, fique atento à newsletter do Instituto. Pretendemos lançar cursos à distância sobre tópicos mais avançados no ano que vem. Se você não tem recursos para pagar pelos cursos, você pode participar de projetos abertos no Corais. Se você tiver uma idéia bacana para um desses cursos, entre em contato e se você quiser discutir a pedagogia, use os comentários abaixo.

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A primeira realização veio da minha experiência de mercado pós-mestrado: você não deve lutar por nenhum purismo acadêmico na prática de mercado. Ao invés de rejeitar o modo como as pessoas fazem algo e dizer que você sabe como fazer melhor, é muito mais interessante incorporar a prática dentro da sua visão, demonstrando que sua proposta pode complementar e estender, não substituir.

Então, meu objetivo hoje não é criar mais uma metodologia de design. Meu objetivo atualmente é apoiar o design que é realizado livremente por especialistas e não-especialistas, o que venho chamando de Design Livre. O Design Livre não é uma metodologia de design. É uma filosofia ou talvez pedagogia que tenta criar conexões entre o que as pessoas já sabem sobre design e o que elas podem vir a saber por fazer design. O Design Livre atua na Zona de Desenvolvimento Proximal.

Sim, o Design Livre tem tudo a ver com aprender fazendo, mas isso não significa que dispense teoria. Quando se trabalha com o conhecimento de profissionais do fazer (como o Design, por exemplo), Donald Schön demonstra que não faz sentido separar teoria de prática, pois ambos estão entrelaçados firmemente na realização das atividades diárias. É o que Marx chamava de praxis.

O questão que deixou Schön encafifado, era como o conhecimento dessas profissões avançaria, se havia um ciclo de retroalimentação entre teoria e prática. Ele propõe, então, o conceito de reflexão na ação, o momento em que você pára de agir mecanicamente, pensa sobre a situação e tenta fazer melhor. Através da comunicação de tais reflexões, o conhecimento das profissões avança.

Minha visão sobre o assunto é que, na maior parte do tempo, não há tempo para reflexão. O profissional simplesmente faz o que tem que fazer, sem pensar muito se poderia fazer diferente. Porém, a comunicação sempre acaba acontecendo, de uma maneira ou de outra, pois é um requerimento da própria profissão. O profissional trabalha numa rede e precisa comunicar-se com outros profissionais para ser bem sucedido em suas tarefas.

É nesse momento em que ele reflete mais profundamente: enquanto tenta comunicar-se com outros. Estendendo a idéia do Schön, proponho a noção de reflexão na comunicação, que também é um tipo de ação, mas que uso apenas para enfatizar a importância do momento.

Quando uso o termo comunicação, não estou me referindo à apresentar os resultados do trabalho. Estou tomando comunicação como um processo multilateral e interativo, uma conversa. Schön também utiliza a noção de conversa, porém metaforicamente: para se referir à reflexão que surge da interação com a situação em que o profissional realiza seu trabalho. Eu estou me concentrando na conversa num sentido literal, pois é algo que pode ser observado e tem mais a ver com a pedagogia freiriana, da qual tenho grande simpatia.

Schön utiliza a análise de conversas entre profissionais como um meio para chegar na reflexão, um fenômeno cognitivo. Eu uso a conversa para chegar na comunicação, um fenômeno social. Eu não estou interessado em analisar como se dá o salto criativo de um profissional, meu interesse é no como fazer esse salto acontecer entre grupos de profissionais e não-profissionais. Enfim, como incentivar, equipar e avaliar a criatividade coletiva em práticas de design.

Esse interesse me trouxe de volta à questão da origem do projeto. Na época do mestrado, escrevi que a participação já acontecia desde o início do projeto, fruto de intenções conflitantes e desejos contraditórios. O papel do designer seria mediar contradições e não resolver problemas. Nessa época, eu acreditava que, frente ao desafio da criação coletiva, o papel do designer seria mediar o processo. Hoje eu continuo acreditando que isso é possível e desejável, mas não necessário. A criação coletiva vai acontecer, independente de ter um mediador especialista ou não. E as pessoas vão falar de problemas e de soluções, mesmo que seja uma terminologia inadequada.

O que me preocupa hoje é como suportar a criação coletiva onde não há a possibilidade de haver um mediador especialista em Design Participativo ou outras metodologias colaborativas. Eu ainda não sei exatamente qual será minha contribuição nesse sentido, mas o que tenho feito até agora é colocar as teorias fundamentais de Design sob a perspectiva de um processo coletivo.

Uma noção fundamental é que design é solução de problemas. Na época do mestrado eu desafiei essa noção dizendo que a mediação de contradições não era solução de problemas. Pode ser que eu estava certo ou pode ser que eu estava errado. Tudo depende do que se considera ser um problema e o que se considera ser uma solução.

O interessante é que essa escolha impacta diretamente o resultado do processo de design. No momento estou preparando um experimento com estudantes de design para verificar isso, mas já posso compartilhar os resultados da pesquisa bibliográfica que fiz para montar o experimento.

Gravei usando o ShowMe no iPad. Os detalhes do experimento serão publicados no meu blog em inglês.

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O que as oprime e o que as liberta? Embora muitos outros pesquisadores já tenham abordado esse tema, quero trazer uma perspectiva diferente que desenvolvi na minha experiência com o Design de Interação.

Uma barreira de acesso pouco comentada sobre o uso de novas tecnologias é a Cultural. Toda tecnologia é criada em uma determinada cultura e a partir de seus valores e condições de produção. Quando a tecnologia é importada ou implantada numa outra cultura, seus valores podem entrar em conflito com os valores e as condições de uso desta outra cultura. Também pode acontecer o inverso, ou seja, a tecnologia não ter nenhum efeito transformador da realidade social. Isso é comum quando os signos tecnológicos não têm relação com a cultura local, ou em outras palavras, quando eles não fazem sentido naquele contexto.

A estratégia, em casos como esse, costuma ser o compensar do nonsense com a educação, forçando a construção do sentido. Tais esforços, por mais que bem intencionados, terão efeitos pífio ou reverso. É bem possível que, os usos encontrados para tais tecnologias, após o "treinamento tecnológico", sejam outros, potencialmente inúteis ou subversivos aos olhos dos educadores. Os educadores são membros de outra cultura que tentam, através da tecnologia, implantar seus próprios valores, acreditando que fazem um bem àquela população que carece de tal tecnologia para sua evolução.

São raras as estratégias de educação tecnológica menos etnocêntricas. A proposta de Paulo Freire é um bom exemplo, embora não focalize em educação tecnológica. Freire recomendava que o aprendizado fosse constituído a partir dos signos que o educando já dominava. Ao invés de trabalhar com temas estrangeiros, trabalhar com temas locais como, por exemplo, atividades e objetos do cotidiano. Um educador trabalhando com crianças numa favela violenta deve deixar de lado "vovô viu a uva" e trabalhar o tema violência em suas aulas.

Isso é o que Freire chama de Tema Gerador. A partir de um tema de relevância social são desenvolvidas diversas dinâmicas de aprendizado em grupo, onde cada educando compartilha com os demais o que já sabe sobre o tema. Isso demonstra que, embora uma pessoa do grupo possa não saber muito sobre o assunto, o grupo como um todo o conhece bem. Fortalecendo a identidade local e valorizando o conhecimento do cotidiano, Freire conseguiu superar o abismo entre a educação formal e a vida em comunidades carentes no Brasil.

As interfaces computacionais costumam empregar estratégia semelhante à de Freire, porém, sem a característica de localização. Os signos que permitem a manipulação de dados nos computadores são metáforas baseadas em objetos de escritório: pastas, lupas, lixeiras, disquetes, etc. Embora sejam considerados universais agora que alcançaram dispersão global, estes objetos são originários de uma cultura material específica.

O ícone de pasta para guardar documentos só tem esse mesmo sentido para indivíduos que conhecem esta cultura material. Uma cultura oral, em que o som está ligado à memória mais do que o papel, o ícone de pasta não tem o mesmo sentido. Tal disparidade não impede o uso, pois existem uma série de outras signos na interface que corroboram a metáfora da pasta. Embora nunca tenha estado num escritório, visto ou usado uma pasta de verdade, o usuário pode usá-la com o fim proposto através de sua própria significação. A construção do sentido se dá pelas próprias referências internas da interface que, dependendo da complexidade, pode ser considerada uma linguagem.

O sistema operacional Windows, por exemplo, oferece ícones para abrir programas, menus para selecionar opções e janelas para navegar por diferentes conteúdos ao mesmo tempo. Para usar o Windows, é preciso não só reconhecer os signos individuais na tela ("isto é uma janela"), mas principalmente, saber quais são suas capacidades, para que serve e como interagir. Apesar da referência a um objeto do cotidiano ? o nome "janela", tanto a aparência quanto o comportamento da janela metafórica são diferentes da referência, exigindo uma abstração grande do usuário. Aprender a usar uma interface de sistema operacional é um processo equivalente a aprender uma nova linguagem e, portanto, algumas pessoas usam o termo Alfabetização Digital.

A Alfabetização Digital é essencial para o agir na sociedade da informação, porém, no Brasil, tem sido tratada de forma superficial. Alfabetização Digital não diz respeito ao domínio de equipamentos e softwares digitais, mas de uma nova linguagem interativa, formada pelo hibridismo entre linguagem escrita, falada, gestual e visual. Embora o domínio da técnica seja pré-condição para o uso desta linguagem, a proficiência advém do reconhecimento e adequação aos gêneros pelos "falantes" (usuários). Um falante que domina ferramentas digitais e não sabe o que fazer com elas está numa situação similar a um leitor que consegue ler textos mas não interpretar, o chamado analfabeto funcional.

A interpretação é um processo complexo que requer referências. O texto em si já é uma referência ao seu próprio conteúdo; o texto fala sobre alguma outra coisa que não é o próprio texto, porém, esta referência é suficiente apenas para uma leitura literal. Para capturar o sentido de um texto, a principal referência que utilizamos é o gênero. Que tipo de texto é esse? Como devo lê-lo? O que devo fazer depois de ler?

Tomar um texto opinativo como informativo é um erro muito comum cometido por jovens ao navegar pelas páginas da Internet. Além de perceber os gêneros tradicionais textuais que fazem parte do universo digital, é preciso também perceber outros gêneros interativos. Como responder a uma mensagem numa rede social? Na sua página ou na página do emissor? Como tirar uma dúvida sobre um problema de economia doméstica num fórum de discussões? Como pesquisar nos buscadores? As interfaces parecem óbvias para quem já sabe a resposta, mas é importante notar que todo mundo já fez esta pergunta um dia.

A resposta, entretanto, nem sempre pode ser bem definida. Não é uma mera questão de onde está o botão, mas uma questão de comportamento social. A resposta "depende..." significa que é necessário lidar com uma complexidade maior do que "faça isso ou faça aquilo" para descobrir o que é apropriado em cada situação. Os gêneros interativos são baseados em sensibilidades essencialmente humanas, mesmo quando o contexto é completamente maquínico. O maquínico também pode ser considerado como um tipo de sensibilidade humana específica, porém, quando tomada em separado das demais sensibilidades, vira mercadoria. O sujeito compra a máquina pensando que vai adquirir as competências dos gêneros interativos instantaneamente, mas logo descobre que foi enganado. "Compre aqui seus 10.000 followers" se aproveita da inexperiência dos falantes com o gênero interativo que o Twitter adota.

Espero que tenha ficado claro até aqui que noção de gênero que estou adotando aqui não é a de mera classificação de livros ou filmes em categorias como romance, policial, ficção científica. Martín-Barbero me ensinou a perceber os gêneros como estruturas metamórficas que se atualizam constantemente frente ao cenário político, tecnológico e econômico. É devido a essa característica adaptiva (e ao mesmo tempo adaptadora) dos gêneros, que eles conseguem perdurar na história coletiva. Martín-Barbero conta a história do melodrama, desde as rodas em torno da fogueira até a novela televisiva. E que forma toma o melodrama nas tecnologias digitais? Taí um gênero interativo pouco estudado até o momento. Eu não tenho conhecimento aprofundado sobre esse gênero pra afirmar isso, mas me parece que as narrativas compartilhadas e, principalmente, construídas no Orkut possuem um forte conteúdo melodramático.

Minha pesquisa de doutorado não seria suficiente para identificar os atuais gêneros interativos e nem será seu foco, mas ainda assim vejo esse estudo como passo essencial para fortalecer a Alfabetização Digital. Creio que os designers de interação, os especialistas a que vinha me dedicando e que são responsáveis pelas interfaces dessa linguagem digital, estão desenvolvendo sensibilidades aguçadas para os gêneros interativos, porém, com objetivos bastante restritos. Estão preocupados apenas com os gêneros interativos relacionados a cada projeto em que participam. Não conseguem perceber que a cada interface que projetam, estão atualizando uma linguagem, estão participando também de um projeto coletivo. Seu papel na Alfabetização Digital é essencial.

Veja, por exemplo, o trabalho dos alunos do Instituto Faber-Ludens para identificar as interações mais importantes para um idoso ao usar o computador. Três projetos propuseram atualizações nos gêneros interativos para torná-los mais fáceis de aprender: Gevo (figura abaixo), nOnO e Dirce O.S. Será que tais modificações conseguem mesmo aproximar os gêneros interativos da realidade dos idosos?

Faço o convite então aos educadores aqui presentes a conhecerem mais sobre Design de Interação e aos designers, a se preocuparem mais com Educação. Quem sabe surge daí um novo gênero interativo de design-educação para a Alfabetização Digital?

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Todo Design é baseado em pesquisa, seja consciente ou inconsciente. As definições de projeto são tomadas com base em algum conhecimento sobre a realidade. Os níveis de aprofundamento é que variam, de acordo com a expertise do designer em métodos de investigação e a disponibilidade de tempo e recursos para tal. Nem sempre um aprofundamento maior vai trazer melhores resultados a curto prazo. Porém, uma questão pesquisada e não aproveitada num projeto, pode servir em outro. A pesquisa é sempre uma forma de desenvolver as habilidades de Design de uma equipe ou de um profissional. É uma atividade essencial para a inovação.

Por isso que eu defendo que pesquisa não seja apenas uma fase de projeto, mas sim o próprio projeto. Cada projeto é uma pesquisa sobre o comportamento dos usuários, os modos de fazer negócios, os limites dos materiais, os valores estéticos e culturais. A cada projeto, o trabalho de pesquisa vai agregando conhecimento ao repertório do designer, elevando seu valor estratégico nas organizações.

O mais importante estudo que o designer deve fazer é sobre seus próprios limites. O que você sabe e o que você não sabe. Isso é importante para desenvolver a humildade, requisito básico para se fazer pesquisa. Se você acha que sabe tudo, de que adianta pesquisar?

Métodos existem muitos, mas o importante mesmo é ter metodologia. Não adianta sair por aí aplicando um monte de métodos sem saber como triangular os dados depois, sem saber como organizar os resultados e, principalmente, em aproveitar estes resultados para converter em definições de projeto. Isso exige experiência. Portanto, meu conselho é: comece pequeno.

O Instituto Faber-Ludens oferece um Guia Colaborativo de métodos e técnicas de pesquisa gratuitamente na web.

Aprender fazendo não é ruim. Na verdade, não existe outra forma de aprender a fazer Design. Pode-se ficar infinitamente teorizando Design, mas enquanto o sujeito não arregaçar as mangas e começar a trabalhar, não vai saber do que está falando. Como costuma dizer Jack Schulze: "Design é algo que acontece no mundo e nas suas mãos, não na sua boca."

Se cada projeto é encarado como uma pesquisa, ele vai agregar conhecimento ao designer, mesmo que seja um conhecimento tácito que não possa ser explicado para outra pessoa.

Conheço designers que não conseguem explicar como fizeram um determinado projeto de sucesso e conheço pesquisadores que explicam tudo sobre projetos que não servem para nada. Os extremos são importantes para a sociedade, porém, a maioria dos profissionais de Design acaba tendo que ficar no meio termo.

O distanciamento acadêmico do mercado é importante para gerar reflexão crítica, porém, quando a academia se distancia demais, o conhecimento produzido se torna irrelevante para a prática. É por isso que certas aulas são completamente esquecidas depois que termina a faculdade. Mas isso não é necessariamente um problema. Se a gente for ter que lembrar de tudo o que aprendemos na faculdade para poder trabalhar, a gente não faz mais nada. Design é uma atividade que exige conhecimento tácito, ou seja, conhecimento acumulado ao longo de múltiplas experiências. Não dá pra rastrear a origem desse conhecimento. Só posso dizer que um designer atento está em todos os momentos de sua vida aprendendo sobre Design.

De fato as metodologias clássicas do Design seguem um modelo mais analítico, mas isso não significa que não possa existir metodologias criativas. Brainstorming, por exemplo, é um método de criatividade que tem regras bem definidas, porém, é um dos poucos métodos criativos adotados no Design. É preciso conhecer outros métodos e desenvolver novos.

Eu vejo o processo de Design como uma espiral dialética que passa por três fases: criação, análise e síntese. Mesmo que não haja um método explícito para cada fase, ela vai acontecer. Melhor que a gente saiba o que está fazendo e explore outras possibilidades, mas não tiro o mérito de quem faz tudo por "intuição". O que se chama de intuição ou inspiração, é na verdade a expressão de uma síntese de experiências difíceis de serem rastreadas. A pessoa não sabe de onde a idéia veio, mas veio de algum lugar, com certeza. No Design, nada acontece por acaso.

O Estudo Etnográfico serve para compreender em profundidade o comportamento do usuário. Ao invés de simular ou imaginar uma ação do usuário, a ação é observada numa situação real. Além de descrever os hábitos dos usuários, investiga o porquê de cada ação. O pesquisador vai até o local onde estão os usuários e observa à distância. Em alguns casos, o pesquisador prefere participar das atividades como uma pessoa qualquer.

Esse tipo de estudo pode ser usado para avaliar um produto que já esteja no mercado ou descobrir oportunidades para novos produtos. O mais interessante é que se trata de um método que faz descobrir coisas que não esperávamos descobrir. É muito comum surgirem inovações à partir da observação de gambiarras feitas por usuários como, por exemplo, o uso de testemunhos para mensagens particulares no Orkut. Com base nessa e outras observações, o Orkut melhorou os controles de privacidade das mensagens.

No Brasil quando se fala em pesquisa, as pessoas pensam em laboratórios cheios de tubo de ensaio, com pessoas vestidas de jaleco e cabelo branco. Quando a gente diz que fazemos pesquisa em Design aqui no Instituto Faber-Ludens, as pessoas olham com cara de paisagem. O mercado, de um modo geral, ainda não investe em Pesquisa em Design. Quando falo Pesquisa em Design não estou me referindo à etapa de pesquisa básica para todo projeto em que se levantam referências e dados sobre os consumidores. Estou falando de pesquisa em que se questiona e desenvolve métodos e técnicas de Design. O resultado de Pesquisa em Design não é um produto, mas um conhecimento que pode ser aplicado em vários produtos. Isso é muito raro no Brasil e não acho que o problema seja a falta de verbas. É um fator limitante sim, mas acho mais limitante a falta de perspectiva. É preciso compreender melhor quais são as contribuições possíveis do Design para a sociedade.

Enquanto está criando, o designer faz muitos testes, porém, o julgamento é feito na maior parte das vezes sem a consulta de usuários. Os testes de usabilidade trazem o feedback do usuário, porém, quando este feedback se repete, não é mais necessário fazer testes. Por isso que em testes sumativos realizados com protótipos de papéis ou semi-funcionais é melhor não definir o número mínimo de usuários para cada teste. O ideal é ir realizando as sessões de teste e parar quando sentir que já é suficiente. Em projetos de portais costuma ser necessário fazer testes em quatro fases do projeto:

1. quando estão prontos os esboços no papel
2. quando estão prontos os wireframes
3. quando está pronto o HTML sem programação
4. quando o portal está no ar rodando

Tudo depende do objetivo do teste. Se o obejtivo é impressionar clientes ou diretores, o laboratório com espelhos é imprencindível. O Teste de Usabilidade, nesse caso, vira uma espécie de ritual, onde profissionais de diferentes áreas tem a chance (rara) de parar e refletir sobre o resultado do que estão fazendo.

Porém, se o teste é de rotina, não há necessidade de tanta parafernália. Na verdade, não é necessário absolutamente nenhuma infra-estrutura especial. O teste pode ser realizado no ambiente de trabalho ou casa do usuário, o que traz até dados mais naturais e confiáveis. Uma outra forma muito rápida e barata de fazer testes de usabilidade é usar locais públicos. Você recruta transeuntes e coloca o laptop no colo. Já fizemos testes em shopping centers e funciona muito bem (posso te mandar uma foto se desejar). Aqui no Instituto Faber-Ludens, chamamos essa abordagem de Usabilidade Moleque. Veja o Videocast abaixo.

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Este minicurso visa apresentar o Design de Interação, demonstrar seu diferencial, explicar sua metodologia e indicar caminhos para desenvolver esta área dentro de empresas de Tecnologia da Informação.

Áreas de Design de Interação

Estratégias de Design de Interação

Cultura de Design de Interação

Processos de Design de Interação

Métodos de Design de Interação

O Instituto disponibiliza todo esse material gratuitamente porque nosso interesse é desenvolver a área de Design de Interação no Brasil. Não queremos concentrar esse conhecimento dentro de nossa organização. Queremos é disseminar informações e interagir com quem está trabalhando no mesmos sentido.

Uma nota técnica que acho relevante: para gerar o vídeo do Ustream, que conta com duas câmeras e mais os slides, usei um programinha chamado CamTwist, que mixa múltiplas fontes de vídeo e devolve para outros programas como se fosse uma Webcam.

Futuramente teremos outras edições do minicurso presenciais. Quem quiser ser avisado, basta assinar a Newsletter do Instituto.

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A palestra explora a ideia de que o design não é meramente funcional, mas também contém narrativas. Embora o palestrante não ofereça uma resposta definitiva, ele apresenta argumentos que sustentam a noção de que as ficções criadas pelo design podem ser comparadas a um gênero literário. A formação do palestrante, embora não seja em design, lhe proporciona um olhar diversificado sobre o assunto. Ele enfatiza que todos somos designers de alguma forma, participando da criação e concepção de objetos e experiências.

O palestrante exemplifica essa perspectiva explorando artefatos como pendrives, cujas formas variadas têm motivações que vão além da estética. Ele destaca que a forma segue o mercado, mas também pode transcender as demandas comerciais, transmitindo valores e ideias. Ele discute o design especulativo, capaz de explorar tabus e preconceitos culturais, criando conexões emocionais com o público. Com exemplos que vão desde próteses até o lançamento do iPad, ele mostra como a ficção de design pode enriquecer produtos com complexidade cultural e significado.

A ideia central é que o design vai além da funcionalidade, incorporando narrativas e conceitos culturais. Essas ficções de design não apenas moldam produtos, mas também influenciam nossas percepções e experiências, tornando-se uma parte essencial da nossa cultura contemporânea.

Slides

Vídeo

Áudio

Palestra gravada na Semana Singura da Unibrasil 2010, DesignDay 2010 da Universidade Tuiuti do Paraná e no II DDX Faber-Ludens.

Ficções de Design: um novo gênero literário? [MP3] 61 MB - 1 hora e 7 minutos

Reportagem

Trecho de notícia publicada no website da Unibrasil sobre a palestra.

O co-fundador do Instituto Faber Ludens de Design Interativo, Frederick Von Amstel, ministrou a palestra Ficções do Design: Um novo gênero literário? nesta quinta-feira, 10, no segundo dia de atividades do evento. Ele falou sobre novas tendências da área, como a produção de ficções – quase sempre produtos audiovisuais – que se tornou comum nos últimos cinco anos.

Um exemplo de ficção de Design, conta Van Amstel, é o curta-metragem Radiance Resort, que mostra uma espécie de spa onde a radiação nuclear é usada como forma de tratamento de doenças. “O vídeo é a plataforma mais usada para veicular as ficções de design. Ao contrário das ficções científicas, que projetam um futuro muito distante, as ficções de design focam em algo mais próximo, neste caso o uso da energia nuclear”, explica.

E o design pode ter a mesma densidade cultural de um filme? Para Van Amstel, sim. “O Design tem a capacidade de gerar histórias, criar polêmicas, não apenas produtos. Se pensarmos em histórias, pensamos no futuro. E é daí que surgem as inovações”, afirma, citando o exemplo do Ipad, o aparelho eletrônico da Apple, como exemplo.

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Não acredita? Veja alguns exemplos:

Prototipação é gambiarra pura. O objetivo é criar uma simulação da experiência de uso utilizando o mínimo de recursos possíveis. Meus alunos da Unisul quebraram todos os recordes da gambiarra nas aulas de design digital que dou lá.

O Projeto Laser é uma caneta que projeta uma interface em superfícies planas. Emprestei meu datashow para criarem o protótipo. Note a precariedade do suporte criado pelo aluno apelidado de "MacGyver".

TedBeer é uma espécie de garçom robô que permite que os pedidos sejam encaminhados diretamente pela mesa do bar. Criaram um protótipo usando o kit RFID Touchatag como uma bandeja presa num ursinho de pelúcia qualquer. O laptop que processa os inputs e outputs dos RFIDs está embaixo da mesa. Note o sotaque "manezinho" do robô.

Além de ilustrar conceitos, a gambiarra pode servir para testá-los com usuários. Para testar o CanWe?, um aplicativo de iPhone que facilita encontrar pessoas desocupadas para passar o tempo junto, eles criaram primeiro um protótipo em papel e depois um protótipo semi-funcional em Flash, mas como não rodava no iPhone, rodamos num PocketPc (que aliás, é muito mais barato).

Um grupo percebeu que umas amigas estavam deixando de usar o diário para registrar sonhos interessantes e estavam usando o celular ou MP3 para gravar uma descrição falada do sonho. Transformaram a gambiarra do usuário num produto: o Apanhador de Sonhos.

Outra gambiarra que virou produto é o Boo, um aplicativo OpenSocial que ajuda adolescentes a montar "esquemas" entre os amigos.

Gambiarra como técnica

Sendo assim, minha proposta é que a teoria do Design se atualize para incluir a gambiarra como técnica legítima. Ao invés de levar na brincadeira e marginalizar a técnica como costumam fazer nossos colegas da Computação, gostaria que tivéssemos orgulho de nossas gambiarras.

Claro, gambiarra não é panacéia. Não resolve todos os problemas do mundo... pensando bem, talvez resolva, mas sempre por pouco tempo. Algumas gambiarras podem durar mais tempo, não pela eficiência da solução, mas pela preguiça ou incapacidade de mudar...

Isso é bom. Significa que há espaço para melhorar. Não é como um daqueles projetos que estabelecem um padrão difícil de ser superado, mesmo que se torne caduco. O design que dá a última palavra não gera reflexão, só cópias de si mesmo.

Inovação de verdade

A imagem acima mostra uma comparação entre alguns dos produtos projetados pelo designer Dieter Rams na Braum dos anos 1960 e os produtos de Jonathan Ive na Apple dos anos 2000.

Depois dessa você ainda acredita que Apple é sinônimo de inovação?

Eu acredito, mas considero que o termo inovação, como é usado pelo mercado, não diz respeito ao novo e sim à novidade. Uma proposta pode nem ser tão nova assim, mas se a audiência desconhecer, torna-se uma novidade. A maior parte do que se diz inovador no mercado é remake do passado porque a função da inovação é reafirmar o status quo, dar um upgrade nele. O risco de perder status impede que o novo emerja de organizações e pessoas estabelecidas.

O novo só pode vir de quem não tem nada a perder: empresas startups, grupos de estudantes, artistas de rua, usuários finais. É daí que saem as revoluções.

Organizações estabelecidas sabem muito bem disso e monitoram de perto estes grupos. Num passado não muito distante, organizações coibiam qualquer ameaça. Hoje elas incorporam. Compram startups, contratam estudantes, financiam artistas e pesquisam usuários finais. Em muitos casos, infelizmente, as organizações não descobrem como converter estas novas idéias em atualizações efetivas e o movimento de mudança emperra.

Design aberto

O design está no limiar desse processo. Ao mesmo tempo em que pode transformar a gambiarra do usuário em solução oficial, mais bonitinha, pode também deixar abertura para os usuários criarem novas gambiarras. APIs de conteúdo, funcionalidades flexíveis, simplicidade e ambiguidade são alguns dos segredos do sucesso do Twitter.

Até agora, o Twitter soube incorporar muito bem as gambiarras que os usuários criaram. O @fulano para respostas e #hashtags para marcar conteúdo foram criados pelos usuários e, depois, transformados em funcionalidades oficiais. Ao invés de manter um software cliente oficial, destacam os clientes criados por empresas e indivíduos. A API permitiu também que fossem criadas dezenas de integrações com dispositivos de hardware que aspiram a fazer parte da Internet das Coisas.

A abertura do Twitter gera entropia e a entropia gera serendipidade. Quanto mais as coisas se cruzam, maior a possibilidade de associação entre elas. É por isso que a gente acessa o Twitter esperando o inesperado. Queremos que nossos contatos nos supreendam e porque isso acontece com frequência, nós acessamos mais e mais.

O Design Orientado a Gambiarras é um design que nunca termina. Que não é privilégio de designers formados, mas que promove a participação de usuários no projeto, sem preconceito. Que tem múltiplos significados e liberdade de interpretação. Que abraça a entropia e o caos concomitante. Que economiza e reaproveita recursos, criando soluções mais eficientes e sustentáveis.

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Estas idéias não apareceram do nada; são resultado de um trabalho árduo de semanas, envolvendo a participação de alunos de três turmas diferentes. Para organizar os projetos desenvolvidos no Instituto Faber-Ludens, nós usamos o sistema de grupos do Drupal. Com isso, é possível colaboração online, porém, sem os encontros offline, o projeto definitivamente não teria ido tão longe.

O projeto começou com algumas pesquisas de referências de abas no mundo físico, em navegadores e outros aplicativos. Como o ponto era as abas dos navegadores, levantamos as dificuldades com elas. Surge então a primeira proposta mais consistente, o agrupamento de abas.

Sugeri ao Bruno Duarte aproveitar a metáfora do clips, que tem uma função similar, mas a discussão que se seguiu demonstrou que poderíamos evoluir mais a idéia.

O professor Érico Fileno propôs desenvolver o projeto em sua disciplina Técnicas de Prototipação I e aí o projeto deu um gás. Utilizando as técnicas de criatividade em grupo que grandes empresas como IDEO utilizam, foi possível gerar uma grande quantidade de idéias alternativas. De fato, ainda estão para inventar uma plataforma para colaboração melhor do que uma mesa, papel e lápis/caneta.

Enquanto uma das turmas tinha aula presencial com o Érico, outras duas participavam online, promovendo discussões fantásticas como esta sobre o comportamento do usuário em ambientes hipertextuais e esta outra sobre a necessidade de abrir tantas abas. A discussão se estendeu até o blog da Karine Drummond, que nem fazia parte do projeto mas acabou contribuindo para ele.

O prazo estava acabando e ainda não havia sido fechado o conceito a ser proposto. Então, o pessoal que mora em Curitiba resolveu se reunir presencialmente para fechar. Foi uma noite muito produtiva! Ficamos das 19 até 23hs aperfeiçoando a proposta do Alexandre Ribeiro de usar o cubo Rubik como metáfora de navegação. Foi empolgante ver os alunos aplicando os conhecimentos que haviam adquirido com o professor Érico!

No final de semana que se seguiu, Tersis, Alexandre, Samille, Vicktoria, Fernando, Ana Carla e Leonardo deram seu sangue para montar o vídeo em sucessivos encontros online e offline. Deu resultado. O projeto recebeu notas muito boas dos jurados na apresentação da proposta, porém, acharam que a proposta estava longe do que tinham pedido: repensar as abas dos navegadores. Realmente o Software Livre está precisando urgente de mais designers: eles não sabem o que é inovação. Ainda bem que a votação popular reconheceu o esforço do pessoal! Eles mereceram.

Com este projeto comprovei pra mim que a colaboração online não substitui a colaboração offline, mas complementa. Online é bom pra analisar, comparar, discutir e desenvolver. Offline é bom pra criar, decidir e comprometer-se.

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1 - Experiência e interação são dois conceitos fundamentais na construção de ambientes digitais. De que maneira tais conceitos vêm transformando a produção do design contemporâneo?

O Design, de um modo geral, está passando por transformações fundamentais devido à novas demandas de mercado. Em primeiro lugar, o mercado tem procurado o Design como diferencial competitivo em áreas cada vez mais diversas, desde salões de beleza à organizações financeiras. Só isso já deixa sem chão as velhas definições atreladas a um objeto (Produto/Gráfico) ou método particular (Industrial). Em segundo lugar, o mercado está mais atento à relação entre processo e resultado. Se o Design promete melhores resultados, o mercado quer saber como. O mercado não está interessado em encontrar as formas universais da beleza, mas sim em vender produtos e fidelizar clientes. Quando a concorrência é grande, entretanto, a tarefa é árdua. O que antes não era levado em consideração porque o consumidor não tinha escolha se torna logo um ponto fraco. A estratégia de controle muda da escassez para a abundância em questão de meses. Experiência e interação são alguns dos termos utilizados para sugerir que o controle na abundância é possível através da sedução. Não é por acaso que estes termos tenham sido primeiramente utilizados em projetos de Tecnologia da Informação. A força que impulsiona o desenvolvimento de TI são as intenções de controle, seja de consumidores ou de usuários.

2 - Na dissertação de mestrado "Design em Parceria", Bianca Dal Bianco cita o famoso pensamento de Donald Norman, reconhecido estudioso da área do design: "somos todos designers... Manipulamos o ambiente a nossa volta para que ele satisfaça melhor as nossas exigências. Escolhemos quais objetos possuir, de que objetos nos aproximar. Construímos, compramos, sistematizamos e reformamos: todas essas ações são exercícios de design". Considerando tal passagem, quais são os elementos da experiência do usuário que devem ser pesquisados cuidadosamente para melhor compreensão de um processo interativo e consequentemente concepção adequada de um projeto?

O Design, de um modo geral, baseia-se num modelo triádico que envolve pessoas, atividades e artefatos. Dependendo do enfoque do projeto, um desses elementos pode ser priorizado. Hoje, o mais comum é o foco no artefato, pois é o que o cliente quer ver entregue. Se o cliente não liga para a experiência do usuário porque eu devo me importar? É por essa falta de vontade dos desenvolvedores de superar as expectativas tanto do usuário quanto do cliente que a coisa não vai pra frente. Conhecer o usuário não é difícil. Basta levantar o perfil do público-alvo através de questionários ou mineração de dados, montar algumas personas e está feito. Difícil é compreender as atividades destes usuários. Isso exige sair do escritório e visitar o lugar onde o usuário vive. Observar o que não é dito, fotografar as gambiarras, se meter nas relações políticas. A habilidade do Design em interpretar estes dados e transformar em projetos úteis e sedutores é o que tem elevado o Design ao campo estratégico das empresas.

3 - O design de interação é uma área que vem recebendo mais atenção no mercado internacional, principalmente em universidades tradicionais como a Carnegie Mellon University, o Instituto Ivrea, o Royal College Art, entre outras, além de já existir uma associação profissional, a Interaction Design Association. Em termos práticos, como poderíamos defini-lo?

A definição que usamos no Instituto Faber-Ludens é a seguinte: "Design de Interação é uma área dentro do Design que trata especificamente do projeto de artefatos interativos, tais como websites, softwares, dispositivos móveis, produtos eletrônicos e etc." Optamos por definir a área pelo tipo de projeto para ser mais facilmente compreendidos, porém, consideramos o Design de Interação como o projeto da interação entre pessoas que ocorre por meio destes arefatos. Nosso material de trabalho não é a tecnologia e sim as relações sociais. Design de Interação é a habilitação ou proibição de certas interações sociais por meio da tecnologia. O interessante dessa visão é que o objeto da disciplina é independente da tecnologia e, sendo assim, não fica obsoleto com a evolução tecnológica. Por outro lado, fica claro o papel sinistro que o controle sobre estas relações pode ter.

4 - Por ser um campo de conhecimento ainda recente no mercado brasileiro, é comum haver certa confusão ao se definir o que é o design de interação e o que seria o design de experiência. Pela sua experiência, quais seriam os aspectos para diferenciar esses dois conceitos?

Design da Experiência é uma proposta, Design de Interação é uma área estabelecida. Podemos dizer que o primeiro é a visão macro e o segundo, micro. Devido à departamentalização das empresas é difícil implementar uma visão macro consistente. O consumidor acaba interagindo com "diferentes empresas" que na verdade são uma só. Por enquanto, o foco tem sido em aperfeiçoar estas interações separadamente. Cada departamento rende um projeto em Design de Interação. Porém, é possível que as empresas se interessem em controlar a experiência do usuário nestes diferentes pontos de contato, aí será o caso do Design da Experiência, mas, por enquanto, é algo para poucos.

5 - No cotidiano profissional, quais seriam as principais funções do designer de interação? E como esse profissional deve ser incluído dentro da estrutura de produção das agências digitais?

O designer de interação é especialista na interação do usuário, seja qual for a mídia escolhida. Ele deve ser capaz não somente de prever o comportamento, mas também de influenciá-lo. Essa habilidade está atraindo a atenção dos departamentos de publicidade, porém, em muitos casos, ela está sendo mal aproveitada. Na publicidade, o designer de interação é frequentemente chamado para deixar interativa campanhas que não podem ser realmente interativas. Limitado pela visão de comunicação, o designer de interação acaba projetando uma interatividade bobinha: uma logomarca que gira seguindo o mouse, um jogo baseado em templates ou uma cópia de um serviço Web 2.0 qualquer. Este designer poderia contribuir muito mais se fosse incluído na definição estratégica da campanha, tornando a interatividade não uma mera roupagem, mas sim um modo de comunicar. O que muitos clientes e também diretores de criação talvez não estejam percebendo é que a interação é a nova forma de se comunicar na sociedade pós-massa em que estamos entrando.

6 - Antropologia, psicologia e sociologia são algumas das ciências sociais que surgem para complementar a base de conhecimento do designer diante das novas perspectivas do mercado profissional. Diante disso, qual seria o perfil ideal para um designer se especializar no design de interação?

O perfil ideal de designer de interação é a pessoa que brincava de Lego quando criança, sonhava em ser como o professor Pardal, imitava o MacGyver e sentia pena do Pinky e Cérebro. Não tem receita de bolo: o segredo está na mistura de competências diversas e complementares. Uma dica é realizar uma pós-graduação que envolva pesquisa de comportamento social. Designers de interação precisam saber estruturar, aplicar e interpretar pesquisa social com rigor, pois seu trabalho é baseado nisso.

7 - No artigo "Os primeiros princípios do design de interação", Rochester Oliveira destaca que um bom caminho para entender o design de interação é conhecer alguns dos princípios fundamentais para criar e implementar interfaces eficazes. Atualmente, quais são as metodologias e as técnicas mais utilizadas no trabalho do designer de interação?

O Instituto Faber-Ludens mantém um Guia Colaborativo de metodologias e métodos. Uma das páginas mais acessadas é sobre o método Teste de Usabilidade. Parece que finalmente o mercado está assimilando a prática de testar com usuários. Outra técnica bastante procurada é a elaboração de questionários, quase sempre visando a construção de Personas, que são perfis de usuários. O problema é que raramente estas pesquisas tem rigor científico. Acabam se tornando meros instrumentos retóricos para justificar decisões e não instrumento para conhecer o usuário. De um modo geral, a pesquisa em design de interação no mercado brasileiro está no estágio de oba-oba. Desde que apresente em gráficos coloridos, qualquer um diz o que quizer sobre os usuários. Isso tende a mudar, conforme os dados de pesquisa levem a fracassos financeiros.

8 - Em post do seu blog, "O que é afinal design de interação", onde você aborda, entre vários aspectos, as diferenças entre o arquiteto de informação e o designer de interação, é ressaltado que este último terá funções mais voltadas para "a manipulação e a transformação da informação". Em termos de produção, quais são as principais ferramentas a serem utilizadas no trabalho do designer de interação?

Também pelo fato de usarem ferramentas similares, o trabalho do designer de interação ainda se confunde com o do arquiteto da informação. Designers de interação também usam Visio, Axure, PowerPoint e etc. A diferença principal é que, geralmente, designers de interação sabem programar e encaram um Javascript ou Actionscript básico para montar protótipos funcionais. Quando o projeto envolve computação física nem dá pra comparar. Designers de interação usam muito um microcontrolador chamado Arduino para criar protótipos de hardware. Também é comum usarem a linguagem de programação Processing, feita especialmente para designers.

9 - Atualmente, as redes sociais se tornaram o grande centro de atenções da internet, ressaltando o conceito de colaboração como uma característica fundamental na produção de projetos que vão sendo transformados conforme o público vai experimentando e participando do aperfeiçoamento de suas funcionalidades. Neste contexto, de que maneira estes ambientes podem ajudar no trabalho do designer de interação? Como obter dados funcionais sobre o comportamento do usuário em espaços colaborativos?

Em situações em que os recursos são escassos e o acesso à comunidade a ser estudada é dificultado por dispersão geográfica ou barreiras simbólicas, pode ser feito um estudo etnográfico baseado na observação e participação em redes sociais na Web. Isso pode ajudar a compreender melhor quais as características comportamentais dos usuários. Porém, é preciso tomar cuidado na interpretação. Todo mundo sabe que nem tudo o que dissemos, fazemos e mostramos nas redes sociais corresponde ao que fazemos fora dela. É preciso tratar as redes sociais como um espaço público onde as pessoas realizam rituais de performance social. Indica-se que, além de navegar nas redes sociais, que se realizem algumas entrevistas em profundidade com alguns usuários pesquisados.

A gente fez alguns exercícios desse tipo num minicurso sobre design de rede sociais.

10 - Em entrevista publicada na edição de abril, a designer e pesquisadora Yasodara Córdova apresentou algumas das transformações que o conceito de desenvolvimento ágil tem trazido para a produção do design, inclusive com o surgimento de um modelo de "web design ágil". Como as metodologias ágeis podem influenciar o trabalho do designer de interação? De que maneira elas devem ser incluídas em seu cotidiano profissional?

As metodologias ágeis estão transformando o ambiente de trabalho em Tecnologia da Informação drasticamente. Para assentar o crescimento das equipes, as empresas estavam dividindo o trabalho em etapas, distribuindo entre especialistas e departamentos. Os únicos que tinha a visão geral sobre o processo eram os gestores, mas o problema é que nem sempre o processo era seguido pelas equipes. Acabava que ninguém sabia exatamente o que estava acontecendo e quando se davam conta, já tinha estourado o prazo.

As metodologias ágeis tentam resolver essa ineficiência com um ritmo de desenvolvimento cíclico, ao invés de linear. Os membros das equipes tem que se encontrar frequentemente, informando o que estão fazendo e solicitando ajuda. O prazo se torna sagrado, mas a responsabilidade é do grupo. Se alguém está com problemas, os demais devem ajudar.

Os primeiros designers de interação foram contratados dentro da lógica de departamentalização e acostumaram-se com o processo linear de desenvolvimento. Quando defrontam-se com o desenvolvimento ágil ficam meio perdidos, pois não há uma definição clara sobre como se encaixar no processo. O Design é visto como parte do trabalho de cada desenvolvedor e não uma etapa ou responsabilidade de um cargo. Isso dilui a possibilidade de desenvolver uma visão de Design integrada.

No caso do Scrum, algumas equipes estão superando essa dificuldade posicionando designers numa equipe especial que trabalha na especificação de sprints futuras ou no lado do product owner.

11 - Nos últimos anos, o avanço da tecnologia tem proporcionado novos modelos de experiência e interação, como podemos notar nos dispositivos móveis e o uso do toque para manipular os elementos da interface. É possível apontar os novos desafios que surgirão para o futuro do design de interação?

O mercado de tecnologia, e a sociedade em geral, ainda estão muito fascinados com novas interfaces para velhos produtos. Esperam que o designer faça mágicas do tipo controlar canais de televisão com gestos e assoprar o telefone para desligar. Porém, o escopo do design de interação vai além da interface. Se é possível que se estabeleçam novas relações sociais pela interface, as possibilidades são inúmeras. É possível repensar totalmente a cadeia de produção e consumo de vídeos, como faz o Youtube. Isso pode ser projetado ou acontecer por acaso.

Vejo que o design de interação será crucial para a sociedade do amanhã, que dependerá cada vez mais de tecnologia para o controle social. Seu papel será naturalizar estas tecnologias, tornando-as mais bonitas, simpáticas, fáceis de operar, criando a ilusão de que o usuário está no controle. Não acredito na centralização deste controle, acredito na dispersão. As pessoas aceitarão perder o controle sobre si em favor de ganhar controle sobre seu círculo social próximo. Os modos de socialidade que vemos hoje em redes sociais com o Orkut, por exemplo, são os embriões de um novo modo de viver nas grandes cidades, que em breve estarão repletas de dispositivos conectados à Internet. Sem dúvida, a Internet das Coisas (e o que as pessoas farão com ela) é o grande desafio do design de interação para as próximas décadas.

12 - Quais dicas de leitura você indicaria para o profissional que deseja se aprofundar neste assunto?

• O Blog do Instituto Faber-Ludens
• A revista Interactions
• O livro Designing Interactions

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Creio que a plataforma seja útil além da Internet das Coisas. Me parece uma forma prática e barata de criar interfaces tangíveis que permite uma transição mais suave entre o mundo físico e o virtual, permitindo que pessoas alheias ao mundo virtual aproveitem seus benefícios.

Basta encostar o chips no leitor para disparar ações. Estes chips podem ser colados em objetos do dia-a-dia que possuem uma conexão semântica com o objetivo da ação. No meu caso, a primeira aplicação que criei é um atalho para meu filho assistir vídeos do Pica-Pau no Youtube encostando seu boneco de pelúcia do Pica-Pau.

Em termos de facilidade de uso, meu filho foi sincero: é mais fácil apertar o botão de ligar da televisão, mas não é sempre que está passando Pica-Pau, nem pode escolher os episódios que quer assistir. Ele me perguntou porque eu não compro fitas VHS antigas para colocar no vídeocassete aposentado, porque no DVD ele não consegue mexer direito...

Tive uma outra idéia que ele gostou mais. Um brinquedo que grava histórias sobre outros brinquedos. Meu filho adora mostrar pra outras pessoas seus brinquedos. Pensei que gostaria de ouvir a si mesmo. Improvisei um protótipo usando um PocketPC. Ele adorou!

No próximo passo, pretendo montar um protótipo funcional utilizando o Touchatag. Coloquei a idéia do projeto na incubadora de projetos, aliás, uma idéia interessante de cocriação.

O ideal seria desenvolver uma aplicação para o Nabaztag, que além do leitor RFID, já tem um formato de brinquedo, mas o preço está meio salgado e não sei o quão difícil é fazer isso.

Inspirado no projeto Pling Plong, um leitor de livros em áudio para crianças, estou desenvolvendo também uma extensão para os livros atuais do meu filho. Ao invés do livro todo, o leitor de RFIDs reconhecerá os elementos destacáveis do livro, disparando um som do objeto e/ou leitura da página.

Não vejo a hora de levar estes kits para nossas aulas da pós-graduação em Design de Interação. Espero que surjam aplicações criativas como as do projeto Touch.

Os chips RFID não são novidade. Sua patente tem mais de 40 anos! Porém, até bem pouco tempo sua aplicação era meramente utilitária: cartões de ponto, tickets de passagens, etiquetas de supermercado. Só agora que alguns designers começam a exploração de seu potencial para a expressão estética, afetiva, comunicação, educação e outras aplicações subestimadas no desenvolvimento tecnológico.

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Veja o mapa de onde moro, na cidade de Curitiba, por exemplo.

Este lugar eu escolhi pela Internet. Eu queria criar meu filho num lugar parecido com o que eu fui criado no Rio de Janeiro: um condomínio de prédios com ampla área de lazer e contato com a natureza. O site que tem a maior base de imóveis em Curitiba não tinha esse critério de busca nem nada que chegasse perto disso.

Por acaso, um dia caí no Wikimapia, um mashup do Google Maps que permite aos usuários adicionarem anotações sobre os mapas das cidades. Comecei a sobrevoar a cidade em busca de algo que se parecesse com o que eu queria. Me senti como num helicóptero. Uma série de prédios rodeados de árvores me chamou a atenção. Passei o mouse por cima e descobri o Parque Pinheiros. Fui até lá e fiquei.

Um dos critérios principais para a escolha de um local para morar, em qualquer grande cidade, é o acesso à rede de transportes. As possibilidades de ação que uma cidade é oferece é proporcional ao deslocamento necessário para executar atividades. Como pode-se ver no mapa abaixo, é uma região bem servida de avenidas e ônibus.

Porém, não adianta muito saber onde estão os pontos de ônibus se não se sabe a rota dos mesmos. O sistema de transporte coletivo de Curitiba é complexo: para se chegar num local, mesmo que seja próximo, é necessário o baldeamento (pegar outros ônibus), apesar de que a conexão seja gratuita. Esse esquema é interessante porque pode-se chegar a um mesmo lugar por caminhos diferentes, porém, a complexidade é tão grande que dificilmente um cobrador ou motorista consegue explicar quando alguém pergunta como chegar num local que está fora de sua própria linha. Imagine então, quando um forasteiro pergunta a um transeunte na rua. É por isso que os curitibanos não gostam de dar informações na rua; eles têm motivo para serem antipáticos...

A URBS oferece um sistema para encontrar rotas, mas eu particularmente nunca consegui usá-lo sem dar bug, além da interface ser sofrível.

Essa informação tinha que estar disponível na hora em que se precisa, ou seja, quando se está na rua. Em alguns pontos de ônibus, há mapas bem completos, mas estes só conseguem mostrar informações relativas ao bairro. Pra mim, é um excelente passatempo enquanto espero o ônibus chegar, mas para a maioria das pessoas é grego. Já vi muita gente perguntando para outras pessoas sobre rotas de ônibus mesmo tendo o mapa logo atrás. Este tipo de mapa, apesar de bem organizado, exige uma capacidade cognitiva fora do comum, pois é preciso discernir entre muitas informações irrelevantes aquelas que atendem à demanda.

A tecnologia da informação poderia ajudar aqui, permitindo filtrar informações baseadas na demanda do usuário. Infelizmente, os quiosques informatizados da prefeitura são pobres nesse assunto. Se limitam à listar as linhas de ônibus e horários. Bem que eles poderiam acessar o sistema web comentado anteriormente, mas este teria que ser adaptado para ser usado numa tela touchscreen.

Nossos alunos da pós em Design de Interação fizeram como exercício de Técnicas de Prototipação I, o redesign de um novo quiosque, o Ponto-i. O novo sistema integra as informações espalhadas de modo contextual. As informações iniciais são relativas ao ponto geográfico do quiosque, mas é possível selecionar roteiros que integram pontos turísticos e dicas de usuários para se locomover na cidade. Estes roteiros podem se transferidos para o celular e consultados no caminho. Eles construíram um protótipo de papel bem bacana para demonstrar o uso.

Ponto i - Paper Prototyping from Felipe Sad on Vimeo.

O Ponto-i faz parte de um projeto de pesquisa aberta do Instituto Faber-Ludens que visa investigar as possibilidades da Computação Pervasiva para reconfigurar o espaço urbano: Urbanismo Digital.

"A computação pervasiva adiciona uma nova camada ao urbanismo das cidades. Assim como a rede de transporte físico foi crucial para o estabelecimento das metrópoles, a infra-estrutura eletrônica redefinirá como nos encontraremos com outras pessoas nas cidades conectadas. É urgente planejar esta nova camada, do contrário, estaremos presos no equivalente digital de becos sinistros, trânsito infernal e viver isolado no meio de multidões."

O objetivo do projeto Urbanismo Digital é demonstrar a importância do planejamento urbano digital. Quem quiser participar, fique à vontade.

Convidei a participar deste projeto aberto Caio Vassão, um arquiteto e urbanista que pesquisa Design de Interação. Para ele, a tecnologia da informação constitui uma Camada Ambiental Interativa, que deve ser tão bem projetada quanto outras camadas físicas do espaço urbano.

Caio demonstra como o conceito pode ser aplicado numa situação prática, guiando o planejamento de uso da tecnologia da informação num centro universitário. No diagrama abaixo pode-se ver a sobreposição e integração entre ambientes de colaboração acadêmica virtuais e físicos.

Esse cruzamento é um dos que mais me interessa no Design de Interação hoje. Também é de interesse de Adam Greenfield, diretor de interfaces e serviços da Nokia, e de Mike Kuniavsky, diretor da ThingM. Num futuro próximo, a tecnologia da informação será o asfalto de empreiteiras digitais. Muitos interesses políticos e dinheiro passarão por aí.

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Como exemplo peguei dois vídeos do próprio Youtube: uma performance de Chris Crocker e a filmagem de três pessoas diferentes assistindo o mesmo vídeo feita por Stephanie Hough.

Dê play nos dois vídeos, mas diminua o volume do segundo para não atrapalhar.   

Como você não conhece estas pessoas, não interessa muito ver suas reações, porém, se fossem amigos próximos o interesse seria maior porque:

• elas fazem parte de seu círculo social e seu comportamento é orientado a este círculo
• a empatia (sentir o que o outro sente) é proporcional a experiências compartilhadas
• essa interação pode disparar outras interações, como uma mensagem comentando a reação do colega ("se vc acha essa careta esnobe, olhe então como eu faço careta para Chris Crocker")

A motivação seria similar a ir ao cinema com vários amigos e poder ouví-los rir, chorar e assustar nas cenas mais fortes do filme. Para pessoas observadoras (ou sarristas), isso é às vezes mais divertido do que o próprio filme, especialmente em filmes de terror ou romance meloso.  

O criador do vídeo teria muito interesse em ver a reação de sua audiência. Seria como um espelho em que se pode ver a si mesmo pelos olhos dos outros. Vertov e todos seus milhares de seguidores que bateram fotos de si mesmo no espelho adorariam esta funcionalidade.

Conforme fossem surgindo centenas de reações, seria possível acompanhar a audiência e, dessa forma, ajustar seus hábitos de produção de vídeos ou de consumo. Na verdade, já não daria mais para separar produção de consumo, pois todos estão produzindo e consumindo ao mesmo tempo, explicitamente!

Na verdade, isso já está acontecendo espontaneamente no Youtube. Basta fazer uma busca para ver as reações que as pessoas gravaram delas mesmas assistindo vídeos polêmicos. A novidade que estamos introduzindo é poder assistir os vídeos sincronizados e selecionar apenas as reações de seus amigos, ou quem sabe outros critérios. Fico imaginando a possibilidade de alguém ficar famoso só por suas reações aos vídeos e, desta forma, se tornar um companheiro ideal para assistir vídeos.

Esses dados de audiência poderiam ser analisados por algoritmos de reconhecimento de emoções faciais, gerando um banco de dados que permitisse busca de vídeos alegres ou tristes. Indo além, esse algoritmo poderia perceber padrões de emoções ao longo da estrutura narrativa, podendo ser classificados em gêneros tradicionais ou novos gêneros, que emergiriam a partir da própria reação da audiência.

Gravamos um vídeo explicando os rabiscos que fizemos destas idéias. Se alguém gravar uma reação a este vídeo, coloca abaixo nos comentários. 

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O professor Michael Welsch ficou famoso pelos seus vídeos no Youtube demonstrando a disparidade entre o uso de novas tecnologias no dia-a-dia dos estudantes e dentro da escola. O que pouca gente viu são seus próprios experimentos de ensino em sala de aula. WorldSim é uma espécie de jogo que ele promove entre seus alunos para perceber os múltiplos fatores que delineiam uma cultura.

WorldSim é muito parecido com Civilization. A diferença principal é que este último tem suas regras gravadas num computador. Aliás, Civilization já é usado em escolas canadenses para ensinar História há alguns anos.

A novidade agora é usar Spore nas aulas de Biologia. O próprio Will Wright, criador do jogo, admite que além de entretenimento, ele gostaria que os jogadores aprendessem sobre teoria da evolução.

O Museu da Língua Portuguesa em São Paulo e o Museu de Ciência e Tecnologia da PUC-RS são provas de que investir em ferramentas de educação interativa dá resultado. São dois dos museus mais visitados em toda a América Latina, fazendo vivo um conhecimento que poderia estar abandonado em exposições tradicionais, como é o caso da maioria dos museus brasileiros.

Detalhe importante: a lista de reprodução acima agrega vídeos criados e publicados espontaneamente por crianças e adolescentes que visitaram o museu usando seus telefones celulares e câmeras digitais. Poderiam ser excelente material didático numa aula posterior para rever os princípios físicos dos experimentos, mas muito provavelmente o professor nem sabe que esses vídeos existem. Infelizmente, os professores ainda discutem se devem bloquear celulares ou Youtube nas escolas...

Olha só o que acontece quando educadores abraçam a tecnologia ao invés de repelir: as mesas educacionais da Positivo permitem que as crianças realizem atividades de escrita e matemática utilizando blocos de fácil manipulação e compartilhamento. Esta mesa foi criada no Brasil e é usada em vários outros países. Esta foto, por exemplo, foi tirada numa escola da Flórida, onde é usada para a educação especial.

O desafio é demonstrar aos educadores às possibilidades das tecnologias educacionais. Creio que designers de interação podem fazer uma boa ponte entre Pedagogia e Engenharia.

E para não dizer que não falei de Educação à Distância, que cresce a passos largos no Brasil, destaco o projeto RIVED que mantém um banco de objetos de aprendizagem com milhares de atividades interativas.

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Quando estava em férias no Rio de Janeiro me deparei com esta campanha da Neosaldina envolvendo mídia externa que disparava interação mobile. Os transeuntes são convidados a mandar SMS dizendo se o Rio está feliz ou não e o sorriso no outdoor aumenta de tamanho, demonstrando o índice do dia.

No site da campanha é possível verificar o histórico dos dias e ver que no final do mês de outubro alguma coisa (provavelmente alguma demonstração pública de violência) fez os cariocas expressarem infelicidade. Faltou um mashup com as notícias do dia dos principais jornais do Rio pra saber o real motivo.

Ao invés de se posicionar no centro da interação, a marca se coloca como uma mediadora entre o indivíduo e a comunidade em que vive. Através da Neosaldina o carioca pode saber o que os outros estão pensando em relação à campanha e também à sua cidade.

Imagine se há alguns anos atrás uma empresa estaria disposta a alterar sua marca em função dos humores de seu público? A marca era sagrada, o consumidor, profano. Hoje, a relação é outra. Abundância de concorrência e informação permitem ao consumidor escolher melhor. O critério de escolha deixa de ser o melhor de todos e passa a ser o melhor para mim. As interfaces se tornam o fulcro da profanação das marcas. Cabe ao anunciante criar interfaces e abrir sua marca, convidando o consumidor à cocriação.

Uma das interfaces pouco exploradas no Brasil são as instalações interativas. No stand da Ford para uma feira automobilística, o visitante podia gravar um vídeo que era mixado por um VJ ao vivo, numa mega interface touchscreen.

Mais exemplos de instalações interativas comerciais no blog do Instituto Faber-Ludens.

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Por outro lado, não surge do nada. Alguém teve a idéia. Alguém pensou que seria útil. Normalmente, as idéias de novas tecnologias advém da realização de limitações das tecnologias existentes. A necessidade estava lá, só ninguém sabia como suprí-la.

Veja o caso do celular, por exemplo. Quem é que precisava de um celular no século XIX? Nenhuma decisão era tomada de última hora. Os compromissos eram agendados com antecedência e seu cumprimento era sagrado. Falou tá falado. Além disso, as pessoas com quem você precisava falar estavam sempre por perto.

Ao longo do século XX, isso foi mudando. O ritmo de vida foi ficando cada vez mais rápido, a quantidade de decisões maior, os contatos pessoais cada vez maiores e mais dispersos geograficamente. Como viver sem celular numa sociedade assim? Difícil, mas mais difícil ainda com ele. Agora, é preciso lidar com outros problemas.

O primeiro celular comercial foi produzido pela Motorola em 1983. Era grande, pesado e feio. Embora a empresa tivesse gerado conceitos muito mais avançados em design, o tijolão era mais barato para produzir.

E o mico de sair andando na rua falando com um treco estranho que ninguém sabia o que era? Inicialmente, só os homens de negócio pagavam o mico e o preço do aparelho, que era salgado. Com o tempo, mais gente foi entrando na rede e com propósitos outros além de trabalho. O preço barateou, mas o mico continuava: o aparelho continuava deselegante.

A Motorola demorou mais de 20 anos para perceber que o custo e as funcionalidades de um aparelho celular era o de menos para a maioria das pessoas. O celular é ao mesmo tempo símbolo de status social e ferramenta de ascenção. As pessoas aceitam estar disponíveis o tempo todo porque não querem perder suas posições. O modelo Razr, comercializado a partir de 2004, vendeu mais de 120 milhões de unidades e se tornou o celular mais vendido de todos os tempos, embora fosse mais caro e mais difícil de usar que seus concorrentes.

O Razr foi o mais cobiçado até a chegada do iPhone. Ao invés de competir na espessura, forma arrojada ou cores berrantes, a Apple investiu em usabilidade. Os telefones da Nokia sempre foram reconhecidos como os mais fáceis de usar, mas o iPhone não é só fácil. É divertido, é engajante. Parece até um game.

Mas o iPhone tem uma limitação: ele não é muito customizável. Não dá pra trocar de case como os celulares da Nokia, nem colocar penduricalhos como nos aparelhos da japonesa DoCoMo. Ao contrário do preconceito sobre customização, as pessoas não customizam com o objetivo de chamar a atenção para sua diferença, mas sim para lembrar-se a si mesmas. Embora eventualmente seja usado em público, o celular é um objeto íntimo. Ele faz parte da vida afetiva das pessoas.

Os produtos Apple definitivamente não são feitos para combinar com o o estilo do consumidor. Eles tem um estilo próprio. Ao invés do consumidor colocar um pouco de sua personalidade no produto, o produto é que introduz seus valores na personalidade do consumidor.

O iPod, por exemplo, não sintoniza rádio FM. Você deve escutar o que você quer, não o que uma emissora de rádio quer. E deve dar pontos, numa escala de 1 a 5 estrelas, para gerar listas com suas músicas favoritas. Na verdade, é capaz até de reconhecer quais você mais escuta, para que você escute mais e mais do mesmo. Se você quiser saber o que o colega ao lado está ouvindo, só pedindo um fone de ouvido. Não tem caixa de som e nem conexão para transferência com outros iPods.

O iPod modifica não só a forma como consumimos música, mas também como nos relacionamos com amigos e grupos sociais. Você nem precisa ter um iPod para ser influenciado por ele. É um símbolo que não age sozinho, mas que delinea nossas interações. Isto é Design de Interação.

As empresas que perceberam a relação mútua entre tecnologia e necessidade, entre usuário e contexto social, entre racionalidade e afetividade estão investindo nesse tipo de design como peça-chave de sua estratégia de mercado.

O consumidor está sedento por Design. Não aguenta mais bugigangas que não funcionam e deixam sua vida cada vez mais complicada. Se temos que usar tantas novas tecnologias em nosso cotidiano, que sejam fáceis de usar, elegantes e divertidas. O mercado de tecnologia precisa de mais Design, o mercado precisa de Design de Interação.

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O nome do livro seria Design de Interação Social ou algo assim. O objetivo é apresentar minha visão sobre esta área acadêmica e profissional, enfatizando como aspectos sócio-culturais podem ser enfrentados na prática.

Gostaria que o livro fosse publicado também em formato digital, gratuitamente. As editoras com quem conversei até agora não gostaram da idéia. Alguém conhece alguma que seja ousada assim?

Segue o índice de tópicos. Aprecio e levarei em conta comentários.

Design de Interação Social

Contexto do Design de Interação

Introdução ao Design de Interação

• O que é Design de Interação?
• O que é uma interação e como ela pode ser projetada
• Projetar não é controlar
• Apropriação do comportamento social
• Interação vernacular
• Brincadeiras como inspiração
• Design de interação como área acadêmica
• Design de interação como prática profissional
• Urbanismo
• Publicidade e marketing
• Educação
• Saúde
• Governo
• O que é e o que deveria ser experiência do usuário
• Formação em design de interação

Breve história do Design de Interação

• Compressão do espaço e tempo
• Demanda crescente por design
• O crescimento do setor de serviços
• Papel do consumo na identidade
• Invasão da tecnologia da informação no cotidiano
• História do botão leva a uma sócio-história
• Passado e futuro dos meios de interação
• Do artesão ao cocriador 

Diferencial do Design de Interação no mercado

• Anedota do balanço na árvore
• Suprir necessidades e desejos
• Projetando para o passado visando o futuro
• Posição do Design na estratégia da empresa
• Produção de valor de uso
• Como o mercado de tecnologia evolui
• Usabilidade e valor de uso
• Priorizando o uso na cadeia de valor
• O valor da pesquisa com usuários
• Inovação pelo design
• Design de interação em contexto (Técnico, Simbólico, Social, Cultural)
• Design como uma prática de fronteira

Atividade projetual

• Atividade social como base de projetos de interação
• Pensamento projetual
• Características do Design
  • Modelo triádico (pessoas, artefatos, atividades)
  • Multilingue (olfativa, verbal, visual, sonora, tátil)
  • Futurologia Aplicada
  • Articulação de interesses (design negociado)
  • Lidando com os interessados no projeto
  • Projetar com o corpo inteiro
  • Amplificação de tendências
• Perfil do designer de interação
  • Designer como mediador, não criador
  • Síntese de aspirações coletivas
  • Interesse na apropriação popular
  • Colaboração em redes online e offline
  • Designer deve saber programar?
• Perfil do usuário
• Expectativas
• Cognição e personalidade
• As mazelas do usuário
• Usuário não é pokemon
• A revolta do usuário
• Valorizando o input do usuário

Perspectivas teóricas em design de interação

• Ergonômica
  • Acessibilidade
  • Usabilidade
  • Antropometria
  • Design Universal
  • Corporeidade
• Cognitivawww.usabilidoido.com.br/design_de_servicos_orientado_ao_valor_de_uso. html
  • Modelos "mentais"
  • Rituais
  • Design da Experiência
  • Design centrado no usuário
• Ecológica
  • Projetando ecossistemas em rede
  • Integração de processos
  • Efeito rede no design de interação
  • O jogo de esconder e mostrar do Facebook
  • Design de redes sociais
  • Design Sustentável
• Política
• Política do dia-a-dia
• Design e ideologia
• O que designer pode fazer
• Design participativo
• Mediação agonística
• Design social ou para a inovação social

Práticas de Design de Interação

Princípios para projetar interações

• Empatia
• Ética
• Crítica
• Estética
• Imersão

Processo

• A busca constante por inspiração
• Modelo Dialético Progressivo
• Explorando o espaço de possibilidades
• Diversidade metodológica
• Como estabelecer uma metodologia
• Metodologia e Método
  
• Metodologias
  • Design Centrado no Usuário
  • Design Participativo
  • Desenvolvimento Ágil
  • Segura como pode

Pesquisa

• Valor da pesquisa
• Questões metodológicas
  • Objetivos da pesquisa
  • Implicações éticas e legais
  • Qualidade ou quantidade
  • Observação distanciada ou participante
  • Triangulação
  • Interpretação
• Métodos
• A banalização da pesquisa via questionário
• Entrevista
• Oficina Participativa
• Estudo etnográfico
• Etnografia Virtual
• Análise da Tarefa Ritual
• Perfil Semiótico
• Teste de Usabilidade
• Análise Cognitiva
• Teste A/B
• Técnicas
  • Aplicação de questionários
  • Protocolos
  • Porquê-Porquê-Porquê
  • Pensar Alto
  • Semiótico
  • Retrospectivo
  • Análise de registros de uso
  • Conversar com objetos
  • Análise espacial
  • Incorporar o usuário
• Incorporando resultados de pesquisa
  
  • Comunicação de pesquisa
    
    • Fotografias
    • Vídeo
    • Colagens
    • Painel Semântico
    • História em Quadrinhos
    • Diagrama de afinidades
    • Modelos conceituais
    • Árvore de tarefas
    • Descrições
    • Caso Orkut
  • Modelo de transição pesquisa / design
  • Persona como mascote do projeto
  • Persona não é técnica de pesquisa
  • Cenários

Documentação

• Formatos
  
  • Mapa mental
  • Modelo conceitual da aplicação
  • Especificação de Funcionalidades
  • Casos de uso
  • Diagrama sequencial
  • Diagrama da curva de aprendizado
  • Diagrama da situação
  • Relação entre objetos
  • Fluxos de interação
  • Wireframe
• Plataformas
  de colaboração

Prototipação

• Propósito
• Fidelidade
• Funcionalidade
• Competência técnica
• Ciclo iterativo
• Hacking
• Gambiarra
• Formatos
• Esboços
• Storyboard
• Mockup
• Esqueleto estrutural
• Narrativa em vídeo
• Demonstração

• Materiais
  
  • Placas de I/O
  • Papelaria
  • Softwares
  • Dispositivos móveis
  • Brinquedos
  • Lego Mindstorms
  • Filmadoras e máquinas fotográficas

Linguagem do Design de Interação

Semiótica da interação

• Signo e significado
• Semiose social
• Interface homem-homem
• Interface humano-computador
• Interface computador-computador
• Gêneros interativos

Recursos sintáticos

• Tempo
• Espaço
• Textura
• Aparência
• Som
• Movimento

Recursos semânticos

• Figuras de linguagem
• Ajuda
• Narrativa
• Metáfora

Recursos pragmáticos

• Controle
• Consistência
• Foco
• Propiciação
• Mimese
• Simplicidade
• Extensão corporal
• Multimodalidade
• Graus de formalidade

O futuro do design de interação

• Agenciamento Mediado
• Domínio do Design de Interação
• Design além da interação

Referências

• Bibliografia recomendada
• Filmografia recomendada

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O jogo é divertido porque mistura ritmo, desafio e expressão corporal numa interface esfuziante. Começa a ficar interessante quando os jogadores experimentam mexer todo o corpo dentro do ritmo, transformando o movimento mecânico de apertar o botão com a perna numa coreografia. "É preciso entrar na música para acertar," disse meu irmão.

O tapete tinha entrada USB, então resolvi testá-lo para a criação de novas interfaces. Usando o USB Overdrive consegui configurar os botões facilmente. Meu primeiro teste foi jogar o clássico Whack-a-mole usando o tapete. Meu filho usou um chinelo para bater nos monstros da versão Tontie.

Depois testei uma projeção sobre o tapete e montei uma bateria virtual modificando um jogo em Flash.

Detalhe da baqueta improvisada: uma meia presa com fita adesiva num pedaço de madeira. O pedaço de madeira sozinho não ativa o tapete. Ele necessita de uma área maior de contato para ativar o sensor.

Compilei uma lista de vídeos no Youtube relevantes ao assunto. Encontrei hacks muito mais criativos da mesma plataforma:

Quem quiser experimentar o jogo, existe uma versão aberta e gratuita para PC e Mac: Stepmania. Dá pra usar o mesmo tapete do Playstation pra jogar.

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O método que está sendo aplicado é o seguinte: envia-se um questionário para algumas pessoas que acredita-se fazer parte do público alvo. Este questionário contém perguntas sobre dados factuais como idade, profissão, localização e dados mais subjetivos como interesses, preferências, gostos. Depois, estes dados são transformados (magicamente) em grupos de perfis, as personas, independente de qualquer critério objetivo de interpretação. Como as personas se parecem com pessoas reais, o resultado é razoavelmente crível, então, quando o desenvolvedor associa uma funcionalidade de seu projeto à um determinado perfil, parece uma relação muito lógica. Claro, o perfil foi construído justamente para justificar a funcionalidade...

O que me incomoda é que, dessa forma, as Personas tapam o abismo que existe entre desenvolvedores e os usuários e, aí, quando o projeto é lançado, o cliente cai no buraco e o método de Personas é o responsabilizado, perdendo seu crédito. Também acontece muito de outros membros da equipe perceberem a trapaça e não confiarem nas personas, levando ao seu abandono. O Fernando Aquino criou até uma campanha para adoção de personas abandonadas.

O problema acontece por uma falta de compreensão do método Personas. Personas não é uma técnica de coleta de dados, mas sim uma técnica de agrupar e apresentar resultados de pesquisas. Quando são tratadas como fim e não meio, acontece toda essa distorção, pois toda a pesquisa passa a ser enviesada para sustentar os perfis, muitas vezes definidos antes mesmo da própria pesquisa!

Personas que não se baseiam em pesquisas rigorosas podem ser manipuladas para defender pontos de vista. A Persona mais usada para esse intuito é "minha mãe" ou "minha avó". Já ouviram frases do tipo? "Isso aí nem minha mãe conseguiria usar!" Trata-se de um mero artifício retórico para parecer que se está preocupando com o usuário. Na maioria das vezes, a "mãe" ou a "avó" nem faz parte do público-alvo da interface em questão e mesmo quando faz sua capacidade de representar a totalidade do público é exarcebada. Isso é muito usado porque é uma figura familiar, fácil de compreender. Se você fala da sua mãe, eu consigo imaginar melhor como ela vai reagir do que uma figura abstrata como "mulheres entre 45 e 60 anos".

O Alan Cooper, criador do método Personas, dá uma ênfase muito grande para técnicas de observação de comportamento do usuário porque o objetivo dele é usar Personas para design de interação. No Marketing, o método Personas foi apropriado para fazer segmentação de serviços/produtos por dados sócio-demográficos, então eles usam muito questionários, porque são mais eficientes para esse objetivo. Porém, no design de interação esses dados são pouco úteis.

De que adianta saber se o usuário tem entre 30 e 45 anos na hora que você vai definir o fluxo da tarefa? É muito mais interessante saber como essas pessoas agem em situações parecidas. Por isso o Cooper recomenda entrevistas, observações, testes de usabilidade, card-sorting, análise da tarefa, leituras e estudos etnográficos e etc. As Personas entram depois, para resumir tudo aquilo que a gente costuma colocar em extensos relatórios.

No livro About Face, Cooper dá as seguintes etapas para construir Personas

1. Identifique as variáveis comportamentais (geralmente atividades, atitudes, habilidades, motivações)
2. Mapeie os entrevistados com as variáveis comportamentais (classificar de acordo com os critérios levantados na etapa 1)
3. Identifique padrões comportamentais significativos
4. Sintetize características e objetivos relevantes (ele enfatiza muito esse ponto de descobrir quais são os objetivos do usuário ao usar o produto)
5. Identifique as variáveis comportamentais (geralmente atividades, atitudes, habilidades, motivações)
6. Verificar completude e redundância (polir as personas)
7. Expandir descrições de atributos e comportamentos
8. Defina tipos de personas (principais, secundárias, suplementares)

Note como em suas orientações o mais cruciais não são os dados que podem ser captados em questionários, mas sim os que precisam ser observados e investigados mais a fundo. Claro, o objetivo do design de interação não é fazer relações semânticas do tipo que é feito pelo marketing ou design gráfico, mas sim relações pragmáticas, em outras palavras, delinear o comportamento humano.

Até que é bom saber que os clientes estão se preocupando cada vez mais com pesquisas, mas é péssimo saber que os desenvolvedores estão correspondendo com falta de rigor. Se levado à sério, pesquisa pode trazer resultados muito mais valiosos do que simplesmente ter a aprovação do cliente sobre o projeto. Costumo ensinar meus alunos que pesquisa é a expansão da consciência para além de seu próprio escopo de trabalho, percebendo como este está ligado a toda uma cadeia de produção da própria realidade social.

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Essa foi umas das forças motivadoras para fundar o Instituto Faber-Ludens. Expliquei esse ponto na palestra do Encontro de Webdesign em 2007. Com o Instituto, queremos promover pesquisa de qualidade no Brasil, pois somente assim chegaremos à tão desejada inovação econômica, política, social. Em se tratando de Design de Interação, falo de pesquisa com usuários, não de pesquisa técnica. A contribuição principal do Design de Interação não é a invenção de novas técnicas de produção e sim novas formas de aplicação da técnica, como expliquei na palestra sobre Ajax.

No design de interação, a pesquisa de campo é uma ferramenta essencial para a criação de serviços, produtos e artefatos interativos. Diferentemente de outras abordagens de design, o design de interação se destaca por sua base em pesquisas com usuários. Isso envolve compreender o comportamento das pessoas e como elas interagem com os produtos e serviços que estão sendo desenvolvidos. Grandes empresas de design, como a IDEO e a Frog Design, empregam designers de várias áreas trabalhando juntos para aproveitar diferentes abordagens para resolver problemas complexos. Já empresas como Nokia, Motorola e Apple utilizam a pesquisa como prospecção de novos produtos e tecnologias. Enquanto a Apple mantém seus métodos de pesquisa em segredo, a Nokia e a Motorola têm se destacado ao investir em pesquisas para desenvolver produtos adaptados a mercados emergentes.

Uma das vantagens da pesquisa de campo é que ela promove a compreensão das diferenças entre os usuários e os designers, permitindo projetar produtos mais adequados. Além disso, a pesquisa possibilita descobrir oportunidades de inovação ao observar soluções criativas usadas pelas pessoas em suas atividades diárias, como hacks e gambiarras. Isso permite incorporar soluções já existentes em produtos, economizando tempo e esforço na criação de novas abordagens. A pesquisa também é crucial para confrontar realidades e evitar investimentos em projetos que possam não ter sucesso, contribuindo para a tomada de decisões fundamentadas.

A pesquisa de campo permite aos designers e desenvolvedores compreenderem as diferenças entre eles e os usuários finais dos produtos. Ao sair da zona de conforto do projetar para si mesmo e explorar as necessidades e comportamentos dos usuários reais, é possível criar soluções mais eficazes e impactantes. Além disso, essa abordagem mais consciente ajuda a empresa a considerar o impacto de suas criações no mundo, além de criar produtos mais adaptados às necessidades das pessoas.

A pesquisa de campo envolve diversas técnicas, como entrevistas, observações e análise de comportamento. Muitas vezes, é necessário adotar abordagens diferenciadas de acordo com o contexto e o público-alvo. Simuladores online e questionários são ferramentas valiosas para coletar dados, mas é importante garantir que as perguntas sejam claras e autoexplicativas para obter respostas precisas. Além disso, o uso de instrumentos de pesquisa como câmeras e gravadores pode fornecer insights valiosos.

Embora o trabalho de campo seja crucial para o design de interação, é preciso ser cauteloso quanto à interpretação dos dados. É comum as pessoas responderem ao que acham que os pesquisadores querem ouvir. Portanto, a transcrição de entrevistas e a análise dos resultados requerem cuidado e atenção. Com as ferramentas certas e uma abordagem ética, a pesquisa de campo pode fornecer uma base sólida para o desenvolvimento de produtos interativos que atendam às necessidades e desejos dos usuários.

Vídeo

Slides

Como fazer pesquisa de campo em design de interação [PDF]

Slides com áudio [MOV]

Áudio

Como fazer pesquisa de campo em design de interação [MP3] 2 horas e meia

Série

Este episódio faz parte de uma série de aulas sobre pesquisa de experiências (ux research).

1. Pesquisa de experiências no mercado e na academia
2. O valor da pesquisa no Design de Interação
3. Introdução à pesquisa de experiências (UX Research)
4. Planejando pesquisas de experiência com UXCards
5. Introdução ao UXFrameworks na pesquisa de experiências
6. Problematizando a experiência do usuário (ExU)
7. Fazendo descobertas na pesquisa de experiências
8. Pesquisa bibliográfica de experiências (desk research)
9. Como fazer pesquisa de campo em design de interação
10. Pesquisa exploratória de oportunidades de inovação
11. Etnografia no design com Teoria da Atividade
12. O papel da teoria na pesquisa de experiências

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Da Psicologia Cognitiva veio a Teoria do Processamento de Informação e da Psicologia Sócio-Histórica, veio a Teoria da Atividade. Embora Design de Interação seja uma área prática - diferente de IHC que é científica - essas teorias são muito importantes porque delineiam as metodologias, métodos, técnicas e princípios empregados na prática.

Slides [PDF] 6 mb

A Teoria do Processamento de Informação é a mais conhecida (e muitas vezes a única). Ela se baseia na premissa que a mente humana é um processador extremamente complexo de informações. No entanto, se subdividimos seus componentes e descobrirmos como eles se relacionam, é possível compreender o funcionamento da mente. Os cientistas observam o comportamento, formulam modelos abstratos de funcionamento e rodam experimentos para tentar comprová-los. Essa teoria possibilitou o desenvolvimento das seguintes coisas, por exemplo:

• O computador
• Interfaces gráficas
• Design Centrado no Usuário
• Teste de Usabilidade
• Card-sorting

Já a Teoria da Atividade é menos conhecida, mas também influente. A idéia principal é que o sujeito é construído socialmente através da interação com seus pares, sempre mediada por instrumentos ou signos. A consciência se manifesta na atividade (social) e, consequentemente, a constituição mental de um indivíduo é delineada pelas atividades em que ele participa. Para investigar a mente, é preciso investigar o locus social dos indivíduos e, principalmente, suas atividades. Essa teoria possibilitou o desenvolvimento das seguintes coisas, por exemplo:

• Websites de redes sociais
• Softwares colaborativos multi-usuário
• Design Centrado na Atividade
• Design Participativo
  
• Etnografia

Conhecer estas duas teorias é fundamental para o designer de interação ser crítico em relação à sua prática e, principalmente, com as conceitualizações ingênuas de sua prática. O designer praticante não é um teórico, portanto, não precisa ficar preso a nenhuma dessas correntes e sim, aproveitar suas contribuições.

[ Download vídeo ]

Áudio [MP3] 51 mb

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Por mais que se mostrem definições teóricas do que é design de interação, a ficha demora a cair. Designers são profissionais que aprendem fazendo muito mais do que teorizando. Como ensinar fazendo algo que ainda não está sendo feito?

A esse respeito, tive uma experiência muito bem sucedida com meus alunos da Unisul recentemente que gostaria de compartilhar. A disciplina era Usabilidade e Ergonomia de Interfaces, mas por achar mais importante compreenderem design de interação como um todo, não enfatizei os aspectos do nome da disciplina. Em 30 horas de aula eu precisava dar essa visão geral e ainda construir com eles um projeto.

Comecei mostrando alguns projetos que julgo interessantes por explorar as possibilidades do design de interação. Designers são ótimos em observar outros projetos e reproduzir suas características. Porém, eu queria que eles compreendessem que design de interação não é o projeto do artefato em si e sim o que as pessoas vão poder fazer com o artefato.

Lá pelas tantas, apresentei um dos projetos do Instituto Faber-Ludens, o Catálogo de Brincadeiras. Expliquei que as brincadeiras de criança são formas de design de interação popular que existem a muito tempo e que a diferença para o design de interação profissional de hoje é que este embute as regras da brincadeira (ou qualquer outra atividade) nos artefatos. Os alunos se interessaram tanto que decidiram desenvolver o projeto da disciplina a partir dessa idéia. No videocast número 2 do Instituto explico melhor esse conceito:

A proposta era que eles extraíssem as regras de uma brincadeira e aplicassem-nas numa outra situação que não fosse uma brincadeira, tentando prazer e resultados práticos aos participantes. Primeiro eles tinham que levantar uma lista de brincadeiras que conheciam e uma lista de possíveis situações em que ela seria aplicável. Depois que escolhiam o melhor "encaixe", iam a campo pesquisar tanto a brincadeira quanto a situação. Na volta, tiveram que diagramar a brincadeira e apresentar as entrevistas sobre a situação. Veja o exemplo do projeto Pok, que visa aplicar no trânsito a brincadeira de jogar pipoca em pessoas que incomodam no cinema.

No caso desse projeto, a solução foi uma buzina melhorada. A buzina padrão é um sinal genérico que não indica o quê está sendo avisado, nem quem está sendo avisado. Por isso, é comum os motoristas devolverem com buzinadas, gerando uma confusão infernal. Os alunos Marco e Alan criaram uma buzina direcionada, acionada por um controle remoto. A recepção do sinal é dada por um adesivo colado no vidro ou capô do carro. Esse adesivo também exibe o status do motorista. Se ele recebe muitas advertências como essa, fica com a pontuação baixa. É um "Como estou dirigindo dinâmico". O motorista advertido fica sabendo na hora com o seu próprio controle remoto, que emite sinal sonoro dentro do carro. É uma espécie de "pipoca eletrônica" que, além de avisar o intransigente, o coloca numa situação de constrangimento social, inibindo o comportamento indesejado pelas pessoas ao redor.

Outro projeto interessante foi inspirado na brincadeira Elefantinho Colorido e aplicado em festas. As pessoas entram na balada e recebem um botom colorido, cada um de uma cor. De vez em quando, o DJ aciona um alerta e os botons de uma determinada cor acendem, incentivando que as pessoas com a mesma cor se encontrem e dancem juntas. Ajudei as alunas Bárbara e Mirela a construir um protótipo do Elefante Psicodélico na própria universidade. (Note no vídeo a precariedade da fixação do meu datashow).

Pode-se criticar que eles estão sonhando com uma realidade distante do mercado de produtos eletrônicos brasileiro. Sim, dar liberdade para desenvolver projetos experimentais é fundamental numa faculdade que deseja formar profissionais para o futuro e não só para o mercado atual. Porém, o que estou tentando ensinar não é o modo de funcionamento desses artefatos e sim o processo de design de interação. Este se aplica a qualquer artefato, inclusive aqueles que já estão bem estabelecidos no mercado. Um outro projeto que demonstra isso bem legal é o Boo, que se configurou num aplicativo OpenSocial para o Orkut. A inspiração veio da brincadeira Caça ao Tesouro e a situação foi o primeiro beijo de um adolescente. Já avisei ao Jader e a Juliana que eles podem ganhar muito dinheiro se conseguirem desenvolver mais o projeto.

Ainda desenvolvemos outros projetos interessantes com os alunos, cujo processo está todo documentado no blog da disciplina. Aliás, graças a este blog, outros professores estão aplicando algumas das idéias em suas disciplinas, como é o caso de Elton Vinicius da Silva com seus alunos da UFES. Adorei os trabalhos dos alunos e espero que essa iniciativa esteja contribuindo para vivermos num mundo melhor projetado!

No curso de especialização do Instituto Faber-Ludens estou aplicando uma versão mais completa do exercício. Aliás, estamos planejando levar o curso a outras cidades. Quem tiver interesse, por favor, participe da enquete.

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A novidade é que identifiquei elementos mediadores entre comportamentos humanos e as adaptações dos sistemas: o gênero. Sabe quando estamos sentindo aquelas pressões para fazer algo parecido ou com elementos de projetos do mesmo tipo? E aquele jeito tenso de assistir filmes de terror ou jogar jogos firt-person shooter? É o tal do gênero, que envolve competências tanto de escrita quanto de leitura e, por isso, é mediação.

Apresentei o modelo na minha aula de Fundamentos de Design de Interação e os alunos parecem ter captado, apesar da avalanche de informação.

[ Vídeo com slides sincronizados ]

Modelo conceitual para Design de Interação [MP3] 2 hs 50 mb

Estou interessado em dar a visão mais abrangente possível a meus alunos para que eles possam escolher o caminho a trilhar e não fiquem alienados achando que só existe uma única abordagem que é a melhor do mundo.

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É possível controlar o comportamento humano? [MP3] 86 mb

Michel Foucault apresenta a seguinte teoria: o que permite o controle do comportamento é o poder, porém, este só se manifesta quando a pessoa aceita o poder do outro. Na verdade, poder é justamente essa força que parte do dominado em favor do dominador e que pode, a qualquer momento, ser redirecionada. Violência não é poder, mas o medo dela pode ser.

Foucault demonstra que da Idade Média para a Era Moderna, mudamos o modo de regular o comportamento social de um paradigma de punição selvagem pública (esquartejamentos, enforcamentos) para um controle invisível exercido pela disciplina. Enquanto estamos preocupados se alguém nos está observando, verificando se estamos dentro da disciplina, estaremos nos auto-regulando.

A estrutura ideal de controle, na opinião de Foucault, é o Panopticon de Jeremy Benthan, que induz os presos a se regularem uns aos outros. Podemos observar essa estratégia também no próprio urbanismo de cidades como Popayan, cujos prédios possuem sacadas de frente pra rua, induzindo a observação dos transeuntes.

Esse artifício é o que Foucault chama de "tecnologias do eu" e podem ser encontradas às milhares na Internet: Twitter, Orkut, MSN, Email... todas essas ferramentas ajudam os outros a nos observar e a nós mesmos a observar os outros. Não teremos no futuro um Big Brother que centraliza a observação e sim uma observação descentralizada de "irmãos menores", executada pelos próprios observados horizontalmente: esse é o verdadeiro sentido do Panopticon.

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Surrealidade e Realidade Aumentada [MP3] 1h43m - 66 mb

Como exemplo, discutimos o Projeto Placebo de Anthony Dunne e Fiona Raby, que usa produtos eletrônicos como forma de promover reflexão sobre campos eletromagnéticos. A surrealidade cria um distanciamento entre as pessoas e os objetos, fazendo-as ver relações de afeto e dependência que nunca tinham notado.

Projeto Placebo [MOV] 22min 21mb

Na outra ponta, existe a Realidade Virtual, que propõe um mundo das idéias perfeito e controlado. De uma forma mais bem humorada do que no filme O Passageiro do Futuro, alunos da Carnegie Mellon relembram de antigos jogos da Nintendo e alertam para os "perigos" da realidade virtual nesse vídeo:

Por essas e outras a Realidade Virtual está dando lugar a Realidade Aumentada que, ao invés de substituir o mundo onde vivemos, oferecer ferramentas para aumentar nossas capacidades de interação com ele.

A BMW montou um cenário fictício de aplicação de realidade aumentada para auxiliar (ou engessar) reparos em automóveis.

Em São Paulo, GPS que ditam o caminho e mostram mapas em 3 dimensões já são comuns. Na Alemanha, os GPS com voz feminina que vinham nos carros da Volvo sofreram Recall para mudar para voz masculina. Os alemães não se sentiam confortáveis para receber ordens de mulheres. Tecnologia também pode ser machista, ou racista.

Depois da aula, os alunos estudaram produtos que alteram nossa percepção de realidade no dia-a-dia sem percebemos. Luis Felipe descobriu que algumas pessoas consideram o ritual de tomar banho praticamente uma meditação, enquanto Guilherme Silveira constatou que as pessoas só se dão conta de seus aparelhos de som quando eles dão problema.

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Corporeidade no Design de Interação [MP3] 1:43h 47 mb

O Nintendo Wii é um dos primeiros produtos digitais a incorporar (literalmente) gestos, aproveitando seu potencial de expressão e envolvimento. Por isso, após a aula, os alunos foram convidados a bolar um conceito de jogo para o Wii que trabalhasse com o corpo e o tema violência, explorado na primeira aula. Os que mais gostei foram:

ReferWii, criação do Luis Felipe, é um jogo para treinamento de árbitros. Se o cara errar muito, a torcida invade o campo e o árbitro ou bandeirinha é obrigado a se defender como pode!

E o Julio Vedovatto criou o MalhaJudas! em que os jogadores competem pra ver quem consegue detonar o boneco judas mais rápido. Me lembrou um bonus level do Street Fighter em que era preciso detonar um carro. Eu adorava, porque diferente dos outros lutadores, o carro ia mudando conforme levava porrada.

Inspirado no MalhaJudas! fiz um hack juntando o controle do Wii e o boneco da Neostream. Disseram que é bom pra botar pra fora a raiva.

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Cada palestra é focada num público específico. A mensagem, no final, é a mesma: Design de Interação é uma nova forma de projetar interações entre pessoas, relacionando aspectos sociais, semióticos, estéticos e físicos.

Essa aqui é pra quem não tem muita experiência com Design:

Essa pra quem tem experiência com Design, mas não muito na área de Design de Interação:

Esta pra quem, ao contrário, tem experiência com Design de Interação (com audio):

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Em poucas palavras (se é que isso é possível) como pode ser definido o Experience Design? E o Interaction Design?

Experience design, ou design da experiência, é uma abordagem para o projeto de produtos e serviços que, ao invés de focar num ou noutro aspecto do processo de uso, como a praticidade ou a beleza, defende uma visão holística, integrada, da experiência do usuário. O design da experiência enfatiza que as experiências que as pessoas venham a ter com o produto ou serviço estejam alinhadas com a estratégia de marca de uma organização. Embora sejam usadas diferentes mídias para marketing, atendimento ao cliente e transação online e estas sejam mantidas por diferentes equipes e processos, o cliente final percebe tudo como fazendo parte da mesma experiência com a marca. O design da experiência é holístico, porque a percepção do usuário é holística.

Interaction Design, ou Design da Interação, não é apenas uma abordagem, mas também uma área do Design que trata especificamente do projeto de artefatos interativos, como websites, softwares, aparelhos eletrônicos, instalações interativas, jogos e etc. Tais artefatos ampliam as possibilidades de interação humana através de suas capacidades de mediação, sendo este, portanto, o foco do Design de Interação. A pergunta fundamental é “como mediar a interação entre as pessoas por meio da tecnologia?”.

Qual a relação entre o Experience Design e o Interaction Design? São abordagens complementares ou opostas?

A experiência humana se dá a partir da interação com o mundo, portanto, o design de interação é crucial para o design da experiência. Entretanto, é preciso compreender que são abordagens que surgiram em contextos históricos distintos. Design de Interação é a mais antiga, surgindo nos anos 80 quando o Design começou a se interessar pela participação em projeto de softwares e outros dispositivos computacionais. O termo foi cunhado por Bill Verplank e Bill Moggridge. A partir do final dos anos 90, com a popularização dos microcomputadores e a Internet, a demanda por design de interação cresceu muito e a área se consolidou, tanto na academia, quanto no mercado.

A partir da consolidação, profissionais começaram a pensar qual seria o próximo passo do design num mundo cada vez mais mediado por tecnologias digitais. Primeiro, o termo “experiência do usuário” ganha relevância, popularizado por Donald Norman, e, em seguida, “design da experiência”, popularizado por Nathan Shedroff. Ambos estavam interessados em enfatizar a importância do design em todos os pontos de contato com o consumidor/usuário e não apenas na interface, como era o foco do Design de Interação na época. Hoje, alguns profissionais da área de Design de Interação incorporaram a abordagem do design da experiência e desempenham papéis mais estratégicos dentro de suas empresas, enquanto outros defendem que design da experiência seja uma área maior que abranja Design de Interação e outras áreas ligadas a experiência do usuário, como a Arquitetura da Informação, Engenharia da Usabilidade, Acessibilidade e etc.

Como esses conceitos podem ser usados na web?

A web é um meio de comunicação em que o design desempenha fator crucial. Tudo que as pessoas vêem, ouvem e sentem é mediado pelo design. Mais do que isso, as pessoas fazem coisas na web, realizam atividades que antes eram impossíveis sem tal ambiente. A função do Design de Interação pode ser comparada à função da Arquitetura no desenvolvimento de ambientes físicos, definindo as qualidades do material digital que constitui o ambiente virtual. Na prática, isso significa que o projeto da interação não se limita a interfaces, mas inclui também o que as pessoas fazem com estas interfaces, ou seja, as atividades humanas. A partir dessa visão, o projeto de um website deixa de ser uma mera questão de ferramentas, tecnologia e estilos gráficos e passa a ser uma questão de semiótica, sociologia, cultura e outras coisas mais complexas. É devido a essa complexidade que o design está alcançando patamares mais estratégicos dentro das organizações.

O Design da Experiência, a meu ver, é uma abordagem abrangente demais para ser restrita à web. A web seria apenas mais um veículo utilizado dentro de uma estratégia de experiência que perpassa a propaganda na televisão, o atendimento das operadoras de telemarketing, o ponto de vendas, as oficinas de reparos e etc.

Como uma pessoa pode estudar Experience Design? Há cursos ou livros em que ela pode aprender sobre essa prática?

Recomendo começar pelo livro Experience Design de Nathan Shedroff. Em seguida, The Experience Economy, de Joseph Pine, para uma fundamentação teórica mais rica. Como a base desse pensamento é o Marketing, também indico os livros do Philip Kotler.

Quem seria responsável pelo Interaction Design em um projeto web? O designer? O programador? Ou um terceiro profissional?

O responsável pelo Design da Interação deve ser um mix dos dois: meio programador, meio designer. Se ele não conhece as ferramentas de programação, não pode explorá-las para propor inovações, nem tampouco demonstrar como elas devem funcionar (prototipação). Por outro lado, se ele não for, acima de tudo, um designer com uma visão abrangente, ele não vai conseguir chegar numa combinação dos recursos que atenda às necessidades e desejos das diferentes pessoas interessadas no projeto.

Quais são, em sua opinião, os sites em que os conceitos de Experience Design e Interaction Design foram melhor aplicados?

Eu gosto muito do Flickr, um compartilhador de fotos que permite encontrar belíssimas fotos e conhecer pessoas interessantes. O projeto começou como um game online e evoluiu para um álbum de fotos, preservando o espírito de diversão. Outro serviço que gosto é o Orkut que, apesar de muito criticado, funciona. Para fazer com que dezenas de milhões de brasileiros fiquem horas pendurados na frente de um computador é preciso oferecer perspectivas de interação e experiências muito atrativas.

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A tecnologia é criada pela sociedade para suportar ou estender suas atividades, mas fazendo isto, modifica as interações entre os membros da sociedade. A fofoca já existia antes do Orkut, mas estava restrita a ambientes particulares. O Orkut permitiu que a fofoca ocupasse espaços públicos, como os livros de recados. Quando alguns  usuários começaram a se incomodar com isso, o Orkut foi pressionado a oferecer a opção de tornar o livro de recados particular ou restrito a amigos.

O interessante para nós, designers, é que essa dinâmica fica registrada, disponível para consulta e até mesmo nossa participação. Navegando pelo Orkut, podemos compreender muitas questões sociais tais como motivação, identidade, cultura, espaço e tempo, coordenação e aprendizado. Se antes era necessário visitar lares para estudar os costumes culinários de seus moradores, agora podemos descobrir muita coisa acessando comunidades como “Sou fresco(a) com comida” ou “Moro sozinho e cozinho feijão!”.

Entretanto, é preciso interpretar os dados com cautela. Se alguém diz na comunidade que come feijão todo dia, não quer dizer que ela realmente faça isso. As pessoas se apropriam da virtualidade, muitas vezes, para experimentar diferentes identidades. A fala deve ser interpretada não como um relato fiel da realidade, mas sim como um ato social visando efeitos. Por isso é importante aproveitar as possibilidades de interação que a rede oferece e participar das atividades. A compreensão de um ato para quem está fora é muito diferente de quem está dentro. Contexto continua sendo crucial em pesquisa social.

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Pois bem. O curso está, finalmente, com as matrículas abertas. As aulas acontecem sexta à noite e sábado em Curitiba. Pra quem está em São Paulo ou Santa Catarina, é um pulo. 

Detalhe importante. Não é necessário ter graduação completa para fazer nosso curso. Caso o aluno não tenha concluído graduação antes de terminar a especialização, ele recebe o diploma de Profissional Especialista, sem Lato-sensu (pós-graduação). 

O conteúdo do curso é bem ousado. Teremos estudos culturais, antropologia, usabilidade, mobilidade, computação física, hipermídia e mais, tudo visto sob o prisma do Design. O objetivo é dar toda a base conceitual e prática para criar produtos interativos inovadores. O projeto pedagógico final pode ser visto na íntegra. Como pode-se ver por ele, não é um curso de Design  Gráfico, Design de Produto, Ergodesign ou Usabilidade. É um curso de Design de Interação nos moldes dos cursos europeus, com ênfase em aspectos sócio-culturais. 

O objetivo do curso não é só formar profissionais, mas também atrair a atenção da sociedade para
o Design de Interação. Ao invés de um curso teórico, optamos por um curso de studio, ou seja, os alunos estarão sempre desenvolvendo projetos inovadores para serem divulgados em blogs, youtubes e grande mídia. Os projetos que desenvolvi numa disciplina da Unisul servem como uma prévia do que virá na Especialização. Destaco:

Terminal Multimídia (Bruno Berreta, Felipe Miranda, Thais Cardoso).

Apanhador de Sonhos (Jordana Schulka, Nicole Geller, Lívia Remor, Silmara Poletto)

Tribograph

Palestras

No dia 10 de abril, vamos dar uma palestra gratuita para interessados no curso. Falaremos sobre Tendências no Design de Interação. Maiores informações e inscrições aqui. 

No dia 23 de abril, estarei em Blumenau falando sobre o Diferencial do Design de Interação na Maratona de Empreendedorismo na FURB.

Entre e Junho e Julho darei palestras sobre temas relacionados em várias cidades do interior de São Paulo no evento Planeta Web do Senac.

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A modernidade inaugurou a reprodução em massa de bens de consumo e obras culturais, ampliando a gama de setores sociais a serem incluídos na dinâmica econômica e cultural do comércio. Em tempos tardios, a cultura popular se identifica cada vez mais com a cultura de massa, reivindicando, na mesma medida, a participação em seu espaços e temporalidades. Experimenta-se, neste momento, diferentes formas de formalizar a participação popular na produção de bens e obras culturais.

O barateamento e simplificação e tecnologias para a produção de obras culturais, tais como computadores e câmeras de fotografia e vídeo, estão habilitando os membros da audiência dos meios de comunicação massivos a se tornarem também produtores efetivos. Acompanhando e ampliando o movimento, novos meios de comunicação, como a Internet e a rede de telefonia celular, disponibilizam canais de distribuição das obras, constituindo uma cadeia de reprodução horizontal. Profissionais de diferentes áreas de produção e reprodução de obras culturais discutem o rumo de tais mudanças no contexto da Internet sob a alcunha de “Web 2.0”.

Um dos pontos enfatizados na discussão sobre “Web 2.0” é a chamada “Arquitetura da Participação”, que indica uma estrutura informática preparada para a extensão e recombinação de seus elementos por qualquer um de seus usuários (APIs, código aberto, Web Services, etc). A questão que fica em aberto é como promover a participação popular na criação de tais estruturas. Como modelo de participação, são citados os projetos de Software Livre, que utilizam estas arquiteturas para a produção colaborativa de artefatos tecnológicos. Entretanto, para compreender e usar estas arquiteturas, é necessário um conhecimento técnico elevado, no qual não estão interessados muitos dos usuários dos softwares produzido por meio destas arquiteturas. Alguns projetos procuram superar esta dificuldade incluindo especialistas no comportamento do usuário em suas equipes, enquanto outros experimentam novas ferramentas que facilitem a participação popular.

Na indústria de software, a participação do usuário é historicamente marginal. Apesar de ser considerado referência para o processo de design (“design centrado no usuário”), seu papel não tem poder para interferir no processo diretamente. Mesmo que seja convidado a participar de certas dinâmicas para investigação de seu perfil demográfico, hábitos e contexto sócio-cultural, o usuário é tratado como objeto, não como sujeito de pesquisa. Ele não é considerado capaz de participar do processo de design, por isso, justifica-se a necessidade de especialistas que traduzam o comportamento exibido pelo usuário em determinações para o design. Apesar de hegemônica, esta abordagem não é uníssona no Design de Interação.

Design Participativo, por exemplo, é uma abordagem utilizada há décadas em diversas áreas — do Planejamento Rural ao Planejamento Urbano, passando pela Arquitetura, Design de Produtos e pela própria Engenharia de Software. Implica numa prática em que as pessoas influenciadas pelo que está sendo projetado participem ativamente de suas definições. No Design de Interação, esta abordagem começou a ser utilizada para a arquitetura de sistemas na Escandinávia, nos anos 70. Ampliou sua aplicação quando diversos estudos ligados ao trabalho colaborativo mediado pelo computador (CSCW) passaram a preconizá-lo como forma de tornar as interfaces mais adaptadas para as dinâmicas sociais que são por elas mediadas. A partir dos anos 90, algumas empresas produtoras de tecnologias passaram a incluir o design participativo no seu leque de métodos para a pesquisa e desenvolvimento de produtos.

Uma das vantagens do design participativo é sua capacidade em trazer para negociação múltiplos aspectos de uma mesma situação. Tendo a experiência da vivência real da situação, os participantes podem contribuir com propriedade, enfatizando os aspectos que lhe são cruciais. Como os interesses e vivências são diferenciados para cada pessoa, a negociação é um momento em que uma rica totalidade de visões converge ao debate. O resultado é uma síntese de múltiplas determinações calcadas na realidade, não uma visão idealista do que poderia ser e ainda não é.

No processo de design participativo de um software, a interface é apenas a ponta do iceberg; o tema principal das discussões são as possibilidades de uso do software, ou seja, para que ele servirá, como será apropriado por cada participante, qual será o impacto em suas vidas e etc. Neste sentido, o design participativo pode ser um meio para superar as delimitações de área por produtos (ex: Engenharia de Software, Design de Interfaces, Web Design), que induzem ao foco alienado nas micro-estruturas. Design de interação pela abordagem participativa representa uma das formas de implementar na prática o escopo amplo em que a área se auto-define: projetar interações entre seres-humanos.

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Então eu olho ao meu redor, vejo dezenas de objetos, cada um propiciando fazer algo que um dia eu quiz fazer. Queria ir de um lugar para o outro rapidamente, comprei um carro; queria comer pão torrado, comprei uma torradeira; queria minha roupa lavada automaticamente, comprei uma máquina de lavar roupas. Estes objetos realizaram meus desejos, mas será que também não foram responsáveis pelo surgimento de tais desejos? Antes de conhecer a torradeira, até que me satisfazia com pão frio...

Então quer dizer que o design, além de influenciar nossas ações, também influencia nossos desejos, sem que nos demos conta disso? Peter-Paul Verbeek escreve em What Things Do que “as coisas se escondem no meio das relações entre os seres humanos e o mundo e, dessa posição recuada, elas ativamente delineiam tais relações, transformando tanto a experiência quanto a ação.”

Por outro lado, na mesma medida e em sentido reverso, nossas ações e nossos desejos também influenciam o design das coisas.  

A cadeira não é feita pra ficar em pé porque temos o costume de sentar nelas. Se insistimos em deitar, seu design poderá ser atualizado para dificultar ou facilitar tal ação. As cadeiras das salas de espera nos aeroportos brasileiros tem braços compridos em ambos lados, não para maior conforto do usuário, mas para impedir que ele durma sobre elas. 

Aproveitando a oportunidade, um companhia norueguesa criou a Nemorelax, uma cabine futurística com poltrona reclinável. Pode ser que os usuários percam a vergonha de deitar em público em poltronas desse tipo e talvez até aceitem melhor a prática de deitar sobre bancos em outros locais, como praças públicas.

A interação entre design e comportamento promove a mudança, não necessariamente em sentido positivo. Muitas vezes, a intenção do design é justamente impedir mudanças no comportamento, como no caso dos cockpits de avião, constituídos de inúmeros comandos que só funcionam se acionados numa sequência padronizada. Entretanto, por mais que se esforçe para controlar o comportamento do usuário, este pode sempre encontrar um meio de escapar ao controle, seja com a intenção de salvar o avião de uma pane ou sem intenção alguma, como na queda do vôo Tam 3054.

Trata-se de uma relação dialética entre as práticas de produção e recepção, cuja influência mútua é a base de ambas existências, ou em outras palavras, produção existe para recepção e recepção existe para produção. Se tomamos qualquer um dos dois em separado, perdemos a dinâmica do movimento que os constituem.  

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Perfis são grupamentos de pessoas que compartilham certas características demográficas similares, tais como faixa etária, localização, quantidade de filhos e etc. O design baseado no perfil é o mais comum hoje em dia, porém, em vista das mudanças na sociedade, essa abordagem está se tornando obsoleta.

No mercado de massa, inicialmente havia apenas um perfil de consumidor: o homem ou a mulher média. Tudo era projetado para agradar este ser insólito. As medidas dos produtos tentavam abranger do percentil 5 ao 95%, ou seja, das pessoas de menor proporção corporal as de maior. Claro que, no final das contas, acabavam não sendo perfeitamente adaptados para nenhum dos percentis, pois o homem ou a mulher média simplesmente não existem; não passam de abstrações estatísticas. 

As pessoas não ligavam quando um produto era desconfortável, pois a concorrência entre as empresas ainda estava no patamar de custo e escala. Os produtos eram praticamente iguais, mesmo entre empresas diferentes. Se você não se adaptava a um produto, o problema era com você, afinal de contas, você é o diferente: alto, baixo, gordo, magro ou cabeçudo demais.

Recentemente, as indústrias perceberam que as demandas reprimidas das pessoas diferentes eram excelentes oportunidades de negócios. Bastava botar num mercado um produto segmentado para um perfil específico para se tornar sucesso de vendas, mesmo que o produto fosse de qualidade inferior.

Departamentos de marketing passaram a investir grandes somas em pesquisa demográfica visando descobrir segmentos em seus mercados. A cada iteração com o mercado, os marketeiros descobriam novos nichos, cada vez mais específicos. O grande nicho das “donas de casa” logo foi dividido em mulheres desquitadas, solteironas independentes e super-mães. Chegamos ao cúmulo de ter produtos segmentados para pessoas de pele morena, solteiras, de meia-idade, com alto poder aquisitivo e estilo tradicional! É por isso que as prateleiras dos super-mercados estão cada vez mais abarrotadas de variedades de produtos.

O problema dessa abordagem é que as pessoas estão mudando e se diferenciando mais rápido do que os fabricantes conseguem acompanhar. Num momento, a pessoa se encaixa no perfil, em outro momento não. Quando o produto que elas sempre consumiram muda de embalagem para atingir outro perfil, se sentem desprezadas. O contrário também acontece: se o produto não se atualiza, parece obsoleto.

Nos mercados em que a segmentação se encontra saturada, algumas empresas estão experimentando orientar o design do produto não pelo perfil, mas pelo comportamento real do consumidor. Mais do que pesquisas demográficas, estas empresas investem na mineração de dados e em etnografias. O conhecimento obtido por tais métodos podem não ser tão generalizáveis para outras situações, porém, são dados reais, não abstrações. A chance de informarem uma decisão acertada é muito maior.

A rede de supermercados Casa Fiesta oferece aos seus clientes um cartão que dá direito a ofertas especiais quando passado junto ao caixa. O cliente ganha o desconto e o supermercado fica sabendo exatamente o que ele comprou. Com base nestes dados, o supermercado pode acompanhar a eficácia das ofertas, ajustar e vender mais. Pode até gerar perfis de consumidores com hábitos similares, mas estes perfis serão muito diferentes dos baseados em dados demográficos. Aqui o que importa é o que a pessoa faz, não o que ela é ou diz ser.

O que não pode ser rastreado por meios automatizados pode ser alvo de pesquisa de observação, também chamada de etnografia. A Nokia mantém equipes em diferentes pontos do mundo para estudar a apropriação de seus produtos no cotidiano dos usuários. Descobriram que na África é comum a utilização de paredes como agenda de endereços compartilhada nos centros de aluguel de telefone celular. Pois bem, criaram o Nokia 1200 com uma agenda similar embutida. A Motorola também fez algo parecido para desenvolver o Motophone, um celular de baixo custo e fácil utilização, mesmo para analfabetos.

As possibilidades do design centrado no comportamento estão começando a ser exploradas. A tendência é que tenhamos cada vez mais produtos adaptados para o que desejamos fazer e não para o que nós somos, ou melhor, para o que os fabricantes acham que nós achamos que somos.

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O lance é embutir as técnicas de pesquisa no orçamento sem enfatizar isso. O orçamento é para análise de sistemas ou design de produto; as técnicas de pesquisa são só etapas essenciais para obter resultados de qualidade. Depois que o cliente aprovar o orçamento, vá mostrando aos poucos as vantagens da pesquisa e, no próximo projeto, é bem possível que o tabu esteja superado.

Pesquisa não custa caro demais, nem exige vasto conhecimento. Como disse numa palestra, todo design é sempre baseado em alguma forma de pesquisa, mesmo que não nos demos conta disso.

Gravei um podcast contando como descobri essa abordagem num projeto de mercado e como estou aplicando os conhecimentos acadêmicos na prática.

Pesquisa embutida no orçamento [MP3] 6 mb - 15 minutos

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É um trabalho teórico que aponta como pré-condições para as considerações éticas o conflito, a crítica e o poder. Como exemplo, tomo softwares proprietários como o Orkut e o MS Office, que restringem o poder dos usuários sobre seu agenciamento, e comparo com o Firefox, um software livre que favorece a crítica e o poder do indivíduo sobre seus artefatos.

Slides

Relevância da Ética no Design de Interação [MP3] 8 Mb - 14 minutos

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Parece um paradoxo, algo impossível de acontecer, simplicidade e sofisticação estarem num mesmo lugar, no mesmo objeto. Mas é real: empresas como a Apple e Google  estão chamando a atenção do mundo pelo fino equilíbrio entre essas qualidades. A Google saiu do fundo de uma garagem para se tornar uma das maiores empresas do mundo em menos de 10 anos graças à simplicidade de sua página e à sofisticação de seu mecanismo de busca. Só é preciso digitar uma palavra e apertar um botão para ter acesso a milhares de informações espalhadas na Web. A complexidade fica por conta do sistema, que realiza operações mirabolantes para indicar à pessoa as páginas mais relevantes.

Mas a simplicidade tem um preço: a simplicidade esconde mais do que revela. Olhamos para um objeto ou uma pessoa simples e pensamos: “puxa vida, gostaria de ser como aquela pessoa” ou “ter o que ela tem”. O que não sabemos é que ser simples não é simples. Um sábio indiano certa vez escreveu que o segredo da felicidade é “vida simples, pensamento elevado”. Tento aplicar isso em minha vida, mas é tão difícil... O problema é que, em nossa sociedade atual, a vida é muito complicada. Temos que desempenhar diversos papéis sociais, vivenciar dramas, equilibrar conhecimento, economia e prazer numa agenda sempre lotada!

A simplicidade está na moda porque a complexidade impera. A cada momento, multiplicam-se em progressão geométrica as coisas que precisamos conhecer, relacionar e interagir para sobreviver. Definitivamente, não damos conta de tudo. Quando aparece um deserto nesse mar de oásis, ficamos embasbacados, pensando como é possível que ninguém sacou antes que poderia ser simples assim? Esse efeito estarrecedor da simplicidade é pura ilusão. Na miragem, o iPod parece uma caixa com um botão, uma rodinha e um display que é a solução para as demandas de consumo de música do indivíduo. Desmistificada a elegância da simplicidade, percebemos que ao invés de solucionar qualquer coisa, o iPod complexifica ainda mais a vida das pessoas. Agora temos que escolher não uma dentre 10 músicas do Discman, mas uma dentre 5.000!

A última versão do iPod, agora com monitor sensível ao toque, comporta menos músicas, mas faz um monte de outras coisas: funciona como agenda, calculadora e navegador de Internet. Na verdade, a Apple aproveitou o sucesso do iPhone e fez uma versão sem telefone: o iPod Touch. Para quem já tinha um iPod anterior e acompanhou o lançamento do iPhone, ele parece tão simples quanto o primeiro iPod. Agora, para quem está de fora dessa cultura, ele é uma quimera tão assustadora quanto o programador de gravação do videocassete. Como diz John Maeda em seu livro As Leis da Simplicidade, “o conhecimento faz tudo mais simples”, logo a simplicidade não é universal: para alguns é simples, para outros, não.

É por tudo isso que não concordo quando alguém evoca o velho bordão do design cunhado pelo arquiteto Mies van der Rohe na escola Bauhaus: “menos é mais!” Eu pergunto: menos é mais para quem? Van der Rohe usava ela para aludir à racionalização extrema de recursos: usar o mínimo de material para obter o máximo de eficiência de uso. O modernismo almejava a padronização do cotidiano segundo leis de bem-estar pretensamente universais. Hoje em dia, ninguém acredita que isso seja possível, no entanto continua-se a repetir que “menos é mais”. É porque a frase adquiriu um novo sentido. Diante de tamanha abundância de produtos e tecnologia, oferecer menos é um diferencial de mercado, ou seja, destaca o produto. Hoje, menos é diferente, não é mais. Se fosse mais, as pessoas pediriam menos produtos, menos funcionalidades, menos consumo, mas não é o que se observa na prática: as pessoas querem sempre mais e mais! Menos é menos e mais e mais; não dá pra correlacionar quantidade com qualidade.

Assim como o protagonista do romance A Insustentável Leveza do Ser sente o peso do comprometimento com a liberdade quando se envolve com uma mulher, nós sentimos o peso da simplicidade quando sua complexidade inerente se desvela. Negar a complexidade é tapar o sol com a peneira: o caos se alastra inevitavelmente. Entretanto, precisamos crer em simples ideais para sobreviver ao caos que nos consome em nossa sociedade atual.

Nota: a idéia desse artigo é problematizar a visão simplista que se tem da relação entre simplicidade e complexidade, manifesta, por exemplo, na excelente (porém simplista) palestra do meu amigo Horácio Soares. O primeiro artigo que encontrei que me fez repensar a empolgação com a simplicidade foi o questionamento sobre a pretensa simplicidade do Google de Donald Norman. Depois, o contato com os projetos explorando os prazeres complicados dos seres-humanos no Royal College of Art me convenceram de vez a ser mais crítico a respeito dessa questão.

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O aquecimento global, a poluição dos rios, as intoxicações por produtos químicos e os acidentes de avião são algumas das conseqüências negativas da ação humana sobre o mundo. Por mais que não tivéssemos a intenção de obter tais resultados, somos os responsáveis. A questão que McDonough coloca é qual a intenção que nós, seres-humanos, queremos ter. Devemos continuar tendo a intenção de explorar a natureza sem pensar em suas conseqüências? Poderíamos ainda acreditar que a destruição da natureza é não-intencional se escolhemos este caminho?

O questionamento de McDonough é relevante para toda a humanidade, porém, é dirigido aos designers. O design acontece no início do processo produtivo, ou seja, o que é decidido nessa fase tem conseqüências sobre todas as outras. O design determina previamente a produção, o consumo, o descarte e a possível reciclagem de produtos. É uma responsabilidade e tanto.

Uma solução para racionalizar o consumo de recursos naturais defendida por McDonough e outros é a transição do design de produtos para o design de serviços. Ao invés de vender objetos, as indústrias devem vender os benefícios dos objetos. Sendo assim, o objeto pode ser constantemente reciclado pela indústria. Ao invés de comprar um purificador de água, você paga à Brastemp uma quantia mensal e recebe o serviço de purificação de água através de um produto que é mantido pela Brastemp em sua casa.

Este serviço se propõe a substituir outro já estabelecido no mercado: o galão de água mineral retornável. O discurso do galão se baseia na pureza da fonte natural de água, enquanto que o discurso do purificador se baseia na competência técnica do aparelho. O design do aparelho tenta evocar essa conotação de pureza através de simplicidade, branco e azul translúcido, mas os argumentos de venda enfatizam a capacidade técnica de filtragem já que, afinal, a dúvida primeira do consumidor é se a água é tão pura quanto aquela colhida na fonte.

Para que esta solução seja realmente sustentável, é preciso que ela atenda às intenções de uso dos consumidores. Se não atender, os consumidores simplesmente não vão pagar e todo o projeto vai literalmente por água abaixo. Por mais que designers tenham poder de decisão efetivo sobre a cadeia produtiva, consumidores possuem o poder de influência sobre a mesma.

As características dos produtos, portanto, não podem ser definidas somente com base nas intenções dos designers ou da indústria. A intenção embutida nos objetos projetados é coletiva, ou seja, trata-se de uma convergência de intenções advindas de múltiplos interessados. Mesmo as pessoas que bebem água direto da torneira por não ter poder aquisitivo para as soluções de água premium estão influenciando o projeto, já que as soluções premium fazem parte da estratégia de diferenciação social: “eu bebo água mineral; os outros bebem da torneira.” As intenções das pessoas em usar as soluções premium não são apenas de manter a saúde, mas também de satisfazer um gosto pessoal e/ou manter o status social. Prova disso é a tradicional água mineral Perrier, que custa até 10 vezes mais que as outras marcas, e as águas com sabor de frutas que começam a brotar no mercado brasileiro.

Daqui há alguns anos saberemos se a água filtrada “premium” da Brastemp conseguiu superar o status social da água mineral do galão ou se ficou no mesmo nível do velho filtro de barro. Outro produto da Brastemp que parece mais adequado às intenções sociais dos consumidores é o Prêt-à-Porter, um desodorizador de roupas que promete dar frescor àquelas roupas levemente suadas que a gente fica com pena de jogar na máquina de lavar e acabamos usando de novo. O motivo porque não jogamos na máquina não tem nada a ver com a poluição que causamos ao meio-ambiente com o sabão e a eletricidade usados no processo, mas sim com o trabalho que teremos para lavar, secar a passar a roupa. Com o Prêt-à-Porter, temos uma motivação a mais além da economia de trabalho: nós não passamos mais vergonha com o odor das roupas. Será que vai dar certo?

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No final da palestra será apresentado pela primeira vez em público o Instituto Faber-Ludens, uma iniciativa que estamos montando em Curitiba para realizar pesquisa de ponta e capacitação em Design de Interação. Mais detalhes no blog do Instituto.

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Se você já quebrou a perna e teve que subir uma escada de muletas, sabe a falta que faz uma rampa para uma pessoa que tem de usar muletas a vida inteira.

Quando você era criança, você queria ligar no orelhão pra passar trote e não conseguia porque era muito alto. "Telefone é coisa de gente grande", diziam os adultos, mas e quanto aos adultos que usam cadeira de rodas e precisa fazer uma ligação urgente?

Neste momento, enquanto você lê esse texto, você pode achar que a fonte está grande ou pequena demais para a sua vista. Se você tem um mouse com rodinha de rolagem, você pode segurar a tecla Ctrl (windows) ou Command (mac) e girar a rodinha; o texto vai aumentar ou diminuir de acordo com a sua vontade. Legal isso né?

Mas e se você não tivesse como usar o mouse? Sim, pode ser que você não tenha nascido com dificuldades motoras, mas pode adquirí-la futuramente se quebrar um braço, se for alcoólatra, se vier a sofrer de Parkinson e etc. Nesse caso, basta usar as teclas Ctrl ou Command combinadas com as teclas + ou - para ter o mesmo efeito.

Essas opções de acessibilidade estão embutidas no seu software navegador, mas se eu tivesse bloqueado a mudança do tamanho do texto usando uma medida fixa para a fonte, pode ser que você não conseguisse usá-las.

Porque eu faria isso? Ora, pra que meu layout fique sempre igual do jeito que eu quero e quem não conseguir ler, que diminua a resolução do monitor. Ou talvez eu faça isso porque é mais fácil. Se usar um tamanho de fonte relativo, terei que garantir que todo o layout se ajuste, o que daria um trabalhão e os clientes não iriam me pagar o extra. Não vale à pena.

Economizando desse jeito, logo consigo juntar uma grana pra comprar um PDA com acesso à Internet . Abro este site no navegador do PDA pra mostrar pros meus amigos e o danado do site fica todo desconjuntado porque eu mesmo defini que ele é "melhor visualizado com Internet Explorer 6.0, 1024x768 pixels de resolução e Flash Player versão 9 instalada". A vergonha dá pra disfarçar com uma desculpa esfarrapada, mas e se fosse uma situação crucial na qual eu precisasse muito das informações do site?

O fato é que, mais cedo ou mais tarde, seremos vítimas das barreiras que nós mesmos criamos. Se é assim, por que não se esforçar para evitar as barreiras? Nós saímos ganhando com isso; nossos amigos saem ganhando com isso; pessoas que nem conhecemos saem ganhando com isso; enfim, a sociedade como um todo sai ganhando com isso.

Oxo: exemplo de sucesso

Sam Farber tinha uma fábrica de utensílios domésticos chamada Copco nos Estados Unidos. Ele sempre se preocupou em criar produtos acessíveis para pessoas idosas e com deficiências físicas, mas isso não era o foco da empresa. Quando se aposentou, ele e sua esposa passaram algumas semanas na França e os utensílios à disposição eram terríveis para quem tinha artrite como a esposa de Sam. Sam decidiu voltar à ativa e fundou a Oxo International com a proposta de design universal como missão da empresa. Os novos produtos ganharam visibilidade na mídia e cairam no gosto popular. Mesmo quem não tinha nenhuma deficiência, preferia comprar Oxo pela facilidade de uso. A empresa ganhou vários prêmios e Sam pode se aposentar de novo, agora com a satisfação de ter contribuído e muito para um mundo melhor.

Acessibilidade em três passos

Primeiro passo: não exclua ninguém, a não ser o preconceito. Mesmo que determinadas pessoas não se encaixem no público-alvo do projeto, elas devem ter livre acesso. Você não gostaria de ser barrado numa portaria de um prédio só porque não faz parte do "público-alvo" do prédio, não é mesmo? Discriminação é crime, mas, através do design, a discriminação pode se reproduzir da forma mais cruel e imperceptível possível, mesmo aos olhos do próprio designer. Designers precisam conscientizar-se de que o diferente não é ameaçador; pelo contrário: é com ele que aprendemos coisas novas.

Segundo passo: flexibilize o acesso. Todas as pessoas são iguais perante à Lei e, portanto, tem os mesmos direitos. No entanto, a maneira como cada pessoa goza de seus direitos é diferente, já que cada pessoa tem um corpo diferente, pensa diferentemente e age diferentemente. Os objetos e ambientes projetados são os mesmos para muitas pessoas, mas eles podem ser flexíveis a ponto de suportar algumas diferenças básicas. Algumas pessoas são altas e outras baixas e, para não impedir o acesso de ambos, devemos ter degraus baixos e portas altas. Nivelamos pelo percentil 5 e 95 . Quando a diferença é na percepção sensorial, devemos oferecer conteúdo alternativo para outros sentidos: textos que podem ser lidos por surdos oralizados ou sintetizadores de voz para cegos, por exemplo. Por fim, devemos permitir que as pessoas acessem com diferentes apetrechos (carro ou bicicleta; laptop ou smartphone) e encontrem caminhos alternativos para chegar onde elas querem (sinalização de orientação ou balcão de informações; navegação por menus ou busca por palavra-chave).

Terceiro passo: se coloque no lugar do outro. Teste o que você projetar. Baixe o leitor de telas Jaws e tente navegar no seu website de olhos fechados, usando apenas o teclado. Se você não for cego, isso só vai te dar uma sensação próxima da que passará um cego de verdade, pois ele não poderá abrir os olhos quando chegar numa parte confusa. Por outro lado, eles estão muito mais acostumados do que você a se virar em situações como essa. Celebre a diferença observando como as outras pessoas acessam seus projetos e aprenda com isso. Tome como guia os princípios de Empatia e de Crítica.

Chamando à responsabilidade

A Acessibilidade é uma área que justifica especialistas como os meus colegas da Acesso Digital, mas isso não significa que todo o trabalho deve ser empurrado a alguém que entenda do assunto. Entender do assunto é responsabilidade social de todo designer. O design acessível pode permitir que as pessoas façam coisas maravilhosas que, sem ele, seriam impossíveis. A Leda e o MAQ sempre foram vozes muito ativas nas atividades da Acesso Digital e nesse vídeo não foi diferente. Quem viu, viu; quem não viu, ouviu; quem não ouviu, leu e quem não viu, não ouviu e não leu, não sabe o que está perdendo.

[nota] Aproveitei para criar uma nova seção neste blog para agregar tudo o que já escrevi sobre Acessibilidade. Como disse o Horácio, depois que conheci o pessoal da Acesso Digital, estou me tornando também um acessibilidoido.

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Na dominação direta, a cultura dominante é imposta explicitamente, como no caso da catequização dos índios no Brasil, da colonização britânica na Índia, do nazismo na Alemanha e do comunismo na China. Propaganda, repressão e rituais públicos são recorrentes.

Na dominação indireta, a cultura dominante é sugerida implicitamente, como no caso da recorrente volta aos clássicos Gregos, da descoberta do pacifismo indiano e da globalização do American Way of Life. A propaganda também é central, mas se imiscui em diferentes "produtos culturais": livros, jornais, revistas, filmes, programas de televisão, produtos de consumo e etc.

Em ambos os casos, o design é um meio importante para reproduzir (ou não) o etnocentrismo.

No livro The Authority of Everyday Objects, Paul Betts conta que o governo nazista estava muito preocupado em controlar como a cultura da nova Alemanha se espalhava. Todo mundo sabe que eles incendiaram em praça pública livros que não coadunavam com seus ideais de beleza e verdade, mas também o fizeram com objetos de mobília que simbolizavam a cultura degenerada de outrora.

Este cartaz da época diz que "Todos os Alemãos escutam o Fuhrer com o Receptor de Radio do Povo!" O rádio projetado por Walter Kersting serviu a domesticar a engenharia social da modernidade nazista. A casa e seus objetos foram apropriados pela ideologia nazista para dar ao povo a segurança de que aquele era finalmente um caminho de progresso estável.

O etnocentrismo radical do nazismo parece passado superado da sociedade em relação aos dias de hoje, mas se observamos criticamente as forças que promovem a globalização, veremos que elas partem de determinadas etnias que detém o poder econômico no mercado global. A cultural global não é a soma das culturas regionais, nem tampouco a consensualização dos elementos comuns entre as culturas, mas sim uma imposição massiva dos valores dessas etnias dominantes.

Essa foto creio que diz tudo:

Ao contrário do que você provavelmente deve estar pensando, essa africana da Tribo Mursi não usa o iPod que segura nas mãos. Ela está posando para a foto porque foi paga por algum fotógrafo sarcástico (veja a grana na mão embaixo do iPod). Segundo Gabriel Shaw, a Tribo Mursi vive relativamente isolada do resto mundo graças a estar localizada dentro de um parque nacional, mas a guerra com outras tribos é uma constante e é comum ver os mursis andando com armas nas mãos. A foto foi encontrada numa galeria de fotos mostrando o iPod ao redor do mundo.

O design, a propaganda e os rumores sobre o iPod fazem-no parecer um produto universal, adequado para todas as culturas, todos os gostos, todos os estilos, todas as pessoas. Usando o iPod você estaria em paz com todas as culturas, ao mesmo tempo que manteria a sua própria individualidade. Você escuta seu som sozinho e não incomoda ninguém. Essa mensagem é explícita nas propagandas oficiais do iPod:

Nós, brasileiros, aceitamos a universalidade do iPod só porque nossa cultura é dominada pela cultura que gerou o iPod, centralizada na figura dos Estados Unidos. Apoiamos o culto ao individualismo como se fosse consonante com a nossa própria cultura (que não é tão individualista quanto a deles).

Segundo uma interessante pesquisa sobre hábitos de consumo de música, em Hong Kong, o iPod vende muito menos que os mp3-players baratos de diversos fabricantes. O quente lá não é ouvir 5.000 músicas diferentes, mas sim escutar as "10 mais" diversas vezes. Os websites que listam os hits do momento tem papel fundamental na decisão sobre o que ouvir.

Será que a coletividade também é predominante no Brasil? A comparação das homepages do Mercado Livre e do Ebay sugerem que sim.

Enquanto um enfatiza os leilões que estão acabando e a variedade de produtos (Whatever it is.. you can get it on Ebay - Seja o que for... você pode conseguir no Ebay) o outro enfatiza a preferência do coletivo.

Os Mp4 e Mp3 players também são mais buscados e mais vendidos no Brasil do que o iPod. Na categoria Mp4, aparece o modelo Sansa e200 que tem um hotsite muito interessante descoberto no comentário do Luli Radfahrer sobre a doutrina do design. O hotsite do Lil´ Monsta (pequeno monstro) deixa claro que o player não é voltado para o mesmo público do iPod. Uma das funcionalidades ressaltadas é a capacidade de sintonizar rádios FM, algo impensável num iPod. Um iPodeiro inveterado diria "pra quê ouvir a rádio, se eu posso escolher dentre as minhas 5.000 músicas?" Pois as rádios trazem novidades e tocam as músicas sucesso do momento.

Não diria que o design do Lil´ Monsta é menos etnocêntrico do que o do iPod. Ele também é um artefato que serve para mostrar que seu portador é melhor do que os outros que não o possuem.

Nesse setor, acho que o mp3 player genérico chinês é o menos etnocêntrico. Sua aparência não é arrojada, ele é bojudo e deselegante, mas, pelo preço, funciona muito bem! O design não me parece desvalorizar outras culturas, mas é mais um exemplo que reforça a estratégia chinesa de colocar no mercado global produtos genéricos a um custo extremamente baixo.

Christopher Woebken desenvolveu no Royal College of Art um projeto que vai na contramão dos exemplos acima: Escape Headphones. Trata-se de um aparelho voltado para as pessoas que tem medo de estar em lugares apertados, com a sensação de que não poderão sair se precisarem numa emergência. O headphone sintetiza sons de acordo com a distância de objetos próximos, tornando o ambiente maior do que parece. Christopher diz que ficou especialmente interessada em como os cegos lidam com esse medo.

O projeto nem desqualifica quem possui a fobia, nem tampouco oferece uma cura paternalista. Trata-se de uma exploração para entender melhor o outro.

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Como todo ideal, o holismo é inatingível na prática. Nem um batalhão de designers conseguiria dar conta de todas as possibilidades na criação de um produto. E mesmo que dessem conta, não conseguiriam controlá-las depois que o produto começasse a ser usado pelas pessoas. Mas, por perseguir o ideal, os designers fazem melhores previsões e os produtos tem maior chance de sucesso.

O holismo pode até ser usado como argumento de venda. Há alguns anos atrás, por exemplo, a Tramontina usava um slogan que acabou caindo no gosto popular: “Tramontina é BBB: Bom, Bonito e Barato”. Se antes de escutar o slogan uma pessoa achava que os produtos da Tramontina eram bons, agora ela poderia perceber que eles também eram bonitos e baratos.

Na hora de comprar, é muito complicado para o consumidor considerar todos os aspectos do produto em relação à sua própria vida. Enquanto não se pode usar o produto no dia-a-dia, não se pode saber o seu real valor. O máximo que ele pode fazer é observar como as outras pessoas usam e o que elas dizem sobre, mas isso toma tempo. O consumidor acaba, na maioria das vezes, escolhendo o produto por uma característica em particular que lhe chama a atenção, algo que ele tem certeza que terá valor.

Esse apego ao detalhe persiste depois que o produto passa a fazer parte da vida da pessoa. Aos poucos, a pessoa vai descobrindo em que local da casa o produto fica melhor, o que ele faz bem feito, com quais outros objetos ele combina e etc. Como a vida está sujeita às transformações da história, essas relações são constantemente modificadas. O que combina com o estilo de vida hoje pode não combinar amanhã; o que funciona hoje pode não funcionar amanhã. Esse processo de ressignificação não termina nem mesmo quando o produto é jogado fora.

Eu, por exemplo, não me esqueço da minha primeira bicicleta que ganhei do Papai-Noel; não me esqueço dos utensílios domésticos que comprei quando me casei; não me esqueço da primeira vez em que usei o iPod de um amigo.

O tempo passa, a memória muda. Algumas pessoas dizem que fica mais fraca, mas pra mim me parece o contrário. O que permanece na memória são as coisas importantes e, conforme ficamos mais experientes, nossa memória se torna mais seletiva sobre o que é importante.

Da bicicleta, eu me lembro da pegada do guidão; dos utensílios, eu me lembro do preço baixo; do iPod, eu me lembro do barulhinho que fazia ao girar o dedo sobre o disco central. Lembro desses detalhes porque foram importantes para a situação em que eu vivia e continuam sendo importantes hoje.

O holismo é uma abordagem interessante para o Design, mas o que encanta são os detalhes. Melhor do que tentar abranger todos os aspectos possíveis é buscar aqueles que serão mais importantes para as pessoas numa determinada situação. Perde-se em generalizações, ganha-se em particularidades. Não é à toa que produtos encantadores parecem que foram feitos sob medida...

Publicado originalmente na Revista Design do site da Tramontina Design Collection.

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O fato é que não se pode controlar o comportamento humano. Pode-se tentar induzir, mas o sucesso da indução dependerá da aceitação por parte de cada ser humano. Sendo assim, não basta que o Google mude isso ou aquilo no Orkut para que o comportamento das pessoas se torne como elas gostariam que fosse.

Muitas pessoas sugerem que o scrapbook seja privado, ou seja, só o dono possa vê-lo. No Orkut é comum outras pessoas (concorrentes) se valerem do espaço público (scrapbook) para deixar a pessoa (namorado) numa situação complicada em relação a uma terceira pessoa (namorada). O scrapbook privado impediria que a namorada visse, mas não impediria que ela ficasse com ciúmes. Poderia ser até pior. Imagino namoradas exigindo a senha de namorados e vice-e-versa para verificar se há recados comprometedores por ali.

Assim como numa relação amorosa é preciso aprender a lidar com o ciúmes negociando com o outro, no design de interação é preciso reconhecer o conflito entre as intenções das pessoas e os agenciamentos (capacidades de agir) do sistema. Esse conflito não acaba, mas transforma-se. Perceber e prever essa transformação é o métier do design de interação.

Há mais de um ano venho pensando num modelo que unifique esses dois aspectos do design de interação. No Domínio do Design de Interação montei um ciclo de retroalimentação entre pessoas e sistemas: as pessoas fazem coisas e os sistemas suportam o fazer, cada qual sendo alterado pelo outro simultaneamente. Nos Fundamentos para o design de interação, sobrepus ao diagrama as atividades projetuais de pesquisa e planejamento. A pesquisa trataria de descrever o que as pessoas fazem e o planejamento de prescrever o que eles devem fazer.